Lorsque Lou Reed compose “Berlin” en 1973, la critique n’est pas tendre à son égard. Et son elpee est boudé par le public. Lou aura beaucoup de mal à se remettre de cet échec et va commencer une longue descente aux enfers de l’addiction… Evidement, la suite est une autre histoire. Pourtant, en prenant du recul, on peut considérer cet opus comme un véritable chef-d’œuvre. Mais particulièrement sombre. Trop sombre, sans doute. En fait, ce concept album raconte l’histoire d’un couple, qui emprisonné au sein du mur de la honte, s’abandonne aux drogues, au sexe, à la trahison et à la violence. Une tragédie qui n’aura qu’une seule issue : la mort.
Il y a trente ans que Reed cherche à mettre en scène cet opéra-rock. Et en décembre 2006, son rêve est devenu réalité. Il va ainsi interpréter, entouré d’une solide équipe de collaborateurs, dont Fernando Saunders Steve Hunter, Rob Wasseman, Rupert Christie, Antony Hegarty et Sharon Jones, sans oublier les chœurs du Brooklyn Youth ainsi que des cuivres et des cordes, l’intégralité de cet ouvrage. Pendant quatre jours. Au St Ann’s Warehouse de Brooklyn. Une série de dates qui feront l’objet d’un Dvd et de ce cd. Produit par Bob Ezrin (NDR : c’était déjà lui qui avait mis en forme la mouture originale) et Hal Williams, ce ‘live’ est enrichi de trois bonus tracks : la cover du Velvet Underground, au cours de laquelle il partage un duo en compagnie d’Antony des Johnsons, « Candy says », « Rock minuet » et le hit intemporel « Sweet Jane », trois plages qui alimentent le film du même titre signé par Julian Schnabel.
Projet très ambitieux ce ‘live’ nous replonge au sein d’un univers conceptuel qui faisait référence au cours des 70’s. Aussi, si vous n’êtes pas issu de cette génération ou êtes peu réceptif à la discographie de Reed, vous risquez fort de ne pas trop apprécier cet elpee. Voire même de l’abandonner en cours de route. Pourtant, les musiciens sont irréprochables. Lou est au sommet de sa forme. Mais proposé sous cette forme thématique, il est très difficile pour un néophyte d’accrocher à cette musique angoissante, austère, nonobstant la grande intensité instrumentale. En outre, il ne faut pas oublier que « Berlin » est considéré comme un des albums rock les plus déprimants de tous les temps. Et comme pour l’instant, il manque de soleil…
Authentique légende du dancehall, le grand Sugar Minott affiche plus de soixante albums au compteur. L’homme est toujours en grande forme vocale, et il le prouve sur « New Day », premier album en quatre ans réunissant quinze titres réalisés entre la Jamaïque, les Etats-Unis et la Grande Bretagne. Le producteur anglais Roman Pryce s’est chargé de la musique et une flopée d’invités est passée lui dire bonjour… et pas seulement… : Toots Hibbert des Maytals, Andrew Tosh, Sly Dunbar, Bongo Herman, pour n’en citer que quelques uns. L’elpee contient quelques morceaux très dancehall qui ont fait la légende de Sugar. Entre romantisme échevelé et appels à la fraternité, Sugar Minott reste fidèle à ses idéaux : des plages comme « Show Me A Sign », « One Life », « Reach’in Out 2-U », l’excellent « I’ve Been Workin’ », « Lover’s Rock » et « Keep the Fire Burnin’ » nous renvoient aux superbes travaux produits par Sugar Minott à la fin des années 70 et pendant les années 80. Les styles plus contemporains ne sont pas absents, comme en témoignent le beat ragga de « Gettin’ It On », l’atmosphère éthérée de « Good Friends » ou encore « Oh Mamma », en duo avec Andrew Tosh. C’est du travail de haut niveau, même si on ne peut s’empêcher de penser qu’il manque cette petite touche magique émanant de Jamaïque il y a trente ans… « New Day » n’est donc pas un chef d’œuvre, mais s’avère de très bonne tenue, ‘soulful’ à souhait, ce qui devrait suffire aux nombreux fans de Sugar.
