Entre 1976 et 1996, ce groupe britannique a commis 11 albums studio, placé 13 singles dans le top 30 britannique, mais surtout marqué l'histoire du rock'n roll. Siouxsie & the Banshees peut même se targuer d'être une des rares formations issues du mouvement punk à avoir si longtemps survécu. Faut dire qu'au cours de ces deux décennies, les Banshees sont passés par plusieurs incarnations et autant d'approches musicales différentes. On en retiendra pourtant des chansons férocement aguichantes, des guitares placides et cruelles, une rythmique implacable, viscérale ; et puis cette voix acérée, mélange d'angoisse et de révolte, éructant des mots de violence totale ou susurrant des contes poétiques destinés à nous plonger dans un univers fantastique, propice aux maléfices et à la sorcellerie. Sur les 15 titres de cette compile, on retrouve inévitablement les compos les plus connues : " Spellbound ", " Hong Kong garden ", " Cities in dust ", " Peek-a-boo ", " Happy house ", " Israel ", " Christine " et la cover des Beatles " Dear prudence ". En édition limitée, l'opus est accompagné d'un bonus disc, réunissant 9 remixes de classiques du groupe, dont plusieurs figurent en version originale sur le premier morceau de plastique. Siouxsie & The Banshees, n'ayant à ce jour, jamais fait l'objet d'un recueil aussi exhaustif, ce 'best of' en devient indispensable.
Sioen est un jeune auteur/compositeur/interprète gantois. Il joue du piano. Avec virtuosité. Pas étonnant lorsqu'on sait, qu'au cours de sa tendre enfance, il a fréquenté le conservatoire. Il chante également. Dans la langue de Shakespeare. D'un timbre légèrement rocailleux, proche de la dEUS connection (pensez à Stef Kamil Carlens, Rudy Trouvé et bien sûr Tom Barman). Et ce bagage, ma foi semi classique, semi baroque, il le met au service de la chanson pop. Des chansons pop dont les très belles mélodies sont empreintes de douce mélancolie. Avant d'enregistrer ce premier opus, Sioen a été plusieurs fois lauréat de concours organisés dans le nord du pays ('Debuut rock', 'Oost Vlaams rock circuit', etc.). Ce qui lui permet aujourd'hui d'y jouir d'une popularité certaine. Ses émotions ? Il les communique à travers les accords de son piano. Tantôt syncopés, profonds, plaqués, graciles, mais toujours sonores, ils affrontent constamment des changements de rythmes. A un tel point que lorsque les inflexions vocales épousent ceux de son instrument, il me rappelle Peter Hammill. Plus prog encore, son aisance à aligner les notes était le signe distinctif d'un certain Keith Emerson, lorsqu'il sévissait encore chez Nice. Si, si, souvenez vous de la cover du " Hang on to a dream " de Tim Hardin, que le groupe était parvenue à magnifier. Le seul reproche qu'on pourrait adresser à Sioen, c'est que limitées à son instrument et à sa voix, les chansons finissent par se complaire dans l'austérité. Et je suis convaincu qu'entouré d'un véritable groupe ou d'un quatuor à cordes, Sioen pourrait faire un malheur ! Et ce serait pour son bonheur. Une chose est sûre, il est à suivre, de très près…
Les cinq alchimistes tournaisiens de Sioban, tous inspirés par les plus belles complexités harmoniques du renouveau du rock progressif, possèdent désormais l'outil indispensable pour sortir de l'anonymat et se forger un nom dans le milieu prog. L'album L.O.V.E. ouvrira sans nul doute de nombreuses portes au combo dont le nom rend hommage à une héroïne de bande dessinée, et le chanteur Meet ainsi que ses quatre compères pourront peut être enfin partir en tournée avec l'une ou l'autre formation à la renommée internationale.
