The McKee Brothers implique, bien évidemment, deux frangins. En l’occurrence, Ralph et Denis. Avant de fonder le combo, le premier cité (NDR : c’est l’aîné) militait comme bassiste, parmi des groupes locaux, à Detroit. Un épisode qui remonte aux seventies. Plus jeune, le second a fait ses armes, au sein du combo. D’abord préposé aux bongos, il a transité par le saxophone, avant de se fixer à la guitare. Au sein du line up figure encore un membre de la famille. En l’occurrence Melissa, qui se charge des vocaux. Mais également le leader de 3rd Degree, Stan Budzynski (slide), Bobby West (claviers), Jerome Edmonson (batterie) et Bobby Watson (basse). De nombreux invités ont apporté leur collaboration lors des sessions ; et notamment Larry McCray, l’ex-Fabulous Thunderbirds, Kirk Fletcher, ainsi que l’ex-Bob Seger Band, Bob Schultz. Les frères McKee et le claviériste Bobby West signent l’essentiel des morceaux de l’opus.
Le band américain pratique une musique hybride, mêlant blues, rock, jazz, soul et funk, tout en la pimentant de références latines.
"One of us gots ta go" ouvre la plaque. De l’excellent r&b. Bob Schultz s’y montre particulièrement à l’aise derrière le micro. La guitare de Kirk Fletcher est fluide. Excellent soul/blues, "Change" bénéficie d’une solide mélodie. Fletcher se sent comme un poisson dans l’eau. Epaulé par le piano de Bobby West, Denis McKee tire son épingle du jeu à la guitare, sur le R&B très dansant "Guaranteed". L’elpee nous réserve quelques pistes généreusement funk. A l’instar de "A little bit of soul", que chante le bluesman noir Larry McCray (NDR : il est issu de l’Arkansas). Les cordes de grattes sont tranchantes. Le titre maître implique pas moins de quatre guitares. Le saxophone ténor de Doug Webb colore "Right there". "A long way back home" est un blues lent sublime, tapissé par l’orgue Hammond de Jim Alfredson. La voix de Schultz est profonde et expressive. "Modern Fraud woman" est imprimé sur un tempo soutenu. Si les cordes de McCray sont en liesse, la voix de Denis manque quand même d’assurance. Deux reprises. Tout d’abord le "Qualified" de Dr John. On y retrouve les rythmes syncopés de New Orleans. Denis McKee siège derrière le piano alors que Stan Budzynski se distingue à la slide. Puis la cover d’"It all went down the drain" d’Earl King. Les cordes sont ici partagées entre celles de Budzynski, du Californien Rick Berthod, de Dave Kaftan et de McKee. Très Stax, "Up to the mountain" clôt l’opus. Une jolie ballade r&b que chante avec bonheur la cadette de la famille McKee, Melissa. Et pour la dernière fois, Larry Mc Cray injecte un max d’émotion dans ses cordes.
Originaire de Rostov-sur-le-Don (NDR : une ville sise près de l’Ukraine, sur la côte de la mer Noire), Motorama est une formation russe. Preuve que la musique ne connaît plus de frontières. Un phénomène né de la mondialisation, il faut le reconnaître. Fondé en 2005, ce quintet a rencontré un beau succès dans son pays, avant de s’exporter grâce à mise en ligne de ses albums précédents. Il s’était produit au Botanique de Bruxelles en 2013 et en octobre dernier. Paru chez Talitres, « Dialogue » constitue son quatrième elpee.
La musique de Motorama s’inspire manifestement de la cold wave. Celle de Joy Division ou d’Interpol, suivant que vous êtes jeune… ou moins jeune. Les textes sont exprimés dans la langue de Shakespeare. La ligne de basse est entraînante. Les mélodies sont efficaces. Le tempo est tour à tour enlevé ou lancinant. Des « Signs » qui ne trompent pas. Doublés d’une guitare sous reverb, les synthés créent un climat à la fois glacial et mélancolique. On a parfois l’impression que la bora souffle sous nos latitudes. Lorsque les compos sont introduites par une sèche, c’est dans le but d’adoucir l’aspect synthétique de l’expression sonore. Et « I See You » en est certainement la plus belle illustration.