Suffit de lire les notices de la pochette pour savoir que le deuxième album de Malibu Stacy a été enregistré aux studios Headgar de New York, sous la houlette de Scott Norton (TV On The Radio, CocoRosie), mixé par Mike Major (At The Drive In) au Mike’es Mix Room, en Floride, et masterisé au Sterling Sound de N.Y. par Steve Fallone (The Strokes). Faut croire que le sextuor est fasciné par les States, puisque pour réaliser leur premier clip vidéo, il s’était rendu à Los Angeles.
Mais venons-en au contenu de cet opus. Tout d’abord, il recèle une majorité de compos pop bien dans le style du premier elpee. C’est-à-dire pas facile à assimiler à première écoute, même si les mélodies peuvent paraître contagieuses ou hymniques. A la limite, dans ce style, le type de chanson évoque à nouveau Ficher Z. Et les inflexions, alors proches de John Watts accentuent cette impression, tout comme les chœurs qui les soutiennent. Maintenant, il est vrai qu’en filigrane, on décèle toujours quelques traces de Weezer et de Maxïmo Park, mais elles sont de plus en plus diluées. Heureusement le combo a le bon goût d’essayer de varier sa palette sonore. A l’instar de « Maria », plutôt proche de la comédie musicale, du slow crapuleux (NDR : ce mid tempo !) « Duck and cover », qui aurait pu naître au cours des seventies, si l’instrumentation n’avait pas été aussi contemporaine et puis du final « White teeth », notamment lorsque le rythme emprunte un tempo new wave. C’est le moment choisi par les cordes de guitare pour grésiller frénétiquement comme à la plus belle époque de Wedding Present. Pourtant, les deux plages qui me bottent le plus sont aussi les plus enlevées. Tout d’abord l’intro « Hotel de police », caractérisé par ses vocaux reverb, dispensés dans l’esprit de Roy Orbison et puis surtout le violent, véhément et punkysant « Older bolder (and stuff like that…) » qui devrait faire un malheur sur les planches. Et à mon humble avis, c’est sans doute aussi dans ce créneau que le groupe a le plus de chance d’asseoir sa crédibilité…
S’il existe bien un producteur imprévisible et étrange, c’est bien Madlib. C’est peut-être la raison pour laquelle ce producteur californien a été chargé de clôturer la prestigieuse série « The Beat Generation », qui a bénéficié de la collaboration d’invités illustres comme J Dilla, Jazzy Jeff, Pete Rock ou encore Marley Marl. Le concept de cette série d’albums est de donner ‘carte blanche’ au beatmaker hip hop pour qu’il puisse se laisser aller à ses délires musicaux les plus fous, sans penser aux conséquences.
Madlib les a donc pris au mot et s’est lancé dans un furieux délire d’une vingtaine de titres, entouré de son frère Oh No, de Talib Kweli ou encore de la géniale Georgia Anne Muldrow. Madlib est capable d’entretenir des atmosphères les plus étranges et menaçantes comme dans l’introductif « The New Resident ». Mais aussi de pondre des hymnes rap comme « Blow The Horns On ‘Em » que Guilty Simpson rehausse de sa présence au micro ou encore l’excellent « Life », flanqué de Karriem Riggins. Et même encore se perdre dans les délires hallucinogènes. A l’instar de cet étrange « Heat » où il déballe son rap un peu bancal… Sans oublier la soul futuriste de « Yo Yo Affair »… Audacieux, psychédélique et complètement fou, on aimerait que tous les disques de hip hop soient aussi surprenants et passionnants que ce « King of the Wigflip »…
Actrice (NDR : et star !) au cours de son enfance, Jenny Lewis s’est reconvertie dans la musique country alternative en 1998. Mais avant d’entendre sa jolie voix, vous avez peut-être eu l’occasion d’admirer ses talents de comédienne dans le très beau film « Pleasantville » ou les séries « Roseanne » et « Alerte à Malibu ». Pourtant, « Acid Tongue » ne constitue que son deuxième elpee solo. En fait, parallèlement à son projet en solitaire, elle milite au sein de Rilo Kiley ; un groupe déjà responsable de cinq elpees à ce jour.
