Du gros rouge qui tache! Des amplis à lampes! De la sueur et des riffs plombés! Des fumées aux odeurs illicites! Vous avez dit stoner? The Quill et son heavy façon seventies va botter les fesses des Fu Manchu, Cowboys and Aliens et autre Spiritual Beggars. Notons d'ailleurs les solos de Mike "Spiritual" Amott sur le titre "Shapes of Afterlite" et la participation du groupe à un album tribute à Trouble, initiateur bien malgré lui du mouvement stoner. The Quill décoiffe grave et se démarque du genre grâce à la fabuleuse voix d'un chanteur qui évoque Ray Gillen ou John Sykes, période Blue Murder ; tout en nous proposant un magnifique voyage dans un monde flower power où il fait bon rester. Comme à l'accoutumée dans le genre, les guitares sont très grasses, les tempos souvent lents, les drums sonnent comme à l'époque du Grand Funk Railroad et chaque titre constitue une véritable invitation au headbanging. Inconnu au bataillon, mais plus pour longtemps, les Quill nous viennent tout droit de Suède et comptent déjà trois albums à leur actif. Impitoyable, la deuxième plage de cette caravane voodoo justifie à elle seule l'achat de cette petite bombe aux parfums hallucinogènes. On en redemande!
Certain qu'avec cet album, les QOTSA ont écrasé toute la concurrence rock de cette année : rythmiques du feu de dieu (Dave Grohl en guest-star), refrains incendiaires, mélodies en béton… " A Song For The Dead ", " Go With The Flow ", " No One Knows " : autant de tubes taillés dans le roc le plus dur, qui ne sombrent jamais, pourtant, dans le métal risible. Imparable.
Vivant du côté d'Edmonton, à Alberta très exactement, Lester Q est canadien. La slide guitar est sa spécialité. De quoi déjà plaire aux amateurs de blues ! Il est aujourd'hui aux commandes de son Very Electric Trio. Greg Johnston est à la basse, aux claviers et à accordéon, Lyle Molzan aux drums. Lester a aujourd'hui 27 ans. Il est né de père danois et de mère hollandaise!! Il a longtemps fait partie d'un groupe qui répondait au nom des Yard Dogs. En 1993, il a sorti un album intitulé "Keep on walking". Puis un second album, plus personnel et électrique en 96, "A big love". Pourtant Lester fréquente surtout les milieux ‘folk’. Ce qui l'a poussé à enregistrer en 2000, un album en compagnie de Bill Bourne, spécialiste en folk celtique, et du guitariste Madagascar Slim : "Tri/Continental". Double album, "Tri Continental Live" a vu le jour en février 2002.
"So here we are" s'ouvre par une version très électrique et un tantinet hard du "Rollin' & tumblin" de Muddy Waters. La section rythmique est en béton. La voix adaptée au style. La slide ronronne furieusement en produisant des montées en puissance très métalliques. Un important travail de production a été accompli tout au long des sessions d'enregistrement. Le son est très rempli, le dépouillement n'est pas ce monde. Le calme peut cependant faire partie de l'univers quitzalien. A l'instar du 'deltaesque' "Waiting", enrichi par la mise en forme d'effets amplifiés. "Honey Bee", autre classique de Muddy Waters, adopte un jeu assez technique de recherche sonore et de réverbération. Le reste de l'album relève de la plume de Lester. La trame musicale reste cependant semblable. Il opère un travail synthétique sur le son chez l'atmosphérique "Here we are". La voix est proche de celle de Jimi Hendrix. J'apprécie tout particulièrement "Release me", un blues lent, dépouillé, dégageant fièvre et menace. La guitare électrique est certainement inspirée par Billy Gibbons du ZZ Top. Au milieu du déluge émerge une chanson acoustique : "Broken heart. Une composition épicée d'un piano et d'un orgue discret ainsi que du violoncelle de Christine Hanson. "Devil's dues" est une composition assez complexe, à la sonorité originale. Elle peut rappeler El Fish de l'époque "Wisteria". La puissance de feu revient pour "Home on the range". La slide crache son venin. Un boogie dramatique rappelant une nouvelle fois ZZ Top! "Time takes time" est une somptueuse ballade, proche de la country music! L'album s'achève par "Heart & Soul", une complainte jazz funk, marquée par les percussions. Un étrange album aux saveurs inattendues...