A l'écoute des premières mesures de la plage titulaire, morceau épique décliné en sept parties, les anciens se remémoreront les fastes de Yes ou de King Crimson, alors que les plus jeunes penseront plutôt à Dream Theater ou à Porcupine Tree. Les racines, c'est important, en rock autant qu'ailleurs et Sioban n'est pas en manque de repères, tant la façon de phraser les mélodies vocales évoque le Marillion période Fish, tant les nombreux breacks perpétuent la tradition des piliers des années 70, tant la finesse du jeu de guitare de Dave Snappe constitue un hommage permanent aux prouesses de Steve Howe ou de Mike Oldfield. Mais Sioban a le don de développer des idées connues des amateurs tout en y apportant beaucoup de fraîcheur, avec ce petit quelque chose en plus qui fait toute la différence. Le talent est au rendez-vous ! Acoquiné avec la photographe Clemence Leveau, le groupe a mis un point d'honneur à réaliser un objet au superbe design. La couverture fait la part belle au vocaliste du groupe ainsi qu'à une célèbre marque de bourbon, tandis que le livret, enrichi des textes en anglais des quinze chansons finement ciselées et de superbes clichés, constitue à lui seul une petite merveille de graphisme. L'usage sobre des sonorités synthétiques, oeuvre du claviériste frasnois Damien Michel, flatte l'oreille, entrouvrant les portes d'univers féeriques, mariant brillamment délicatesse onirique et interventions plus fougueuses. L'utilisation d'un piano, dès l'intro de L.O.V.E., prend toute sa dimension sur l'envoûtant "Strung out", tandis qu'on se laisse emporter par les arpèges de guitare acoustique sur le très ‘marillionesque’ "Tuesday morning in september". Après avoir essuyé plusieurs refus de maisons spécialisées, c'est finalement le label hollandais Labrad'Or Records qui a accepté de signer Sioban pour la distribution de son premier album. Désormais, on peut écouter l'unique formation de néo-prog du Hainaut occidental aux quatre coins du monde. S'il arrive à digérer ses influences et à mettre sa virtuosité au profit d'un style encore plus personnel, Sioban peut se construire un bel avenir, même si chacun sait, dans le petit monde du prog, que ce genre musical reste réservé à un public averti, constitué uniquement de véritables passionnés.
Découpé en huit mouvements, le nouvel album de Sigur Rós ressemble fort à une sorte de concept album. Une invitation au rêve, à un voyage autant spirituel que musical, qui s'étale sur 72 minutes. Un périple qui s'ouvre par quelques compositions lentes, contemplatives, nappées de tas de claviers qui ondoient, de cordes qui s'étendent à l'infini et de voix éthérées et envoûtantes, avant de monter progressivement en puissance, pour atteindre en final le sublime, la grâce, en développant un son énorme au cours duquel les percussions cognent, s'emballent… Tout au long de cette œuvre, le falsetto du chanteur, Jon Por Birgisson, gémit dans un langage imaginaire, qu'il a créé à cet effet : le 'hopelandic'. On n'est ici plus très loin d'un prog rock que le Pink Floyd aurait pu créer, s'il était parvenu à évoluer avec son temps. Et le mot prog n'est certainement pas usurpé, lorsqu'on sait que Sigur Rós n'est pas le premier groupe à avoir utilisé un langage personnel. Bien avant lui, Magma avait imaginé le kobaïen ! Un disque qui n'a pas été enregistré à Pompéi, mais dans une ancienne piscine, aménagée en studio ultrasophistiqué. Une œuvre à écouter dan son salon, assis dans un sofa moelleux, le casque sur les oreilles…
Née le 30 décembre 1946 à Chicago, dans l'Illinois, cette légende vivante à véritablement secoué l'histoire du rock'n roll. En 1975. Tout d'abord en sortant l'album incontournable " Horses ". Ensuite en changeant radicalement l'image de la femme projetée sur cette scène musicale. Chanteuse, compositrice, poète, musicienne, Patti a cependant dû faire face à une multitude de drames, tout au long de son existence : la sueur, les larmes, la faim et la douleur ont très souvent été les composants de son pain quotidien. Et chaque fois, c'est à travers son art qu'elle est parvenue à surmonter les épreuves. Cette double compilation propose en 31 fragments et en à peu près deux heures trente de musique, un large aperçu de la carrière de cette artiste. Le disque recèle, en outre, deux enregistrements pré " Horses " (" Redondo Beach " et " Distant finger "), une démo de " Piss factory ", une adaptation blues de " Birdland ", une nouvelle version de la cover de Prince, " When doves cry ", une volée d'enregistrements 'live' inédits, dont la plupart ont été immortalisés lors de sa tournée européenne et américaine, accomplie en 2001. Et puis les inévitables classiques " Dancing barefoot ", " People have the power ", " Gloria ", " Rock'n roll nigger ", " Frederick " ou encore " Because the night ". Les esprits chagrins regretteront certainement l'absence de "Break it up" ou encore d'une de leurs chansons préférées ; mais dans l'ensemble ce recueil reflète très bien les différentes étapes de la carrière de Patti Smith. Un document !
