Lauren Mitchell chante le blues et la soul. Originaire de Colombus, dans l’Ohio, elle vit désormais en Floride, du côté de Tampa. En 2011, Lauren, à la tête d’un restaurant, rencontre des difficultés financières. Ce qui va la pousser à embrasser une carrière musicale professionnelle. Elle grave alors "Please come home", en 2013, puis "Live from the Bradfordville Blues Club", en 2014. "Desire" constitue donc son troisième essai. Il a été enregistré à Los Angeles, au studio Ultratone, sous la houlette du producteur notoire, Tony Braunagel. Lors des sessions, outre la mise en forme, il se consacre également à la batterie. Et puis, il a entraîné dans l’aventure les musiciens qui fréquentent régulièrement les lieux ; à l’instar du claviériste Jim Pugh, du guitariste Johnny Lee Schell, du saxophoniste Joe Sublett et du trompettiste Darrell Leonard. Et manifestement, c’est du beau monde !
L’elpee s’ouvre par "How to treat my man", un titre popularisé par Etta James. Le tempo est tonique. Le climat baigne dans la southern soul à coloration Stax. Lauren possède une voix puissante, et elle a de la réserve. Jim Pugh se démène derrière son piano alors que Johnny Lee Schell libère ses cordes à la manière d’un Jimmie Vaughan au sommet de son art. "Soul Music" s’ébroue au sein d’une atmosphère exotique, reggae même. Dansante mais délicate, cette plage se distingue par une sortie de Josh Sklair (NDR : il a beaucoup bossé pour Etta James), à la six cordes. Le meilleur morceau du long playing, est manifestement le titre maître. Bien construit et plaisant, ce blues est traversé par la slide de Steve Fister. Et c’est du bonheur pour les oreilles ! Classieux, légèrement funky, "Jump into my fire" est un r&b largement cuivré et dansant, que guide une voix bien déterminée. "Good to me as I am to you" est un blues lent signé par Aretha Franklin, et son adaptation est superbe, face aux ivoires et aux cuivres. "Feels so good" et "Today" constituent de jolies ballades soul. "Stand up like a man" avait été traduit en hit par la chanteuse Bettye Lavette. La cover est énergique. Et la gratte de Josh Sklair semble hantée par Albert King. Sculptée dans le funky r&b, "I ain’t been" est une autre reprise. Elle est issue de la plume du duo soul/funk new-yorkais Ashford & Simpson. Le "Bridge of my dreams" de T.C Carr (NDR : c’est le leader des Bolts of Blue) est un blues bien rythmé que chante merveilleusement Lauren, face au piano allègre de Pugh. Et elle nous rappelle qu’elle a du coffre, mais aussi une grande sensibilité, tout au long de "Lead me on", un r&b indolent abordé dans l’esprit Stax, alors que Pugh tapisse l’ensemble de son orgue. "Brown liquor" est une autre plage qui trempe dans le funky R&B. Il s’agit, en général, du morceau qui termine les shows de Miss Mitchell. Sa voix domine bien son sujet, malgré les changements de tempo et de l’intervention de la guitare qui crache ses dernières flammes…
Issue de la Motor City, Eliza Neals est une artiste particulièrement dynamique. Cette chanteuse/claviériste/compositrice a déjà décroché plusieurs awards, dans les domaines 'Blues/R&B' mais aussi 'Rock/Pop'. Elle drive son propre band, The Narcotics. Mais à l’instar de son opus précédent, "Breaking and entering", pour enregistrer "10,000 feet below", elle a reçu le concours de nombreux amis : des gratteurs, des bassistes et des batteurs. Au premier rang desquels figure son fidèle partenaire, Howard Glazer, un guitariste notoire…
C’est par des sonorités traitées au bottleneck par Glazer, mais overdubbées, que s’ouvre "Cleotus", une plage chantée d’une voix un tantinet sensuelle par Miss Neals. Ce duo cosigne le très inspiré et majestueux "Another lifetime", un premier blues lent. Les cordes d’Howard sont omniprésentes et soutiennent idéalement le timbre éraillé d’Eliza. La rythmique hypnotique imprimée par le drumming de Skeeto Valdez et les riffs de gratte balisent "Burn the tent down", un rockin’ blues bien percutant. Notre vocaliste blonde pousse de petits cris nerveux avant de totalement se libérer. Elle entame le titre maître a cappella. Des cordes acoustiques entrent ensuite dans la danse, avant que Howard ne vienne y incruster des chapelets de notes incisives et mordantes. Imprimé sur un mid tempo, "You ain’t my dog no more" est de toute bonne facture. Le timbre vocal est écorché. La slide, offensive, impérieuse et métallique. Et au beau milieu de cette tornade, "Cold cold night" retrouve un peu de quiétude. Un havre de paix. Une ballade indolente au cours de laquelle la voix est soulignée par les cordes acoustiques de Paul Nelson (NDR : il a milité au sein du backing group de Johnny Winter), invité pour la circonstance. Assise derrière son piano, Eliza interprète d’une voix profonde, "Hard killing floor", une plage empreinte de douceur. La gratte de Glazer