Manifestement, la musique de Motorama s’affine au fil du temps. Et elle pourrait bien alimenter en « Dialogues », vos froides soirées d’hiver…
Katrive Riggins est née à Miami, en 1980. Elle a passé sa jeunesse au sein d’un environnement familial très musical, favorable à l’écoute de rock, blues, soul, gospel et country. Quand elle monte sur les planches, c’est pour reprendre les standards du blues et du jazz, en s’accompagnant au piano. Elle fonde ensuite la formation Blues Revival. Puis publie un Ep intitulé "Soul Music" et un album, "Lily Rose". "Blues Revival" constitue donc son second opus. Elle a, bien sûr, reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le guitariste/claviériste Darrell Raines, le bassiste George Caldwell et le batteur Doc Allison. Hormis deux reprises, elle signe le reste du tracklisting.
Kat possède une voix puissante, autoritaire ; mais elle la maîtrise aisément. Et on s’en rend compte dès le morceau qui ouvre la plaque, "Now I see". Elle bénéficie, en outre, de musicos particulièrement talentueux. Darrell s’autorise déjà un billet de sortie à la guitare, mais aussi Stephen Lombardelli –invité pour la circonstance– au saxophone. La réserve de puissance vocale de Miss Riggins est impressionnante. Et elle le démontre sur l’indolent "Good girl blues". Slow blues chargé d’intensité, "Wail away" est amorcé par les cordes parcimonieuses de Raines ; mais ce dernier double également à l’orgue pour épouser la voix si expressive de Kat. Il double piano et guitare sur "Queen Bee", une piste imprimée sur un tempo plus enlevé. Manifestement, Darrell Raines est le ‘maître d’œuvre’. "Murphy’s Law" reflète le talent de Kat à l’écriture. Une plage qui ne manque pas de charme. Enrobée de chœurs féminins et caractérisée par une gratte devenue insatiable, cette chanson bénéficie d’une excellente ligne mélodique. Kat Riggins s’est forgé la voix en pratiquant le gospel, au cours de sa jeunesse. Et on s’en rend compte à l’écoute du "Change is gonna come" de Sam Cooke, qu’elle interprète a cappella. Elle parvient à faire revivre cette célèbre chanson qui date de plus d’un demi-siècle. L’adaptation est somptueuse. La mélodie éternelle. Quel panache ! Etta James avait traduit le "Blues is my business" de Kevin Bowe en succès. La nouvelle version est sculptée dans un funk entraînant, irrésistible même. Raines semble ici hanté par Carlos Santana. Superbe ! "The devil is a liar" bénéficie d’un excellent arrangement. Les sonorités de cordes déclenchent une sorte de transe hypnotique. Et passionnée, la voix nous flanque des frissons partout.
Issu de Colorado Springs, Austin Young est un très jeune chanteur/guitariste. Il n’en est cependant pas à son premier essai, puisqu’il avait déjà gravé un premier elpee, en 2013. Son titre ? "Blues as can be". Les membres de son backing group sont également jeunes : Alex Goldberg à la basse ainsi que Forrest Raup ou Kowan Turner, à la batterie. C’est la formule trio qui s’est imposée sur cet opus ; mais sans jamais abuser dans sa partie instrumentale.