Ils nous viennent du Texas, mais malheureusement ils n'ont ni la hargne ni le talent de Lift To Experience, Trail of Dead et Sparta : Slobberbone propose un rock FM convenu et bien sage, avec de grosses guitares, des mélodies sans grande originalité, une voix passe-partout à l'accent amerloque, des paroles sans grand intérêt (" Stupid Words " : tu l'as dit…). Qu'ils soutiennent Bush qu'on serait même pas étonnés, tant tout cela transpire le conservatisme de bon ton. Tout cela n'est donc pas très excitant, un peu comme du Counting Crows, du (B)Ryan Adams, voire du Pearl Jam… Pour avoir une image plus juste de l'Amérique moyenne, white trash et baignant dans le sang des massacres honteux de Columbine et de Washington DC, autant se plonger dans les chroniques amères d'Eminem et de Marilyn Manson.
Memphis Slim restera à jamais au Panthéon du blues comme un des plus grands pianistes de tous les temps. De son véritable nom, Pete Chatman, il était né à Memphis le 3 septembre 1915. Delmark lui avait déjà consacré "Memphis Slim U.S.A", un elpee qui recelait deux de ses sessions accordées pour le label United, entre 52 à 54.
Ce nouvel album nous livre les deux autres sessions United auxquelles Slim a participé. Nous retrouvons ici 11 plages qui n'ont jamais été éditées précédemment. Memphis Slim nous a quittés depuis bien longtemps. Le 24 février 1988, très exactement. A Paris. Merveilleux guitariste, Matt ‘Guitar’ Murphy est ici son principal collaborateur. Et à l'écoute de ces enregistrements qui lui rendent un hommage assez vibrant, il y a vraiment de quoi se régaler.
Son jeu sur le blues lent, "The come back", est savoureux. Tant lors de la version connue que sur l'adaptation alternative. Murphy est aussi lumineux sur l'instrumental "Shuffleboard", au cours duquel il vole la vedette à son patron. Memphis Slim chante de sa voix de ténor "Living the life I love". Il nous invite à partager son plaisir évident de jouer, de chanter et de vivre le blues ; pendant que Matt gratte au même niveau, mais avec une tonalité toujours aussi contemporaine. Il y a ici tant de créativité dans le jeu, que vous risquez tout bonnement de tomber de votre chaise. Ce jeu devient même clair et chargé de feeling sur "Cool down baby", un nouveau blues lent que Murphy chante lui-même. L'intégralité de l'opus est un réel bonheur. Les blues lents, brûlants, sont nombreux et remarquables. Jim Conley se distingue au sax tenor sur "I love my baby". Murphy adopte un style proche de T-Bone Walker. C'est évident sur "Call before you go home" et "Two of a kind". La basse de Curtis Mosley nous fait vibrer sur le très downhome "5 O'clock blues", au cours duquel Slim shoute les vocaux avec une puissance si naturelle. Le disque contient également quelques plages sensiblement différentes. Et je pense tout particulièrement à "Smooth Sailin", "The cat creeps" et au pétillant "Back alley". La part belle est alors laissée au grand Jim Conley qui peut étaler son talent au honky sax, et libérer un swing du tonnerre. "Stewball" affronte un spiritual parcouru de percussions et de chœurs féminins. La finale est un véritable document dont l'authenticité, était à l'origine, plutôt incertaine. D'époque, enregistré 'live' au sein d'une atmosphère explosive, ce "She's alright" exsude toute la magie des House Rockers. Un rocker illuminé par le honky sax et le piano magique.
