Signé chez 4AD, Sybarite (alias Xian Hawkins) a réuni une sélection de titres commis dans le passé, pour concocter son premier album. Des morceaux parmi lesquels on retrouve quelques singles, des fragments parus sur différentes compilations et l'un ou l'autre remixe devenu aujourd'hui quasi introuvable. Toutes des compositions parues en leur temps sur les labels Static Caravan, Emanate ou Zelectronic. Pour ceux qui ne connaîtraient pas bien Xian Hawkins, sachez que ce multi-instumentiste, mais également producteur et compositeur, avait écrit la bande sonore originale du film d'horreur de série B, " Kill me tomorrow ".
Contrairement à la plupart de ses enregistrements précédents, quelques plages de ce " Nonument " impliquent des vocaux. Assumés par Brooke Williams et Gregory Kenney. Mais en filigrane, ils se fondent parfaitement à la texture sonore. Une texture sonore hybride, fruit de la rencontre entre électronique organique, mais également synthétique, et instrumentation conventionnelle (basse, guitare acoustique et électrique, trompette, piano, violoncelle). Avec pour résultat une musique atmosphérique, visionnaire et complexe qui aurait pu naître d'une collaboration entre Ryuichi Sakamoto, Brian Eno et David Sylvian (NDR : dans ses moments les plus éthérés !). Mais une musique atmosphérique qui pulse au rythme des samples de cordes distordues ou des rythmes tendus, à la précision mathématique. Un bien bel album !
Issu de la scène indépendante de Dayton (Ohio) du début des 90's, Swearing At Motorists a enregistré à ce jour une poignée de singles et d'Eps, deux mini elpees et deux albums. Un groupe dont la musique a souvent été comparée à celle de Guided By Voices. Mais franchement, si c'est le cas, c'est du côté des doigts de pieds. En fait Don Fraser, qui a cédé depuis ses baguettes à Joseph Siwinski, a été l'ingénieur du son de GBV ; et puis Dave Dougham, le leader de SAM y a sévi tout un temps. Ce qui explique sans doute cette analogie.
Pour mettre en forme " This flag signals goodbye ", SAM a fait appel à Brian Mc Tear (Matt Pond A, The Trouble with Sweeney). Un disque découpé en 14 fragments à l'honnêteté douloureuse et à la simplicité désarmante. Mais trempé tantôt dans la lo-fi électrique, tantôt dans la lo-fi acoustique. Un style introspectif, aride, alimenté par les motifs de guitare capricieux et le drumming clair (NDR : parfois d'un banjo !), qui permet au chanteur/compositeur Dave Dougham d'épancher de sa voix ample, capable d'osciller du délicat au sinueux en passant par le baryton profond, tout son venin lyrique.
Entrecoupé de l'un ou l'autre interlude instrumental, l'opus recèle un fragment de psyché/pop/rock contagieux (" Anything you want "), un autre plus climatique, caractérisé par une succession de changements de rythmes (" The real thing "); et puis une composition bouleversante, enrichie par la trompette de Kurt Wunder, intitulée " Room full of you ".
James Taylor et David Brown du duo Swayzak ne sont pas inconnus des amateurs de techno et de deep house minimalistes (voir leur dernier album en date, " Himawari "), mais leur travail de DJ's, lui, semble plus confidentiel. Ce mix pour le label Groovetech devrait réparer cette injustice, puisque les deux compères s'avèrent de brillants " metteurs en son ", superposant et mélangeant la crème du dub-électro (Basic Channel, Maurizio, Ricardo Villalobos,…) en une longue complainte méditative proche des travaux de mix de Richie Hawtin (à cet égard, l'écoute de " DE9 - Closer To The Edit " paraît indispensable). En alternant morceaux tranquilles (" Monolake ", " Convextion ",…) et titres aux beats plus soutenus (" Headgear ", " Ellen Allien ",…), Swayzak réussit là où Mills et Hawtin excellent : dans l'hypnose extatique, le " présent infini ", la répétition d'une boucle hallucinatoire qui vous transporte au septième ciel. Mais attention, ce n'est qu'un mix, une compilation, auxquels manque finalement l'essentiel : la dimension collective et festive. Alors tous en club, et faites péter la musique !