s’approche puis s’installe, tout en provoquant une sensation de malaise, avant de s’enflammer. "Call me Moonshine" évolue également sur un mid tempo. Miss Neals se consacre au micro et se concentre sur son orgue Hammond, alors qu’Howard ne tient plus en place. Il écrase ses pédales à la manière d’un Jimi Hendrix au sommet de son art ! Et cette légende hante encore "Merle Dixon". Tordues, malmenées, crachant son lot de braises incandescentes, les cordes sont trafiquées à l’extrême. Roots, "Downhill on a rocket" libère des saveurs étranges. Talonnée par de petits cris stridents dispensés par la gratte, la voix musarde et se dédouble à l’infini. Empreinte de sérénité, "At the Crossroads" est une ballade sereine soulignée par la voix aérienne et entretenue par les accords de piano ainsi que de la guitare aux accents mélodiques, guitare que se réserve Billy Davis (NDR : il a bossé en compagnie de Hank Ballard et Jimi Hendrix, il y a un bon bout de temps). Le meilleur opus d’Eliza Neals, à ce jour !
Lee Palmer est un musicien qui touche un peu à tout ce qui tourne autour de la musique roots, que ce soit l’americana, le blues, la country, le folk et même le jazz ! Ce chanteur, guitariste et compositeur est particulièrement prolifique. "Bridge", son quatrième elpee solo, fait suite à "One take", paru en 2013, "60 Clicks", en 2014 et "Like Elway", en 2015. Il a été enregistré aux studios Metalworks et The Tone Catcher, chez lui à Toronto. Lors des sessions, le Canadien a bénéficié de la participation de son backing group, The One Take Players ; c’est-à-dire Kevin Briet (guitares, dobro et mandoline), Mark Lalama (claviers), Alec Fraser Jr (basse) et Al Cross (batterie). Mais également de son ami Elmer Ferrer. Non seulement il est responsable de la coproduction, mais il a apporté toute sa panoplie de grattes ; et il n’hésite pas à s’en servir !
Ballade acoustique empreinte de douceur, "That’s no way to go" bénéficie d’une jolie mélodie qui met bien en exergue la voix de Lee, enveloppée de chœurs et de cordes. Un climat qui baigne également "Back to lonely", une plage discrètement enrichie de cuivres. "Tulsa Sound" est profondément inspiré par le citoyen le plus connu de Tulsa, dans l’univers de la musique, feu JJ Cale. Une plage au tempo nonchalant, paresseux même, soulignée par les voix de Lori-An Smith et Patricia Shirley, mais surtout transpercée par la slide de Mr Briet. L’orgue Hammond amorce des riffs rythmiques, volontairement écrasants, pour alimenter "Our love bears repeating", une autre chanson roots au cours de laquelle des interventions de slide s’infiltrent généreusement. Palmer et Mary McKay se partagent le chant tout au long de "Did it feel like this", une piste qui libère des saveurs exotiques, que les frêles percussions de Kiki Ferrer entretiennent. L’elpee recèle plusieurs ballades folk roots auxquelles participe le violoniste Aaron Salomon. Et qui intègrent également mandoline, piano et/ou accordéon, parfois dans un climat louisianais. R&b léger, "Well, well, well, well" est parcouru par le saxophone de Turner King. Orgue Hammond, guitare et cuivres s’imposent tout au long du blues lent, « Chock full of trouble »…
Jonas Røyeng (guitare, chant), Kamilla Waal Larsen (basse, chant) et Jørgen Natland Apeness (batterie) ont apparemment été biberonnés au grunge rock des 90’s. D’ailleurs, à la lecture des différents articles qui concernent le trio, les noms de Nirvana et des Pixies reviennent fréquemment. A l’instar de ces deux formations légendaires, le band danois (NDR : il est issu d’Oslo) propose un punk énergique, tout en cherchant à soigner le sens mélodique. Malheureusement, ce sens mélodique est un peu trop complaisant. Il collerait d’ailleurs bien mieux à des compos pop/rock. A l’instar de « You and Me Should Leave Together Tonight » et « Sunny Day ». En outre, lorsque le chanteur Jonas Røyeng (NDR : c’est également le leader) tente d’élever la voix ou quand les musicos cherchent à muscler l’expression sonore, l’étincelle ne se produit jamais. Et à la limite, on finit par manifester de la compassion à leur égard (« Winter Song »). « Roaring at the Storm » est une tempête qui hurle dans un verre d’eau…
Goodbye Moscow, c’est le projet de Benjamin Hutter. Après avoir accompli un long voyage en train à travers l’Europe (NDR : Benjamin est né en Russie), ce poète et doux rêveur a posé ses valises à Bruxelles, en 2015. Année au cours de laquelle il publie un premier Ep intitulé « De Rêves Inachevés ». Benjamin reconnaît pour influences majeures, Dominique A et Etienne Daho. Il a remporté le tremplin ‘Beauraing Is Not Dead’ et est finaliste du concours ‘F Dans le Texte’. Membre également du collectif liégeois Planet Melon (Leaf House, Lylou et Two Kids On Holiday), il est soutenu par deux choristes : Alice Vande Voorde et Lauréne Vatier.