"Take me away" baigne au coeur d’une douceur bien personnelle. Et si la guitare est généreuse et chargée de feeling, elle demeure constamment au sein d’un canevas parfaitement balisé. La voix n’est cependant pas très expressive. La production opérée par Austin est très soignée. Et on s’en rend compte lors des arrangements apportés à "Barren Road Blues", par l’orgue Hammond de Tom Capek. Caractérisé par la présence d’une section de cuivres, "Something more" est un morceau qui lorgne vers le r&b. La section rythmique imprime un tempo funky. Young contrôle bien la situation et se réserve une sortie à la fois réussie et personnelle sur ses cordes, malgré un changement de tempo percutant. Blues lent, le titre maître concède des accents volontiers dramatiques. Parcimonieux, l’envol d’Austin sur ses cordes est fascinant. On retrouve de la douceur sur plusieurs pistes. Tout d’abord sur "Sets me free". Capek y double orgue et piano électrique. "Mountains on fire", ensuite. Un autre blues lent. L’instrumentation est bien charpentée. Superbement équilibrée surtout. Et les nappes d’orgue Hammond sont chaleureuses. D’excellentes vibrations rythmiques traversent "Heal my heart", un titre qui célèbre le retour aux cuivres. Rockin’ blues, "Whirlwind" est un instrumental destiné à mettre en exergue la dextérité du sixcordiste. Et Young achève le long playing par une ballade légère et dépouillée. Et en solitaire : sa voix, ses cordes acoustiques et électriques. Manifestement, il possède un énorme potentiel ; mais il doit d’abord penser à améliorer ses performances vocales...
Chanteur, guitariste et compositeur, Bill Johnson est âgé de 52 ans. Ce Canadien roule sa bosse depuis les années 70. Il faudra cependant attendre les eighties pour le voir passer progressivement au blues. Il monte alors son Bill Johnson Blues Band. Nous sommes alors en 1993. Et publie son premier elpee solo, "Why I sing the blues". Il faudra cependant attendre 2005, pour le voir enregistrer un deuxième opus. Un "Live". En 2005. Il grave alors "Worksongs" en 2007 et "Still Blue" en 2010. Bill a décroché plusieurs Blues Awards, au Canada. Pour concocter "Cold outside", il a reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le bassiste Rick Erickson, le claviériste Darcy Philips et le batteur Ross Hall.
"Baggage blues" est un blues qui fait mouche. La voix de Bill colle parfaitement à son répertoire. Aux ivoires, David Vest meuble tous les espaces libres. "Nine dollar bill" élève le tempo. Les cordes de Johnson son déjà bien affûtées pour attaquer cette plage nerveuse aux accents West Coast. Le ténébreux "Cold outside" est davantage country, un morceau au cours duquel les cordes tracent une ligne mélodique imparable. Le spectre de Johnny Cash plane. Tout comme sur "Night train", un titre qui adopte le rythme du chemin de fer. Et chargées de feeling, les cordes sont vraiment agréables à l’oreille. Darcy siège alors derrière l’orgue Hammond. Shuffle, "True love" emprunte un tempo flemmard. David Vest est de retour au piano et entre en duel avec la gratte, décidemment bien attachante de Phillips. Vest est un vétéran de la scène blues. Dans le passé, il a notamment apporté son concours à Big Joe Turner, Floyd Dixon et Jimmy T99 Nelson. Darcy double piano et orgue tout au long du blues lent classique "My natural ability". Bill égrène ses notes parcimonieusement, mais en y injectant un max de sensibilité. Et David épaule encore Bill sur le rock’n’roll vivifiant "Makes a fella nervous". Nonobstant sa forme contemporaine, "Free from my trouble" nous entraîne progressivement vers le delta. La guitare est généreuse. L’orgue Hammond, bien présent. Joby Baker (NDR : c’est le producteur !) double basse et batterie sur "Angry guitar". Et communique une touche funky à la compo. Bill ponctue son chant de petites phrases finement ciselées sur ses cordes. "Driftin’ and driftin’" est une ballade subtilement country. La voix est devenue douce, tendre même. Le recours au bottleneck apporte une sonorité métallique à l’ensemble, sans jamais nuire au sens mélodique. Ballade acoustique, "Angeleen" clôt cet opus, une piste qui puise ses racines dans l’americana…
L’édition 2016 de l’Autumn Falls tire à sa fin. Depuis le mois de septembre, elle a permis à de nombreux artistes et groupes émergents, dont Death Grips, DIIV, Kevin Morby et Dan San, de se produire, tant en Flandre, en Wallonie qu’à Bruxelles. Ce lundi 12 décembre, elle accueillait le pianiste Lubomy Melnyk, à l’Orangerie du Botanique.
