Bravant héroïquement le niveau trois d’alerte terroriste, le public belge s’est déchaîné corps et âme, suite à l’appel des furieux Mass Hysteria. Leur « Matière Noire » sous le bras (NDR : 8ème LP studio fraîchement sorti le 23 octobre dernier), les Français n’ont pas failli à leur réputation : ils ont mis le feu. Retour sur cette soirée liégeoise haute en sueur, décibels et autres moshpits.
Initialement programmé le samedi au Centre Culturel de Chênée, mais reporté le lendemain suite à des problèmes d’infrastructure, c’est finalement en plein cœur de Liège que s’est déroulé le show. Un changement de date qui a malheureusement évincé les Stoners de Deep Show, de l’affiche. Dommage ! C’est par ailleurs un choix cornélien qu’ont dû poser les Metalleux de Belgique en cette soirée pluvieuse : Sylosis/Children of Bodom à Courtrai ou Libertas Gentes/Mass Hysteria à Liège ? Quoi qu’il en soit, dans le Nord du pays, bon nombre d’aficionados ont visiblement bravé le crachin national afin de remplir comme il se doit la petite salle du Reflektor. En témoignent le niveau de chaleur et le taux d’humidité rapidement atteints entre ces quatre murs ; d’ailleurs on n’était pas très loin du sold out. Autre constat : en vingt-deux années d’existence, Mass Hysteria a pu toucher quelques générations, rameutant désormais autant de tempes grises que des plus jeunes en crise. Autant dire un public aux tranches d’âge variées, les old school de l’époque du « Bien-être et la Paix » rejoignant les nouvelles recrues fraîchement contaminées par la « Matière Noire ».
Tout brasier nécessitant toujours une étincelle, c’est aux Liégeois de Libertas Gentes qu’est confiée la lourde tâche de l’allumer. Un pari audacieux, vu le style proposé, soit un Hip-Hop doublé d’une carapace de Rock dur au sein duquel militent les musiciens. Outre quelques inconditionnels acquis à leur cause et donc réceptifs dès les premiers riffs, les spectateurs, d’abord perplexes et sur la défensive, vont se laisser progressivement emporter par le flow enivrant du quintet. Affichant un certain charisme, le duo vocal formé par Mangouste et Alihyene va même réussir à arracher à la fosse quelques pogos et levées de bras au rythme de leurs morceaux. Une bonne entrée en matière, pourtant pas gagnée d’avance.
A peine le temps d’aller se rafraîchir qu’un grand backdrop (de la largeur de la salle !) est déplié à l’arrière de la stage. Le logo de Mass Hysteria envahit désormais cet espace, seul et unique artifice visuel du groupe. Après quelques vérifications usuelles des instruments, les lumières s’éteignent enfin. L’auditoire commence à vociférer. Le thermomètre grimpe encore de quelques degrés. Sans doute stressé par le bruit d’un incessant tic-tac, l’assistance, impatiente, finit par applaudir. Baguettes en l’air, Raphaël Mercier, acclamé par la foule, prend place derrière son kit de batterie. Yann Heurtaux, guitariste des premiers jours, déboule à son tour sur l’estrade, son impressionnante carrure dominant le panorama, suivi de près par Vince Mercier à la basse et Frédéric Duquesne à la seconde gratte. L’occasion pour ce dernier de se présenter (NDR : il remplace Nicolas Sarrouy, qui a quitté le combo cet été). Une présentation cependant toute relative, car Frédéric est loin d’être un inconnu de la scène Rock/Metal, puisqu’il sévit encore chez Bukowski, après s’être forgé une belle expérience chez Watcha et Empyr.
Deuxième salve de clameurs lorsque déboule finalement Mouss Kelai, frontman charismatique du band, agrippant le pied de son micro et le brandissant vers la fosse, procurant aux badauds l’opportunité d’expulser vocalement la tension contenue jusqu’alors. ‘Bonsoir Liège ! Oufti !’ braille-t-il sous les hurlements et les premiers riffs de « Tout doit disparaître ». La course folle est lancée, il n’en faut pas moins pour faire jumper le peuple, déjà acquis à sa cause avant même qu’une note n’ait pu résonner.
On peut résumer la prestation de ce soir à une heure et demie de folie. Il faut dire aussi que la setlist était explosive : « World on Fire », « P4 », « Pulsion » ou encore « Une somme de détails », autant de titres qui ne peuvent que communiquer la fièvre au sein du public local. Confiant en coulisse qu’il se sentait un peu grippé, Mouss paraît néanmoins en belle forme ce dimanche, peut-être revigoré par ces quelques verres de vin chaud avalés juste avant sur la place de la Cité Ardente... Fidèle à lui-même –y compris quelques cafouillages concédés de temps à autre dans les paroles– le frontman est parvenu à maintenir cette tension frénétique tout au long des vingt titres du set. Le public, déchaîné, ne cesse de se lancer dans des pogos ou de monter sur le podium afin de se relancer aussitôt dans la foule. Problème : il n’y a qu’une cinquantaine de centimètres entre les barrières Nadar et la scène. Impossible de s’en rendre compte dans l’obscurité. Conclusion, les acrobaties provoquent rapidement de multiples éraflures et/ou chutes. Sans compter les quelques stage divings ratés, finissant dès lors tête la première sur un sol maculé de bière. ‘Oh mec, ça va ?’ lance Mouss à un fan fraîchement tombé. ‘Ah merde, tu saignes de la tête ! Y a des secours ici ?’, poursuit-il, précédé de Vince, le bassiste, ôtant son t-shirt afin d’en faire un bandage de premier secours. Mais plus de peur que de mal, et l’alcool aidant peut-être, l’éclopé semble plutôt bien s’en sortir. Ambiance, je vous le disais.
Cette soirée constitue également l’occasion de découvrir quelques nouvelles cartouches issues de « Matière Noire ». En veux-tu, en voilà : plus d’un tiers du show lui sera consacré. Et quel bonheur ! Ces dernières compositions, interprétées en live, dévoilent dès lors tout leur potentiel de puissance. « Chiens de la casse », morceau d’ouverture du dernier album, explose littéralement, stimulé par une batterie se muant pour l’occasion en un rouleau compresseur corrosif. Vous avez survécu ? Tant mieux, vous reprendrez donc bien une ou deux bonnes claques. Elles seront assénées par « Vae Soli » et « Vector Equilibrium » ! Une soirée forte en émotions, où l’exutoire et le déchaînement ont néanmoins fait place nette au recueillement après quelques morceaux. ‘Nous dédions ce morceau à toutes les victimes du vendredi 13. A Paris, à tous nos amis qui s’en sont sortis ainsi qu’aux autres…’, confie Mouss, la voix chargée d’émotion. Il repose son micro sur son pied et agrippe fermement ce dernier tout au long de « L’enfer des Dieux ». Yann semble vivre chaque note qu’il tire de ses cordes de guitare Les visages des artistes sont durs, fermés et visiblement marqués par les évènements. C’est le point levé qu’ils achèvent le morceau, ponctué d’applaudissements retenus et empreints de respect.
