En observant l’image de l’artiste reproduite au recto de la pochette, on aurait pu craindre devoir se farcir une musique concoctée par un héritier de Khaled ou encore du pathétique petit prince du raï, Faudel. Heureusement, le Marocain d’origine ne s’est pas égaré dans cet univers stérile. Certes les influences raï sont présentes ; mais, à l’instar d’un Badmarsh & Shri ou encore de l’Indien State Of Bengal, U-Cef nous propose, tout au long de cet « Halalwood », une jungle sonore racée et fort intéressante. Véritable maître en son genre, ce Londonien d’adoption parvient à mettre en exergue une véritable panoplie d’instruments typiques issus du Maghreb sur un lit de beats électros. De quoi finalement embraser les dancefloors. Pourtant, habituellement, le résultat de ce type de fusion sombre dans la médiocrité. C’est donc une agréable surprise de constater que le raï électro n’est pas forcément de piètre qualité. Ce qui explique sans doute pourquoi cet artiste est respecté dans l’univers de l’électro world.
Pour enregistrer cet elpee, U-Cef a reçu la collaboration de grandes pointures. Et notamment UK Appache, Rachid Taha et le maître Damon Albarn. Sans oublier Steve Hillage et Miquette Giraudy de Mirror System pour « Hilal », une compo dont la rythmique mystérieuse est tramée par des derboukas. Et puis Natacha Atlas. Sur « Ouddamack ». Gamil Awad alias Gamal Al-Kurdi, musicien égyptien basé à Londres, signe ce morceau au cours duquel les sonorités synthétiques sont superbement orchestrées sur des beats dansants. Le leader de Blur a participé activement à la confection de « Stick ». Damon y pose sa voix, joue du mélodica, de la basse et y a ajouté de la guitare.
« Halalwood » réconciliera tous les détracteurs de ce style musical si décrié, au cours de ces deniers temps. Espérons même qu’U-Cef puisse incarner le renouveau de cette jungle world et susciter la vocation de nouveaux talents, capables de se montrer à la hauteur de leur sujet…
On connaît surtout Raphael Saadiq pour ses talents de producteur. Il suffit de citer quelques noms pour en être convaincus : The Roots, Roots Manuva, Jill Scott, D’Angelo… On s’arrêtera en chemin, car la liste n’est pas exhaustive. Ne se contentant pas d’être un multi-instrumentiste talentueux, notre homme est également doué au chant. Et il l’a déjà prouvé chez les défunts et très bons Lucy Pearl.
« The Way I See It » constitue son troisième album solo, un disque au cours duquel Raphael monte sans complexe dans le wagon de la soul ‘vintage’. Genre extrêmement populaire depuis l’explosion d’Amy Winehouse, la soul à l’ancienne a toujours compté ses fanatiques et dignes défenseurs, comme l’excellente et pas assez connue Sharon Jones. Un peu en retard donc, Raphael Saadiq se fend aussi d’un hommage appuyé aux grands maîtres de la soul des années soixante. Marvin Gaye et Curtis Mayfield sont les figures tutélaires, Motown la référence stylistique. Douze chansons énergiques et mélodiques, magnifiquement orchestrées et trempées dans le doo-wop. On y rencontre quelques invités de marque comme Stevie Wonder, Joss Stone et Jay Z, responsable d’un excellent rap sur « Oh Girl ». L’intervention de ce dernier s’avère d’ailleurs la seule touche ‘moderne’ sur « The Way I See It », car on a très souvent l’impression que l’elpee a été enregistré en 1966. Rien d’original donc, mais un pur plaisir d’écoute garanti. Les fans de soul à l’ancienne auraient tort de bouder leur plaisir…
Isola est une formation hutoise qui a de la suite dans les idées. Déjà impliquée à deux reprises dans la compile « Startin’ Pop » (2003 et 2005), le trio devenu récemment quatuor poursuit son aventure. Une aventure qu’on leur souhaite, à l’écoute de cette démo, des plus fructueuses. Outre ses influences manifestement ‘beatlenesques’, Isola distille un pop/rock jubilatoire situé quelque part entre Tahiti 80 et son charme estival et Austin Lace, pour son côté ‘Happy-Go-Lucky’.
