En 1996, ce sextuor suédois commettait son premier elpee, " Welcome to the Infant freebase ". Un disque assez étonnant qui puisait essentiellement son inspiration dans la quintessence du psychédélisme. Un opus qui est cependant passé totalement inaperçu. Tout comme le suivant d'ailleurs, " Extended revelation for the psychic weaklings of western civilization ".
" Behind the music " constitue donc le troisième album de TSOOL. Si le psychédélisme y est toujours bien présent, il n'y est plus omniprésent. Deux compositions libèrent ainsi un groove aussi voluptueux que chez les Stones. Circa " Gimme shelter " chez " Sister surround ", " Brown sugar " chez " 21st century rip off ". Hymnique, contagieux, "Keep the line movin" est taillé dans le même moule punk rock que le " Wild things " des Troggs, alors que " Broken imaginary time ", nonobstant ses séquences d'orgue en spirale, cathédralesques, est tramé suivant le schéma 'par paliers', adopté par les Beatles sur " I want you ". L'ombre des Fab Four plane encore sur " In somenone elses mind " ; mais acoustique, et plus exactement celle du " Double blanc ". Elle devient même progressivement sydbarretienne, avant de glisser insidieusement dans l'univers, planant, floydien, de " Broken imaginary time "… Si " Infra riot " réussit le parfait croisement entre le heavy folk du Led Zep (NDR : du " III ", of course !), la vision lysergique de 13th Floor Elevators et le psyché débridé de Spiritualized (NDR : pardon de Lupine Howl !), " Independent luxury " est agité par un tempo house que n'aurait pas renié les Stone Roses. Le reste de l'œuvre se révèle davantage mélancolique et contemporain. Hit potentiel, " Nevermore " transpire le feeling mélodique d'un Coldplay et l'uptempo " Still aging " celui des Bluetones. Le 'Remesque' " Ten years ahead ", le plus enlevé " The flood " et le légèrement countryfié " Into the next sun ", vibrent aux tonalités bringuebalantes de la six cordes, comme chez House Of Love. Acoustique et bouleversant, " In your veins " bénéficie d'arrangements de cordes prodigués dans l'esprit d'un Sophia, alors que le piano sonore frémit tout au long de " Tonight ". Un fragment qui aurait pu figurer sur le projet de Martin Hederos et de Mattias Hellberg (NDR : Normal, puisque Martin est le claviériste/pianiste de TSOOL). Bref, un album indispensable, ou si vous préférez, cinq étoiles (NDR : ça rime !). Et au plus je l'écoute, au plus j'y décèle de nouvelles richesses…
Adrain Borland s'est donc donné la mort en avril 99. Sa carrière solo a été un véritable fiasco. Et ses aventure successives chez les Outsiders et chez le Sound, au sein desquels il était le leader/compositeur/chanteur/guitariste n'ont pas eu le succès mérité. Celle du Sound s'est terminée en 1988. En compagnie duquel il a commis huit albums et une poignée de singles. Dont ce " From the lions mouth ", paru en 1981 ; et qui fait aujourd'hui l'objet d'une réédition en compact disc. Dix fragments plus un morceau caché, qui n'est autre que le single " Hothouse ", commis également la même année.
A l'aide d'une structure instrumentale classique (basse, batterie, guitare, claviers), le Sound développait une structure sonore dense, lyrique, mélancolique, mais tellement bouleversante. Une structure ‘cold wave’ sur laquelle la voix tendre et intense d'Adrian collait à merveille. Mais victime de l'ignorance collective, ce groupe n'atteindra jamais le statut d'Echo & The Bunnymen ou de Joy Division auxquels il était parfois comparé.
"Murray street" est donc le titre du 16ème album officiel de Sonic Youth. Mais c'est également le nom de la rue qui abrite le studio au sein duquel il a été enregistré. Une artère adjacente aux tours jumelles de New-York, qui ont été détruites le 11 septembre 2001. Un choix qui peut se comprendre, lorsqu'on sait que les membres du groupe sont new-yorkais ; et ont donc été très marqués par ces attentats.