Après deux décennies de carrière, le band hexagonal peut se targuer d’un répertoire plutôt large. C’est par l’option old school qu’il a ce soir décidé de finaliser sa prestation. ‘On va vous jouer un morceau du siècle dernier... retour en ’99 !’ clame le chanteur avant de balancer « Contraddiciton ». Un retour dans le passé qui parvient à faire monter la température d’un nouveau cran, tout au long de « Donnez-vous la peine » et « Respect to the Dancefloor », deux plages issues du premier LP, gravé en 97, un disque composé et enregistré à Liège. Le clin d’œil méritait donc d’être souligné… Après l’hymne consacré à l’honneur des mélodies au triton, « Plus que du Metal », c’est par le sacro-saint « Furia » que Mass Hysteria met fin à sa messe hérétique. Les derniers survivants finissent à genoux. Quelle que soit l’énergie initiale, tout le monde finit lessivé par la tornade française. On vous avait prévenu : les Furieux sont des bêtes de scène et ont la fâcheuse réputation de mettre un beau boxon. Ce soir, à Liège, ils en sont sortis vainqueurs. Une fois de plus.
Setlist : Tout doit disparaître - World on Fire - Chiens de la casse - Notre complot - Une somme de détails - Babylone - L'Enfer des Dieux - Vector equilibrium - P4 - Failles - L'Archipel des pensées - Vae Soli - Tout est poison - Pulsion - Positif à bloc // Rappel : Contraddiction - Donnez-vous la peine - Respect to the Dance Floor - Plus que du métal – Furia
(Organisation : Les Fruits de la Passion - Concert Promotion ASBL)
Soirée de retrouvailles au Casino de Saint-Nicolas (NDR : St-Niklaas, en néerlandais !) en compagnie de sémillants vétérans de la scène électro européenne qui comme vous allez le constater, ont encore quelques beaux atouts dans leur jeu et de quoi encore bluffer plus d'un mélomane... Onmens et Absolute Body Control assurent le supporting act. La tête d’affiche ? Deutsch-Amerikanische Freundschaft (ou D.A.F.), un duo allemand fondé en 1978, à Düsseldorf, qui a marqué de son empreinte la première moitié des eighties, et dont l’aventure a été depuis, entrecoupée de séparations et de reformations.
Onmens, un tandem issu de Gand, ouvrait donc la soirée. Mais en débarquant au beau milieu du dernier titre de son set, difficile d’émettre un avis judicieux au sujet de sa prestation... (voir photos ici)
Place alors à Absolute Body Control, le tout premier projet d'un personnage incontournable de la scène électro underground belge : Dirk Ivens.
Formé en 1980 par Dirk et Mark de Jonghe, rapidement remplacé par Eric Vonthergem, la paire sera un des tous premiers du style à se produire ‘live’ et contribuera à plusieurs compiles internationales, les trois années suivantes. Puis Dirk fonde ce qui reste sans doute son concept le plus marquant, Klinik, avant de se lancer dans l'aventure solo, tout en durcissant le ton en compagnie de Dive et plus encore, lors d’un autre duo avec Sonar. Chacune de ses entreprises attire depuis toujours l'attention et suscite le suivi d'un public fidèle, même s’il est disséminé un peu partout en Europe voire même au-delà de ses frontières.
La musique d'ABC est froide mais rythmée et assez mélodique, un mélange d'électronique minimaliste et de cold wave, concédant une pointe d'EBM, un genre qu'on pourrait qualifier de ‘minimal wave’, étiquette fréquemment utilisée aujourd'hui. Sur les planches, la formule fonctionne plutôt bien grâce à l'aisance et l'expérience live d’Ivens. Il assure le chant et son comparse les synthés. Pas d'ordi en vue ; ici on fait dans le ‘old school’ s'il vous plaît! Et même si le début du set un peu ‘gentil’ a de quoi surprendre les moins familiarisé(e)s à cet univers sonore, la sauce monte progressivement et finit par convaincre une majorité de l’auditoire, notamment lors de moments forts, comme le pseudo classique "Is there an exit?" (voir photos là)
Quand DAF monte sur l’estrade, la tension est palpable dans le public et un ami me prévient de ne pas traîner trop longtemps à finir mon verre, vu que ‘ça va être sauvage!’, pour reprendre les termes d'un spectateur alors proche de nous, également accoudé au bar. Le chanteur Gabi Delgado salue la foule en affichant un grand sourire (qu'il arborera d'ailleurs entre chaque morceau). Il prononce quelques mots de bienvenue dans la langue de Goethe, avant de s'asperger d'eau. Il entame alors le set, pied au plancher, par "Verschwende deine jugend".
Les premières notes du séquencer ont à peine retenties qu'un pogo éclate instantanément. Nous étions prévenus! En plein cœur de la tourmente on remarque la présence de deux malabars vêtus de t-shirts à l'effigie du groupe. Ils semblent ne pas trop apprécier d'être bousculés ; ce qui dans un premier temps calme un peu le jeu. Ca tombe bien votre serviteur a toujours préféré la danse aux frictions ; mais bon, chacun son truc, la liberté des uns s'arrêtant où commence celle des autres... Bref, le concert se poursuit dans une ambiance chaotique mais on n'est pas non plus pour autant dans la fosse d'un concert hardcore ultra violent où certains énergumènes en profitent pour réviser les derniers mouvements techniques inculqués lors de cours d'arts martiaux.
Le duo fondateur de l'EBM (NDR : aux côtés de Front 242), genre qui s’est imposé à l'aube des 80's, possède bien plus que de beaux restes. Le chanteur tient une forme olympique, ne cesse d'arpenter la scène en véritable performer et n'oublie jamais de remercier le public entre deux morceaux. Le batteur tient la cadence et même s'il peine parfois à respecter les lignes de basses séquencées, ces sorties de route sont relativement discrètes et communiquent un souffle de vie supplémentaire à une performance qui n'en manque déjà pas!