« Une affaire d'état » constitue le premier album du Tournaisien. Enfin, Pierre Surquin et son band, car il faut reconnaître que ses musiciens ont largement contribué à l'enregistrement de cet opus. Tout d'abord Cédric Delahaye. Le claviériste. Qui a compris le rôle fédérateur qu'il devait jouer au sein de la musique de Pierre. Un seul dérapage, " Une idée arrêtée ". C'est aussi le seul fragment faible de l'elpee. Mais aussi le plus complexe. Si Pierre a écrit la musique, les lyrics sont partagés entre Fabrice Delmeire et Jacques Godard. Des textes, ou plus exactement des poèmes baroques, composés dans la langue de Voltaire, qu'il chante de son baryton profond, intimiste. Sauf pour " L'écho du havre ", un fragment dont l'aridité des guitares sculptées dans le funk blanc est adouci par son exercice en falsetto. Un seul instrumental. Et très court : " Les titres parlent d'eux-mêmes ". Et puis un morceau caché. Probablement intitulé " D'étranges affinités ". Qui libère une électricité sauvage, décapante, dont l'intensité me rappelle… Sonic Youth. Mais venons-en au cœur de l'opus. Particulièrement riche, " L'été se termine " est agité par un psychédélisme ambiant, tramé entre les guitares et les arrangements particulièrement riches. Tribal, envoûtant, " Et ça en est là " aurait pu figurer dans le répertoire d'un Bernard Lavilliers. Nonobstant les guitares redoutables, les claviers aquatiques et le zeste de techno, " La forge " épouse un profil mélodique proche d'un Voulzy, mais un Voulzy qui se serait intéressé à la pop alternative. Pop, satinée, légèrement cuivrée, " De l'infini à zéro " constitue probablement la chanson la plus contagieuse de l'elpee. Imaginez qu'Ultravox se soit intéressé à la bossa nova, et ce n'est pas " Rien qu'un malentendu ". Chez " Ce compagnon qui filait doux ", le minimalisme est de rigueur, mais un minimalisme chatoyant, chaleureux, légèrement cuivré, saupoudré de percus élégantes, de claviers organiques ou en boucles, et d'accords de guitare délicatement reverb. Apparemment calme, intimiste, " Ma vision est trouble " s'agite en permanence, se tourmente au fond de l'âme. Enfin " Langue pendue " s'ébroue sous une forme paisible, avant de glisser progressivement vers une consommation électrique de guitares libérées, vivaces, vivifiantes, réminiscences d'American Music Club et de Wheat… Pour un premier album, Pierre vient probablement de réussir un coup de maître…
On connaissait la passion de Phil Anselmo, chanteur de Pantera, pour les ‘herbes qui font rire’ ; mais on n'a jamais imaginé qu'il aurait été capable un jour de créer un projet parallèle dont le nom fait l'apologie de la marihuana. Extrêmement prolifique, le grand tatoué profite de ses heures creuses entre ses activités au sein de Pantera, Down et Necrophagia, pour monter un autre projet 100% métal avec la complicité de ses potes de Eyehategod et de Corrosion of Conformity. Inutile de préciser que l'intensité et la brutalité sont au rendez-vous! Superjoint Ritual va bien au-delà des limites du heavy bien gras, rendant hommage aux héros des seventies : de Black Sabbath à Dead Kennedys, en passant par Mountain et Black Flag. On retrouve même une touche solidement hard core sur des titres plus rapides tels que "All Our Lives Will Get Tried", ou le bigrement efficace "4 songs" ; mais le tout reste parfaitement cohérent. De toute évidence, ces mecs sont des musiciens bourrés de talent et de folie. Un futur classique dans la carrière déjà très riche du sieur Anselmo.