« Reste Avec Moi » : c’est un cri du cœur qui ouvre ce disque. Pourtant, il s’agit davantage d’une invitation à rejoindre le dancefloor. A cause des beats électro. Des beats électro qu’on retrouve tout au long de « Comme Gagarine », une piste qui nous guide vers une galaxie lointaine. Au beau milieu des étoiles. Même que la voix épouse un profil intergalactique. « Si l’été » vous entraîne sous le soleil et surtout les palmiers. Les souvenirs appartiennent toujours au passé, mais la musique de Benjamin porte l’espoir d’un avenir meilleur. Et il traduit ce concept à travers « Souvenirs Futurs ».
« Célébrons » clôt cet Ep. Le spectre de Daho rôde. Le flux des mots est incessant et véhicule un message positif et reflète en même temps une sorte d’ode au bonheur.
Depuis 3 ans, Sourblast est en perpétuelle recherche. D’un son personnel. D’une homogénéité au sein du groupe. Il semble donc avoir trouvé sa voie et devrait sortir, au cours de cette année, son premier album. Ce qui ne l’empêchera pas de se produire sur les planches, là où depuis ses débuts, il met littéralement le feu. En proposant un Heavy-Stoner-Rock pur jus. Il était donc judicieux de prendre le pouls auprès de ce quatuor bruxellois. Rencontre.
En 2014, vous avez gravé votre premier disque. Un Ep quatre titres. Il vous a donc fallu trois longues années avant de vous décider à publier un premier opus. Quand sortira-t-il ? A quoi doit-on s’attendre ? Quel a été votre parcours, tout au long de cette période de transition ?
En fait, nous avons écumé les concerts pendant toute cette période, afin de défendre notre premier Ep. Dans l’intervalle, le line up a changé, avant d’atteindre aujourd’hui, sa forme actuelle et définitive. Nous voulions vraiment nous poser afin de repartir sur des bases solides, en compagnie de musiciens qui se comprennent, s’entendent le mieux possible, tant sur scène que dans la vie quotidienne. Et c’est alors qu’on a entamé, il y a quelques mois, l’enregistrement de notre premier LP, au 6th Sense Sound, un studio géré par Tom (NDR : le bassiste) et André (NDR : cet ex-guitariste du band est devenu aujourd’hui leur ingénieur du son). Sans être pressé par une quelconque ‘dead line’, nous avons réalisé un album sans compromis, qui nous ressemble, et dont nous serons tous fiers en définitive. Nous ne souhaitions plus bricoler une énième démo au sein d’un garage ou dans un local de répétition. Nous voulions que cette nouvelle étape nous permette de se doter d’une véritable identité. N’y mettre que le meilleur de nous-mêmes. Le premier single paraîtra entre avril et mai de cette année. Il sera suivi, dans quelques mois, de l’album, qui sera disponible en versions vinyle et numérique.
Quelle est l’origine du patronyme Sourblast ?
Dès le départ, nous briguions un nom qui claque. Qui soit bref, explosif et précis, à la fois. On l’a choisi à l’issue d’un exercice de brainstorming. Pas la peine d’y déceler une quelconque explication mystique. Il ne s’agit que d’une explosion acide !
Sourblast réunit des musiciens qui jouissent d’une belle expérience ‘live’, acquise antérieurement. Comment est née cette nouvelle aventure ?
Son histoire remonte à quelques années. Fred (guitare et chant) et Geoffrey (batterie) sont des amis de longue date. Ils aspiraient à jouer ensemble, depuis pas mal de temps ; un vœu réfréné par leurs implications au sein de formations différentes. Finalement, ils ont décidé de les quitter afin de créer un projet commun ; un concept qu’ils ne retrouvaient pas chez leurs bands respectifs. Un peu plus tard, Terry (guitare) et Tom (basse) ont rejoint le line up. L’histoire de Sourblast venait de commencer.