Quand le combo attaque LE classique "Der Mussolini", les pogos redoublent d'intensité et on sent évidemment que c'est toujours un moment très attendu de son répertoire. On n'en dira pas autant de certains choix de la set list un peu incongrus et mous ou gentillets qui, bien que rares, tombent un peu à plat dans une sélection du reste fort efficace dans son ensemble. En effet, on a eu droit à la quasi totalité de l'excellent album "Alles is gut", dont "Ich und die wirklichkeit", une compo au climat froid et brumeux, "Sato sato" tout en moiteur malsaine ou encore "Als wär's das letzte mal", caractérisé par sa fougue romantique.
Les vestiges de la première période du combo n’ont pas pour autant été négligés, période au cours de laquelle l’aspect expérimental et déjanté n'avait pas encore laissé place à une énergie mieux canalisée et hyper efficace. On en épinglera donc "El Basilon", "Osten Wärht am längsten" et le très punk "Nacht Arbeit" (NDR : l'absence de guitare sur ce dernier titre est quand même préjudiciable).
Et lors des inévitables rappels, DAF va nous réserver la comptine pour enfants pas trop sages (voire carrément pervertis!) "Der Rauber und Der Prinz" que Gabi est venu nous chanter au bord de la scène mais aussi le génial "Kebab Träume", aux paroles délicieusement cyniques. Et c'est sur ces rêves de pita que ce compte-rendu s’achève... (voir photos ici)
(Organisation : Body Beats & Dark Entries)
'Le Rock Thrills’ est un festival organisé par l'Alhambra, dans le cadre de Mons 2015. Il y privilégie les découvertes. Dont Midas Fall. La tête d’affiche. Une formation insulaire qui, vu son potentiel, devrait rapidement prendre une autre dimension. Et puis le duo montois La Jungle ainsi que le quatuor bruxellois Empereur. La soirée se clôturant par le Dj set de Front 242.
Quand votre serviteur débarque dans la salle, Empereur a déjà entamé son show. Le combo (NDR : qui s’appelait autrefois Thieves of Silence) implique le claviériste Nicolas Van Peteghem, le chanteur/guitariste Paul Paccod, le bassiste Quentin Franckx et le drummer Jérome Elleboudt. C’est lorsque ce dernier –un ex-Private Joke– a rejoint le line up, que le band a opté pour le nouveau patronyme. A son actif, un premier Ep. Eponyme, il vient de paraître. En outre, le band a assuré le supporting act de Wire, au Botanique, ce 1er décembre.
Le post punk pratiqué par Empereur semble hanté par Joy Division et Sisters Of Mercy. Un peu dans l’esprit d’Organic. Vitaminée, sa musique vous incite à vous balancer, à danser voire même à jumper. Les claviers dominent une expression sonore criblée de beats électro. A suivre de très près !
Midas Fall est un quatuor écossais établi à Manchester. Né en 2009, il a été repéré par Tom Robinson. A ce jour il a publié un Ep (« Century ») et trois elpees : « Eleven, Return And Revert » en 2010, « Wilderness en 2013 et « The Menagerie Inside » en 20015, dont il va nous réserver de larges extraits.
Chez Midas Fall, ce sont les deux filles qui se réservent les grattes. En l’occurrence la chanteuse Elizabeth Heathon et Rowan Burn, qui a sacrifié ses claviers, ce soir. La section rythmique réunit deux garçons ; en l’occurrence le bassiste Chris Holland et le drummer Steven Pellat. Il s’agit de la dernière date européenne du band ; et il a envie de la clôturer en beauté.
Sa musique est le fruit d’un mélange d’electronica, de post-rock et d’alt-goth. Les riffs de guitares sont particulièrement incisifs. Lorsque Elizabeth chante, elle ne touche pas à ses cordes et se concentre sur son chant. Limpide, sa voix évoque très souvent celle de Simone Simons (Epica). Les trois gratteurs sont bien ligne, en front de scène. Le light show est dominé par les lumières bleues. Mais des stroboscopes viennent également l’alimenter suivant les frappes du batteur… Une superbe prestation qui incite à revoir le quatuor en ‘live’…
La Jungle est un groupe local qui jouit d’une excellente notoriété dans sa région. Il vient de sortir un vinyle. Eponyme, il a été gravé à 500 exemplaires.
Au sein de ce tandem, Matt se réserve le chant, la guitare et les machines, alors que Rémy se charge des drums. La musique est nerveuse, agressive et tribale. Une sorte de noise rock métallique et particulièrement énergique. Lorsque Matt pousse sa voix, on se demande par quel chamane il serait bien habité (« Apeinapython »). Tout en jouant de sa six cordes, il ne cesse de se contorsionner. Son compère frappe frénétiquement et sauvagement ses peaux et ses cymbales. Il ne faut pas deux minutes pour que les deux musicos soient en nage. De plus en plus nombreuse, la foule se met à remuer. Et vu les bonnes vibrations communiquées par la paire, votre serviteur s’associe à cette danse collective.
La Jungle se produira dans le cadre de la soirée ‘Le Père Noël Est Un Rockeur’, organisée à Dour le 18 décembre.
La soirée est donc ponctuée par un Dj set baptisé ‘Back To Electro Roots’, que vont assurer Richard 23 et Patrick Codenys, membres fondateurs de Front 242. Votre serviteur n'accroche pas trop aux Djs set. Il préfère vivre la musique d’EBM, en ‘live’. Et décide de s’éclipser…
(Organisation : l'Alhambra + Mons 2015)
La Jungle + Midas Fall + Empereur + Front 242 (Dj set)
Quel bonheur de pouvoir assister de nouveau à un concert ! Confiné chez lui depuis une grosse semaine, sevré de son addiction musicale, votre serviteur tournait en rond…
En débarquant au Lotto Arena, on constate la présence de deux militaires armés. Ils sont chargés de notre sécurité. Avant de pénétrer dans l’arène, la plupart des spectateurs les saluent poliment. En se rendant au stand marchandising, on reçoit un pin’s en forme de coeur bleu. La responsable me signale –et en français SVP– qu’il est nécessaire de se l’épingler en soutien à Ozark Henry qui milite pour l'association 'Blue Heart Campaign against Human Trafficking'. L'ONUDC est le gardien de la Convention des Nations Unies contre la criminalité transnationale organisée et des protocoles y afférents. Elle apporte également son aide aux Etats dans leurs efforts pour mettre en œuvre ces conventions, afin de prévenir, réprimer et punir la traite des êtres humains. La campagne ‘Cœur Bleu’ cherche à sensibiliser le public à ce problème tout en incitant les dirigeants à intervenir pour changer le cours des événements.