D’origine ukrainienne, Lubomyr est né à Munich, en 1948. Il joue du piano depuis l’âge de 6 ans. Il a cependant acquis la nationalité canadienne. Il s’est forgé une solide notoriété en se produisant à travers le monde –et tout particulièrement en Europe et Amérique du Nord– grâce à sa technique aux ivoires, définie comme ininterrompue. Il est ainsi capable d’aligner des séries notes extrêmement rapides, complexes et singulières, notamment à l’aide de ses pédales. Pourtant, malgré une discographie impressionnante, ce virtuose a dû attendre 2013, soit après la publication de ses deux essais sur le label de Nils Frahm, pour être reconnu à sa juste valeur.
D’ailleurs, ce soir, la salle bruxelloise est sold out. Et pour rendre le spectacle le plus confortable possible, les organisateurs ont opté pour la configuration assise.
L’artiste grimpe sur l’estrade à 21heures. Grande barbe blanche et longs cheveux, son look est aisément reconnaissable. Il s’installe derrière le micro, planté à côté d’un majestueux piano à queue. Puis, s’assied derrière son instrument et commence à en jouer. Affable et attachant, ce personnage prend le temps de fournir une analyse de ses différentes compos. Entre chacune d’entre elles. On est immédiatement impressionné par l’agilité de ses doigts sur les touches d’ivoire. Ils se déplacent à une vitesse vertigineuse. Tout lui semble facile ; et pourtant… Il est capable de jouer 19,5 notes par seconde tout en maintenant une vitesse de jeu entre 13 et 14 notes pendant une heure complète. Qui dit mieux ? Certains médias ont qualifié son néo-classicisme de minimaliste. C’est un peu réducteur. Son interprétation est chargée d’intensité et d’émotion. Dans l’auditoire, personne n’ose bouger, ni émettre le moindre son. Deuxième titre, « Love » est extrait d’un ballet que le musicien a orchestré au mois de septembre dernier. Il embraie ensuite par le superbe « Butterfly ». Mais pour clore le set, il nous réserve « Windmills », une pièce de 40 minutes, au cours de laquelle il conjugue son interprétation à celle d’une bande sonore préenregistrée. Au piano, bien sûr. Il va alors atteindre une vitesse d’exécution ahurissante sans pour autant perdre l’intensité émotionnelle. Pendant une heure et demie, Lubomyr Melnyk est parvenu à tenir en haleine un public littéralement médusé.
En proposant un tel spectacle, Toutpartout est parvenu à introduire la musique néo-classique au sein du Botanique ; et, vu l’affluence, on peut affirmer que l’idée n’était pas aussi saugrenue qu’elle aurait pu paraître...
(Organisation : Toutpartout + Botanique)
C'est la seconde fois que Puggy se produit à Forest National. Et la énième, que votre serviteur assiste à un concert du trio. Combien de fois ? Difficile à déterminer. Qu’importe, il a le bonheur d’assister à la progression –fulgurante– d’un band auquel il a cru depuis ses débuts. Ce soir, c’est évidemment sold out. Et il faut préciser que peu de groupes ‘belges’ (NDR : si on peut considérer Puggy comme tel) ont réussi à remplir cet hémicycle. Même si depuis quelques années, les artistes du cru ont le vent en poupe. Et s’exportent de plus en plus facilement. Ce qui n’était pas le cas au cours des seventies et des eighties. Et paradoxalement, c’est à cette époque que Pierre Rapsat et Machiavel sont parvenus à y faire salle comble.
