Ce mercredi 3 novembre, le Botanique accueillait Battles. Et manifestement, l’Orangerie grouillait de monde, avant qu’il ne monte sur les planches. Quatre ans après avoir publié son deuxième elpee (« Gloss Drop »), le trio établi à New York est reparti en tournée pour défendre son dernier opus, « La Di Da Di ». Un disque auquel Tyondai Braxton n’a pas participé, puisqu’il a quitté le band pour des divergences artistiques. Ecouter un album de Battles est toujours une expérience en soi. Inclassable, sa musique navigue –pour schématiser– entre math-rock et électro. Votre serviteur avait donc hâte de découvrir cette formation qui jouit d’une solide réputation en ‘live’.
Le supporting act est assuré par un artiste bruxellois, répondant au nom de Laurent Baudoux. Il a choisi pour pseudo Lawrence Le Doux. Le Belge a gravé deux albums électro sur le label VLEK. Après une bonne demi-heure, il tire sa révérence pour laisser la place à la tête d’affiche, tant attendue…
Le concert accuse dix minutes de retard. Enfin, les lumières s’éteignent et le bassiste/guitariste Dave Konopka monte sur l’estrade et se plante du côté gauche. Il a la lourde tâche de mettre l’ambiance. Il tripatouille ses pédales et superpose les nappes de sons. Tout semble fonctionner à merveille jusqu’au moment où il se rend compte que certains branchements dysfonctionnent. Un technicien est donc appelé à la rescousse ; et, heureusement, après ce faux départ, les choses sérieuses peuvent enfin commencer. Ian Williams (ex-Don Caballero), guitariste/claviériste, rejoint son comparse sur la droite, bientôt suivi par John Stanier (ex-Helmet, Tomahawk). Ce dernier s’installe derrière ses fûts et sa splash qui a la particularité de surplomber sa tête d’un petit mètre. Une fois en place, le trio ne perd plus de temps. Le combo enchaîne les morceaux issus de ses trois albums. Dont on épinglera les excellents « Futura», « Ice Cream » ou encore, en rappel, « The Yabba ». Sans oublier le premier tube, « Atlas », au cours duquel la voix de Braxton a été remplacée par une bande son (NDR : le seul petit bémol à relever, s’il ne fallait qu’en en citer un). Rapidement, on prend conscience de la maîtrise technique de nos hôtes. La vélocité de Williams est impressionnante tout comme la capacité de Stanier à jouer du synthé et de la guitare simultanément (oui, oui, c’est possible). Mais au-delà de ces considérations, ce sont les aptitudes des musicos à adapter leurs morceaux sur scène, en extirpant des sonorités invraisemblables qui impressionnent. Et comment est-il possible de s’y retrouver dans ce joyeux bordel ?
Quoiqu’il en soit, Battles a accordé un set d’une bonne heure, au cours duquel l’intensité n’a jamais baissé d’un cran. D’ailleurs, quand les trois artistes ont tiré leur révérence, ils étaient complètement trempés. Comme prévu, ce groupe complètement décalé est donc parvenu à nous réserver un concert unique en son genre…
(Organisation : Botanique)
Il y a bien un an que votre serviteur n’a plus mis les pieds au Magasin 4. C’était lors d’une soirée organisée dans le cadre de ses 20 années d’existence. Ce soir, Hugo Race se produit en compagnie de son groupe, The True Spirit. Personnage sympathique, cet Australien a sévi brièvement au sein des Bad Seeds, le backing group de Nick Cave. C’était en 1984. C’est d’ailleurs lui qui se consacrait à la guitare, lors des sessions d’enregistrement de l’album « From Her To Eternity ». Mais il souhaitait développer ses propres projets. Et tout particulièrement en montant The True Spirit. Ensemble, ils ont publié 15 elpees de 1987 à 2015. Belle preuve de fidélité ! Ce qui ne l’a pas empêché de participer à quelques autres aventures, aux quatre coins de la planète. Et notamment Sepiatone en Italie, Dirtmusic en Slovénie, Transfargo en Suisse, The Merola Matrix en Sicile et The Wreckery en Australie. Sans oublier son dernier, Long Distance Operators, au sein duquel milite la jolie violoniste, Catherine Graindorge.