Quand on écoute la musique de Sourblast, on ne peut s’empêcher de penser à Down, Kyuss ou encore Baroness. Ce sont vos sources majeures d’inspiration ?
On ne peut nier ces références. C’est une évidence. Pourtant, chaque membre possède ses propres influences ; ce qui, inévitablement est répercuté lors de la composition des morceaux. Mais nous essayons ensuite d’épurer le tout, le mieux possible, afin qu’au final la compo soit considérée comme du Sourblast pur jus, et pas la copie de tel ou tel groupe. Mais bon, on ne peut cacher nos sources d’inspiration. C’est-à-dire Baroness, Alice In Chains, Stone Temple Pilots, Mastodon ou Creed… Enfin, notamment...
Quel est le processus d’écriture au sein de l’équipe ?
En général, c’est le chanteur/guitariste (Fred) qui trace la ligne de conduite. Il amène une idée, un riff voire un morceau complet. Il soumet ensuite la démo aux autres. Puis on retravaille la compo, de manière à ce qu’elle agrée tout le monde. Fred se charge également des lyrics. Il y raconte ses expériences, son vécu, son appréhension de la vie sentimentale et des relations humaines en général. Il pose un regard perplexe sur la société contemporaine.
Toutes proportions gardées, il faut admettre que le Stoner est devenu, au cours de ces dernières années, un genre musical à la mode, dans l’univers du Metal. Bon nombre de groupes se revendiquent du Stoner et l’adaptent à leur sauce. Dans ce contexte, pas facile de se forger une identité personnelle ?
En fait, l’identité de Sourblast dépend d’un son : épais, caractérisé par une rythmique lourde, puissante et agressive et couplée à guitares ultra mélodiques. Nous sommes, et ce n’est pas récent, devenus des acheteurs compulsifs d'amplis, de guitares et de batteries. Ce qui nous permet de disposer d’une palette sonore assez riche… même si c’est au détriment de notre portefeuille ! On travaille aussi nos compositions afin qu’elles soient ‘catchy’, mais en les abordant dans un esprit très pop. Ce qui crée un mélange hybride, une forme de Heavy rock/Stoner qui soit très susceptible de plaire au mélomane lambda.
En 2016, vous avez participé aux ‘Tremplin Durbuy Rock’. Ce genre de concours est-il idéal pour se révéler, en Belgique ?
C’est indéniablement un fameux soutien ! Pour un jeune groupe qui souhaite participer à des festivals de taille respectable, ces tremplins constituent évidemment une vitrine assez intéressante. De plus, les jurys réunissent souvent des professionnels du métier. Capables de remarquer une formation qui se détache du lot, ils leur proposent souvent, par la suite, des collaborations intéressantes. Bref, c’est toujours bénéfique à tous points de vue !
Nous sommes à la fin du mois de mars et la saison des festivals commence petit à petit à approcher… avez-vous des projets pour cet été ?
Pour le moment, on se concentre à 200% sur la sortie de notre album. Nous avons néanmoins déjà tourné le clip du premier single (« Memories »), qui devrait sortir entre avril et mai. On va ensuite faire un maximum de dates afin de promouvoir l'album. Mais en attendant, nous continuons à travailler main dans la main avec notre manager, pour rôder au mieux possible notre set live. Nous n’avons qu’un seul but en tête : que chaque concert de Sourblast laisse une trace indélébile dans la mémoire du public !
Entretien réalisé par e-mail, le 27 mars 2017
Chanteuse et compositrice, Lisa Biales est originaire de l’Ohio. Intitulé "Music Box", son premier opus remonte à 2007. Neuf albums plus tard, elle publie ce "The beat of my heart", un disque pour lequel elle a reçu le concours du célèbre Tony Braunagel (NDR : établi à Los Angeles, ce Texan est surtout connu pour avoir assuré les drums auprès de Paul Kossoff, mais également apporté sa collaboration à Eric Burdon, Rickie Lee Jones et Bette Midler). Lisa avait principalement une chanson à l’esprit, "Crying over you". Ecrite par sa maman, Alberta Roberts, alors qu’elle n’avait que 24 ans, elle avait été enregistrée en 1947.
Les dix plages de cet opus ne sont pas signées Miss Biales. L’opus a donc été mis en boîte à L.A.. Lors des sessions, Lisa a bénéficié de la participation d’excellents musiciens de studio. Dont Tony Braunagel à la batterie, Jim Pugh au piano, Johnny Lee Schell à la guitare, Larry Taylor à la basse acoustique ainsi que Darrell Leonard et Joe Sublett aux cuivres.