Pour réaliser cet opus, la formation a reçu le concours de Jim O' Rourke. A la production, à la guitare et aux claviers. Une collaboration que le compositeur expérimental avait déjà apportée dans le passé. Mais la nouveauté procède de sa nouvelle implication. Non seulement il accompagne le combo pour leur tournée mondiale, mais il se chuchote qui deviendrait le cinquième membre du band.
Mais venons-en à cette nouvelle plaque. Découpée en sept fragments, elle réalise le parfait compromis entre les noisy " Sister ", " Daydream nation " et " Dirty ", et l'énergie ainsi que le dynamisme développés sur " A thousand leaves " et " NYC ghosts & flowers ". Compromis, mais pas compromission, car si les mélodies sont beaucoup plus contagieuses, leur construction est toujours aussi peu orthodoxe. Tramées, tout au long de ce " Murray street " sur le dialogue échangé entre les trois guitares. Trois fois six cordes qui se conjuguent avec une redoutable efficacité, nous entraînant dans un périple psychédélique, pour ne pas dire noisy. Bienvenue, donc dans l'univers du psychédélisme. Celui de la west coast de la fin des sixties et du début des seventies. Pensez à Greateful Dead. Mais également à David Crosby, lorsqu'il avait commis le fabuleux "If I could only remember my name". C'est tout à fait évident chez "Disconnection notice". De la fin des eighties, également. Le spectre de My Bloody Valentine hante ainsi le croustillant " Rain on tin ", les onze minutes de " Karen revisited ", dont le final scintille d'un feedback ultraviolet ou encore " Sympathy for the strawberry ", imprimé cependant sur un tempo métronomique. Plus éthéré encore, " Radical adults lick godhead style " frôle la nébuleuse King Crimson, lorsqu'elle était encore proche de la galaxie " Lark's tongue in aspic ". Reste deux titres qui vont à contre-courant de cette impression générale. Tout d'abord la chanson élégante et fruitée " The empty page " ; et enfin le punkysant, 'pjharveysque' " Plastic sun ". Ah oui, j'allais oublier : les vocaux si caractéristiques accordés alternativement pat Kim Gordon et Thurston Moore sont toujours du même tonneau. Epatant !
Songs : Ohia fait partie de ces groupes qui cultivent une certaine mélancolie suicidaire, à bout de nerfs, proche de la litanie, mais sans tomber dans le misérabilisme chronique. Comme Bill Callahan et Will Oldham, Jason Molina chante d'une voix fatiguée des histoires pas gaies, portées fébrilement par quelques accords bancals et une batterie enrhumée. Comme tableau, on fait difficilement plus pathétique, et pourtant : les chansons de Songs : Ohia émeuvent, bouleversent. Quand Jason Molina répète inlassablement qu'il est " paralysé par le vide " (sur " Blue Factory Flame "), on se surprend à fredonner la gorge serrée, comme si notre vie en dépendait. Neil Young, Nick Drake, Willie Nelson sont évidemment passés par là. Des traces de leurs chansons et de leurs voix en témoignent sur ce disque, fantômes d'une ère où le rock s'alimentait encore aux sources du Delta blues et du Mississippi. Songs : Ohia a su faire siennes ces influences, intégrant dans son répertoire du bluegrass, du folk, de la country. Et si Jason Molina semble chanter avec des béquilles, c'est pour mieux se relever, toujours, et l'espoir d'apparaître enfin. Sa musique alors se teint d'une aura presque mystique, à laquelle il est difficile de ne pas succomber.