Joe Speedboat sert de supporting act. Il est censé nous dispenser un garage rock teinté de grunge. Malheureusement, le gratteur/vocaliste aligne des riffs de guitare sans conviction ni motivation. En outre, il chante faux. La drummeuse semble s’ennuyer ferme. Seul le bassiste semble prendre un certain plaisir sur l’estrade. Pas de quoi rameuter la foule devant le podium, cependant. Qui est même plus que clairsemée, pendant cet hors d’œuvre sans grande saveur. Réaction, ma foi, logique…
Il y a pourtant du monde dans la salle. Mais elle s’est déplacée pour la tête d’affiche. Et en attendant, préfère squatter le bar. Hugo vient rendre visite à la Belgique, tous les ans, depuis pas mal de temps. Son backing group implique Brett Poliness (drums, backing vocaux) Bryan Colechin (basse), Nico Mansy (claviers/guitare) et Michelangelo Russo. Préposé aux moogs, à l’harmonica et à la trompette, ce denier (NDR : encore un barbu !) est également responsable des variations et bidouillages du son, y compris celui de sa voix ou de son harmo, qu’il filtre à travers un micro américain. Hugo se plante au centre de l’estrade. Devant son microphone, of course. Il se consacre également à la six cordes. La troupe est venue défendre son dernier opus baptisé tout simplement « The Spirit ». Mais aussi son futur Ep, « False Idols », dont la sortie est prévue ce 6 novembre. C’est d’ailleurs par ce titre que s’ouvre le set. Singulièrement électriques, les interventions de grattes sont incisives, alors que Michelangelo triture délicatement les sonorités, à l’aide de ses machines.
La voix de Hugo se fait tendre pour le lancinant et bouleversant « Elevate My Love », un extrait du dernier opus ; une compo qui s’aventure dans l’indus et au cours de laquelle Michelangelo souffle dans son harmonica, qu’il amplifie à l’aide de son microphone yankee. Une technique qu’il va reproduire régulièrement tout au long du spectacle. Et ce dernier est encore à la musique à bouche pour « Man Check Your Woman ». Il passe à la trompette pour « The Information », un titre balisé par les ivoires. La section rythmique est solide et permet aux longues parties instrumentales de se développer. Faut dire qu’on sent les musicos particulièrement soudés. Blues lent, « Sleepwalker » macère dans les marécages du Delta. Dans un même registre, « Dollar Quarter » s’avère plus classique. Un morceau visionnaire ? « Poor man ». A cet instant, votre esprit vagabonde au cœur du désert australien...