"Disgusted" ouvre la plaque. Le tempo est franc et soutenu. Les cuivres finissent par s’imposer et tout particulièrement le sax offensif de Sublett, alors que la voix se détache bien de l’ensemble. Ballade soul légèrement teintée de funk et enrobée de chœurs, "What a man" se distingue par sa jolie mélodie. Mais les sonorités vintage dispensées par la gratte de Johnny Lee Schell finissent par émerger. R&B dansant de bonne facture, "I don’t wanna hear it" est issu de la plume d’Allen Toussaint, une piste bien balisée par les cuivres, dont le sax baryton de Tom Peterson. La reprise du "Be my husband" de Nina Simone est très personnelle. Puissante, la voix de Lisa est bien mise en exergue tout au long de ce funk profond, entretenu par les percussions de Tony Braunagel et les cordes de Schell, responsables de tonalités étranges. "Messin’ around with the blues" a été composé par le pianiste de jazz, Fats Waller, au cours des années 20. Un blues lent qui épouse un profil cabaret, au cours duquel la basse acoustique de Larry Taylor et les cordes de Johnny Lee Schell tirent leur épingle du jeu. Nouveau changement de style pour "Sad I wasn’t gonna tell nobody", un gospel nerveux, écrit par le Professeur Alex Bradford pour son Abyssinian Baptist Choir, il y a plus d’un demi-siècle ! Lisa traduit en blues/jazz nightclubien le "Crying over you" de sa maman, Alberta Roberts. Soutenue par le piano, la basse acoustique et la trompette de Lee Thornberg, sa voix est empreinte de douceur et d’émotion. Big Bill Broonzy signe "Wild stage of life" et "Romance in the dark", deux plages interprétées par Billie Holiday, il y a bien longtemps. Le jazzman Paul Brown excelle à la guitare, tout au long de ces deux titres. "Don’t let nobody drag your spirit down" adopte un profil roots. Une compo d’Eric Bibb qui baigne au sein d’un climat mystérieux, entretenu par le Cigfiddle de Schell et l’orgue Hammond de Jim Pugh…
Restauré avec raffinement, la Cense de Rigaux est un vieux corps de ferme sis à mi-distance entre Ath et de Tournai. C’est-à-dire à Frasnes-lez-Anvaing. C’est également là que se déroulent les ‘Jeudis Oui’, des soirées inspirées des afterworks qui se déroulent une fois par mois, mais dont l’horaire est inversement proportionnel à celui adopté par les clubs. Soit entre 18 et 1 heure du matin. Imaginé seulement il y a quelques années, ce concept séduit de plus en plus car il permet de se délasser quelques heures directement après la journée de travail ; pas de perte de temps donc et nul besoin de passer chez soi pour se changer.
Ce jeudi 30 mars, s’y produisait donc M.A.T., le nouveau projet solo de Mathieu Dupire, un concert suivi par le DJ set de Nicola Testa.
Le soleil est particulièrement généreux pour un 30 mars. Les filles laissent entrevoir leurs genoux et les dos nus écarquillent les yeux des mâles. Les mange debout fleurissent autour du site et les ‘open bars’ intelligemment disposés à l’extérieur permettent de siroter tout en douceur champagne, mojito ou l’un ou l’autre de ces cocktails dont les vertus aphrodisiaques font mouche chez certains consommateurs. Ce qui donne un petit air de vacances. Manque plus que le sable et la mer…
Il est un peu plus de 21 heures lorsque Mathieu Dupire monte sur les planches devant plusieurs centaines de badauds. Son fer de lance, c’est l’électro ! Ce soir, il est flanqué d’un batteur et de deux préposés aux synthés et se produit sous le patronyme de M.A.T.
Ces quatre musicos sont loin d’être des inconnus dans le milieu. D’ailleurs, ils militent au sein de Zénith, un cover band très actif dans le Tournaisis.
Autant y aller tout de go ! Objectivement, le show d’une petite dizaine de titres recèle ci et là de bonnes idées. Intéressantes même !
Mais, dans l’ensemble, il ne parvient pas à convaincre et à soulever l’enthousiasme. Les raisons ? Plurielles et in(ter)dépendantes !
A commencer par les sonorités des claviers. Un rien vintage, elles sont linéaires et sans consistance. Parfois trop présentes. Bruitistes aussi. Elles desservent souvent les compositions alors qu’elles devraient au contraire apporter davantage de relief. Le rapport à la voix est difficile et il faut vraiment tendre l’oreille pour comprendre la narration du texte. Suivant l’adage, trop point n’en faut…
La rythmique est quasi-identique du début à la fin. La césure entre chacun des morceaux est pratiquement imperceptible à ce niveau. On s’ennuie ferme ! Il faudrait sans doute miser sur la prise de risques et un recours plus subtil aux fûts. La créativité est un art majeur dans le domaine de la compo !