Gaz Combes, Mickey Quinn et Danny Goffey ont le sens de l'humour, c'est une certitude. Leurs frimousses leur ont valu d'être comparés à des évadés de la planète des singes ? Et bien, pour répondre à ces allusions, ils n'ont pas hésité à intituler leur nouvel opus : la vie sur les autres planètes. Et d'y aborder la science fiction à travers les lyrics futuristes de leurs nouvelles chansons. " Life on other planets " constitue donc le troisième elpee du trio d'Oxford. Qui démarre par deux fragments enlevés, empreints de spontanéité et de fraîcheur, hérités en ligne droite des Undertones et des Buzzcocks, comme ils en sont coutumiers : " Za " et " Rush ". Car le reste de l'opus a pris une tournure différente. Davantage new wave, d'abord. C'est tout à fait évident chez "Never done nothing like that before", une plage dont le profil sauvage, tempétueux, post punk, me fait penser à un certain Magazine. Et puis sur " La song ". A cause du climat menaçant entretenu par ce groove viscéral digne des Stranglers. Enfin, " Brecons beacons " adopte carrément un tempo néo ska. Après avoir passé en revue les sixties et les eighties, Supergrass ne pouvait snober délibérément les seventies. Mais ici, l'héritage a été essentiellement puisé dans le glam de T Rex. A l'instar de " Seen the light ", un fragment caractérisé par ses giclées de riffs de guitare et par ses backing vocaux féminins. Du single " Grace " également, contaminé par son chorus irrésistible. Glam toujours, l'excellent " Get up " lorgne davantage vers Mungo Jerry que vers Marc Bolan, alors que " Funniest Thing " fait plutôt les yeux doux au Roxy Music des débuts. Le Floyd, le Genesis de Peter Gabriel et les Beatles n'ont pas été non plus épargnés. Les Fab Four, à cause des harmonies vocales ondoyantes, diaphanes, limpides, adoptées sur la première partie de " Run ", un peu comme sur la seconde face le l'elpee " Abbey Road ". Le tout bien sûr traduit dans un langage britpop aux accents Supergrass. Excellent!
Le virage électronique amorcé par l'album "Musique", sorti il y a un peu plus d'un an, n'était pas une folie passagère. Sur "Assembly", Theatre of Tragedy fait table rase sur son passé doom et dark metal. Définitivement selon les propres paroles de certains membres du groupe. "Automatic lover", qui fera sensation sur les dance floors, ouvre "Assembly" assez joliment. Pourtant, c'est la déception qui attend l'auditeur au fil de l'écoute de cette plaque. En fait, la formation tente d'ouvrir les portes d'un univers musical au sein duquel indus, goth, électro, métal et même trip-hop vivraient dans une harmonie parfaite. Mais la manœuvre n'est pas toujours très adroite. Le band de la blonde Liv Kristine Espenaes nous avait habitués, lors de ses précédents opus, à ne jamais faiblir de la plage d'ouverture au dernier morceau. Et en particulier tout au long du grandiose "Aegis". Moins de précipitation, une utilisation plus subtile des machines, et surtout une attention plus pointue apportée aux compositions auraient sans doute rendu "Assembly" plus méritoire. Pour peu, on croirait que les Norvégiens sont tombés à court d'inspiration ou encore qu'ils recherchent quelque part un succès davantage commercial qu'artistique. Quatre titres seulement, excellents par ailleurs, se démarquent de l'ensemble. Insuffisant, nettement insuffisant pour un groupe d'une telle valeur !
Si Teenage Fan Club jouit d'une renommée certaine sur la scène musicale pop/rock, Jad Fair est un illustre artiste marginal ( !?!?!). Chanteur préféré de feu Kurt Cobain, il est même considéré, aux States, comme un pape de cette scène underground. Car non seulement il est le leader de Half Japanese depuis 1977, mais son art n'est pas limité à la musique. Il est ainsi capable de s'exprimer aussi bien à travers la peinture, la poésie, le dessin ou la philosophie. Sur le plan musical, il a opéré de multiples collaborations. Et notamment en compagnie de Yo La Tengo, Daniel Johnston, les Pastels, John Zorn, Fred Frith, Moe Tucker ou encore les Dim Stars. Et puis avec le Teenage Fan Club ; en compagnie desquels il a accompli une tournée et puis enregistré cet opus intitulé " Songs of wisdom & hope ". Les Fannies ont composé la musique et Jad les textes. Des lyrics qu'il chante un peu à la manière d'un Lou Reed sous prozac. Il est d'ailleurs évident que sous son aspect le plus minimaliste et découpé sous des arpèges de guitare plaqués, l'expression sonore navigue quelque part entre le Velvet Underground et les Pastels. Par contre, lorsqu'elle se laisse envahir de claviers, c'est alors au garage d'Alex Chilton qu'on se met à penser. Une chose est sûre, les douze chansons de cet opus nous replongent dans l'univers le plus rafraîchissant des sixties. Et à ce titre, on s'y laisserait facilement immerger (NDR : qui a dit que je n'aimais pas l'eau ?)