« Acid Tongue » fait suite au très convaincant « Rabbit Fur Coat », paru en 2006. Toujours d’inspiration country alternative, il s’avère néanmoins bien moins réussi que le précédent opus. Trop conventionnel, il suscite rapidement l’ennui. En fait, tout au long de cet elpee, elle marche constamment sur les traces de ses sources d’inspiration principales : Loretta Lynn et Dolly Parton. Chacune des compos a beau nous transporter au cœur des grands espaces américains, on a beaucoup de difficultés à accrocher aux mélodies. Et ce n’est pas la présence d’invités prestigieux dont Elvis Costello (sur l’affreux « Carpetbaggers »), M. Ward ou encore Chris Robinson (des Black Crowes) qui y change quelque chose. Jamais les compos ne parviennent à s’extraire de leur académisme. Tout n’est cependant pas médiocre (Jenny possède une très belle voix et peut s’appuyer sur d’excellent musiciens) ; en outre, j’insiste pour sauver du naufrage le très beau et énergique « See Fernando » du reste de l’album…
19 ans après « Bulletproof Heart », son précédent ouvrage, la plus fameuse des chanteuses/actrices/mannequin a retrouvé le chemin des studios d’enregistrements. Celle qui a fêté ses 60 ans en mai dernier s’offre une nouvelle parenthèse sonore au sein du label Wall Of Sound. Précédé d’un « Corporate Cannibal » que Massive Attack n’aurait pas renié, « Hurricane » est partagé en neuf compositions traduisant la volonté de la panthère noire d’explorer des nouveaux terrains de jeu, du trip hop au rock en passant par un reggae à la Sly & Robbie.
Plus abouti que « Bulletproof Heart », ce nouvel ouvrage souffre néanmoins d’un manque d’homogénéité. Grace Jones saute d’un genre à l’autre sans transition pertinente. La face sombre de la diva, également la plus alléchante, passe malheureusement au second plan. Illustré par les très bons « Devil In My Life », « Corporate Cannibal » ou « Hurricane » (co-écrit par Tricky), le côté obscur de l’œuvre est noyé par des morceaux upbeat surproduits (« Sunset Sunrise », « Well Well Well », « Love You To Life »…) Si on est bien conscient que le retour de la déesse des années 70/80 constitue davantage qu’un petit caprice, il faut reconnaître que le tourbillon annoncé a laissé place à un courant d’air…
Cette pochette et ce livret intérieur sont du plus mauvais goût. Ils évoquent les pires clichés du hip hop, voire de certains groupes de hair metal des années 80. Pétasses blondes aux gros lolos, hôtels de luxe, voitures impayables, look de poseurs machos, drapeaux américains et whisky à gogo. Mais faisons abstraction de ce déballage nauséabond pour se concentrer sur le contenu de cette deuxième rondelle de Hinder, formation issue de l’Oklahoma (NDR : On l’aurait deviné).
« Use Me », le titre d’introduction démarre plutôt fort, et nous replonge à l’époque ou Kiss, Motley Crüe et Bon Jovi squattaient les premières places des charts américains. Gros son, production bétonnée, refrain glamour…Tout y est ! « Loaded and Alone » enchaîne sur une tonalité big rock façon David Lee Roth. Mais dès le troisième titre, le ton change. Les grosses grattes bien grasses et la voix éraillée d’Austin Winkler deviennent cajoleuses, pour ne pas dire ennuyeuses et racoleuses ! C’est déplorable, mais on comptabilise pas moins de sept ballades sur les onze titres de ce brûlot qui avait pourtant bien commencé. Heureusement l’excellentissime « Take it To the Limit », titre maître de l’opus, parvient à redresser la barre. Une sixième plage salvatrice, rehaussée par la présence de Mick Mars, guitariste de Motley Crüe. Elle aurait même pu rivaliser avec le hit comparable « Bed of Nails » d’Alice Cooper, dans les eighties. Pêchu et mélodique, ce titre réussit à sauver à lui seul un album un tantinet trop mou du genou pour convaincre les infâmes headbangers que vous êtes… et que nous sommes… Trois bons morceaux sur une grosse production metal américaine c’est un peu maigre ! Ressortez de vos tiroirs un bon « Shout at the Devil » ou un solide « Stay Hungry » plutôt que de dépenser inutilement vos précieux deniers.