En cinq morceaux, la formation parvient à captiver et démontre qu’elle est capable de produire autant de cartons radiophoniques potentiels (« It Could Be Better », « Never Let Me »), que de morceaux dont la discrétion fait la richesse (« Dreams Gone »). A surveiller de très près.
The Dodos, un nom à coucher dehors. Mais The Dodos, c’est surtout le patronyme choisi par une formation issue de San Francisco. Devenue un trio depuis peu. C’est-à-dire lors de l’intégration du xylophoniste/percussionniste Joe Haener. Les deux piliers de cet ensemble californien sont cependant le drummer Logan Kroeber et le chanteur/compositeur/guitariste Meric Long. Et c’est ce dernier qui a choisi le nom du groupe. En fait il s’agit tout simplement d’un mot tendre chuchoté par sa maman lorsqu’il était nourrisson. Une Tahitienne. Donc de nationalité française. Ce qui peut expliquer le choix. Avant de nous gratifier d’un set époustouflant au VK de Bruxelles (voir review), le groupe nous a accordé une interview. Au grand complet, même si Joe ne prendra jamais la parole, se contentant épisodiquement de hocher la tête ou de sourire. Et pour entrer dans le vif du sujet rien de tel d’aborder un sujet percutant : les percussions…
Ainsi Meric estime qu’il existe quelque chose de primal et d’universel dans l’art du drumming et des percus. Il est fasciné par les polyrythmes pratiqués à l’Est de l’Afrique, et en particulier au Benin et au Togo, discipline qu’on appelle aussi le West African Ewe (Wikipédia : http://en.wikipedia.org/wiki/Ewe_drumming). Il s’explique : « Effectivement. De manière générale, les gens apprécient les percussions, les toms qui résonnent. Qu’elles soient jouées en force ou subtilement. Mais ce qui nous intéresse, ce n’est pas uniquement le rythme, mais le rôle ou l’apport du percussionniste dans la mélodie. Ce qui importe, c’est la façon dont le musicien arrange sa chanson plutôt que son niveau technique. En fait, on base notre recherche sur des éléments simples. Exemple : la batterie. Et ensemble, on arrive à tramer le tout de manière à rendre les morceaux intéressants (NDR : en quelque sorte, la somme des interactions est plus importante que les parties individuelles). Ce qui ne veut pas dire qu’on se marche sur les pieds… » Mais dans cet esprit, peut-on dire que Meric joue de la guitare comme des drums et Logan des drums comme de la guitare ? Meric admet : « Sûrement ! Je traite parfois ma guitare comme une batterie et Logan ses drums de manière très mélodique. Enfin, la façon dont nous jouons chacun de notre instrument est très percussive. C’est mon explication. » Meric joue de la gratte depuis son plus jeune âge. Mais il a d’abord commencé sur un ukulélé. Celui de son oncle. Ce qui explique peut-être un certain goût des Dodos pour les instruments insolites. « J’ai même hérité de cet ukulélé. Et il est exact que c’est le premier instrument sur lequel j’ai joué. Je voulais une guitare, et je me suis retrouvé avec un ukulélé… Vu que nous gagnons mieux notre vie aujourd’hui et avons acquis une certaine notoriété, on va pouvoir penser à se payer des instruments insolites. Je connais un luthier qui fabrique des instruments à cordes sur mesure. Et nous allons lui demander d’en confectionner l’un ou l’autre… » N’empêche, pour afficher une telle dextérité aux cordes, Long doit avoir suivi des cours. Pas à l’Académie, mais dans une autre école artistique. Il reconnaît avoir bénéficié des conseils d’un excellent prof. « Mais mon truc, c’était plutôt la dance et la pop. Je compte encore enregistrer trois ou quatre albums, dans le style proposé actuellement par les Dodos, puis j’envisage de reprendre des études musicales. Approfondir mes connaissances, mais dans un autre domaine que la pop. En fait, c’est toujours ce que j’ai fait : jouer, chanter, écrire de la musique. C’est mon truc et un type d’existence que je compte poursuivre… » Logan est davantage branché sur le metal progressif. Etonnant pour un musicien impliqué dans un tel projet. Il se justifie : « En fait, dans le métal progressif, les drums sont joués très rapidement. Et c’est ce qui m’intéresse. » Pour l’anecdote, Logan et Joe consomment de nombreux sticks durant un concert. Mais c’est ce dernier qui détient le record absolu de bris de baguettes…