Mon petit voisin est âgé de 8 ans. C’est le premier show de Puggy auquel il assiste. Et il est fier d’y participer. Son grand-père est musicien ; mais c’est Didier qui lui sert –en quelque sorte– de mentor… Le papy le guide pour son éducation musicale : les Stones, les Beatles, Lynyrd Skynyrd, AC DC, Led Zeppelin et bien sûr Puggy. De nombreux parents et grands-parents accompagnent leurs rejetons au concert ; ce qui crée une ambiance bien familiale.
Le supporting act est assuré par Faon Faon. Sympathiques, les deux donzelles (Olympia Boule et Fanny Van Hammée) sont coachées par Nicolas Renard. C’est-à-dire le même manager que Puggy. Le duo a publié un Ep en novembre ; et pour le défendre, il assure le supporting act, tour à tour de Puggy, Jaine ou Alice On The Roof.
Hormis l’absence de bain de foule, le set sera semblable à ceux accordés au Splendid (voir ici) et au Brass (voir là). On épinglera quand même la volonté d’inciter la foule à remuer le popotin. Les jouets, les legos et autres dominos ont été rangés. Il faut passer aux choses sérieuses. La tendre enfance est loin. Mais il ne faut pas aller trop vite. « Gravité » nous entraîne vers le grand Nord. On y croise un « Eskimo ». Perdu sur son îlot, il mange des grumeaux d'igloo. C'est pas vraiment rigolo, car on a froid au dents et mal au ventre. Pour se réchauffer, rien de tel que balancer et remuer le corps. Un peu d'exercice ne fait jamais de tort. Grimpons sur « La Montagne » jusqu'à 8 000 mètres. Mais par paliers. La mission est participative. Le tandem invite l’auditoire à escalader le col, en chantant, sur un chemin tracé par le ukulélé. Et une majorité de la foule y participe. Impressionnant ! Les filles semblent ravies du challenge. Et suivant le même rituel, Faon Faon clôt son spectacle par « Mariage »…
A 20h45 pétantes, les lumières s'éteignent. Les haut-parleurs crachent une intro mixant une musique signée Donovan et des sonorités issues de « Colours ». Le public accueille chaleureusement le trio. Les musicos n’ont pas enfilé de costards distincts. Leurs silhouettes se dessinent sur fond de stroboscopes. Tout au long du set, le light show sera d’ailleurs épatant. Le combo est, comme au cours des derniers spectacles, soutenu par le claviériste/pianiste Mathieu Vandenabeele. Le patronyme ‘Puggy’ apparaît en pointillés sur la toile. Et il attaque « Fight Like You'Re Fighting », dans un climat proche du délire. Electros, les claviers y mettent carrément le feu.
Matt remercie régulièrement la foule. Et va rarement quitter sa guitare électrique. La setlist privilégie les morceaux de « Colours », mais n’en oublie pas pour autant le reste de son répertoire. Notamment les tubes. Faut dire que les improvisations et les envolées vocales apportent une autre dimension à ces compos. Ce qui va inévitablement enthousiasmer la foule. Matt l’invite à reprendre en chœur un refrain en français. La réaction est immédiate et irrésistible. Dix minutes d’applaudissements nourris. Même que le groupe ne parviendra pas à en placer durant cette ovation.
Lors du premier rappel, Matt invite la foule à se partager en trois sections pour participer à une polyphonie vocale. Titre concerné : « You Call Me Up ». Exercice de style réussi ! Pour ne pas oublier les fans de la première heure, Puggy leur accorde un medley du « Dubois Died Today ». Mais également l’incontournable « To Wind The World », qui n’a pas encore pris la poussière. Ni « Teaser », une chanson qui n’avait plus été interprété depuis belle lurette. Et lors du second encore, le band en profite pour marquer son « Territory ». Celui de Forest National ?