Piet Goddaer, alias Ozark Henry, est né à Courtrai, mais il vit aujourd’hui à Oostduinkerke. Depuis février 2014, il est soutenu en ‘live’, par Laura Groeseneken. Jolie, sympathique, elle a une solide voix. Votre serviteur l’avait découverte lors d'un concert de Reena Riot (Naomi Sijmons, fille de Fons, guitariste de The Scabs), accompagnée pour la circonstance du vétéran Roland Van Campenhout, un bluesman respecté dans le milieu…
Outre Laura et Piet, la scène est occupée par l’Orchestre National de Belgique, un des meilleurs ensembles symphoniques du monde. Il réunit 29 violonistes, 6 violoncellistes, 4 contrebassistes, deux percussionnistes, une harpiste et une vingtaine de cuivres. Le tout sous la direction de Stéfan Blunier. Ozark Henry est venu défendre son dernier elpee, « Paramount », enregistré en compagnie de 90 musiciens de l'ONB. Une collaboration qui n’est pas neuve, puisqu’elle avait vu le jour en 2012, lors du septante-cinquième anniversaire de cet orchestre, auquel il avait apporté son concours à quatre morceaux. Pour ce ‘live’, les compos ont dû être réarrangées. Et c’est Arnould Massart qui s’est chargé de cette tâche.
Le Lotto Arena est sold out. Le public est composé de mélomanes de tous les âges. Et après une petite cacophonie nécessitée par l’accordage des instrus classiques, Stéfan monte sur le podium, suivi de Piet qui vient saluer la foule. Il est vêtu de cuir noir (pantalon et veste) et a conservé ses chaussures aux pieds (NDR : il fait sans doute trop froid pour jouer pieds nus). On est donc parti pour 75 minutes de spectacle. Qui s’ouvre par « At Sea ». Le Courtraisien mime de ses mains les accords d’ivoires, un peu à la manière de feu Joe Cocker. Epaulé par les violons, ses cordes vocales son chargées d’émotion.
A deux reprises, il va se promener dans la fosse en serrant un max de mains.
« Godspeed You » est un titre empreint de douceur. L’orchestre est impressionnant, mais lorsque les cuivres entrent dans la danse, c’est le bonheur. Le morceau s’achève en force au cœur des percus.
La célèbre reprise du « We Can Be Heroes » du tandem Bowie/Eno est géniale. Et pour cause, Laura vient de débarquer sur l’estrade et épaule Mr. Goddaer aux vocaux. Cordes et ivoires se chargeant d’étoffer l’ensemble. De quoi en avoir la chair de poule…
L’ingé son est balaise. Le son est cristallin. Pas besoin de bouchons.
Pour « Plaudite Amici Comedia Finita Est » (« Stay Gold »), ce n’est pas Amaryllis Uitterlinden qui se charge du backing vocal, mais bien Laura. Ce qui n’empêche pas, comme sur l’album, d’appréhender Ozark Henry sous un angle différent.
L’artiste flandrien balance régulièrement les bras au rythme de l’orchestre et particulièrement tout au long de « Love Is Free To Interfere ». Les cuivres cherchent à semer la terreur, mais Laura et Piet nous rassurent.
Si ce dernier est capable de pousser sa voix dans les graves, elle élève son timbre davantage en douceur, et surtout par paliers.
L’intégralité du nouvel opus (« Plaudite Amici Comedia Finita Est ») sera interprétée ce soir. Un projet à la fois audacieux et surprenant.
Cordes et hautbois soulignent « Maybe ». Laura transforme son chant en cri. Et dans ce contexte, les six violoncelles font merveille.
« Vespertine » est bercé par les flûtes et le hautbois, mais sous la conduite des ivoires et du vocal de Piet.
Et en apothéose, « I'M Your Sacrifice » clôt le show. Or on aurait tant voulu que le spectacle se poursuive. Il est si beau et passionnant. Malheureusement toute bonne chose a une fin…
On aura quand même droit à trois titres en guise de rappel : « Sweet Instigator », « We are Incurable Romantics » et, cerise sur le gâteau, « This Is All I Have », c'est-à-dire la plage qui ouvre « Paramount ». Franchement sous cette configuration Ozark Henry apporte une autre dimension à sa musique, une dimension presque magique…
(Organisation : Live Nation)
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L’amer de toute dualité produit des reflets d’argent.
Contrastes délicats et subtils qui s’étendent entre les lignes, entre chaque grain de sable parcourant l’infinie étendue entre le noir et le blanc.
Noir / Blanc
Amour / Haine
Yin / Yang
Métamorphosé, Josh T Pearson incarne à présent un cow-boy blanc, du haut de son Stetson jusqu’à la pointe des Santiags ; ce qui contraste efficacement avec l’image imprimée au revers de nos mémoires.
Transformé, sauvé, exhumé de la fosse au chagrin, l’homme écorché s’est relevé, s’est révélé.
Il ne reste plus de sa longue barbe de misère qu’une élégante toison brillante et entretenue, et sous son couvre-chef, une coiffure soignée.
Revenu de l’enfer et sans guère d’actualité à défendre, l’ex-Lift To Experience a repris la route, la guitare à la main. Mais accompagné, pour la circonstance.
Dans une amusante mise en scène évangélique, le cow-boy blanc parcourt quelques salles d’Europe triées sur le volet, flanqué de son acolyte, le cow-boy noir, sorte de reflet d’un miroir discerné en léger différé.
Lui, c’est Calvin Lebaron.
Plus qu’une copie de Pearson, il en est l’héritier naturel.
Un registre vocal plus large, certes, mais coincé dans un corps chétif, qui correspond parfaitement à ses chansons.
Un troubadour, seul sur les planches, en ouverture d’une soirée qui s’annonce des plus tristounettes.
Car, craignant sans doute davantage un accès de pathos qu’un déferlement barbare, le public liégeois se montre frileux, et ne se présente pas en nombre (c’est le moins qu’on puisse dire).
Éparpillée par grappes dans un Reflektor qui n’a jamais paru aussi grand, l’assistance se fait discrète par respect, mais aussi peut-être parce qu’elle n’a pas le choix…
Calvin Lebaron égrène alors ses chansons, tel un chapelet, essayant tant bien que mal de ne pas perdre son maigre auditoire, pour qui toute tentative de fuite discrète serait de toute façon vouée à l’échec.
Du haut du balcon, grand Stetson blanc observe son ouaille en toute bienveillance.