L’ambiance ensuite ! Hormis les quatre ou cinq fans séculaires se trémoussant le popotin devant l’estrade, le public n’est pas parvenu à sortir de sa léthargie post-hivernale…
Ce n’est que lorsque Nicola Testa himself a empoigné au passage un second micro le temps d’un titre que la température a monté d’un petit degré. Seulement ! Pour aussi vite redescendre, sous le zéro…
La motivation enfin ! Hormis celle du leader (charismatique), on avait franchement l’impression que ses comparses s’emmerdaient à mourir. Timidité excessive ?
C’est dommage et triste à la fois parce derrière cet échec cuisant se cache un potentiel qui mérite d’être exploité à sa juste valeur…
Un set mieux rôdé, des sons maîtrisés et la conception d’un concert comme spectacle devraient constituent des principes de base pour cette formation, si elle souhaite se professionnaliser. Bref, il y a encore du pain sur la planche…
Nicola Testa prend maintenant possession de l’espace scénique. Si le chanteur de « Rainbow » a écumé les festivals cet été, armé d’un micro, c’est derrière les platines qu’il exultera ce soir.
Il y prend manifestement autant de plaisir. Les sourires s’affichent et les pas de danse se multiplient. Un vrai gamin content d’asséner un florilège de mix…
On ressent cette filiation onirique, presque théâtrale. Un régal !
(Organisation : Les Jeudis Oui)
Zenzile est une figure marquante de la scène dub hexagonale. Et pour cause, cette formation angevine roule sa bosse depuis bientôt 20 ans. Elle vient de publier « Elements », un 10ème elpee qui succède à « Berlin », paru il y a déjà 3 ans. Le line up a accueilli un nouveau visage ; en l’occurrence Zakia Gallard, une jeune chanteuse de 23 ans qui possède un timbre vocal à la fois puissant et soul. Elle rejoint ainsi les deux autres chanteurs, Vincent Erdeven et Matthieu Bablée. Jamais avare de découvertes, le combo aime emprunter des chemins de traverse et explore ici, tour à tour, le post-punk (« Outsight »), la pop (« Escape ») et le post-rock (« Storm ») ; sans oublier –c’est sa marque de fabrique, il ne faut pas l’oublier– le dub propice à la danse (« Presence », « Polly »). L’opus recèle également un instrumental cosmique (« Escape ») et particulièrement énergique (« DRY »). Bref, un LP au cours duquel Zenzile varie les climats tout en ne négligeant pas ses racines. La définition même d’un groupe qui vieillit bien !
Parisienne, Gaelle Buswel est chanteuse, guitariste, auteur, compositrice et interprète. Son style ? L’americana. Etonnant de la part de cette grande blonde française qui puise ses influences originelles dans le rock du début des 70’s ; et tout particulièrement chez Led Zeppelin, Joe Cocker et Neil Young. Sa personnalité, elle se l’est forgée en accordant des concerts dans des centres de détention et des hôpitaux pour enfants. Son premier album, "Yesterday’s shadow", remonte à 2012. Lors des sessions d’enregistrement, elle avait reçu le concours du bluesman texan, Neil Black. Une œuvre acoustique teintée de blues et de folk. Le second, "Back to blue" est paru fin 2014. Elle s’est illustrée, au cours de ces deux dernières années, en recevant le prix ‘Coup de cœur’, lors du Festival de Cahors, en 2015, et celui de Révélation Française du Festival Blues Passions de Cognac, en 2016. Pour concocter ce nouvel opus, elle s’est entourée des musiciens de son backing group ; en l’occurrence Michaal Benjelloun (guitares, mandoline, pedal steel), Xavier Zolli (basse) et Steve Belmonte (batterie).