Ce sympathique trio de pop-rock nous vient d'Hasselt, encore que ses influences sont clairement à chercher de l'autre côté de l'Atlantique, auprès des mélodies sucrées de Weezer, Fountains of Wayne et des Lemonheads. Depuis ces derniers mois, une pléthore de groupes flamands clame leur amour de la chanson pop bien écrite, de Lemon à Starfighter en passant par Zornik. Espérons seulement qu'il ne s'agit pas d'une vague musicale destinée à se briser sur les barrages de l'indifférence générale, surtout du côté francophone.
Originaires de Los Angeles, les musiciens de Sunstorm n'ont rien perdu de cette propension typiquement West Coast à toujours en rajouter (souvenons-nous des Grateful Dead et de tous leurs aficionados) : on a donc droit ici à un rock un peu rétro, lorgnant du côté des Rolling Stones (la voix), des Doors (l'orgue Hammond) et, donc, de l'acid rock (le titre du CD). Le son est léché. Le slow Mojave's Town est d'enfer. Le tout s'écoute avec plaisir. Mais c'est quand même moins bien que Spiritualized.
Souffrant, le claviériste Neil Codling a donc été remplacé par un deuxième guitariste, qui répond au nom d'Alex Lee. Facile donc d'imaginer que Suede en soit revenu à une formule plus électrique. Pas du tout. Hormis le très enlevé " Street life " (Roxy Music ?), une superbe chanson sordide, up tempo, tempétueuse, presque britpop, traversée par un harmonica cinématique, intitulée " Obsession ", et " Beautiful lover ", dont les arpèges méticuleusement tissés font immédiatement penser au style que pratiquait Bernard Butler, l'électricité est toujours aussi discrète. Ce qui n'empêche pas ce disque de receler quelques chouettes compositions. Et je pense tout particulièrement au hit single " Positivity ". Pur jus Suede, il est enrobé de somptueux arrangements de cordes. Tout comme le tendrement folk " Lonely girls ". Si l'hymnique " One hit to the body " ou encore le ‘lennonesque’ " Astro girls " ne manquent pas d'allure, le reste s'enlise un peu trop facilement dans la balade sirupeuse. Dépouillée aussi. Un dépouillement qui ne sied guère à des chansons aussi nonchalantes (NDR : qui a dit soporifiques ?). Je me demande même ce que Stephen Street est venu faire à la production. Il avait pourtant pris le relais de Tony Hoffer, dont la bande à Brett Anderson, n'était pas satisfait. Mais en participant à la mise en forme d'un opus trop inégal, il n'a certainement pas enrichi sa carte de visite…
Ce trio guitare/contrebasse/batterie vient de Hollande ; et pourtant on le croirait tout droit débouler d'Anvers, tant ses accointances avec nos groupes fétiches (dEUS, Think Of One et surtout Zita Swoon) sont flagrantes. Même souci d'acoquiner blues, pop et country, de donner la fessée aux clichés, d'envoyer s'écraser le rock trop poli sur les murs capitonnés des musiques les plus déglinguées, de Tom Waits à Captain Beefheart. Véritable auberge espagnole où les pensionnaires s'appelleraient Soul Coughing (« Où est le bon », cherchez le lien) , Johnny Cash ("Willytone") voire le John Spencer Blues Explosion ("Bank Account"), la musique de Stuurbaard Bakkebaard accuse parfois le trop-plein d'influences, mais ne baisse jamais la garde. Et en chantant aussi bien en flamand qu'en français (plus l'anglais), ce trio n'a pas peur des frontières linguistiques. Une bonne leçon pour tous nos chers artistes, frileux en la matière. Roots, nerveux, chaleureux, ce "Chuck !" est un sacré compagnon de biture et un parfait remède à la morosité.