Veence Hanao est loin d’être un illustre inconnu. Enfin, si vous vous intéressez au hip hop bruxellois. Mais pour les néophytes, une courte présentation s’impose. En fait, ce jeune emcee/beatmaker hyperactif multiplie les expérimentations novatrices depuis quelques années. Que ce soit Festen (dans une veine proche de TTC) ou encore Autumn, les projets réalisés par Veence Hanao (en compagnie de ses compères Noza et Teme Tan) volent bien au-dessus de la mêlée. Ils ont d’ailleurs toujours téléchargeables gratuitement sur le net…
« St-Idesbald » constitue le premier disque commercialisé de Veence Hanao, une œuvre intimiste réalisée en quatre mois dans une maison de la côte belge, loin des distractions de la capitale. Pour l’occasion il s’est privé des excellents beats de son complice Noza et a composé toute les musiques du disque. « St-Idesbald » est un disque hivernal et enfumé. Les thématiques y sont surtout personnelles (rupture, remises en question). Les musiques croisent souvent des vieux samples de jazz calés sur des beats électro acides et un traitement audacieux des voix. Veence Hanao sabote allègrement les formats classiques et cherche surtout à se faire plaisir. Tout n’est certainement pas réussi, mais quelques titres sont tout bonnement excellents. On citera le mélancolique « Manège », l’interlude « Solitude », la tension de « Il(s) », l’acide « Ils écoutent du rap » ou encore ce « Force et Honneur » en forme de manifeste. Du bon boulot fait en toute sincérité et sans calcul, par un artiste qu’il faut tenir à l’œil !
« Assiko » constitue le troisième et excellent album de cette fanfare béninoise placée sous le signe du Ganbe, ‘le son du métal’ en fon. La musique du Ganbe Brass Band est le fruit de la fusion des rythmes traditionnels béninois aux éléments de jazz et de funk. Les composants folkloriques renvoient aux sonorités et rythmes du Nigéria, pays géographiquement proche. « Assiko » est un disque nerveux et mélodique, doté d’un énorme sens du groove et traversé par d’excellentes improvisations jazz. Mais la fanfare n’est pas qu’instrumentale puisque les intermèdes chantés en français et en fon sont légion. Le disque recèle des odes à l’Afrique (« Beautiful Africa »), à la paix (« Salam Alekoum »), à l’amour (« Rakia ») ou tout simplement à l’éducation (« Sida »). Un disque furieusement vivant partagé en douze morceaux de grande qualité, trempés dans la chaleur humaine et reflétant un optimisme jamais béat. Vivement conseillé !
Les 7 et 8 juin 2008, les Foo Fighters sont parvenus à remplir le pharaonique stade de Wembley. Un privilège qui n’est accordé qu’à des grosses pointures telles AC/DC ou Metallica dans le domaine du rock lourd. C’est dire si Dave Grohl devait baigner dans le bonheur lors de ces deux dates historiques accordées à son groupe ; car même quand il était batteur de Nirvana, il n’avait pas connu pareil triomphe au pays de Sa Majesté.