Gaelle et Neil Black cosignent "Dreams set me free", la plage qui ouvre cet LP. On est immédiatement agréablement surpris par l’excellence des orchestrations. La production est impeccable, très professionnelle. Accrocheuse, la voix domine bien l’ensemble. Nonobstant son approche country, l’intro de "Wonderland" véhicule des accents ‘stoniens’. Le mélange entre cordes électriques et acoustiques est parfaitement équilibré ! Mais ce sont les interventions de Benjelloun à la slide et à la pedal steel qui font la différence. La bande à Jagger/Richards hante davantage le plus pop "So blue", une excellent piste caractérisée par d’épatantes harmonies vocales, alors que la slide se balade dans le décor. Deux plages ont été immortalisées fin 2015, à Austin, au Texas. Tout d’abord "No one else", une ballade folk émouvante signée par David Quick, un chanteur de rue. Gaëlle et David l’interprètent en duo. Respectueusement et avec beaucoup d’émotion. Miss Buswel se consacre au micro pour "If I fall" et "Makers of love", deux tendres ballades à la jolie mélodie et aux harmonies vocales irréprochables. Cette voix féminine est d’une grande pureté naturelle tout au long de "New day’s waiting", une superbe piste au cours de laquelle la mandoline s’inscrit parfaitement dans l’ensemble, mais surtout dont la montée en puissance est causée par la gratte amplifiée. Qui s’incruste comme lors de la B.O. d’un western. Signé Michaal Benjelloun, "25 hours" nous replonge dans les 70’s. Un blues rock/puissant balisé par les percus de Steve. Le riff est d’abord déterminé, mais se libère en finale pour évacuer tout son mordant et son agressivité. "Freedom tonight" ne manque pas de charme. Oscillant entre r&b, funk et pop, il finit par exploser au cœur d’une dynamique quasi-punk, ponctuée par une éblouissante intervention de Michaal sur ses cordes au bord de l’embrasement. Et c’est Neal Black qui a composé le dernier titre de cet opus classieux. Une ballade majestueuse dont les cordes magiques du soliste, mettent bien en valeur la voix si expressive de Gaelle…
Thornetta Davis est issue de Detroit, dans le Michigan. Elle est considérée comme la 'Detroit’s Queen of the Blues'. Elle déjà remporté pas moins de 30 ‘Detroit Music Awards’. Thornetta avait entamé sa carrière dès 1957, au sein de soul bands locaux, comme chez le Lamont Zodiac and the Love Signs, qui a ensuite opté pour le patronyme Chisel Brothers. Intitulée "Sunday Morning Music", sa première œuvre personnelle remonte à 1996. Dès 2001, elle est reçue au sein du ‘Detroit Hall of Fame’. Elle vient d’enregistrer l’album qu’elle rêvait de graver depuis vingt ans. Elle en signe douze des treize titres et assure la mise en forme.
Les sonorités de cordes réverbérées dispensées par la guitare de Roscoe White nous introduisent dans le monde de Thornetta. Sa sœur, Félicia, a écrit et récite le texte de "When my sister sings the blues". Les références sont prestigieuses. Et pour cause, elles ciblent Bessie Smith et Sippie Wallace, deux chanteuses qui ont marqué le blues et le jazz des années 20 ! Kim Wilson se fend d’une intervention remarquable à l’harmo sur "I gotta sang the blues", une plage qui libère une puissance exceptionnelle. Envoûtante, autoritaire et excellente, la voix de Thornetta domine "That don’t appease me", une compo réminiscente du grand Willie Dixon. Brett Lucas en profite pour opérer une sortie remarquée sur ses cordes. Des voix masculines et féminines épaulent celle de Miss Davis sur "Set me free", un excellent R&B que tapisse le talentueux Chris Codish de son orgue (NDR : cet ex-Brothers Groove est établi à Detroit), alors que Larry McCray transperce l’ensemble de ses cordes. Les parties vocales de Thornetta sont bien mises en exergue sur les morceaux imprimés sur un tempo lent. A cause de la réserve de puissance qu’elle peut thésauriser. Et elle le démontre tout au long d’"Am I just a shadow", une jolie ballade soul. "I need a whole lotta lovin’ to satisfy me" nous entraîne à la Nouvelle-Orléans. Le roulis de piano exécuté par Phillip J. Hale et l’intervention à la trompette de James O’Donnell nous y guident. La voix de Thornetta est bien évidemment taillée pour le blues. A l’instar d’"I’d rather be alone", une piste au cours de laquelle elle et ses choristes entrent en dialogue, face à ses musiciens particulièrement inspirés. "I believe" est bercé par les rythmes endiablés tramés par les chœurs gospel et spiritual des Special Anointing (NDR : l’ensemble vocal est également originaire de Detroit) et déchiré par la slide acérée de Brett Lucas. "Sister Friends indeed" s’enfonce davantage dans le boogie gospel, le bottleneck acoustique apportant sa couleur roots. Et jusqu’à la fin du long playing, l’opus va encore nous réserver de solides compositions au cours desquelles les guitaristes Paul Carey et Brett Lucas vont tirer leur épingle du jeu. "Can we do it again" campe un dernier blues. Majestueux, teinté de jazz, il constitue une belle carte de visite pour cette nouvelle Reine du Blues de Detroit, tout en rappelant à notre souvenir, une ancienne souveraine, Alberta Adams.