Caverneuse, envoûtante, la voix de Hugo me rappelle celle de Johnny Cash sur le plus country « Bring Me Wine ». Et le concert de s’achever par l’excellent « Higher Power », encore une plage issue du dernier opus. Un rappel de deux titres, mais pas renseigné sur la setlist, clôt ce set qui, manifestement, a ravi les aficionados de Hugo Race et de ses True Spirits…
(Organisation : Magasin 4)
Le dernier elpee de Kurt Vile est paru ce 25 septembre. Intitulé “b'lieve I'm goin down”, il privilégie le country/folk voire l’americana. Tout en se révélant davantage mélancolique aussi. Il s’agit de son sixième. De quoi se demander si le concert de ce soir n’allait embrasser une forme acoustique. Bref, une chose est sûre, le succès du Pennsylvanien est en constante progression. En décembre 2013, il se produisait encore à l’Orangerie du Botanique et aujourd’hui, il est programmé à l’AB. La salle est comble et il faut craindre ou espérer (biffer la mention inutile) que dans un futur proche, il se retrouvera à l’affiche de Rock Werchter et de festivals du même calibre…
En débarquant à l’AB, Lower Dens vient d’entamer le dernier titre de sa prestation. Opter pour les transports en commun, c’est une bonne alternative pour ne pas s’engluer dans les embouteillages de Bruxelles. Encore faut-il qu’ils soient ponctuels… Le band de Baltimore (NDR : c’est dans le Maryland) a également publié son dernier long playing, en mars dernier (« Escape from Evil »). Après avoir écouté un seul morceau, le final en l’occurrence, difficile d’en dire davantage…
Suite à une brève intro (NDR : toujours celle d’une compo des Happy Mondays), Kurt Vile et ses Violators montent sur l’estrade. Et le band attaque directement l’allègre « Dust bunnies », un titre issu du dernier opus. De cet elpee, la set list va d’ailleurs proposer 7 plages, rappel y compris. Mais pour la plupart en version plus électrique. Sauf le plus ‘bluegrass’« I’m an outlaw », au cours duquel Vile troque sa gratte contre un banjo qu’il joue remarquablement en picking. Et lors du rappel pour « All in a daze work » du dernier LP ainsi que « Baby’s arms » (« Smoke my funny halo »). Et si Vile se consacre à la sèche sur « Stand inside » et « Wild imagination » (« b'lieve I'm goin down »), le torturé « KV Crimes » (« Walkin on a pretty daze ») ainsi que « Freeway » (« Childish prodigy »), il est quand même soutenu par son trio (basse, guitare, batterie, claviers) et parfois par une boîte à rythmes. Parmi les morceaux les plus électriques, on épinglera cependant, le plus offensif « He’s alright » et le crazyhorsien « Walking on a pretty day ». Un style que votre serviteur apprécie. Sans oublier le dernier titre du set, « Freak train ». Puissant, percutant, enlevé et chargé de feedback, il est enrichi d’un saxophone et imprimé sur un tempo ‘motorik’, rappelant quelque part Hawkwind. Quelquefois, surtout dans ses inflexions les plus laconiques, la voix de Kurt évoque celle de feu Lou Reed. Kurt peut s’appuyer sur un excellent backing group, c’est manifeste. Le drumming du batteur est ample et précis. Le guitariste et le bassiste sont loin d’être des manchots. D’ailleurs, ils échangent régulièrement leurs instruments, quand le premier ne se consacre pas aux claviers. Ou tire carrément son épingle du jeu, en se servant en même temps d’un bottleneck et du vibrato, comme sur « Wheelhouse ».
Kurt Vile est un excellent guitariste, tant en picking qu’aux accords plaqués. Il change d’ailleurs pratiquement de gratte (NDR : une Fender Jaguar, quand elle est électrique) à chaque compo. Mais il n’est pas un bon entertainer. Il parle très peu entre les chansons et ne suscite pas d’engouement ni de réaction enflammée au sein de la foule. Qui a sans doute espéré l’étincelle qui n’est jamais venue. Elle applaudit pourtant à la fin de chaque morceau ; mais en restant sur la réserve. Tout comme Vile, d’ailleurs. Il semble vivre dans son monde. Sa longue chevelure lui cachant très souvent le visage. Pourtant, vu l’affluence, il ne fait aucun doute que sa musique est devenue accessible au grand public. Et que l’Américain est prêt à écumer les grands rassemblements estivaux. Où vous ne le verrez plus à 3 ou 20 mètres, mais peut-être à 100 voire 200 mètres. Il s’éloignera donc des fans de la première heure…
Setlist :
1. Dust Bunnies
2. Pretty Pimpin
3. Jesus Fever
4. I'm an Outlaw
5. Wheelhouse
6. KV Crimes
7. Freeway
8. He's Alright
9. Stand Inside
10. Wakin on a Pretty Day
11. Freak Train
Encore:
12. Wild Imagination
13. All in a Daze Work (with b'lieve i'm going down in the outro)
14. Baby's Arms
(Organisation : Ancienne Belgique)
C'est une double affiche d'enfer que nous propose l’AB pour Halloween. Au programme: deux formations américaines qui explorent un univers très 'dark'. Mais dans les deux cas, il s'agit d'une noirceur propice aux scintillements de lueurs brillantes, aveuglantes même. Les 'anciens' de Low, chantres du 'slowcore', et la ‘petite jeune’ Chelsea Wolfe, étoile montante d'un style qu'on pourrait qualifier de 'doom-folk', vont se succéder sur le même podium. Les deux bands son réunis pour cette seule date ; un évènement unique qui souligne l'admiration réciproque. La salle est en configuration ‘box’ (sans les étages) et le programme commence tôt, car deux longs sets sont annoncés.