120 minutes de concert. De quoi ravir un public… conquis d’avance, quand même… Prochaine étape : le Rockhal à Luxembourg.
Setlist : « Fight Like You'Re Fighting », « Feel So Low », « Soul », « Last Day on Earth (Something Small) », « She Kicks Ass », « I Do », « This Time », « Lonely Town », « You Are » « Goddess Gladys », « Ready Or Not », « How I Needed You », « Teaser », « Change The Colours », « To Win The World », « Something You Might Like », « Goes Like This », « When You Know »
Rappel 1 : « Medley (Dubois, Chez Madame Louise, Out of hand, Yeah Yeah Yeah) », « You Call Me Up »
Rappel 2 : « Territory »
(Organisation : Live Nation)
Voir aussi notre section photos ici
The Prettiots est un duo new-yorkais, issu de Brooklyn très exactement, réunissant Kay Kasparhauser (chant, ukulélé) et Lulu Prat (basse, backing vocals). « Funs cool » constitue le premier elpee du tandem. Un disque pour lequel il a quand même reçu le concours d’une drummeuse, Rachel Trachtenburg. A première écoute, les compos semblent nager dans une forme de folk/pop minimaliste qui aurait emprunté ses caractéristiques bubblegum chez The Pipettes. Les harmonies vocales sont soignées et les mélodies contagieuses. Mais en se penchant sur les lyrics, on se rend compte que le message est loin d’être superficiel. Le plus souvent féministe, mais surtout humoristique, renvoyant ironiquement les frimeurs à leurs études. Parfois quand même sombre. A l’instar de « Suicide hotline », dont le texte anxiogène, réaliste et nihiliste, affiche une attitude carrément punk. Punk, c’est d’ailleurs le mode adopté par la ligne de basse. L’opus recèle deux covers assez surprenante ; en l’occurrence le « Skulls » des Misfits et puis le « Me and little Andy » de Dolly Parton. Et finalement, tout en se révélant sardonique, cet LP est tout simplement rafraîchissant. Même que parfois on se surprend à siffloter les refrains, et sur les chansons les plus enlevées, à taper du pied…
« Betsy Cha Cha » constitue le deuxième elpee de cette formation toulousaine drivée par Rem Austin. Et honnêtement, il n’est du tout facile à chroniquer. En fait, si sa pop s’inspire le plus souvent des sixties (Beatles, Beach Boys, Kinks) et parfois des nineties (Boo Radleys), elle est régulièrement rongée par le punk rock. Et tout particulièrement celui des Pixies. A cause de cette ligne de basse mordante, réminiscente même du fameux « Debaser » (« Pâquerette », « Mountain boy ») ; et puis des stridulations de guitare. Les harmonies vocales sont particulièrement soignées, éthérées (« Well, well well ») ou disposées en couches, à l’instar de « The Hill song », hanté par le « Sgt Pepper’s » des Fab Four. Et puis, le sens mélodique est constamment préservé ; ce qui rend les 14 titres de cet elpee agréables à l’écoute tout en demeurant déconcertants. C’était sans doute le but recherché par The Crumble Factory…
Kristin Welchez est surtout connue pour son implication chez Dum Dum Girls, sous le pseudo de Dee Dee. Ce garage band a d’ailleurs gravé, depuis 2008, plusieurs elpees sur Sub Pop. Elle a donc décidé d’embrasser une carrière solo sous le patronyme de Kristin Kontrol. Et « X-Communicate » constitue son premier opus.