Ce trio de blues/rock est canadien. Issu de Waterloo, dans l’Ontario, très exactement. Son leader, le chanteur/guitariste Mike Elliott a milité au sein du Daddy Longlegs, un groupe de garage blues local, avant de monter son propre projet. Il a ainsi recruté le drummer Johnny Sauder et le contrebassiste Scott Fitzpatrick, comme section rythmique. Et qu’il a baptisée The Audio Kings. Eponyme, cet opus constitue le premier elpee du combo et réunit onze plages signées par Elliott.
Dès le départ, la formule trio s’impose. Très rock’n’roll et clairement jump, "When they say about you" est parfaitement balisé par la section rythmique. De quoi permettre au leader, dès qu’il en a l’opportunité, de prendre un billet de sortie sur ses cordes. Volubile, il étale également toute sa technique sur sa gratte. Tout au long du boogie "One of a king", Elliott ne laisse pas le moindre espace disponible. "What tomorrow brings" est imprimé sur un tempo plus lent. Le drumming se charge de swing. Un swing entretenu par la basse acoustique de Scott sur "Friday night". La voix est limitée, mais la créativité sur les cordes est constamment présente. Les musicos reprennent en chœur le refrain pendant "Come on home", une plage caractérisée par un rythme, ma foi, plutôt exotique. Shuffle bien texan, "Easier said than done" est à la fois passionnant, entraînant et efficace. Elliott souffle dans son harmonica tout au long de "No need to be alone", un blues enlevé. "Another day, another dollar" campe un rockabilly bien vivifiant. Et la guitare est omniprésente. Il manquait un blues lent. "Jealous kind" comble cette lacune. Les cordes fluctuent constamment et s’autorisent même une sortie tout à fait convaincante. Dommage que la voix de Mike ne soit pas davantage chargée de passion ! Les percus syncopées de Johnny nous entraînent au cœur des rues de la Nouvelles Orléans pour un "I don’t want to work" propice à la fête. "I know" met le cap sur Chicago, une finale particulièrement Westside qui véhicule les accents d’une rumba, dans l’esprit d’Otis Rush. Et Mike Elliott s’y réserve une de ses meilleures sorties sur les cordes.
Préambule à un album prévu pour le printemps, l’Ep « Ca M’Saoule » nous permet de découvrir l’univers de Gosh (ex-Hugo F.), jeune artiste hexagonal dont la musique louvoie entre pop radiophonique et chanson française (« Ca m’saoule »), mais également reggae/pop réminiscent du presque disparu… Pierpoljak (« Cocktail pour Deux »). Des chansons enregistrées en compagnie de Manu Larrouy et Jean-Paul Gonnod (Fréro Delavega, Zazie, Michel Delpech) dont les textes sont à la fois légers et ensoleillés… Bref, si on oublie « La Nuit », plage qui se vautre dans les travers de Christophe Maé, ce disque est plutôt agréable à écouter. M’enfin, pas de quoi bouleverser le monde de la musique, quand même ; mais plutôt satisfaire celles et ceux qui ne sont pas encore gavés de sucreries inoffensives…
Il a donc fallu attendre 4 longues années avant que Grails ne réserve une suite à « Black Tar Prophecies Vols 4, 5 & 6 ». Pendant toute cette période, les trois Américains n’ont pas chômé ; et pour cause, ils ont participé à différents projets. Emil Amos au sein d’Om. Alex John Hall chez Harvestman, en compagnie de Steve Von Till, le leader de Neurosis. Quant à Zack Riles, il a notamment tourné en compagnie de M.Ward. Ce qui leur a permis de cogiter afin de concocter un futur opus. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que ce temps a bien été mis à profit. Car ce nouvel album fourmille d’excellentes idées.
Eclectique, « Chalice Hymnal » n’a pas vraiment de fil rouge. Il y en a pour tous les goûts et toutes les couleurs. Enfin, pas tout à fait, mais vu la diversité de styles abordée tout au long de ce long playing, le mélomane va devoir remettre plusieurs fois son métier (le disque) sur son ouvrage (le lecteur) afin de l’appréhender le mieux possible. Car elle est Riche. Très riche. Instrumentalement. Les nappes de piano et les accords de guitare se croisent, se superposent, se chevauchent et finissent par se conjuguer. Stylistiquement également. Ainsi l’elpee s’ouvre par le titre maître. Traversée par un saxophone, cette compo emprunte à la fois au lounge et au jazz. Plus enlevé, « Pelham » lorgne vers le post rock. Mais un post rock qui invite cordes et accords de piano classique. Un peu dans l’esprit de Maserati. « Tough Guy » est carrément contaminé par le trip hop. Et « Deeper Politics » baigne même au cœur d’un climat empreint de mélancolie. Bref, chaque morceau est un univers à part entière. Un retour réussi !
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