C'est donc à 19h30 que Chelsea Wolfe monte sur les planches. A ses côtés, on retrouve son comparse Ben Chisholm (basse, synthés), Dylan Fujioka (batterie) et une guitariste. Tout de noir vêtue, à l'exception un patch blanc cousu sur son pantalon, la jeune Californienne focalise tous les regards. Elle porte au cou un superbe collier affublé d'une croix carrée. Etabli à Los Angeles, Chelsea Wolfe est responsable, à ce jour, de cinq albums de très bonne facture. Aujourd'hui, elle vient présenter son tout dernier, « Abyss », paru récemment sur Sargent Records. « Abyss » constituera donc, tout naturellement, l'épine dorsale de la setlist.
En grande prêtresse de la soirée, Chelsea Wolfe entretient une atmosphère mystérieuse et envoûtante, déroulant les lentes vagues d'un post-metal lancinant... Le son est puissant, et la guitare de Chelsea, très saturée, donne à l'ensemble une tonalité presque noisy. Après le spectacle, Chelsea nous confiera avoir rencontré des problèmes pour régler l'ampli, loué pour l'occasion.
Après trois titres tirés de « Abyss » (« Carrion Flowers », « Dragged Out » et « Iron Moon »), elle opère une incursion dans « Pain Is Beauty », son chef d'oeuvre sorti en 2013, en interprétant le sublime « Kings ». Ici, la musique devient plus complexe, s'autorisant des touches de trip-hop et d'électronique, un peu comme si Dead Can Dance faisait un boeuf avec Portishead. « We Hit A Wall » propose un mur... du son sur lequel nos tympans viennent se fracasser pour notre plus grand bonheur. « After The Fall » (« Abyss ») constitue peut-être le point culminant de la prestation. D’abord fragile, plaintive, la voix de Chelsea devient déchirante, lors du final particulièrement bruitiste, survolant un maelstrom de guitares et de percussions.
Pendant « House of Metal », Chelsea Wolfe abandonne sa guitare, empoigne son micro et vient au devant de l’estrade. Que de chemin parcouru depuis le début de sa carrière où, trop timide, elle se cachait derrière des voiles noirs et restait statique sur scène. A l'origine, « House of Metal » figurait dans le répertoire du projet électronique de Chelsea Wolfe et Ben Chisholm, Wild Eyes, un projet finalement intégré dans 'Chelsea Wolfe', en 2013. Comme la plupart des compositions, ce titre acquiert une toute nouvelle dimension en 'live'. On est comme hypnotisés par le balancement de la rythmique et les mélodies.
Après le paisible « Simple Death », c'est par « Survive », une longue plage de près de 6 minutes, que la formation achève sa prestation ; et en affichant une belle maîtrise ! Quasi-tribal, ce final atteint un sommet de puissance et d'intensité. Les musiciens quittent l’estrade après une heure de concert et, oh surprise, les lumières de la salle se rallument. L’auditoire est étonné, déçu même, de ne pas pouvoir bénéficier d'un rappel. Un problème d'organisation ?