Impossible de chroniquer cet album de Pierre Rapsat. Comment prendre du recul face à ce qui devait être un témoignage, un best-of, et devient un testament ? En avril 2001, quand il a enregistré ce double album en concert au Cirque Royal de Bruxelles, Rapsat se remettait d'un cancer. On sait maintenant que la rémission fut de courte durée. En 24 chansons, il retrace toute une carrière. Alors, forcément, on se dit qu'elle méritait une meilleure reconnaissance internationale ; que " Illusions " ou " Passagers de la nuit " ne devaient pas rester des tubes uniquement belges. J'ai redécouvert avec plaisir " Joan jouait aux dominos " dans une version très poignante. Mais, on ne m'enlèvera pas ma conviction que, ses plus belles mélodies, Rapsat les a écrites à la fin de sa vie. Je songe à " Ensemble " (qui en fait le Goldman du Parti socialiste wallon) et, plus encore, à " Tous les rêves sont en nous ". Les amateurs noteront encore la présence, en fin d'album, d'un petit extra sous la forme d'un duo avec Lio pour " Rien qu'une chanson ".
Moins 'Prog' qu'alternatif, Rajna mérite le détour. Ce duo français propose une musique d'inspiration ethnique orientale, intégrant une foule d'instruments traditionnels. Les rôles sont parfaitement répartis entre Jeanne et Fabrice : elle chante ; lui joue de tous les instruments, dont le tambour à eau, les flûtes de bambou, tablas, balalaïka, dulcimer, cloches birmanes et autres harpes. Et le résultat est vraiment très réussi. Pour les repères, on pourrait évoquer un Dead Can Dance débarrassé de sa sinistrose, donc de sa facette gothique. Rajna est parfois mélancolique, mais respire avant tout la fraîcheur et la sérénité (en parfait accord avec le titre). Jeanne ne s'essaie pas aux performances vocales époustouflantes parfois offertes par DCD, mais n'en est pas moins une chanteuse sensuelle et délicate, attachante tant dans ses chuchotements que dans ses vocalises parfois éthérées. Les plages sont certes répétitives, mais jamais lassantes. Au contraire, l'envoûtement est garanti ! Et Rajna ménage certaines 'respirations' très planantes (« Into the Dream »). Si le dépaysement et les savoureuses découvertes vous tentent, surtout ne manquez pas cette 'Porte de la Sérénité' !
" Dance To The Underground " constitue le nouvel anthem punk funk de cette fin d'année ; alors que 2002 aura vu renaître le rock'n'roll le plus coriace, des turbulents Libertines aux nébuleux Interpol. Allô New York, ici Radio 4, hommage non feint à John Lyndon et à son rock trempé dans le dub, période " Metal Box " de Pil. A l'instar du 12e morceau, justement intitulé " Radio 4 ". Tout un programme ! 1979. 23 ans déjà. Et pourtant le gang de la Grosse Pomme évite de trop recycler les poncifs du post-punk. Nous sommes bien au XXIe siècle. L'électro s'est immiscée sournoisement dans tous les genres, pour accoucher de ce monstre hybride qui donne le tournis, entre guitares qui fusent et grosses basses (beats) qui martèlent. Punk funk, donc. Liars, The Rapture, Out Hud, LCD Soundsystem, Radio 4 : aux manettes, le plus souvent, un duo de producteurs aux mains habiles, James Murphy et Tim Goldsworthy, Alias DFA. Godamn ! Ces gars-là savent y faire. Violence et dance. Dans le collimateur de cette double paire d'oreilles affolées (et affûtées) : Gang of Four, This Heat et 23 Skidoo, les nouveaux parrains d'une scène affriolante qui ose les croisements incertains, les alliances incestueuses. À l'heure où l'Amérique part en croisade contre le monde, des groupes de la trempe de Radio 4 persistent et signent : " Dance To The Underground ", clament-ils à Bush et Giulani, pour que plus jamais ne soient interdites les parties de jambes en l'air (" Certain Tragedy ", " New Disco " : de la bombe !) dans les clubs de New York et d'ailleurs. " Vous chantiez ! J'en suis fort aise ! Eh bien dansez maintenant ! ", pourrait-on s'entendre dire de politiciens rabat-joie et pisse-froid, sclérosés par l'arthrite. Eh bien oui mes amis, mieux vaut être cigale que fourmi ! Et ça, Radio 4 l'a bien compris.