A travers les différentes revues de presse, les Dodos sont comparés tour à tour à Tyrannosaurus Rex, Led Zeppelin (album III), Animal Collective, Velvet Underground, The Feelies, High Places, Yeasayer, Indian Jewerly, Magnetic Fields, Sufjan Stevens, Gorky’s Zygotic Mynci, Syd Barrett, Arcade Fire, Beta Band, Tom Waits, Robert Johnson ou Elliot Smith. Les musiciens n’aiment pas trop les comparaisons. Ils préfèrent parler d’influences. Finalement au plus la liste est longue, au plus elles sont diluées. Et au plus leur musique devient originale. Logan est même ravi d’entendre dire que leur musique a atteint un tel niveau de complexité qu’elle pourrait incarner la synthèse des artistes et groupes susvisés. Par contre, aucun des deux interlocuteurs ne connaît Johnny Dowd. Ils n’en ont jamais entendu parler, mais ont promis de prêter une oreille à sa musique. Il est vrai que même si ce Texan émarge à la roots, il est très friand de percus et de bruitages insolites… Dans un autre registre, Meric apprécie beaucoup Orchestral Manœuvres In The Dark. Ce qui méritait une explication. « Effectivement. Les voix, les mélodies. Andy McCluskey et Paul Humphreys étaient de grands compositeurs de chansons. Et la plupart d’entre elles sont devenues intemporelles. »
Qu’est-ce qui botte le plus les Dodos, le live ou le studio ? Logan réagit instantanément : « Sans hésitation : les concerts ! » Meric nuance : « Cela dépend. Ce sont des expériences différentes. Jouer en concert, c’est comme quand tu t’injectes une petite dose. C’est rapide. L’adrénaline te booste immédiatement. Mais la réaction n’est satisfaisante que jusqu’au lendemain matin. Et puis, lorsque tu te réveilles, il faut se remettre au travail. En fait, on peut comparer le studio au boulot et le concert à une récréation… » A propos de ‘live’, le groupe n’a-t-il pas l’intention d’enregistrer en public ? La réponse de Logan fuse : « Un Dvd sort ce mois. Nous l’avons enregistré à Londres. » Pourtant, Logan n’aime pas trop les festivals. Il estime qu’ils projettent une image tronquée du groupe. Il commente : « Lors d’un festival, tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil. C’est la façade ! Et dans ce gros bazar, il y faut faire passer un maximum d’artistes sur les planches. Imagine le concert que nous allons donner ce soir, dans une petite salle, et transpose-le dans un grand festival. Ce n’est plus la même chose. L’amplification et l’éclairage sont différents. On n’a l’impression de ne plus vivre dans la réalité. Tout le monde est mélangé et on doit même jouer au milieu des rockers… »
Laura Gibson (http://www.myspace.com/lauragibson) est une chanteuse/guitariste américaine qui vient poser sa voix sur le deuxième opus des Dodos. Mais comment l’ont-ils rencontrée ? Meric raconte : « Un an avant que nous enregistrions notre premier elpee, je l’ai croisée dans un studio d’enregistrement à Portland. Nous avons fait connaissance. Elle appréciait notre musique. Elle m’a refilé un cd et on s’est échangé nos e-mails. On s’est ensuite revus à New York. Et je cherchais une voix féminine pour participer aux sessions de ‘Visiter’, notre deuxième opus. J’avais pensé à Diane Krall, mais elle n’était pas disponible. Aussi j’en ai profité pour lui demander et elle a accepté l’invitation. Elle ressent les choses qu’elle chante. Elle a participé aux vocaux pour trois compos. La situation était surprenante, car Logan et moi l’observions de la salle de contrôle. Elle était de l’autre côté de la vitre. Nous ne l’entendions pas. On la voyait simplement remuer les lèvres. Et nous nous inquiétions du résultat. En définitive, nous avons fait le bon choix, car sa voix et belle et très riche… »
Merci à Vincent Devos.