Puis le cow-boy noir disparaît dans l’ombre, laissant la place de choix à son mentor.
Difficile de le blâmer tout de même pour ce set confinant à l’ennui.
La vraie déception viendra donc quelque part de Josh lui-même.
Même si au final, il ne sera question que de rédemption.
Car au delà de la transformation physique qui signe un renouveau mais ne masque pas toutes les cicatrices, la vérité, c’est que notre cow-boy n’a plus rien à dire depuis 2011.
La raison ?
« Last Of The Country Gentlemen », un album merveilleux de chagrin, une catharsis lumineuse et plombée de tristesse, est malheureusement appelé à ne pas avoir de lendemain.
Un opus sobre et pourtant étonnamment riche. Où tout est dit. Une somme, une bible.
Donc, depuis, plus rien, si ce n’est un live et quelques bizarreries, tels ces chants de Noël repris pour un CD bonus accompagnant cet elpee dont il est question.
Et c’est justement dans ce registre que Josh décide de planter sa croix.
Calvin Lebaron, qui semble tout aussi attiré par le répertoire pastoral, soutient Pearson, fils de pasteur, pour la petite histoire, et ensemble, ils entament en c(h)oeur un petit cantique désabusé.
Le risque est énorme, mais on pressent que le Texan désire n’en faire qu’à sa tête.
De fait, il annonce le programme de la soirée : old songs en solo et reprises en duo.
Tel sera le menu festif.
Par reprises, on espère alors avoir droit à « Enjoy The Silence » de Depeche Mode ou encore le « Rivers Of Babylon » de Boney M, titre généralement accouplé à l’une ou l’autre de ses chansons.
Las !
Vêtus de fringues évangélistes (des panneaux de carton enfonçant le clou dans la veine de cette blague spirituelle) et sous le patronyme de Two Witnesses, le duo Pearson-Lebaron s’offre les plus grands succès de la Thanksgiving.
Forcément pas passionnant.
La beauté viendra néanmoins, mais il faudra être patient.
Car si notre homme semble aller mieux, l’immersion dans le passé entraîne toujours la même émotion excavée du creux de sa gorge. Et c’est ce que votre serviteur est venu chercher.
Mais puisque le set joue la carte de la dualité lumière/obscurité, il est nécessaire de faire fi de ses appréhensions de païens.
Vient alors le moment du diptyque « Woman, When I’ve raised Hell » / « Sweetheart, I Ain’T Your Christ ». Un exercice périlleux exécuté comme un rituel, dévotement. Et qui requiert toute l’attention.
Quelques instants plus tard, Josh s’arrête au milieu d’une chanson.
Poliment d’abord, il demande à deux spectateurs de cesser leur babillage.
Pour inaudible que soit leur conversation, c’est leur attitude qu’il semble condamner.
Encouragé par les applaudissements du public, toujours prompt à se ranger derrière l’avis de l’artiste, une once d’agacement vient rapidement se glisser dans les rouages de la confiance et le cow-boy blanc de se montrer étonnamment véhément.
La vérité apparaît en filigrane sur le visage à la barbe nette, sous les traits d’une ombre qui s’abat sur les épaules de notre cow-boy.
Pour reprendre le contrôle, il tourne alors le dos à la foule. L’agacement et la nervosité se devinent, mais en s’appliquant, il revient à « Sorry With A Song », ce qui pour le coup, paraît un amusant hasard…
Le fil était à deux doigts de se rompre, il n’en sera rien.
Puis, quelques instants plus tard, vient l’instant de grâce. Celui qui fait la différence. Celui qui imprime sa marque majestueuse et subtile pour longtemps.
Une chanson exceptionnelle de tragédie, extraite, exhumée des fonds de tiroir ; et qui en elle seule, recèle la genèse de « Last of The Country Gentlemen ».
Celle qui raconte tout ou en partie ; celle qui met à nu son auteur, celle-là même, impudique, cruelle, déchirante, dévastatrice qui ne figure nulle part et dont on n’a pas de trace.
Une chanson rarement interprétée, car émotionnellement difficile à appréhender, laissant, de l’avis même de Josh, trop de sanglots dans la voix.
Et si cette fois il ne pleure pas, on sent néanmoins toute la souffrance vécue quand il évoque cet enfant perdu, cette vie dissolue.
La suite ne sera qu’anecdotique.
Encore des chants de culs bénis et des chansons de grand-mères, qui pour divertissantes, démontrent que Josh T Pearson n’écrira sans doute jamais une suite à « Last Of… »
Toute la douleur de son âme déchirée y est confinée, et c’est là que vous y trouverez l’essence de son œuvre.
La soirée s’achèvera au bar, où cow-boy blanc fera une furtive apparition, pour communier avec ceux qui le désirent.
Avant de s’en aller fêter la Thanksgiving sur la route ou dans son Texas natal.
(Organisation : Les Ardentes)
C'est dans le cadre d'une coopération exceptionnelle que se déroule une mini tournée associant Suuns et Jerusalem In My Heart. Et elle transitait par Louvain, ce mardi 24 novembre, après avoir fait escale au Sonic City de Courtrai, l'avant-veille. Non seulement l'occasion est belle de pouvoir assister à une collaboration immortalisée sur un album éponyme, mais également à un set solo de JIMH, en ouverture.
Arrivé légèrement après l'heure prévue de début des hostilités, votre serviteur a pu rapidement se souvenir de la différence qui existe entre l'organisation des concerts en Wallonie et en Flandre. En effet autant ceux accordés au Sud de la Belgique admettent une certaine marge entre le timing annoncé et celui effectif ; autant, lorsqu'on passe la frontière linguistique, l’horaire est bien plus rigoureux. De quoi louper le début du spectacle qui a vraisemblablement démarré pile poil à l'heure prévue !
Après quelques tergiversations d'ordre pratique, il est temps de plonger au sein d’une salle remplie de sièges vides et qui semble délimitée par des tentures... Est-ce bien ici que se déroule le concert de Suuns & Jerusalem In My Heart ? En arrivant à hauteur desdits rideaux, on constate que l’espace a été coupé en deux ; une probable conséquence du peu de tickets vendus. Car en effet, nous sommes très peu nombreux à s’être déplacés pour ce qui semblait pourtant être un événement assez unique, encore que sa singularité ait pu souffrir d'un crochet via le Sonic City, 2 jours auparavant.