Jay-Z et R. Kelly sont deux monstres de la black music. Mais si l'un est reconnu pour sa verve hip hop et ses talents de producteur (Jay-Z), l'autre n'a de cesse de se vautrer dans le R'n'B le plus factice et le plus sirupeux, se proclamant " King of the world ", alors que sa musique est aussi fade qu'un gros plat de nouilles. En exhibant fièrement ses pectoraux luisants aux midinettes de 13 ans sur fond de soupe FM pleine de beats putassiers, R. Kelly fait sacrément pitié. " The Best Of Both Worlds " : ce n'est donc vrai qu'à moitié, et encore… Car Jay-Z, lui aussi, trempe parfois sa musique dans la fange, quand il ne montre que son côté le plus beauf et le plus réac', celui qu'MTV aime tant diffuser dans des clips vulgaires et machistes. Pourtant, son dernier disque, " The Blue Print ", a été salué comme l'un des meilleurs albums hip hop de l'année dernière, et c'est justifié. Alors pourquoi s'être lancé à corps perdu dans cette entreprise de marketing maousse costo, au côté du plus gros mac de la musique black ? Pour le tiroir-caisse sans doute, mais question d'image, c'est une belle grosse bourde : " The Best Of Both Worlds "… Y a-t-il affirmation plus grossièrement prétentieuse, surtout quand on voit le gros R. Kelly prêcher sa bonne parole (" I Love God ", et blah blah blah) en survêt' de gros mâle en rut ? Question musique, donc, c'est plutôt raté : on sent le travail bâclé, la collaboration discutée sur contrat, mais pas en studio. " The Best Of Both Worlds " ? Euh, hum, " The Worst ", en fait.
Après cinq années d'absence, le trio légendaire canadien Rush sort de sa tourmente. Cinq années dramatiques vécues par les membres du combo ; et plus particulièrement par le batteur Neil Peart, frappé par la disparition accidentelle de son épouse, puis de sa petite fille. Deux lourdes épreuves consécutives qui auraient pu aboutir au split des géniteurs du métal progressif. Peut-on imaginer où en seraient aujourd'hui les carrières de Dream Theater ou même de Porcupine Tree, si des albums tels que "Power Windows" ou "Moving Pictures" n'avaient vu le jour à l'aube des années 80? Rush demeure la référence absolue en matière de métal alambiqué ; les dieux des harmonies symphoniques et des mélodies complexes.
Parfaitement à l'aise dans son époque, Rush nous offre une nouvelle plaque du tonnerre de Zeus, excellant dans les titres aux riffs sévèrement burnés comme lors de ses épanchements lyriques et mélancoliques. Dès la plage d'intro, "One Little Victory", Geddy Lee et ses comparses décochent des flèches fulgurantes. Avec une telle force, que le fan de base se demande s'il a bien affaire au même groupe que celui qui chantait "Time Stand Still", à l'époque de l'album rouge. Le son est agressif, très heavy, trop diront certains, mais le génie inventif du trio est intact. Les synthés sont inexistants sur "Vapor Trails", mais les trouvailles et les surprises sont légion. Les Canadiens ont mis tout leur savoir-faire au bénéfice des 13 titres qui composent cette plaque tant attendue. Et pour le bonheur de nos tympans ! Les solos de guitares occupent une place privilégiée et s'incorporent à merveille au corps des compos aussi riches que variées. Toujours aussi soignés, les arrangements apportent une envergure sans pareil à la musique du trio ; mais les amateurs de l'époque eighties resteront peut être sur leur faim, car Rush a fait le choix d'accorder sa musique au diapason du métal moderne. On est très loin de l'époque glorieuse du live "Show of Hands", mais c'est tellement bien fait, qu'on ne peut s'éterniser à regretter le passé. Plusieurs écoutes s'imposent donc...