Cet album est un superbe testament de ce blues urbain pratiqué au début des 50s. Memphis Slim et Matt Murphy devaient encore collaborer ensemble quelques années plus tard ; notamment pour participer aux sessions d'enregistrements de Vee-Jay en 58-59 ; puis, en 1985 pour concocter l'album "Together one more time", paru chez Antones.
Depuis la sortie de leur dernier elpee, "The closer you get", paru en 2000, le line up du groupe a été réduit à un quatuor. Ce qui n'a pas changé grand chose au style musical pratiqué par la formation de Notthingham. Etonnant, lorsqu'on sait que le musicien qui a quitté le groupe était un des deux préposés à la six cordes. En l'occurrence, Sam Hempton, un des membres fondateurs. Non content d'assumer le chant, Chris Olley se réserve donc maintenant toutes les parties de guitare. Faudrait voir quand même comment ils vont pourvoir se débrouiller sur scène sous cette nouvelle formule. Première constatation, le climat de leur nouvel opus est beaucoup moins ténébreux. Le malveillant et hypnotique " Anyway " constituant l'exception qui confirme la règle. Il y a même une ballade mélancolique, hymnique, intitulée " All my new best friends ", chanson qui aurait pu relever du répertoire de Coldplay. Mais dans l'ensemble, l'opus libère une intensité dévastatrice, impitoyable, féroce, qui frôle le nucléaire. " Cafetaria rats ", " Flypapers for freaks " et " Speed is in, speed is out ", épousent même la sauvagerie tribale des Stooges! Et si le reste se révèle plus britpop, surtout à cause du sens mélodique hyper contagieux et du timbre vocal falsetto de Chris, la tempête sonore ne se lève pratiquement jamais, tout au long des 11 fragments de ce disque. Un souffle sonique entretenu, de manière quasi permanente par la guitare et les claviers. Une tempête chargée de colère existentielle, manifestée par le groupe à l'égard du monde contemporain. Les lyrics venimeux, caustiques, cyniques, semblent même avoir été nourris au punk ! L'opus recèle cependant un fragment assez curieux, " Karen O " ; un morceau dont le tempo est imprimé par une boîte à rythmes, la mélodie réminiscente d'Oasis circa " Definitely maybe ", et le mur de guitare(s) construit à la manière d'un Band of Susans. Un superbe album !
Incroyable mais vrai ! Cette jeune Hollandaise de 21 ans avait été finaliste du ‘Starmaker’, sorte de Star academy hollandais, l'an dernier. D'abord enrôlée de force dans un groupe, Sita Vermeulen s'est rapidement libérée de cet engagement pour embrasser une carrière solo. Sita était donc née. Et on comprend aisément pourquoi elle a laissé tomber le nom de famille ! " Happy " est logiquement son tout premier opus. Composé de 12 morceaux, il est cent pour cent pop. Une pop sirupeuse, mélodiquement sans surprise, satinée par sa voix de petite fille. Certains morceaux réalisant un carton en Hollande, il faut s'attendre à ce que ce phénomène contamine bientôt nos ondes. D'autant plus qu'ils possèdent tous les ingrédients nécessaires pour y parvenir. Sita chante en anglais et non en néerlandais. Ce qui est manifestement un atout supplémentaire pour qu'elles y soient diffusées ! Son single " Happy " a même déjà été entraperçu sur une chaîne télévisée musicale. D'ailleurs, ce clip figure en bonus track sur l'album. La musique de Sita vise un public assez jeune qui se contente de souvent de rythmes très basiques. Aussi, si son style n'évolue pas en même temps que l'âge de ses aficionados, la lassitude risque de les gagner rapidement. Pour gouverne, Emiliana Torrini était quand même parvenue à réaliser des choses plus complexes et plus intéressantes. Mais énorme différence, elle les avait écrites ces chansons, ce qui n'est pas le cas de Sita !