Appelé sobrement « Live at Wembley Stadium », ce set témoigne d’un set rondement mené, une prestation au cours de laquelle on ne s’ennuie jamais. Et tant la réalisation vidéo qu’audio confirme cette impression. Foo Fighters s’avère d’ailleurs beaucoup plus metal que sur CD. Au sommet de son art, il réussit à faire parler la poudre. Mais surtout à convaincre l’immense foule réunie à Wembley. Un pari qui n’était pas forcément gagné d’avance. La qualité des interprétations ne faiblit jamais durant les quatorze classiques interprétés ces soirs là. Nous revivons ainsi les grands moments de la discographie des Fighters. La puissance y est même décuplée. « The Pretender », « No Way Back », « Breakout », « Skin and Bones », « My Hero », « Everlong », “Cold Day in the Sun”, “Monkey Wrench”. Que du brut de décoffrage! Mais le comble de l’extase est atteint lorsque les deux Led Zeppelin, Jimmy Page et John Paul Jones, débarquent pour les rappels, sur l’immense scène dressée au centre du stade. « All My Life », « Rock n’ Roll » et « Ramble On ». On imagine l’émotion de l’ex Nirvana durant cette trop courte apparition de la paire Page/Jones plus enjouée et complice que jamais. Un très grand moment, heureusement immortalisé sur ce « Live at Wembley Stadium »…
Lorsqu’on est la sœur d’un artiste notoire, il est parfois difficile de passer sous silence ce lien de parenté ; surtout dès que les projecteurs se focalisent sur soi. Et il est d’autant plus ardu d’y parvenir, quand le frère en question est responsable de la confection de quasi-totalité d’un album. En gros, on doit l’assumer, point barre. Coralie Clément semble très bien s’en accommoder et nous présente même, assez fièrement, le travail de fratrie opéré entre elle et Benjamin Biolay : « Toystore ». Je dois avouer qu’à premier abord, je n’étais pas très chaud d’en connaître le contenu. Les albums précédents de la belle n’avaient pas gravé dans ma mémoire, un souvenir impérissable. En outre, en y mettant la dose, Biolay m’avait complètement saoulé…
In fine, après écoute, la galette passe mieux la rampe. Balayé de maracas et d’accords d’ukulélé, le premier bricolage familial se décline sous le titre de « L'effet Jokari ». Il plante le décor tout en douceur et fraîcheur. Comment ? En faisant vibrer ces objets aussi variés qu’amusants. Tout l’album s’enroule ensuite plus ou moins dans le même style. Autour du bâton, vient se coller des filaments de sucre, qui n’ont de cesse de prendre du volume au fur et à mesure des rotations. Que ce soit en anglais (« So Long Babyline, « Share The Day»), en italien (« Sono io »), en duo (« Je ne sens plus ton amour » partagé en compagnie de Daho et « Sono io », de Chiara Mastroianni), chaque variante a son cachet. Elle apporte sa petite touche personnelle à cette barbe à papa de foire. Même la reprise de « La Reine des Pommes », que Lio chantait dans les années 80, en deviendrait presque savoureuse. Toujours sobre et charmant, « Toystore » embrasse un romantisme frais et réfléchi, en proposant des textes simples sur des compos enfantines. Pourquoi faire compliqué, quand on a tout pour faire simple ? Coralie Clément aurait-elle trouvé sa voie, et un univers qui lui convient ? Attention, en tout cas, de ne pas en abuser. Trop de sucre finit par écœurer…
Bordé des trois côtés par les rivières Hudson, Harlem, Bronx et East River, le Bronx, quartier injustement qualifié de repères des gangs les plus dangereux, est l’unique borough de New York rattaché au continent américain. The Bronx, c’est aussi le nom d’un solide groupe punk qui, paradoxalement est originaire d’une région beaucoup plus assimilée au rêve américain : le Sud de la Californie. On se souvient d’un brillant album éponyme sorti en 2003 et de son successeur tout aussi jouissif paru trois ans plus tard. Pour ce troisième opus, le combo s’est acoquiné au producteur Dave Shiffman, coupable de l’excellente production d’œuvres signées The Mars Volta ou System of a Down. Toujours aussi influencé par le Black Flag de Rollins et Iggy n’ the Stooges, The Bronx s’immisce sans complexe dans la mouvance punk revival ‘Made in USA’ et n’a rien à craindre des Rancid et autres NOFX ou Pennywise. Matt Caughtran soigne tout particulièrement la qualité de son chant et de ses textes, empreints de multiples réflexions sur la société occidentale et ses carences. D’un point de vue plus strictement musical, The Bronx se distingue de cette nouvelle scène par cette rage authentique qui caractérise les onze plages de cette troisième livraison rugueuse et revendicatrice à souhait.