Nonobstant sa démarche fondamentalement métal, je dois avouer avoir un petit faible pour la musique de ce trio Canadien. En fait, son métal teinté de mysticisme, d'exotisme et de symbolisme produit, à l'instar du 3ème elpee de Led Zeppelin, une sensation d'exaltation. Faut dire que tout comme Plant, Jeff Martin est un passionné de la culture orientale. Musicale en particulier. Ce qui explique pourquoi, Tea Party a régulièrement recours à des instruments indiens tels que sitar, tablas, et autres objets les plus insolites les uns que les autres. En outre, la formation n'hésite pas à introduire des éléments acoustiques dans sa création. Il est ainsi plus facile de comprendre pourquoi le métal de cette formation est si original et si fascinant. Si le nouvel opus ne déroge pas aux bonnes règles, il a malheureusement été surproduit. Trop d'orchestrations, trop d'arrangements, trop d'overdubbings, finissent par étouffer le fil mélodique des chansons. Ce qui ne veut pas dire que ce disque soit de mauvaise facture, mais il aurait pu, avec un peu plus de mesure, devenir un must. Il recèle d'ailleurs quelques bonnes surprises. Tout d'abord " The master & Margarita ". Dont le titre est inspiré d'un roman de l'écrivain Mikhail Bulgakov. Un fragment à l'intensité électrique déchiquetée, nonobstant la présence d'un mellotron. L'hymnique " Lullaby ", également. " Cathartik ". Dont les riffs " ledzeppeliniens " lézardent littéralement l'éther atmosphérique, dont le parfum rappelle Sad Lovers & Giants. La ballade mélancolique " Requiem ". Résultat d'une rencontre hypothétique entre Divine Comedy et Nick Cave. Ou encore à travers l'ethnique " White water siren ", caractérisé par son phrasé acoustique qui me rappelle quelque part " Friends " (NDR : Bien évidemment un titre qui figurait sur le 3ème opus du Dirigeable). Et en final les 8 minutes de " Mantra ". Un morceau sinueux, obsessionnel, hanté par le spectre de " Kashmir ". Ah oui, et dans le jeu de quilles on retrouve également, ça et là, des traces de prog rock empruntées au " Nursery cryme " de Genesis. Ou plus exactement des sonorités de guitare proches de celles que Michael Rutherford dispensait à l'époque. Et comme toujours, la pochette est superbe !
Otis assume la majeure partie de cet album. Il chante, joue de la guitare, du banjo, de la mandoline et de l'harmonica. Il est accompagné du redoutable Kenny Passarelli à la basse et aux claviers ; et pour quelques plages, du guitariste Eddie Tuner.
La première plage "My soul's in Louisiana" est dramatique. Elle raconte l'histoire d'un noir, accusé puis exécuté pour un meurtre qu'il n'avait pas commis. Un événement qui s'est produit dans les années 30. L'atmosphère qui règne tout au long de cet elpee est particulièrement ténébreuse. Une impression qui s'amplifie dès "Resurrection blues". Une chanson dont les lyrics parlent de ceux, qui à l'instar de Jésus, souffrent avant de partir. Mais également du cancer, du sida et d'autres maladies. La basse de Passarelli donne le ton. La voix semble venir d'outre-tombe. La slide électrique de Turner vient se mêler à cette atmosphère blafarde. Le même climat inquiétant domine "Stick on you". Otis crie la douleur d'un homme qui voit sa mère malade pousser ses derniers soupirs. Il arrache son désespoir des cordes de son banjo. La douleur devient intolérable lorsqu'il décrit le calvaire d'un enfant mourant faute de soins, sur "3 days and 3 nights". Le ton poignant et le style dépouillé rappellent ici certains vieux titres de John Lee Hooker. Taylor hurle avec un maximum de colère! On retrouve la voix grave de John Lee sur "Rain so hard". Elle véhicule une grande tristesse ; et les cordes renforcent ce sentiment. Proche peut-être de Sonny Boy Williamson, "Round and round" est un court dialogue entre la voix et l'harmonica. Le sommet de la tragédie est atteint sur "Saint Martha blues". Un titre qui retrace l'existence courageuse de Martha, son arrière-grand-mère, qui dut élever seule ses enfants, lorsque son mari fut lynché. Résumé de toutes les festivités rencontrées tout au long de cet opus, "Hungry people" est consacré aux sans abris. Un album sombre, mais dont la démarche est manifestement originale…
Une année à peine après avoir commis le remarquable "White african" (NDR : un disque qui lui avait permis de décrocher le WC Handy Award du meilleur nouvel artiste), le bluesman du Colorado nous revient avec ce " Respect the dead ". Toujours sur le même label.