Première constatation, l’Américaine a décidé de replonger au cœur des 80’s. Les boîtes à rythmes et les synthés dominent largement les guitares, même si ces dernières sont toujours bien présentes, comme sur « White Street ». Une coloration eighties bien marqué par le titre maître, au cours duquel les claviers s’imposent. Certains morceaux sont cependant empreints de mélancolie ; à l’instar du brumeux, presque dream pop, « (Don’t) wannabe ». Et si le spectre de Kylie Minogue plane tout au long de cet LP, a contrario de ce que vous pourriez penser, les mélodies n’accrochent pas instantanément. Plusieurs écoutes sont d’ailleurs nécessaires avant de pouvoir les apprivoiser.
En publiant cet « X-Communicate », on peut affirmer que Kristin Welchez a parfaitement réussi sa reconversion. Mais ce changement de cap risque fort faire autant d’adeptes que de déçus.
Depuis plus de deux ans maintenant, le duo montois enfièvre les publics des bars et salles de concerts un peu partout en Belgique et en France. Fort de cette expérience scénique, La Jungle est parvenue à affiner ses compos et surtout à se forger un nom sur la scène noir-jaune-rouge. Une reconnaissance par ailleurs amplement méritée. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien qu’on a pu les voir à l’AB, au Botanique et qu’ils se produiront bientôt dans le cadre des Eurosonics, à Groningen.
Simplement et logiquement intitulé « II », ce second elpee est partagé en 5 pistes, toutes dépassant les cinq minutes. En atteignant même parfois neuf. Sur le fond, rien n’a réellement changé. Les Montois pratiquent toujours le même genre de math/noise/synth/rock. Les riffs hypnotiques et les touches funky (sacrément entraînantes) sont au rendez-vous, notamment sur l’excellent « Cold » et « Helizona », deux plages qui rappellent une version minimaliste de Maserati. La Jungle n’oublie cependant ses racines les plus sauvages, à l’instar de « Technically you’re dead », titre particulièrement agressif.
Parfaitement équilibré, cet LP ne suscite jamais l’ennui. Mieux encore, il séduit par ses constructions, le plus souvent en crescendo, démarrant même parfois sur un tempo plus lent. Une prouesse, quand on sait que chez certains groupes, deux minutes suffisent à nous dégoûter de l’ensemble…
Les Comptes de Korsakoff est une formation savoyarde qu’on pourrait qualifier de barrée. Et pou cause, si son univers expérimental est jazzyfiant, il laisse également de l’espace au rock et au cabaret. Un peu comme si Tom Waits (« Ghost Train ») invitait Primus (« Sailing Out of Sight ») à une séance cinématographique sonorisée par DAAU (« Monologue of the Beggar »). Quatrième elpee, « Ghost Train » fait suite à « Projectioniste », paru en 2014. Il conte les affres d’un homme forcé d’embarquer dans un train fantôme, porteur d'un bouquin mystérieux, qui relie les personnages entre eux et entraîne des rencontres.
Entre dissonances et mélodies tordues, l’expression sonore –ténébreuse– se nourrit de cuivres (trompette, trombone, saxo), de cordes (violoncelle), mais également d’un piano ‘bastringue’ ; de quoi varier les climats. Une belle découverte pour les mélomanes en recherche d’originalité…
Aidan Moffat et Malcolm Middleton sont co-leaders chez Arab Strap, une formation de post folk qui se réunit encore épisodiquement depuis 2011. Parallèlement, ce dernier a lancé sa carrière en solitaire, dès 2002. Et « Summer of ‘13 » constitue déjà son sixième album solo. Il a également publié plusieurs elpees sous le patronyme de Human don’t be angry. Bien qu’âgé de 43 balais, il faut avouer que l’Ecossais ne chôme pas.