A 21h, c'est au tour de Low d’investir des lieux. Alan Sparhawk et Mimi Parker, membres fondateurs de la formation américaine, sont accompagnés par Steve Garrington à la basse et au synthé. Formé en 1993, en pleine vague grunge, Low s'est démarqué d'emblée, en pratiquant une musique tout en retenue, à contre-courant, articulée autour d'harmonies vocales et de rythmes lents. Son style est alors taxé de 'slowcore'.
Venu présenter son dernier opus, « Ones and Sixes », publié cette année, le trio va en proposer pas moins de 8 plages. La qualité des compos montre, si besoin en est, que Low n'a rien perdu de son inspiration. Assise derrière ses fûts, qu'elle caresse doucement de ses baguettes, Mimi Parker chante à la perfection. Sa voix est très classique, dotée d'un très beau tremolo, dans la tradition des chanteuses américaines folk/pop, oscillant entre Joan Baez et Jennifer Warnes. Alan Sparhawk évoque plutôt Neil Finn (Split Enz, Crowded House), surtout lors des chansons les plus pop, comme « Plastic Cup » ou « What Part of Me ».
L'atmosphère générale suscite une certaine forme de recueillement. Le public, venu en grande majorité pour Low, écoute religieusement. On entend les mouches voler pendant la plupart des morceaux. Seuls deux titres permettent à Sparhawk d'enclencher l'overdrive sur sa guitare. « On My Own » et « Landslide » lorgnent en effet judicieusement vers le doom et dans ces moments, trop rares à mon goût, on a bien senti la filiation entre les deux combos à l'affiche.
Setlist Low : Gentle, No Comprende, Monkey, The Innocents, Plastic Cup, On My Own, Holy Ghost, Spanish Translation, Lies, Into You, Pissing, DJ, What Part of Me, Will the Night, Landslide. Encore : Murderer
Bref, on a passé une superbe soirée, baignée dans un univers ténébreux, spectral et proche de l’ensorcellement ; mais également d'une terrifiante beauté...
(Organisation : Ancienne Belgique)
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C'est une double affiche d'enfer que nous propose l’AB pour Halloween. Au programme, deux formations américaines qui explorent un univers très 'dark'. Mais dans les deux cas, il s'agit d'une noirceur propice aux scintillements de lueurs brillantes, aveuglantes même. Les 'anciens' de Low, chantres du 'slowcore', et la ‘petite jeune’ Chelsea Wolfe, étoile montante d'un style qu'on pourrait qualifier de 'doom-folk', vont se succéder sur le même podium. Les deux bands son réunis pour cette seule date ; un évènement unique qui souligne une admiration réciproque. La salle est en configuration ‘box’ (sans les étages) et le programme commence tôt, car deux longs sets sont annoncés.
C'est donc à 19h30 que Chelsea Wolfe monte sur les planches. A ses côtés, on retrouve son comparse Ben Chisholm (basse, synthés), Dylan Fujioka (batterie) et une guitariste. Tout de noir vêtue, à l'exception un patch blanc cousu sur son pantalon, la jeune Californienne focalise tous les regards. Elle porte au cou un superbe collier affublé d'une croix carrée. Etablie à Los Angeles, Chelsea Wolfe est responsable, à ce jour, de cinq albums de très bonne facture. Aujourd'hui, elle vient présenter le 'petit dernier'. Paru récemment sur Sargent Records. « Abyss » constituera donc, tout naturellement, l'épine dorsale de la setlist.
En grande prêtresse de la soirée, Chelsea Wolfe entretient une atmosphère mystérieuse et envoûtante, déroulant les lentes vagues d'un post-metal lancinant... Le son est puissant, et la guitare de Chelsea, très saturée, donne à l'ensemble une tonalité presque noisy. Après le spectacle, Chelsea nous confiera avoir rencontré des problèmes pour régler l'ampli, loué pour l'occasion.