A l'âge de 52 ans, on peut dire qu'il a de la bouteille. Avant de militer chez Zephyr, il a côtoyé fin des sixties le guitariste de rock, Tommy Bolin. Mais curieusement, entre 1977 et 95, il a complètement disparu de la circulation, avant de réapparaître avec ses musiciens ; c'est à dire le bassiste Kenny Passarelli et le guitariste Eddie Turner. Il enregistre alors deux albums: "Blue eyed monster" en 96 et "When negroes walked the earth" en 98.
"Respect the dead" défend les mêmes objectifs sociaux entamés par le précédent opus. Il souligne à nouveau et sans compromission les injustices de ce monde. Armé de son banjo et avec une certaine dose de colère contenue, il relate la condition (in)humaine de 10 millions d'esclaves africains introduits voici deux siècles ("Ten million slaves"). En guise d'ouverture, c'est un fameux manifeste. "Hands on your stomach" est imprimé sur un rythme quasi hypnotique. Tramé en boucle, ce tempo ne le quitte guère. A l'instar de "Changing rules", qui bénéficie du concours de la basse de Passarelli, et de "32nd time", enrichi par les cordes d'Eddie Turner qui se fondent aux siennes. Il retrace les luttes passionnées des Noirs qui se sont produites au cours des 60's, pour acquérir leurs droits civiques, et en particulier celui de vote ; des luttes qui s'enflammaient lorsque des blancs du Nord descendaient vers le Sud, parfois au péril de leur vie. Otis ne laisse sporadiquement souffler sa voix que…dans son harmonica. A travers "Baby so", il nous narre l'histoire d'une partie triangulaire entre deux femmes et un homme qui a mal tourné. Une tragédie qui s'est produite dans les années 30. Et il projette cette aventure minimaliste dans l'espace sonore. Le son devient plus dense sur "Shaker woman". Il fait le deuil de ses passions. Les guitares libérées sont rejointes par l'orgue Hammond et le piano de Passarelli, au sein d'une atmosphère qui flirte avec le psychédélisme. "Black witch" entretient un même climat impénétrable et oppressant : un homme blanc est venu débaucher une sorcière noire dans son quartier misérable ; elle est même devenue sa maîtresse. En toile de fond, les claviers synthétisent les sonorités aériennes. "Seven hours of light" adopte le style de l'un de ses mythes : John Lee Hooker. Un instant de pureté dans son blues ; mais également un moment saisissant, au cours duquel l'émotion est à son paroxysme. Sa manière de chanter et de plaquer ses accords sur la guitare me fait penser à Richie Havens ; même si chez Taylor, on a droit à de petites et savantes doses de guitare rythmique, de la basse et des claviers. "I like you, but I don't love you" est un coup de maître. Sur "Jump Jelly Belly", il donne l'ordre, avec beaucoup d'autorité à ce soldat de la deuxième guerre mondiale, de sauter de la barge de débarquement sur laquelle il se trouve. Otis renoue avec le rythme pour nous conter une nouvelle histoire triste : celle des morts d'une fille mexicaine et d'un couple de compétiteurs, survenues lors d'une course de voitures. Tout au long de ce "Three stripes on a Cadillac", la voix doucereuse de sa fille Cassie lui répond comme si elle venait d'outre-tombe. Cet opus s'achève par "Just live your life". Une composition qui s'achève dans un climat empreint de quiétude, une atmosphère plutôt inhabituelle pour lui. Le blues de Taylor est un blues bien personnel, mais tellement original…
En combinant l'esprit de la ‘dream pop’ des Cranes, Mazzy Star et consorts au trash plus tonique du métal alternatif, Tapping the Vein flotte entre deux univers opposés, sans étiquette prédéterminée. Le nombril de ce groupe appartient à la voix épatante de la chanteuse, Heather Thompson. Extrêmement tranchante, elle cisèle la musique et lui donne forme. A travers ses cris tendus et son timbre évanescent, elle exprime à la fois la colère et la délicatesse. Le guitariste, Mark Burkert, accomplit également de l'excellent travail. Il nimbe les mélodies par un jeu intense, parfois agressif mais jamais lourd, de multiples combinaisons de cordes. Des mélodies finement contrastées oscillant entre douceur et violence, alimentées magistralement aussi bien par le registre vocal que l'instrumentation électrique ou acoustique. " The damage " constitue le premier opus de ce jeune groupe qui, à ce jour, n'avait gravé que quelques singles. Un disque qui recèle cependant quelques morceaux moins aboutis. Mais vu la jeunesse de cette formation, on lui pardonnera facilement, d'autant plus que les meilleurs fragments sont tout bonnement excellents. L'avenir est chargé de promesses pour ce quartet américain.