Il en résulte une ambiance très froide que tente de réchauffer quelque peu Radwan Moumneh (aka Jerusalem in My Heart), grâce à sa voix et sa gestuelle très expressive, y compris lorsqu'il s'assied pour jouer de son oud. Et non seulement le producteur/chanteur a recours à différents instruments, mais il manipule également les sonorités électroniques et divers effets pendant que défilent des projections sur un grand écran et deux plus petits latéraux. Clairsemé, l’auditoire est attentif mais l'atmosphère est toujours aussi glaciale ; et il devient vraiment difficile de s’immerger au cœur d’un tel univers, dans de telles conditions. On comprend vite qu'un lieu plus intimiste aurait davantage collé à cette prestation ; mais en faisant abstraction du contexte, on finit par tomber sous son charme… jusqu’au moment où elle touche, hélas, déjà à sa fin.
Qu'à cela ne tienne, une brève pause clope plus tard, le plat de résistance attend votre serviteur. A savoir la fusion entre le collectif de Montréal et l'artiste libanais. Ils se produisent ensemble sur scène pour tenter de faire vivre les compos de leur unique opus commun à ce jour. Mais l’atmosphère est toujours aussi froide. En outre, les musiciens semblent un peu coincés sur les planches, à l'exception de Radwan, qui vit le set un peu plus intensément que le reste de la troupe. On a l'impression d'assister à une restitution un peu figée de leurs compositions qui peinent à s'animer ou à se charger d’énergie ; et par là même à faire mouche... Ce n'est pourtant pas faute d'essayer, mais le public reste statique. Bref, il n’y a pas d’échange entre ce dernier et l’artiste. Jusqu'à ce que surgisse alors ce qui est sans doute leur titre fétiche : "3attam Babey". C’est le moment choisi par le band pour enfin se lâcher. Et les spectateurs d’en faire autant sur ces boucles krautrock hypnotiques qui tournent en vrille! A partir de cet instant, ce n'est plus que du bonheur, car le set vient vraiment de démarrer. Le seul souci, c’est qu’il n’y aura plus que 3 ou 4 morceaux à se mettre dans l’oreille, le team ne disposant pas davantage de temps ni probablement de répertoire. C'est donc avec un goût de trop peu que s’achève cette soirée mi-figue mi raisin... A charge de revanche en attendant une prochaine occasion de revoir Jerusalem in My Heart (en configuration plus intimiste de préférence) ainsi que sa collaboration avec Suuns (si l'occasion se représente) au sein d’un climat plus chaleureux...
(Organisation : Het Depot)
Après avoir publié deux albums studio, accompli une tournée en compagnie de la formation (belgo)-américaine Pro-Pain, écumé les planches du festival de Dour en 2010 et 2012, sans oublier celui du Brussels Summer Festival et du Graspop, l’an dernier, Komah n’est manifestement plus un inconnu sur la scène Metal belge. Signé chez Spinal, le quintet francophone nous propose son troisième album, « Flashing Nightmare », un disque qui pourrait furieusement lui permettre de rejoindre les incontournables heavy bands du plat pays.
Tout en teintes de noirs et de rouges, le digipack (le jewel case devient aujourd’hui une espèce en voie de disparition) affiche en couverture, un homme qui, se relevant de son fauteuil de cuir, lutte contre le téléviseur, installé devant lui, pour ne pas se faire absorber par les ondes qu’il libère, malgré un masque à gaz qui recouvre l’intégralité de son visage. L’éternelle lutte du ‘je t’aime, moi non plus’ entre l’être humain et les médias. C’est d’ailleurs par le grésillement caractéristique, très cinématique, de chaînes de télévision, que débute cet LP, avant de tailler directement dans le gras à travers un « Bullets Replaced Words » qui, comme son titre l’évoque, entame déjà ses munitions. Pas le temps de s’échauffer, le rouleau compresseur prend directement sa vitesse de croisière. Les riffs sont lourds et accrocheurs, s’autorisant quelques envolées heavy sur certains morceaux. Les parties vocales alternent entre cris rageurs et chants plus lancinants. Le drumming est ravageur, insufflant aux compositions cette vitesse et cette puissance destructrices, pondérées par des breaks ou des passages plus lents qui permettent de reprendre son souffle afin de mieux repartir en guerre.
Komah a également eu l’intelligence, depuis ses débuts, de ne pas s’enfermer dans un style particulier. Ils font du Metal, point. Une liberté à double tranchant, que seul des musiciens chevronnés peuvent se permettre s’ils veulent tirer efficacement leur épingle du jeu. Des exemples ? Komah est un groupe qui puise notamment son inspiration dans une partie du Thrash. En témoignent les riffs groovy d’ouverture de « Walking Ghosts » que Dimebag Darrell de Pantera aurait très bien pu sortir de sa gratte, il y a plus de vingt ans. Pas étonnant par ailleurs que les Belges aient choisi ce morceau pour single, incontestablement la meilleure piste de cet opus. Celui qui ne ‘headbangue’ pas à son écoute ne peut avancer que deux justifications : soit il est sourd, soit il n’a rien compris ; et il ferait alors mieux d’éjecter le cd de son lecteur.
La Belgique, terre du Hardcore, fait également sentir ses influences. A l’instar de « Buried », au cours duquel le chant en est teinté, tant en lead que lors des ‘I’m constrained / I’m detained’ prononcés lors des refrains assurés en backing vocals, où apparaissent en filigrane des traces de Sick of it All, Madball ou autre Agnostic Front. Un dernier pour la route : le dixième titre, « So Sick ». Fermez les yeux. Je vous le donne en mille : l’image de la bande à Machine Head traverse votre esprit. Et c’est une fois de plus dans ces circonstances que le savoir-faire du groupe apparaît : s’en inspirer sans se laisser submerger. Est-ce donc un hasard ou parce qu’il cherche à adresser un clin d’œil, que Leny, le vocaliste de Komah, crie en fin de morceau : ‘Yeah !! Blackened !!’ ?
En publiant ce 3ème long playing, Komah semble avoir atteint un nouveau palier, confirmant un statut en Belgique, qui devrait lui permettre –et on l’espère franchement– de franchir, dans un futur plus ou moins proche, les frontières parfois fort étanches du pays. Tous les ingrédients sont en tout cas dans la marmite, il ne reste plus qu’à traduire l’énergie contenue dans ce « Flashing Nightmare », en live, sur les planches. Guidé par la bonne étoile, le destin devrait faire le reste…
Throneless vient de publier son premier opus ; et il est éponyme. Un trio établi à Malmö, en Suède, réunissant le chanteur/guitariste Johan Sundén, le bassiste Patrik Sundberg et le drummer Johan Burman. Son doom rock est plus écrasant que le Mjölnir de Thor (NDR : dans la mythologie nordique, c'est le marteau à manche court de Thor, le dieu de la foudre et du tonnerre).