Après s’être produit au Botanique en janvier 2007 et à l’ABClub en décembre 2007, Joshua était à l’affiche de l’ABBox ce 18 décembre, pour nous présenter son nouvel opus, « Animals Will Save The World ». Une fameuse progression en matière de popularité, il faut l’avouer. Pourtant, le concert n’affichait pas ‘sold out’. Enfin, il l’était presque. En fait, la salle s’est remplie graduellement et a atteint une capacité maximale juste avant que le groupe ne monte sur les planches. Car il s’agit bien d’un groupe aujourd’hui. N’empêche, orphelin de son second chanteur, Matt, on se demandait si Joshua avait toujours la pêche en ‘live’…
La première partie du show est essentiellement consacrée à des titres du dernier elpee. Des chansons plutôt calmes. Ce qui explique sans doute pourquoi il faudra attendre quelque temps avant que l’ambiance ne monte d’un cran. Et ce sera le cas pour "You Know How". Le groupe commence alors à inviter le public à lever les mains. Néanmoins, il faut reconnaître que Senso est nettement moins remuant que son ex-partenaire de scène (voir les photos prises lors de la MCM Night à l'AB Box). "Animals Will Save The World" chauffe un peu plus le public. Tout comme le bref passage au chant de Greg. Mais, quoique bien rythmé, le band ne parvient pas à déclencher l’hystérie gestuelle de l’auditoire comme je l’espérais. Il faut dire que si le dernier album se focalise sur leur business : la street pop, le précédent opus, « Music & Chocolates », paru l’an dernier, et surtout l’Ep « Alligator city » faisaient davantage la part belle aux sonorités funky et au groove rock. Edité en 2006, cet Ep est devenu aujourd’hui introuvable. Pourtant, c’est toujours à ce disque que se réfère le concept scénique de la formation. En fait, lors d’un concert, les membres du groupe invitent les spectateurs à pénétrer dans leur ville imaginaire : « Alligator City… Ce n’est qu’en fin de parcours que Joshua va se décider à lâcher les tueries de son premier elpee ; et en particulier "Kill Your Own Arms" et "Punk Rock Song". Et le public se mettre à danser frénétiquement, de la scène jusqu'à la console son.
La formation bruxelloise (NDR : les membres de Joshua revendiquent leur nationalité belge et clament haut et fort qu’ils sont bruxellois) passera deux semaines en résidence à Roubaix pour préparer une tournée en France. Leur album paraîtra d’ailleurs chez Wagram début 2009.
Et on vous invite à aller jeter un œil dans notre rubrique ‘Live photos’…
Organisation AB
Alors que l’on attend impatiemment le successeur de « Pieces Of The People We Love », The Rapture se paie du bon temps en compagnie du label !K7. Ensemble, ils publient un DJ Kicks qui n’en est pas un. Probablement annonciatrice d’une nouvelle série, la compile « !K7 Tapes » des quatre rigolos procure à la fois un insupportable mal à l’estomac et une folle envie de s’envoyer une petite séance d’aérobic rythmique sur la table la plus proche. Hip Hop, Funk, Disco, Dance et Electro. The Rapture nous font bouffer à tous les râteliers mais sont également prévenants et font l’effort d’organiser le tout par genre. De quoi donner un semblant de cohérence à un tracklisting à priori indigeste. La différence entre un DJ Kicks et une !K7 Tape ? Ce dernier ne jouit pas de morceau inédit des responsables du mix. Dommage !
Le quatuor invite à sa petite sauterie des valeurs sûres (Thomas Banglater, Ghostface Killah, Armand Van Helden, Alter Ego, Richie Havens), d’obscurs représentants de la scène disco et electro (Northend, Martin Circus, DJ Mujava, Kiloo…) ainsi que quelques pique-assiettes qui auraient pu faire tourner la soirée au vinaigre (les inutiles « Everybody’s Got To Make A Living » de Dancing With White Girls, « Afro Arps & Minimoogs » de Galaxy 2 Galaxy ou « Say U Will » de Cajmere). Après une première moitié de soirée fort réussie –si l’on esquive Don Armando’s Second Avenue Rumba Band et leur horriblement kitsch « I’m An Indian Too »–, le quatuor s’emmêle les pinceaux lors d’une seconde manche moins passionnante, bien que toujours aussi remuante. La formation permettra même à Paul Johnson de nous glisser à nouveau son immanquable et (trop) entêtant « Get Get Down » dans les oreilles.