Le label Crosscut vient de prendre l'excellente initiative d'éditer une série fort intéressante d'elpees enregistrés en public. Intitulés "In the house", ils ont été enregistrés en Suisse, dans le cadre du Lucerne Bues Festival. Un soir de novembre 1998, la scène était occupée par de véritables routiers du Chicago Blues, venus apporter la bonne parole! Le vétéran Bob Stroger est un gentleman du blues. Il est originaire du Missouri mais vit à Chicago depuis 1955. Il s'est très rapidement converti au blues. Pendant une quinzaine d'années, il a participé à l'aventure d'Eddie King & the King Men ; mais au cours des années 80, il a embrassé une carrière de musicien freelance. Ce qui lui a permis de côtoyer les meilleurs bluesmen : depuis Otis Rush à Sunnyland Slim, en passant par Jimmy Rogers et quelques autres ; et d'enregistrer en compagnie de la crème de la scène blues chicagolaise. A l'instar de Billy Flynn et de James Wheeler, il a sévi au sein de la première mouture du Mississippi Heat.
Le line up de ses Chicago Blues Legends me donne l'eau à la bouche. Il est constitué, à la base, du Ken Saydak trio ; c'est à dire Ken au piano, Marty Binder à la batterie et Bob à la basse. James Wheeler et Billy Flynn aux guitares, ainsi que Ron Sorin à l'harmonica, complètent le tableau.
Bob entame au chant son "Talk to me Mama", un titre bien saignant qui met en exergue la guitare de Wheeler et l'harmo de Sorin. "The blues is back in town" nous clame Mr Stroger, avant de nous servir un blues à fleur de peau intitulé "Stranded on St Louis", un fragment écrit par Omar Shariff, au cours duquel tous les musiciens sont parfaitement en place. J'épinglerai cependant le rôle joué par Ken Saydak ; un rôle semblable à celui qu'Otis Spann exerçait pour Muddy Waters, c'est à dire tantôt dans l'ombre, tantôt sur le devant de la scène, mais du début à la fin brillant, discret et toujours efficace. Ken opéra ses débuts chez le groupe de Mighty Joe Young, avant de rejoindre celui de Lonnie Brooks. Il participa également à des sessions pour Johnny Winter, avant de former Big Shoulders, en 1987. Billy Flynn chante le "Lovin' man" de Muddy Waters. Il n'oublie pas d'y inclure une bien solide partie de slide. Flynn est un guitariste blanc qui fut découvert par Jimmy Dawkins. Ce musicien très apprécié et très sollicité à joué depuis avec le Legendary Blues Band, Mississippi Heat, Kim Wilson et Otis Rush. "Extension 309" marque le retour du blues lent et prenant. Un morceau composé, chanté et interprété par James Wheeler ; un musicien qui a longtemps joué pour Otis Rush et Willie Kent & the Gents. James chante aussi le très rythmé "Gonna make some changes". Le rythme emprunte celui du chemin de fer tout au long de "Loan me train fare", une plage qui souligne les qualités de l'harmoniciste Ron Sorin. Un musicien fort proche de Ken Saydak. Il a participé à son album "Foolish man", paru sur Delmark, et fit aussi partie de Big Shoulders ainsi que du backing group de Johnny Winter. "Heads up" est un instrumental signé Freddie King, il est interprété à la manière de ….Freddie K. Ken Saydak adore les envolées rythmiques de la Nouvelle Orléans. Il le démontre à travers sa version du "Thinking and drinking" d'Amos Milburn. Il le chante d'une voix chaude et ravagée, dans le même style que son "Watching the river flow", paru sur son album "Love without trust". Un disque édité également chez Delmark. Ecrit par Jimmy Rushing et un certain Count Basie, le somptueux "Going to Chicago" constitue le dernier blues lent. L'album s'achève par un vigoureux "Keep your hands off her". Une heure d'excellent Chicago blues classique!
Produit entre autres par Rudy Trouvé, le trio Star Club West propose une pop sans additifs mais pas sans colorants. Pas que leurs morceaux manquent de peps, bien au contraire : " Linda Trip " rappelle Metal Molly, " Chamonix " sonne comme du Fence sous la neige et " Karma " invite Sonic Youth à croiser les manches. Bonne mixture sans chichis mais jamais banale ni barbante, leur folk-rock mélancolique confirme la bonne santé de nos voisins flamands. A noter qu'avec l'ex dEUS à la console, difficile de tomber à court d'idées… En tout cas, bienvenue au club !