Le Doom Metal puise ses sources chez Black Sabbath ; et tout particulièrement le premier long playing de la bande à Ozzy Osbourne. Throneless cherche à reproduire ce doom originel, un style à la fois puissant, lourd, graisseux et primaire…
Tout au long de cet elpee, le combo scandinave nous entraîne au cœur d’un périple plus redoutable qu'une excursion aux coeur de l’enfer… Une œuvre partagée en 4 pistes, pour 35 minutes, destinée à sortir les masses de cette lobotomie généralisée que l'on nomme le Système. (‘On s’ajuste tous à la vision qu’on nous impose de la vie, une vie dont seuls sont bénéficiaires ceux qui nous régissent. On nous apprend que la seule issue est de trimer sans dire mot, on gâche nos précieuses existences dans un job pourri, à mettre de l’argent de côté et acheter des amplis pour pouvoir au final nous exprimer et dire à quel point on hait tout ça’).
Le rouleau compresseur est prêt à vous écraser. Sous une forme volontairement monocorde, tout au long de « Masters Of Nothing » (9:02). En se nourrissant de riffs écrasants empruntés au sludge et au stoner sur « Cavedrones » (8:02). Par son approche obsessionnelle, notamment en fin de parcours, à l’aide de « Thinning The Herd » (8:05). Avant qu’en finale, « Reaching For The Dead » (10:13) n’émette une lueur salvatrice susceptible de faire émerger les âmes du tréfonds des ténèbres…
A conseiller aux fans de Conan, Yob, Bongripper et Ufomammut.
Mikal Cronin est membre du backing group de Ty Segall. Il a notamment participé à la confection d’un opus monstrueux intitulé « Slaughterhouse ». En parallèle, il développe différents projets. Il a ainsi enregistré enregistré son troisième elpee solo, sobrement baptisé « MCIII » (pour « Mikal Cronin III »)… Dans un esprit bien moins garage que lors de ses piges accomplies en compagnie de Segall, cet LP privilégie davantage les mélodies que la fougue, manifestée par son compère. Mikal doit beaucoup aux Kinks et il nous le fait savoir… Son terrain de jeu, c’est le ‘power-rock’ ! Hormis les cordes –très présentes tout au long de ce long playing– il se réserve tous les autres instruments. Une instrumentation qui enrichit des textes autobiographiques souvent nostalgiques, mélancoliques même, contrastant avec la luminosité des mélodies… Dans la lignée de songwriters tels que Liam Finn, Ben Kweller ou Brendan Benson, il mêle rock nerveux et classique (« II) Gold »), en biberonnant ses compos à la pop des sixties (« Feel Like »). Il atteint même un sommet dans son écriture, sur le « I) Alone ». Vu la qualité des compos, je signerais à deux mains pour que Mikal Cronin prolonge sa discographie individuelle jusqu’au « MC5 »…
Après avoir publié deux Eps dans l’anonymat, Institute propose son premier elpee, « Catharsis ». Un quatuor originaire d’Austin, au Texas, au sein duquel on retrouve le leader de Bush, Gavin Rossdale.
Le combo pratique une forme de punk/rock/garage lo fi, particulièrement énergique. Ce qui peut s’expliquer facilement, puisque tous les musicos ont sévi dans le passé au sein de formations locales de punk/hardcore. Pas la peine de rechercher de l’originalité, dans l’expression sonore. Soulignées par les cris ou les gémissements constants de Moses Broan, les 10 pistes sont dominées par les grattes savoureusement discordantes. Et le tout est balisé par une section rythmique à la fois solide et hypnotique.
Pas besoin de prise de tête, « Catharsis » reflète l’attitude profondément désinvolte, pour ne pas dire je-m’en-foutiste des musicos, qui prennent manifestement leur pied et invitent les mélomanes à en faire de même. Rien que pour cette raison, cet LP mérite de d’exister…
Responsable d’un folk astral, Arman Méliès nous propose son sixième album, « Vertigone », un disque qui fait suite à « Le long train Lent Et Les Beaux Imbéciles » (2003), « Néons Blanc Et Asphaltine » (2004), « Les Tortures Volontaires » (2006), « Casino » (2008) et « Am IV », paru il y a 2 ans. Compositeur prolifique, il a notamment prêté sa plume à Hubert-Félix Thiéfaine, Julien Doré ou encore feu Alain Bashung.
Découpé en 9 pistes, « Vertigone » a bénéficié du concours de Pete Prokoviw et Antoine Gaillet (l'ancien bassiste de eNola), à la production. Mais également du drummer Antoine Kerninon, du sax ténor Adrien Daoud ainsi que des bassistes Pierre-Louis Basset et Jannick Top (ex-Magma) ; des excellent musicos qui ont participé aux sessions.
Si au départ Arman a composé ses chansons ‘à l’ancienne’, il les a subtilement enrichies de touches électro, de manière à les rendre plus contemporaines.
Pop/rock, « Constamment Je Brûle » est peuplé de sonorités de guitare. Meliès a une bonne voix qui me rappelle parfois celle d’Antoine Chance. Mais l’expression sonore lorgne plutôt du côté des Innocents.
« Fort Everest » s’enfonce au cœur des abysses mystérieux de la terre. Les claviers semblent avoir été piqués aux eighties. Les cordes naviguent en eaux plus paisibles. Des cuivres élégants investissent « A Deux Pas Du Barrage ». Plus synthétique, « Tessa » est propice à l’envoûtement...
Nonobstant le recours aux cuivres, et tout particulièrement au saxophone, « Les Chevaux Du Vent Fou » nous entraîne à travers les grandes plaines du Far West. Une plage country/americana également tapissée par un clavier vintage. Une chanson d'amour poétique qui véhicule une énergie positive. Du saxophone qu’on retrouve en nappes, sur « Olympe (A La Mort) ». Jouissif ! Caractérisé par son refrain contagieux, « Mercure » est un morceau hanté par Supertramp. A cause des claviers atmosphériques. Puis du sax dans lequel aurait pu souffler Rodger Hodgson. Une compo destinée aux stations radiophoniques.
Des drums et des accords de claviers amorcent le titre éponyme, une composition lyrique et ombrageuse. Plus électro, « Le Volcan Même » est quasi-instrumental. Dépassant les 8 minutes, c’est la piste la plus longue du long playing. Et sans complexe, elle agrège pop, rock et chanson française.