Sans être tout à fait indispensable, le « !K7 Tapes » de The Rapture procure, en cette période de fêtes de fin d’année, l’assurance de transformer le plus ennuyeux des salons en dancefloor digne de ce nom. Allez ! ‘Come on baby, shake what your mama gave ya’ !
Il ya deux ans, Psapp publiait l’inattendu « The Only Thing I’ve Ever Wanted », une véritable petit mine de créativité peuplée de créatures malicieuses et de chats, animal fétiche du duo. Une excellente surprise que Galia Durant et Carim Clasmann continuent d’exploiter sur « The Camel’s Back », leur troisième ouvrage. Parce qu’il devait bien nourrir leurs félidés domestiques, le duo s’est intéressé de près au peuple océanique. Et le moindre que l’on puisse dire est que la pêche aux idées des deux joyeux drilles a été manifestement fructueuse. Dans la lignée de son prédécesseur, « The Camel’s Back » regorge de bidouilleries ‘folktroniques’ et de sonorités cocasses créées à partir d’instruments atypiques. Les jouets, par exemple, ont toujours une grande place dans le travail de composition de la formation.
Emmené par l’excellent single « The Monster Song » et son vidéoclip ‘Psappesque’, « The Camel’s Back » est une collection de douze morceaux réjouissants. Le genre qui vous colle un large sourire au visage et égaie les journées les plus grises. Ce recueil, sans réitérer l’effet surprise de « The Only Thing I’ve Ever Wanted » et marquer autant que celui-ci, s’adresse à un public de tout âge qui ne pourra en sortir qu’émerveillé. Les splendides « Screws », « The Camel’s Back », « Marshrat », « Mister Ant » ou « Somewhere There Is A Record Of Our Actions » font de cette troisième œuvre une galette intemporelle à ne pas manquer.
The Parties est une formation californienne. Etablie à San Francisco, elle a été fondée en 2004 par le vétéran John L. Morgan IV ainsi que Jérémy Powers. Ce sont d’ailleurs les deux compositeurs et les deux guitaristes ; même si le premier cité se charge également des drums. « Can’t come down » constitue leur premier elpee. Un disque qui nous replonge tantôt dans l’univers des sixties (The Beatles, The Hollies, The Byrds), tantôt au beau milieu des eighties/début des nineties (Ride, Charlatans, Teenage FanClub, Luna). Les harmonies vocales sont superbes, les parties de grattes bringuebalantes, tintinnabulantes, frémissantes, savoureusement discordantes et les mélodies contagieuses, parfois hymniques. Bref, les onze compos de cet opus sont très agréables à écouter, mais elles sont tellement revivalistes que leur succession finit par lasser. Bref, un disque qui risque fort de sombrer rapidement dans les profondeurs l’oubli. Comme le groupe, par ailleurs…
Né en 1960, Bob Mould est loin d’être un inconnu. Originaire de Malone, dans l’état de New-York, il a entamé son parcours de compositeur et de guitariste au sein du groupe punk Hüsker Dü. En 1979. Un trio qui a sévi tout au long des années 80 et au sein duquel militait également Grant Hart. Le combo splitte en 1987 ; et début des 90’s, Bob remonte déjà un autre groupe : Sugar. Après deux elpees et un Ep, il abandonne l’aventure et se lance dans en solo. Sans davantage de succès cependant, même s’il va continuer à mener sa barque en solitaire tout en opérant de multiples collaborations dans l’univers de la dance. Formant même un side project répondant au patronyme de Loudbomb (NDR : choix pas très original, puisqu’il s’agit d’un pseudonyme dérivé de l’anagramme de son nom). Mais son existence va être marquée par une autre passion : le catch professionnel… Il va même rejoindre la désormais légendaire ligue World Championship Wrestling, comme scénariste. Une expérience qui va tourner court et se soldera par un nouvel échec et un départ précipité au beau milieu des prises de vue, suite à des divergences d’opinion (NDR : aurait-il voulu révolutionner la discipline ?) Suite à ce nouveau contretemps, il décide de revenir à la musique en compagnie de Rich Morel, mieux connu dans le monde dance de D.C. (District of Columbia), pour former le collectif Blowoff, responsable de mixes controversés de groupes rock. D’Interpol notamment.