Tout au long de cette nouvelle plaque, dont la pochette fait la part belle aux légendes de l'Ancienne Egypte, Tad Morose ne change rien à sa recette. Groupe suédois formé en 1993, le band officie dans le créneau power métal tout en se revendiquant de Black Sabbath, Jag Panzer et Savatage. Rien de bien original jusque là, mais ce "Matters of the dark" témoigne d'une musique mise en place avec précision, superbement exécutée et qui saura séduire les amateurs de mélodies rugueuses et variées. Des titres tels que "Sword of revolution" ou "Another way" n'auraient pas, s'ils bénéficiaient d'une production à la hauteur de leur talent, dépareillés sur les dernières productions du groupe des frères Oliva. Parfois, les lignes guitaristiques flirtent avec le prog, évoquant les délires tarabiscotés d'un Symphony X ou les arpèges baroques d'Yngwee Malmsteen. Trop riche pour être décrit en quelques lignes, "Matters of the Dark" nécessite une bonne dizaine d'écoutes avant d'en apprécier toute sa complexité. Tad Morose sillonnera les routes d'Europe en compagnie des vétérans de la NWOBHM Demon. Belle affiche en perspective!
Du rap pour givrés. TTC n'a pas sa langue dans sa poche, d'ailleurs on se demande encore ce qui s'est passé après avoir introduit ce CD dans le lecteur. " Ceci n'est pas un disque ", assurément… C'est mieux. C'est drôle, virevoltant, bien foutu, inventif, et totalement barjo. L'un des trois lascars de ce groupe de " hip hop ", Teki Latex, rappe comme le personnage d'un dessin animé, sa voix suraiguë soulignant davantage l'absurdité des textes. Quoique pas si absurdes : " De pauvres riches " parodie les fils à papa bourgeois qui écoutent NTM pour " faire cool ", " Pollutions " est le premier morceau rap écolo, " Toi-même " s'en prend aux rentiers du hip hop français, de l'Internationale marseillaise aux gangsta-fumistes en tous genres… Les paroles, parfois ridicules, souvent tordantes, dissimulent en fait un à-propos d'une intelligence rare. Parfois pas loin d'une écriture automatique à la Dada, débitées à la vitesse v-v', elles nous renvoient l'image de rappeurs fous mais la tête sur les épaules, sorte d'enfants de la télé qui n'auraient pas peur d'aller à contre-courant du rap dominant. C'est déjà un exploit ! Ca l'est davantage si l'on écoute bien le tapis sonore sur lequel le trio rappe à s'en décrocher la mâchoire : samples costauds, beats ingénieux et salaces… TTC n'est pas seulement un gang de rimeurs adroits, c'est aussi un posse d'admirables bidouilleurs de sons. Preuve à l'appui : sur " Pas d'armure, Dose One " de cLOUDDEAD, autre groupe défricheur, tchatche sur une rythmique d'enfer, et en français s'il vous plaît… Si Lewis Carroll était encore vivant, sûr qu'il écouterait TTC… En tout cas, nous, on y retourne !
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