Cet auteur/compositeur/interprète hollandais a déjà bien roulé sa bosse sur la scène musicale. D'âge mûr, il a ainsi participé à l'aventure de plusieurs formations musicales, dont une avec le batteur de K's Choice, avant de se lancer dans une carrière solo, en 96. " Keep it coming " est le dernier né d'une famille de trois albums. Une œuvre qui émarge à la country, mais une country dont les mélodies basiquement acoustiques autorisent une multitude d'arrangements et de rencontres avec d'autres styles musicaux. Les 11 morceaux riches en sons, à la fois classiques (guitares, harmonica, …) et modernes (boîtes à rythmes), puisent donc leurs racines dans la country/folk alternative, mais également dans le rootsrock. Car malgré certaines sonorités plus électroniques, la musique de Jan Willem Roy respecte les valeurs traditionnelles de ce genre musical. Nonobstant cette authenticité, l'album est loin de reproduire les clichés propices aux atmosphères enfumées, où une bande de cow-boys dansent avec chapeaux et santiags sur un plancher en bois. Les arrangements sont opérés avec goût et efficacité. Ce qui peut paraître étonnant lorsqu'on sait que la Hollande n'est pas réputée pour ses artistes country… " Fool to rush on " fait même penser à Bruce Springsteen et aux sons " nashvilliens ". Optimistes, la plupart des textes véhiculent des messages chargés d'espoir. Ce qui explique sans doute pourquoi le registre vocal est léger, presque joyeux. En conclusion, ce " Keep it coming " possède tous les atouts pour réconcilier la nouvelle génération avec les sons d'antan.
C'est à Nashville que Josh Rouse est né, a grandi et a commencé à jouer de la guitare. Rien d'étonnant dès lors à ce que sa musique lorgne dangereusement du côté de Hank Williams et de Bessie Smith, mais sans les oripeaux cow-boy généralement de rigueur. Ici, on navigue entre country ricaine et pop anglaise, les chansons de Josh Rouse n'ayant pas peur de changer leur stetson contre l'intégrale de Radiohead. " Under Cold Blue Stars " ne ressemble donc pas à un recueil de vieilles rengaines sudistes de l'Amérique profonde : ses mélodies sont avant tout ciselées pour plaire aux fans de Sparklehorse et des Cowboys Junkies, voire de David Gray. En osant l'alliance du trio classique guitare-basse-batterie et de quelques loops discrets mais bien charpentés, Josh Rouse réussit l'album de " néo-country " idéal, à classer entre la discographie de Lambchop (avec qui il a d'ailleurs collaboré, sur l'EP " Chester ") et celle des Jayhawks. Et si des titres comme Nothing Gives Me Pleasure (un hit en devenir), Feeling No Pain ou Miracle séduisent par leur simplicité et leur efficacité, ils ne tombent jamais dans la recette facile (demandez par exemple aux Counting Crows). Josh Rouse, nouveau nabab d'une musique américaine décomplexée de ses hymnes skate-rock ? " Under Cold Blue Stars ", bientôt sur toutes les ondes ? On peut toujours rêver.
‘On a trip in Switzerland, I tried to record and capture the sounds around me, to try and catch the sound of the mountains, of just sitting in the garden listening to the palm trees fluttering in the breeze and standing in the torrential rain as a passing storm cleaned the air’. Mark Beazley n'est pas un néo-hippie reconverti à la lounge de bar tapas, mais le leader du groupe electro-post-rock Rothko. Après 3 albums, un live et diverses collaborations, le trio de base s'est désagrégé, laissant Beazley seul et sans ressources… Heureusement, le bonhomme n'est pas du genre à baisser les bras. Il a donc fait appel aux membres du groupe Delicate AWOL pour repartir de plus belle, nous léguant ce nouvel album beau et apaisant à la fois. Une oeuvre d'une langueur en tout point fœtale. Car l'auditeur - plongé dans cet environnement sonore où se côtoient bruits de pluie ("Bloodtied"), grincements de porte (" Crossing To Gandria "), accords sibyllins, (rares) voix cristallines (" On the Day We Say Goodbye ") - ne peut que perdre toute notion du temps et de l'espace, blotti dans cette musique amniotique tel un fœtus dans le ventre de sa mère. Les mots disparus (" Words Melt Away ", le dernier titre), la vie en suspens, l'esprit divaguant… c'est nu, sans armes, serein, que l'on écoute cet album, dans lequel chaque note est calme et volupté.