En espérant qu’Arman Méliès se produise bientôt près de chez nous…
Etienne Villeminot est né en 1982 à Dijon. Il entame sa carrière en 2002, au sein de différentes formations lilloises, et notamment le groupe de rue Tchobello, auprès du chanteur Lulu. Violoniste de formation classique, il passe rapidement à la guitare et au chant et enchaîne de nombreuses expériences de spectacle pour lesquelles il est tour à tour violoniste, guitariste, comédien, choriste, compositeur, figurant, roadie, mais aussi chargé d'administration ou comptable.
En 2009, poussé par Thibauld Defever (Presque Oui) et Romain Delebarre (Delbi), il se lance en solo sous le pseudo de Tony Melvil et teste ses propres chansons sur scène. Thibauld le conseille pour l'écriture et pose un oeil expérimenté sur ses concerts. Quant à Delbi, il prend en charge les arrangements. Repéré par 'Tour de Chauffe' en 2010, puis par ‘Domaine Musiques’ en 2011, il enregistre en automne de la même année « Tentative d'évasion », un premier Ep 7 titres, arrangé et réalisé par Delbi.
En mars 2014, Tony publie son second Ep, « La Cavale ». Chez At(home) un label qui ne se contente donc pas de signer des artistes de rock alternatif ou de métal. La chanson française à textes, surtout si elle est doublée par une attitude rock’n’roll a également voix au chapitre. Tout comme lors de ses prestations ‘live’, qu’il accorde en formule trio, Tony Melvil se consacre à la guitare, au violon et au chant. Il est épaulé par Delbi au dobro et aux claviers ainsi que Maxence Doussot à la batterie et aux percussions.
Réunissant 7 titres, « Plein Jour » constitue son troisième Ep. Il complète donc la trilogie.
Dès « J'Aurais Pu Etre Meilleur » on comprend que la page est tournée, la cavale terminée. Ce n'est pas une ode à la mort, mais à la vie. Tout humain a droit un nouveau départ. C'est un peu une résurrection avant la réincarnation. Le dobro pose les balises de cette compo aux lyrics évocateurs conjugués au conditionnel (‘J'aurais pu aimer plus fort – J'aurais pu être meilleur – Généreux et bien plus encore – J'aurais pu être meilleur – Tout Ce temps quand je n'étais pas mort’).
« Le Tango Des Armes A Feu » est le premier single qui a précédé la sortie de ce disque. Une chanson qui est cruellement d'actualité, suite aux actes de terrorisme perpétrés au cours des derniers jours. « Pompon » s’adresse aux petites têtes blondes. C’est également une des multiples facettes de son répertoire. Tony se replonge dans son enfance, lorsqu’il se saisissait de la floche sur les manèges et les carrousels. Rafraîchissante et cuivrée, la plage adopte un rythme de valse qui épouse les mouvements du flocon, tout en adressant un petit clin d'oeil à Mathias Malzieu, le chanteur de Dionysos. Interprété en mode guitare/voix, « A Midi » est une compo paisible, mais dont les textes sombres sont empreints de mélancolie…
Dynamisé par les percus, « Le Corps-Cage » aborde le sujet de l'amour et de la prise de pouvoir au sein d’un couple. Sa longévité n’est pas facile à préserver. La cage est une prison et le corps un prisonnier. Des cuivres se languissent tout au long de « Quoi Qu'Il Advienne », ils suppléent le violon. Tony parle nous parle de la vie et du temps qui passe. Des cuivres lumineux qui alimentent le plus tendre « Entre Nous »…
Tony est un personnage atypique dans le paysage musical français. Il utilise le second degré pour écrire ses textes, au sein duquel il injecte une certaine dose d’humour. Sur cet LP, les cuivres sont omniprésents, apportant une coloration jazzyfiante, romantique, quand ils n’alimentent pas un climat de fanfare. A découvrir de toute urgence !
Après avoir concocté 4 essais en solo –dont son dernier n’est autre que le magnifique « Muchacho »– efforts qui lui ont permis de gravir progressivement les échelons (tout relatifs) qui mènent au succès, Matthew Houck, aka-Phosporescent, fait le point sur sa carrière en proposant un exercice de style, aujourd’hui quelque peu considéré comme désuet : l’enregistrement ‘live’ ! Et le cow-boy, réputé pour son attitude classieuse, a vu les choses en grand, puisqu’il a décidé d’immortaliser sur un cd la quintessence de 4 shows accordés en 2013, au ‘Music Hall’ du très hype quartier de Williamsburg à Brooklyn où il réside d’ailleurs aujourd’hui. Le ‘live’, passage obligé il y a quelques années, est devenu donc bien plus rare de nos jours, mais non dénué de sens, quand on voit (et écoute) le répertoire maintenant élargi du natif de l’Alabama.
Malheureusement, la version promo ne propose que 7 titres sur les 19 qui alimentent le générique de la version originale. Et c’est bien dommage, car à l’écoute des imparables « Song for Zula », « Wolves » et « Nothing Was Stolen For », morceaux qui mettent en exergue la voix empreinte d’émotion de Matthew Houck, on aurait pu savourer davantage de moments mémorables. Un LP qui se révèle certainement indispensable pour les fans ; mais que votre serviteur conseille à tout mélomane qui apprécie l’americana…
Comment savourer idéalement l’énergie brute dispensée par Ty Segall ? Sur les planches, bien sûr. Et tout particulièrement au sein de son environnement naturel californien. Ce ‘live’ a donc été immortalisé au ‘Rickshaw Top’ de San Francisco. Son backing group implique Mikal Cronin, Emily Rose Epstein et Charles Moothart, c’est-à-dire celui qui a participé aux sessions du remarquable « Slaughterhouse ».
La légende précoce du garage/rock a, en outre, bénéficié du concours de John Dwyer (NDR : le gourou de Thee Oh Sees publie, en outre, cet elpee sur son propre label Castle Face), Eric Bauer, Chris Woodhouse et Bob Marshall, pour la mise en forme.
Et le ton est donné dès les premiers riffs de « Wave Goodbye » : ça va saigner ! Fruit d’un mélange tonitruant entre rock, garage et stoner, l’expression sonore se distingue par son sens aigu de la mélodie. Sauvages mais élégants, les morceaux passent facilement le cap de la scène. Et des pistes comme les abrasifs « Feel » ou « Death » sont manifestement taillés pour ce type d’exercice de style. Une belle porte d’entrée dans le cerveau bien détraqué mais constamment en effervescence de Ty Segall !
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