En 2005, il a repris sa carrière en solitaire et commis l’elpee “Modulate”, œuvre qu’il est allé défendre courageusement en tournée. Dès son retour, il s’est remis au travail et s’est enfermé en studio pur pondre “District Line”, flanqué de son pote Rich Morel aux claviers et de Brendan Claty, le drummer de Fugazi. Ce sont les deux seuls collaborateurs qui ont participé aux sessions d’enregistrement, Mould s’étant réservé tout le reste de l’instrumentation. Si on retrouve le son torturé et déstructuré très caractéristique du personnage, et puis ses qualités vocales indéniables, son rock est devenu trop propre pour pouvoir vraiment convaincre. On a même l’impression qu’il en garde constamment sous la pédale et finalement, l’album ne décolle jamais. Dommage !
Etiqueter la musique concoctée par Kludde de black metal atmosphérique nous semble un brin trop réducteur. En sortant une pièce d’orfèvrerie du calibre de « In Den Vergetelheid », Kludde a accouché d’un chef-d’œuvre aussi inclassable qu’incontournable, à glisser dans votre discothèque entre le « Monotheist » de Celtic Frost et le « Blackwater Park » d’Opeth. Et même si le jeune combo belge (Alost) ne bénéficie pas des moyens financiers de ces deux monstres du dark metal, la production de ce premier véritable album frappe par cette incroyable impression de noirceur et d’étouffement qui règne de la première à la dernière mesure.
Véritable oraison funèbre déclinée en sept titres, « In Den Vergetelheid » constitue une œuvre effrayante. Elle vous prend aux tripes. Lentement. Doucement. Pour ne plus vous lâcher. Guttural mais pas hurlé, le chant se mue parfois en déclamation, évoquant une âme meurtrie ou en colère. Les riffs assassins, les incessants changements de rythmes, tantôt black, tantôt doom, et le travail accompli sur l’atmosphère en général confèrent à cette descente aux enfers un côté délicieusement malsain. Phénoménal ! Après Ocean of Sadness, Axamenta, Southern Voodoo, Sons of Jonathas, Solenoid, et maintenant Kludde, la scène metal belge n’a plus rien à envier à la déferlante scandinave. Encore faut-il mettre en place une solide promotion pour faire reconnaître nos valeurs dans toute l’Europe. Et ça, c’est un tout autre problème…
Hokie Joint est une formation née voici un an à peine. Elle nous vient de Colchester dans le sud-est de l’Angleterre. Un très jeune quintet réunissant le chanteur Jojo Burgess, le guitariste Joel Fisk, l’harmoniciste Giles King, le drummer Stephen Gutmore et le bassiste Fergie Fulton. Le combo signe dix des onze titres de ce premier opus, un disque qui baigne dans le blues dynamique, cru, sale et vivifiant. Giles King n’est pas un inconnu, puisqu’il avait participé aux sessions d’enregistrement de l'excellent elpee de Ian Siegal, "Meat & potatoes". Il milite également chez Ligthnin' Willie and the Poorboys.