Nettement moins commercial que l’ensemble des groupes punk ‘à singles’, il se démarque aussi par cette fabuleuse rythmique gonflée au groove. Ce qui n’est pas particulièrement courant dans le style. Des titres comme « Knifeman », « Past Lives » et « Digital Leash » font mouche dès la première écoute. Bruyant, rapide et dynamique, tout en conservant une certaine approche du son minimaliste, ce troisième opus privilégie l’efficacité et met l’accent sur l’indifférence de la politique américaine face aux laissés pour compte. On n’est pas loin de l’esprit de Jello Biafra et de ses Dead Kennedys. Un bon album que les fans de metal apprécieront également à sa juste valeur.
Alias Simon Bookish (NDR : traduisez par studieux) Leo Chadburn est un type bizarre. Et pas seulement pour son apparence extérieure. Portant des vêtements aussi osés que ridicules, l’homme aime plaire par ses traits de nerd déluré. Pourtant, cet intello aux allures de dandy extravagant est loin d’être né de la dernière pluie. En fait, c’est un genre qu’il se donne ; et puis c’est surtout sa musique qui nous intéresse.
Bookish avait réalisé ses deux premiers albums à l’aide d’un ordinateur (« Unfair/Funfair » en 2006 et « Trainwreck/Raincheck » en 2007). Or, seuls les imbéciles ne changent jamais d’avis ; et Simon a donc délaissé –à moitié– son pc pour concocter cet « Everything/Everything ». Cet aventurier a ainsi décidé de plonger des tas d’instruments conventionnels (saxophones, piano, farfisa et même des chœurs, mais pas de guitare) dans son univers électronique. Ces instruments entretiennent des ambiances déstructurées, complexes qui évoluent aux confins du jazz contemporain. Faut dire que les instruments à vent peuplent généreusement cette troisième galette.
Rien de bien percutant cependant sur cet « Everything/Everything », mais onze titres qui méritent une attention particulière. En fait, l’artiste a simplement cherché à réaliser une expérience dans l’univers de la pop. Mais si les idées sont bonnes et le talent incontestable, l’écoute de ce disque suscite rapidement l’ennui. En fait, après un titre, on a vite compris où, Simon voulait en venir. Et il est regrettable qu’il ne se soit pas davantage focalisé sur la diversification de l’instrumentation, afin de varier les tendances. On retiendra cependant son lyrisme réfléchi (NDR : cet opus conceptuel traite de la science et de l’information) et son chant maniéré (NDR : qui a dit pompeux ?), ainsi qu’une tendance à la dimension cabaret proche d’un Parenthetical Girls ; car l’artiste dont la musique peut paraître agaçante, est loin d’être un crétin.
Entre 2003 et 2006, la discographie de Ryan Adams n’a cessé de gonfler. De l’affreux « Rock’n’Roll » au splendide « 29 », le compositeur en aura fait voir de toutes les couleurs à ses fans, révélant plusieurs facettes de sa drôle de personnalité. Après une petite année sans actualité, Adams publiait discrètement « Easy Tiger », à la rentrée 2007. Passée quasiment inaperçue, l’œuvre, pourtant d’assez bonne facture, annonçait un petit passage à vide que l’homme avait mis à profit pour se débarrasser de son amour pour la bouteille. Une désintox plus tard, il revient sur le devant de la scène accompagné pour la troisième fois par ses Cardinals, orchestre composé de Chris Feinstein, Jon Graboff, Brad Pemberton et, surtout, Neal Casal.
« Cardinology » fait donc suite au moyen « Cold Roses » et au bien supérieur « Jacksonville City Nights ». L’œuvre s’ouvre sous les meilleurs auspices. « Born Into A Light » dévoile un Ryan Adams posé et des Cardinals maîtrisant leur Americana à merveille. Trop beau pour être vrai. Suivi par les insipides « Go Easy » et « Fix It », le morceau d’ouverture n’est qu’un faux espoir. Le Californien s’enfonce dans une structure bien trop uniforme. Et les vocalises, calquées sur un certain Bono, confirment le râteau. Il réitère donc ce que les critiques lui reprochaient lors de la publication de « Rock’n’Roll ». Ici, l’obstination ne fonctionne pas et « Cardinology » perd rapidement tout son intérêt. Le résultat ? Une anecdote de plus dans la discographie du jeune homme.
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