Chez les Somatics, on retrouve Richard Green, le guitariste du défunt Ultrasound. Si, si, souvenez-vous de cette formation britannique, responsable d'un premier opus absolument remarquable paru en 1999 et intitulé " Everything picture ". Une formation qui a malheureusement dû splitter suite à des dissensions internes, provoquées par une incapacité à gérer des conflits entre musiciens à la trop forte personnalité. Richard possède une technique de guitariste bien à lui, au sein de laquelle il injecte énormément de feeling. Si son manche est capable de libérer des sonorités tantôt venimeuses, gémissantes, bringuebalantes, chatoyantes, réverbérantes, jazzyfiantes, lysergiques et bien sûr psychédéliques, évoquant tout à tour Neil Young, Hank B Marvin, Tom Verlaine, Chris Isaak, Vini Reilly ou encore Robert Fripp, c'est parce qu'il essaie constamment de le maîtriser comme un serpent. Mais Richard peut s'appuyer sur un drummer, aussi bien capable d'évoluer dans un registre rock, pop, métal que free jazz. Et puis sur Stéphanie (NDR : pas de Monaco !) Cant à la basse et au chant. Probablement l'épouse de Richard, puisque la bio nous indique Stéphanie Green. Elle possède une voix au timbre angélique qui se conjugue parfaitement avec celui très clair de Richard. Mais surtout, ses accès de basse distordus, semi-funkysants, ténébreux, irradient au cœur même des mélodies. Pour enregistrer ce disque, les Somatics ont reçu le concours d'un claviériste, dont les interventions pourtant discrètes se révèlent aussi efficaces que judicieuses. Un superbe album qui s'achève par un titre de néo prog rock de plus de 12'30, " Goodbye 25 ", un morceau de space/jazz/rock qui nous replonge dans l'univers crimsonien de " Lark's tongue in aspic ". Et si le reste se révèle moins emphatique que chez Ultrasound, il est tout aussi riche et impressionnant. Et des compositions telles que " Guilt trip " ou encore " Last days in an old town " sont de véritables petites perles. Un must !
Deux bonnes décennies après leur séparation, immortalisée par la sortie de leur classique "Underwater moonlight", les Soft Boys sont donc de retour. Et sous leur line up initial, s'il vous plaît ! C'est-à-dire Morris Windsor aux drums, Mathew Seligman à la basse ainsi que Kimberley Rew et Robyn Hithcock pour les vocaux et les guitares. Les deux derniers sont les plus célèbres, Kimberley ayant sévi chez les Db's et Katrin & The Waves, alors que Hitchcock a drivé les Egyptians avant d'entreprendre une carrière en solitaire. Un peu trop confidentielle, il faut le reconnaître, même si elle a été émaillée de quelques opus incontournables. Fin des seventies, les Soft Boys s'étaient donc illustrés par la pratique d'une pop teintée de psychédélisme. Un contre-pied au punk insulaire, inspiré par les Byrds, Syd Barrett et Captain Beefheart. Vingt ans plus tard, la recette n'a pas changé d'un condiment. On retrouve toujours ces guitares spasmodiques, scintillantes, le timbre nasillard de Robyn et ces mélodies contagieuses, mélancoliques, alimentées par des lyrics à l'imagerie visionnaire. Seul changement, le quatuor a largement dépassé la quarantaine. Et semble s'être essoufflé à l'issue du septième fragment de ce " Nexdoorland ". M'enfin, sur dix morceaux, il n'y a pas de quoi faire la fine bouche. D'autant plus que le reste est largement à la hauteur. Et en particulier l'instrumental allègre " Il love Lucy ". " Mr Kennedy ", ensuite. Une longue plage dont la tension électrique se consume comme chez le défunt et mythique Television. Et enfin, l'excellent et contagieux " Sudden town ". Un morceau caractérisé par un riff de guitare chimique, probablement pompé chez " The last time " des Rolling Stones. Une bonne surprise !