Le titre maître ouvre l’opus. La slide est lourde et déterminée. Cette plage constitue une belle synthèse de la musique du groupe, dont le style me rappelle parfois la quintessence de ce que proposait naguère El Fish. Surtout dans la manière de souffler de Giles. Imprimé sur un rythme plutôt rageur, "Mr Jones" est dominé par les cordes acoustiques. Jojo attaque "Franklin" en manifestant une certaine frénésie punk. Son discours implacable est planté au sein d’un décor Delta blues puissant et électrique. Jojo chante "Chocolate Cake" sur le rythme d'un mambo, un mambo entretenu par les percussions exotiques de Stephen. La rythmique de Giles est lancinante. Giles en profite pour s'évader sur son harmonica, calquant son phrasé sur celui de Sonny Boy Williamson II. "Back where we are going" évolue sur un tempo alerte. La démarche rappelle inévitablement le géant Howlin' Wolf. Jojo éructe ses vocaux. Il est talonné par les courtes notes dispensées par King. L'homme souffle dans son instrument en puissance, mais parcimonieusement. Il se libère du canevas imposé par ses partenaires, avant de céder le relais aux cordes acoustiques de Joel. Une seule reprise : le "Tom Rushen blues" de Charley Patton. Nous débarquons dans le Delta. Ce country blues devenu très électrique baigne au sein d’une atmosphère pourrie. La slide occupe le devant de scène. Tous les acteurs remplissent bien leur rôle. Percutant et très soudé, l’ensemble se resserre autour de la voix de Mr Burgess, devenue soudainement féroce. "The crying song" change de style. Une ballade dont la douceur est contrebalancée par l'intensité et la passion du chant de Jojo. Lors de la lecture de ses sentiments, sa voix libère beaucoup d'émotion et de profondeur, pendant que Giles joue sereinement, en soutien. "Ghost" s'appuie sur une rythmique implacable et saccadée. L'harmonica se joint aux percussions ravagées de Stephen. Jojo récite son chant déterminé sur ce rythme du chemin de fer. Toute la misère du Mississippi hante "Clarksdale mill". "Chain me" nous précipite dans une certaine torpeur. Un blues mélancolique, quasi hypnotique, au cours duquel la complainte de l'harmonica reflète un climat oppressif. Dans l’esprit, nous ne sommes pas loin de la démarche si personnelle de Charlie Musselwhite. "Chain me" emporte tout sur son passage. Jojo inocule force et fureur dans son chant. Il communique tout son mal de vivre. Une dose de frénésie qui n’appartient qu’aux vocalistes punk. La slide et l'harmonica participent à ce combat de chefs. A croire que tels des mauvais garçons, les Hokie Joint préparent un mauvais coup. Ils se retirent heureusement sur une touche plus participative. En l’occurrence lors de leur "Lost in the city". Le chant de Burgess est souverain. Fisk s'illustre sur le dobro. Puis King, à l’harmo. Il souffle toute sa colère. Jojo et Joel chantent à tue-tête, le sentiment du bon travail accompli. Manifestement, ce premier elpee de Hokie Joint risque de faire de ravages. Et pour cause le combo, comme il le revendique, cherche à restituer le blues aux masses…
Kieran Hebden est loin d’être un inconnu sur la scène électro. D’abord guitariste au sein du groupe post-rock Fridge, le Londonien s’est reconverti dans l’électronique en créant Four Tet. Un projet en solitaire qui lui a permis d’explorer ses propres idées. Pour enregistrer « NYC », il s’est associé à Steve Reid, drummer d’anthologie qui a notamment participé à l’aventure Motown, mais également réalisé des arrangements en compagnie de Miles Davies, Ornette Coleman ou encore James Brown.
La rencontre opérée entre les deux artistes et surtout les deux styles n’est pas facile d’accès ; elle est même très susceptible de laisser l’auditeur sceptique. On nage d’ailleurs parfois en pleine expérimentation pure et dure pour ne pas parler d’underground. Les arrangements concoctés par le duo sont cependant parfaitement au point. Endiablé, le drumming du sexagénaire Steve Reid trouve parfaitement sa place au sein de l’univers sonore synthétique élaboré par Kieran. Et « Lyman Place » constitue probablement le sommet de leur rencontre. On les sent même quelquefois complices. L’opus explore également les tendances jazz expérimentales des 60’s et 70’s. A l’instar de « 1st & 1st » ou encore de l’exceptionnel « 25th Street ». Il s’achève par « Departure », plage au cours de laquelle les cordes synthétiques fusionnent magistralement avec les sonorités percussives martelées par Reid. Et côté technique, Steve est tout bonnement irréprochable…
Tout au long de cette œuvre le duo tente, à travers leur musique, de projeter une vision très personnelle de New-York. Ce qui explique le titre de l’elpee. Particulièrement complexe, « NYC » n’et pas à mettre entre toutes les oreilles. Les non initiés risquent même de le taxer de brouillon voire de cacophonique. On ne pourra cependant pas reprocher à cet album de manquer d’originalité. En outre, j’estime sincèrement que le résultat de cette rencontre entre jazz et électronique contemporaine tient parfaitement la route. Il est même abouti. Et c’est à souligner ; car la rencontre entre deux musiciens talentueux n’est pas toujours synonyme de réussite…
Plus de quinze années après la sortie d’un “Spaghetti Incident”, uniquement constitué de reprises de standards du punk, Axel Rose nous balance l’album le plus démago de toute l’histoire du rock. Le plus cher aussi. On parle d’un budget de 20 millions de dollars en frais de production, pour une plaque décrédibilisée bien avant sa sortie. Faut dire que le combo a été dégraissé de son line up original, Rose ayant décidé de demeurer seul maître à bord. Alors pourquoi ne pas sortir la galette sous l’unique nom de son leader ? La logique commerciale semble dans ce cas des plus évidentes ! Mais les fans de la première heure vont tomber de haut, de très haut. Car si « Chinese Democracy » s’ouvre vers d’autres champs, en dépassant le hard rock burné qui a fait ses heures de gloires, il s’éloigne totalement de ses racines. A un tel point qu’on ne reconnaît que rarement la marque de fabrique des GNR. Seule la voix d’Axel ne démérite pas.