Pour concocter ce nouveau long playing, il a reçu le concours de Miaoux Miaoux à la mise en forme ; un producteur notoire dans le milieu de l’électro/pop. Pas étonnant, dès lors, que l’électronique soit bien présente tout au long de la plaque. Les synthés et les samples dominent même largement l’instrumentation organique. Il y a quand même de la guitare sur « Little Hurricane ». Mais pas de pistes folk minimalistes. Plutôt des plages dans l’air du temps. A l’instar de « Information In The Voice » et « Music Ticks ». Ou encore du single coloré et presque dansant « Steps » ainsi que du titre maître et de l’excellent « Like John Lennon Said », un morceau construit en crescendo. Malcolm a quand même conservé le ton solennel de ses interprétations. Qu’il communique à travers sa voix sur « Lullaby » et à l’aide du piano, tout au long de « Big Black Hole ».
En gravant « Summer of ‘13 », Malcolm Middleton est donc parvenu à opérer un compromis entre ses envies de dancefloor et son spleen typiquement scottish…
Qui aurait parié un centime en 1966 sur 50 années de longévité pour Status Quo ? Enfin pas tout à fait. Car un demi-siècle plut tôt, le premier single du band était gravé sous le patronyme de The Spectres. Et il allait encore transiter –brièvement– par celui de Traffic Jam, avant d’adopter définitivement celui de Status Quo. Qui publie alors, début 1968, « Pictures of Matchstick men », puis « Ice in the sun », deux petites perles de psyché/pop au potentiel commercial évident. Du line up originel, il ne reste plus que le chanteur/guitariste Francis Rossi. Au cours de sa période pop, la formation a été rejointe par un autre chanteur/guitariste, Rick Parfitt.
Mais en 1970, le band découvre les trois accords du blues et se lance dans le boogie rock. Répétitif, ce style allait devenir sa marque de fabrique, lui apporter le succès, les honneurs et la fortune. Depuis, Status Quo a sorti plus de trente albums. La plupart se sont très bien vendus et les concerts on toujours rempli les salles du monde entier. Qu’allaient-ils donc décréter pour fêter son jubilé. En 2014, il avait réalisé un opus acoustique, baptisé « Aquostic » ; un elpee qui deviendra disque d’or en Grande-Bretagne.
Le band a donc décidé d’embrayer par un deuxième volet d’« Aquostic ». Le label Ear Music a réservé aux collectionneurs toute une série de formules, dont un double vinyle. Les titres proposés sont largement puisés dans l’ensemble du répertoire de la formation. ‘Unplugged’, ils sont superbement retravaillés ; mais surtout leur approche s’avère originale. Les cordes acoustiques, les interventions de basse et de batterie sont enrichies d’arrangements de cordes et de chœurs.
Le titre maître ouvre la plaque. Il s’agit d’un morceau qui figurait sur « Blue for you », un LP paru en 1975. Les nouveaux arrangements de « Roll over lay down », une compo qui remonte à 1973, sont particulièrement réussis. L’album recèle l’inévitable tube « In the army now », mais également deux nouvelles chansons ; soit « One more for the road » et le celtique et dansant « One of everything ». Celtique comme « Hold you back ». « Backwater » est caractérisé par une voix davantage agressive et se distingue par la présence d’un accordéon. Qui colore le plus blues « Belavista man », une piste peu connue, il faut le souligner. Et cet instrument est encore bien mis en exergue –tout comme le piano, d’ailleurs– tout au long de « Mess of the blues ». Et dans le même style, bottleneck et harmonica colorent le particulièrement roots « Resurrection ».
L’édition DeLuxe inclut onze titres supplémentaires, dont une autre nouvelle compo, « Is someone rocking your heart », et des morceaux immortalisés ‘live’, à Stuttgart, en 2014. Le vinyle bénéficie également d’un titre distinct des autres éditions, « Fo you », une douce ballade signée en 1977.
Signalons encore que depuis octobre dernier, victime de problèmes cardiaques, le guitariste Rick Parfitt a été remplacé par l’Irlandais Richie Malone. On ne peut que lui souhaiter un prompt rétablissement.
Status Quo se produisait ce 3 décembre à l’AB de Bruxelles, et ce concert a fait l’objet d’un reportage photos (voir ici)
Nederlands 
Français 