Chez Snowpony, on retrouve l'ex-bassiste de My Bloody Valentine, Deb Googe, ainsi que Katherine Gifford, une vocaliste qui aurait transité par Stereolab. Une chose est sûre, Katherine compose. Elle signe même toutes les chansons du deuxième album de Snowpony. Elle assure également toutes les parties vocales. D'un timbre monochrome, rappelant parfois celui de Hope Sandoval. Et c'est ici que le bât blesse, car ce timbre ne colle pas tellement à la musique, et finit même par lasser. Une musique pourtant fort riche, née d'un mélange de country, de psychédélisme et d'électronique (y compris collages, samples et gadgets technologiques), et caractérisée par des rythmes qui s'agitent constamment en toile de fond. Le plus souvent drum'n bass, parfois hip hop. Et lorsque ces rythmes passent à l'avant plan, la solution prend une dimension plus rock. A l'instar du superbe " Crumpled 10 ", du débridé " Into the heart of dalston " et du groovy " Naked twister ".
Spock's Beard est une des formations 'incontournables' de la scène prog. Ce qui explique pourquoi dès avant sa sortie, cet album a été salué comme un 'monument' par quelques chroniqueurs et amis du groupe. Le batteur de Dream Theatre, Mike Portnoy, l'a par exemple comparé au 'Lamb lies down on Broadway' de Genesis. Nous sommes en présence d'un pavé : un double CD concept ambitieux au digipack superbement présenté.
L'opus commence très bien : la plage d'ouverture est à la fois énergique, contrastée et séduisante ; et la suivante, ballade très radiophonique, augure une belle variété d'atmosphères. De fait, la suite est un feu d'artifice prog parfaitement conçu, interprété et produit. Le savoir-faire de la bande à Neal Morse n'est plus à démontrer. Tout en proposant son lot de passages aventureux ou apaisants, l'ensemble ne déménage pas trop mal. Neal cède parfois le chant à Nick D'Virgilio, son batteur à la voix bien plus expressive. Et certains morceaux méritent vraiment une mention spéciale (NDR : et je pense tout particulièrement aux 4 ou 5 derniers, lorsque le groupe se lâche pour de bon). Le CD ralliera sans problèmes de nouveaux fans en plus d'émerveiller les plus vieux. On ne peut cependant s'empêcher de parfois considérer que le groupe 'en fait trop' et qu'il applique (avec brio) des recettes connues sans innover. Spock's Beard semble être au prog ce que Hollywood est au cinéma : une grosse machine à superproductions typiquement américaines mais sans réelle âme (dans cet ordre d'idée, la voix de Neal Morse a toujours autant de mal à transmettre de l'émotion ; et les passages à vocation intime sont souvent teintés d'un académisme encombrant). Certains détracteurs considèrent même le groupe comme une perversion du prog.
Alors, chef-d'œuvre ? Seul le recul, en fait, nous permettra de vérifier si ce 'monument' est de marbre ou de glaise. Pourquoi ne pas vous forger votre propre opinion ?
Joyeux maxi foutoir que voilà. A la jonction du hardcore, de l'émo, du rock et de la soupe radiophonique. Si, c'est possible ! La question se pose : tous les mélanges sont-ils heureux ? Dans le cas présent la réponse fuse : non. Et c'est bien dommage. Vraiment ! Pourquoi ? A cause des chanteurs. Remède ? Il faut en virer un des deux. Oui, mais lequel : celui qui hurle comme un forcené ou celui qui chantonne comme Bon Jovi ? Selon les affinités, le choix sera vite fait. Pourtant, les parties les plus dures sont remarquables d'intensité. Tout est à l'avenant. Mais putain que font-ils à ce chanteur ? Incroyable ! Il est sûr qu'il ne fera pas de vieilles cordes vocales. Le band derrière assume comme un seul homme. Noise, émo-hard-core, tout passe à la moulinette. Mais ne me faites pas croire qu'il n'y a qu'un seul band sur ce maxi. Devraient opter pour un split.
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