Il y a cinq bonnes années que l'ex-guitariste et co-compositeur du légendaire Stone Roses n'avait plus rien enregistré. C'était en compagnie de Seahorses, pour l'album " Do it yourself ". Un groupe qui, nonobstant le succès plutôt confortable, ne parvint pas maintenir le cap. John nous revient donc avec un opus solo. Pour lequel il se réserve la guitare et pour la première fois le chant. Si sa technique à la six cordes est toujours très au point, il a le bon goût de ne pas trop en rajouter, histoire d'apporter davantage de corps aux chansons plutôt que de les dominer. Vocalement, son timbre aigre me fait surtout penser à un hybride entre celui de Peter Perrett (Only Ones) et de Tom Verlaine. Mais en épousant les inflexions de Bob Dylan, sa voix devient rapidement lassante. D'autant plus que les lyrics sont assez pauvres. L'elpee l'est tout autant. Hormis le single tempétueux " Joe Louis ", " I miss you " au souffle bluesy troublant, le plus complexe " Welcome to the valley ", " Strange feeling ", tramé sur une slide douloureuse et calqué sur " You can't always get what you want " des Stones, ainsi que le presque psychédélique (Mojave 3 ?) " Transatlantic near death experience ", on reste sur sa faim. Ni funk, ni punk, ni house à se mettre sous la dent. La pitance sonore se contente de tremper dans un folk rock sans grande saveur, réminiscent d'un Tom Petty des mauvais jours.
L'E Street Band n'avait plus participé à la confection d'un album du boss depuis 1984. En 1995, il avait bien apporté son concours à l'enregistrement de trois inédits, destinés à enrichir un " Greatest hits ". Et puis en 1999, il avait également accompagné Bruce pour une tournée, ponctuée de l'opus " Live in New York City ". Mais pour le reste, Springsteen s'était depuis toujours passé de leurs services. Tallent, Clemmons, Weinberg et plus surprenant, les guitaristes Van Zandt et Nils Lofgren sont de la partie. Surprenant, car Lofgren avait remplacé Van Zandt, en 1984, juste avant que le groupe n'entreprenne une gigantesque tournée mondiale. Ils jouent ici ensemble. Et la râpe de Nils (NDR : faut pas oublier qu'il a joué avec Neil Young ; et en particulier participé à son chef d'œuvre " After the gold rush " !) fait des ravages sur deux morceaux de l'elpee : " Countin' on a miracle " et le remarquable " Worlds apart ", une chanson qui conte l'histoire des amours d'un soldat américain avec une musulmane, et qui bénéficie du concours d'Asif Ali Khan (tablas, harmonium, chœurs). Bruce Springsteen a toujours été l'interprète des joies et des peines des gens simples et des banlieues américaines. Ses lyrics en sont le plus parfait témoignage. Ce sont ses fans qui l'ont interpellé pour qu'il réagisse face aux événements du 11 septembre. " The rising " rend donc un hommage à la mémoire des disparus de ces attentats. Pas question ici d'incitation à la révolte prolétaire, mais un album photo de destins individuels. Tout ceci avec retenue et surtout dignité. Bref, si on ne peut pas parler d'album exceptionnel, il faut reconnaître que " The rising " est de bonne facture et surtout bien équilibré, alternant titres solides comme le rock, compositions tendres et délicates (" Nothing man " et " Empty ky "), plages hymniques (" Lonesome day ",…) et puis fragments marqués par la soul (celle de Sam Cooke sur " My city of ruins ") ou balayés de chœurs gospel. Le tout, bien évidemment, dominé par la voix âpre et virile de Springteen. Produit par Brendan O' Brien (Aerosmith, Korn, Limp Bizkit, Pearl Jam), cet elpee intègre également quelques boucles synthétiques et puis, plus étonnant encore, quelques orchestrations de cordes…