Avec un visuel proche des déjantés Gwar, on pourrait croire que ce nouveau combo américain constitue une nouvelle parodie du métal satanique. Comme son titre l'indique, "Evilution" n'a rien à voir avec une œuvre des Petits chanteurs à la Croix de bois et nous balance la totalité des clichés du genre. Pentagramme, atmosphère diabolique, un 666 transformé pour les circonstances en 665 1/2, attitude vampirique, ambiance sado-maso, tout y est. Evoluant quelque part entre les Butthole Surfers, Black Sabbath et Marilyn Manson, le groupe n'arrive toutefois pas à nous convaincre de sa "bonne foi". Les vocaux sont épouvantables, le son douteux et les compositions pêchent par un cruel manque d'originalité. Même la reprise de l'excellent "Hell is for children" de Pat Benatar est passée à la moulinette, sans aucun humour, avec une totale absence de finesse. Un album qu'on retrouvera dans les bacs à soldes des disquaires de seconde main dans les deux mois à venir.
Le nouvel album de Perry Rose a été enregistré au sein de quatre studios différents : au 'Production suite' de Dublin, à l''OZ' de Riec sur Belon en Bretagne et à Bruxelles, au 'Red-House' et à l''Attic'. Un périple au cours duquel, il s'est entouré de collaborateurs de premier choix. Sept fragments ont été ainsi mis en forme en Irlande, par les célèbres producteurs Chris O'Brien et Graham Murphy (Human League, Perry Blake, Trevor Horn). A Dublin, Perry a également pu compter sur le concours du percussionniste Robert 'Bongo Bob' Haris (Foalan, Riverdance). En Bretagne, il a commis deux titres en compagnie du pianiste breton Didier Squiban, et puis il a bénéficié de la participation du joueur d'uillean pipes, Ronan Le Bars (Stefan Eicher, Gilles Servat, etc.). Pour Bruxelles, Perry a pu compter sur ses amis habituels. Le trio Trad, tout d'abord (Didier Laloy, Luc Pilartz et Aurélie Dorzée). Yves Barbieux, ensuite (Urban Tad). A la flûte et à l'accordéon. Et puis le neveu de feu Jean-Pierre Catoul, Sébastien Walnier, a rejoint Perry sur " Lately ", composition écrite en hommage à Jean-Pierre. Sans oublier les deux chansons (" Glasgow " et " Did you ever "), dont la production et les arrangements ont été confiés à Didier Dessers, le producteur artistique de Pierre Rapsat. Et pour donner davantage de couleur à ses chansons, certains titres ont même été retravaillés au sein des différents studios. Résultat des courses, lorsque les chansons de Perry s'enferment sous un format résolument pop, on a l'impression de les avoir déjà entendues. Et ce nonobstant son sens mélodique, toujours aussi contagieux. A contrario, lorsqu'elles épousent la sensibilité celtique (irlandaise ou bretonne, et parfois les deux en même temps), elles libèrent une intensité véritablement rafraîchissante et en deviennent même absolument irrésistibles…
Eileen Rose est une jeune auteur/compositeur/interprète américaine qui vient de sortir son deuxième album. Découpé en 10 morceaux, " Long shot novena " meublerait bien, à première vue, le rayon bateau " pop-rock ". Après écoute, il paraît plus difficile à caser, tant il est riche en nuances musicales, passant allègrement de la pop à la country. Ces différentes compositions offrent un registre émotionnel très éclectique, à la fois léger et mystérieux. L'instrument clef de la musique d'Eileen Rose est sa voix. Une voix chaude et éraillée capable de transcender les mélodies. Paru en 2001, son premier album (" Shine like it does ") avait eu bonne presse, et en particulier à cause de son registre vocal. Bien que plus mélancolique, " Long shot novena " possède, lui aussi, certains atouts pour être reconnu à sa juste valeur. " Two is one " passe déjà à la radio et le concours de l'ex bassiste des Sex Pistols, Glen Matlock, fait également son petit effet sur " Snake ". Nonobstant le ton grave manifesté par certaines chansons, l'ambiance reste étrangement sereine et envoûtante. A écouter dans l'intimité !
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