Certaines interventions du guitariste Robin Fink (N.I.N.) évoquent le son si typique de Slash ; mais on se sent quelque peu désorienté, voire écoeuré, par l’emploi à outrance de boîtes à rythmes et autres effets synthétiques. Sur « If the World », on a même carrément droit à un titre Rn’B mâtiné de pop latino. On se doutait que « Chinese » sonnerait plus ‘actuel’, qu’il ne serait en rien une copie carbone des deux volumes « Use Your Illusion », mais que sa configuration soit à ce point commerciale, on ne l’aurait jamais imaginé…
Plus proche de Shakira que d’Aerosmith, le Guns cuvée 2008 a sans doute bénéficié d’un énorme travail en matière d’arrangements et de production. A ce prix là, ce serait le comble… Mais Axel, crédité soit dit en passant de la signature de tous les titres, a définitivement tiré un trait sur son passé, et vise désormais un tout autre public. Et même si l’on sait que la nostalgie est bien mauvaise conseillère, on a de plus en plus de mal à imaginer, un quart de seconde, que c’est ce même groupe qui a enfanté le fantastique « Appetite for Destruction ».
Pour l’anecdote, un nouveau scandale a frappé le combo dès la sortie de « Chinese Democracy ». Il a simplement suffi de laisser opérer le titre de l’album pour qu’il soit immédiatement banni du commerce en Chine. Certains journaux ont même émis l’hypothèse d’une authentique conspiration occidentale ! Ca c’est rock n’roll…
La fin d’un mythe, ni plus, ni moins.
Présenté dernièrement aux Halles de Schaerbeek lors de leur « Exclusive Tour » (cfr. rubrique reviews concerts), le « Live » de Gotan Project est une véritable mine aux trésors pour les fans de la formation. Partagé en deux disques, l’œuvre nous réserve, sur le premier, un enregistrement public accordé en 2003, lors de la tournée « La Revancha Del Tango ». Le trio franco-brésilien en est alors à ses débuts et son incroyable maîtrise sur les planches (illustrée visuellement par un DVD live publié en 2005) marque la naissance d’un monstre scénique. Gotan Project confirmera ce statut lors de la tournée « Lunático », immortalisée sur la seconde plaque de ce « Live ».
Enregistré en 2007 à Neuchâtel (Suisse) en compagnie d’un véritable orchestre, la portion « Lunático Tour » confirme le talent de la formation. Visuellement magistrale, cette tournée aurait cependant mérité un prolongement sous la forme d’un DVD. Une petite déception très vite effacée par les versions ‘publiques’ des splendides « Diferente », « Criminal », « El Norte » ou « Época ». Entre Tango et Trip Hop, le trio prouve en deux leçons que Gotan Project est bien plus qu’une vulgaire formation lounge.
Ce double album est également disponible en une splendide édition collector comprenant les deux disques, un DVD reprenant quelques unes des séquences projetées lors des concerts, une affiche-puzzle, le vinyle 45 tours des ‘versíon orquestral’ de « Diferente » et « Santa Maria » (déjà présents en bonus sur le recueil ‘live’) ainsi qu’un livret de photos plutôt bien fourni (152 pages !). Un beau cadeau que vous pourrez jugez en surfant sur http://www.gotanobject.com , un site spécialement consacré à l’objet ! Joyeux Noël !
Nederlands 
Français 