Ce quatuor texan (Austin) vient d'enregistrer son sixième album. Un disque dont la solution sonore capricieuse, aventureuse et complexe ne néglige jamais l'aspect mélodique. A un tel point qu'elle en devient parfois contagieuse (NDR : autrement dit, au bout de quelques écoutes, les chansons n'en finissent plus de trotter dans votre tête). Pourtant, côté références, Spoon n'y va pas avec le dos de la cuiller ( !?!?!?). Oscillant de Wire aux Modern Lovers, en passant par Young Marble Giants, Split Enz, Bowie, les Beatles, Led Zeppelin, Booker T, les Pixies, Elvis Costello période Attractions et les Faces. Sans oublier Badly Drawn Boy et Aphex Twin, histoire de ne pas seulement regarder dans le rétroviseur. Et on n'est jamais au bout des surprises. A l'instar de " Stay don't go ", à la fois minimaliste et imprimé par une boîte à rythmes terriblement humains. De " Paper tiger ", sorte de clin d'œil à " An Englishmen in New York " de Godley & Creme ; ou encore de l'anti ballade légèrement psyché, " Vittorio e ". Enfin, si le timbre vocal âpre, nasonnant, de Britt Daniel campe toujours un hybride entre celui de Costello (NDR : encore !) et de Roddy Woomble (Idlewild), les claviers et le piano sont beaucoup plus présents. Etonnant !
Ce guitariste texan est totalement inconnu chez nous. Il est pourtant un vétéran des scènes locales. Il a débuté à Austin en 69. Au sein de Kracker Jack. Qui impliquait Uncle John Turner à la batterie et Tommy Shannon à la basse.
Dès l'ouverture, c'est l'explosion. Un début détonnant, furieux, très surf music, pour la plage titulaire, instrumentale de surcroît. Robin maintient un rythme aussi soutenu pour attaquer "Louisiana Lava man". Il chante d'une voix un rien criarde, mais il y croit. Le trop plein d'énergie hante Mr Sylar, un peu dans l'esprit de Cub Coda. "Dynamite Nitro" passe au Memphis R&B et au funk. La guitare se fait plus classique avant de se divertir. Dans le même registre "Dux" trace des lignes de guitares, à la manière d'Albert King, avec ce zeste de démesure que favorise l'ami Sylar. Le schéma est semblable pour l'hilarant "Bertha Lu". Robin s'amuse follement sur son manche. Il essaime des divertissements surf, pendant que Phil Bennison chante. Responsable des effets sonores et des bruitages étranges qui parsèment "Bust out", il adore manifestement jouer sur les sons. "Scratchy" est une nouvelle plage instrumentale. Assez personnelle, mais à la sonorité métallique, elle est agitée par un maximum de percussions, et offre un break, pour le moins inattendu, de cornemuses bien écossaises. Shuffle servi brûlant, "Wild cherry" se situe bien au cœur du Texas. La guitare y hurle de bonheur. Slow blues sulfureux, "Delivery boy" bénéficie d'une fort belle introduction de cordes et d'un smoking solo. Beaucoup d'instrumentaux sur cette plaque. A l'instar de "Double dip", caractérisé par un phrasé de guitare inspiré par Freddie King. "Steel trap" et "Wild angels" également. "Queen of the hop" est un shuffle construit à la manière de Stevie Ray. Et pour mon plus grand plaisir, cette plaque recèle une reprise du tonique "Made up my mind" ; un titre du Savoy Brown qui date de l'extrême fin des sixties, c'est à dire l'époque de "Raw Sienna". Ce chouette album s'achève par "Flashback", un très long morceau qui fait l'étalage des compétences de ce guitariste.
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