Après trois titres tirés de « Abyss » (« Carrion Flowers », « Dragged Out » et « Iron Moon »), elle opère une incursion dans « Pain Is Beauty », le chef d'oeuvre sorti en 2013, en interprétant « Kings ». Ici, la musique devient plus complexe, s'autorisant des touches de trip-hop et d'électronique, un peu comme si Dead Can Dance faisait un boeuf avec Portishead. « We Hit A Wall » propose un mur... du son sur lequel nos tympans viennent se fracasser pour notre plus grand bonheur. « After The Fall » (« Abyss ») constitue peut-être le point culminant de la prestation. D’abord fragile, plaintive, la voix de Chelsea devient déchirante, lors du final particulièrement bruitiste, survolant un maelstrom de guitares et de percussions. Un grand moment, à (re-)découvrir ici
Pendant « House of Metal », Chelsea Wolfe abandonne sa guitare, empoigne son micro et vient au devant de l’estrade. Que de chemin parcouru depuis le début de sa carrière où, trop timide, elle se cachait derrière des voiles noirs et restait statique sur scène. A l'origine, « House of Metal » figurait dans le répertoire du projet électronique de Chelsea Wolfe et Ben Chisholm, Wild Eyes, un projet finalement intégré dans 'Chelsea Wolfe', en 2013. Comme la plupart des compositions, ce titre acquiert une toute nouvelle dimension en 'live'. On est comme hypnotisés par le balancement de la rythmique et les mélodies.
Après le paisible « Simple Death », c'est par « Survive », une longue plage de près de 6 minutes, que la formation achève sa prestation ; et en affichant une belle maîtrise ! Quasi-tribal, ce final atteint un sommet de puissance et d'intensité. Les musiciens se retirent après une heure de concert et, oh surprise, les lumières de la salle se rallument. L’auditoire est étonné, déçu même, de ne pas pouvoir bénéficier d'un rappel. Un problème d'organisation ?
Setlist : Carrion Flowers, Dragged Out, Iron Moon, Kings, We Hit a Wall, After the Fall, Maw, House of Metal, Simple Death, Survive
A 21h, c'est au tour de Low d’investir des lieux. Alan Sparhawk et Mimi Parker, membres fondateurs de la formation américaine, sont accompagnés par Steve Garrington à la basse et au synthé. Formé en 1993, en pleine vague grunge, Low s'est démarqué d'emblée, en pratiquant une musique tout en retenue, à contre-courant, articulée autour d'harmonies vocales et de rythmes lents. Son style est alors taxé de 'slowcore'.
Venu présenter son dernier opus, « Ones and Sixes », publié cette année, le trio va en proposer pas moins de 8 plages. La qualité des compos montre, si besoin en est, que Low n'a rien perdu de son inspiration. Assise derrière ses fûts, qu'elle caresse doucement de ses baguettes, Mimi Parker chante à la perfection. Sa voix est très classique, dotée d'un très beau tremolo, dans la tradition des chanteuses américaines folk/pop, oscillant entre Joan Baez et Jennifer Warnes. Alan Sparhawk évoque plutôt Neil Finn (Split Enz, Crowded House), surtout lors des chansons les plus pop, comme « Plastic Cup » ou « What Part of Me ».
L'atmosphère générale suscite une certaine forme de recueillement. Le public, venu en grande majorité pour Low, écoute religieusement. On entend les mouches voler pendant la plupart des morceaux. Seuls deux titres permettent à Sparhawk d'enclencher l'overdrive sur sa guitare. « On My Own » et « Landslide » lorgnent en effet judicieusement vers le doom et dans ces moments, trop rares à mon goût, on a bien senti la filiation entre les deux combos à l'affiche.
Bref, on a passé une superbe soirée, baignée dans un univers ténébreux, spectral et proche de l’ensorcellement ; mais également d'une terrifiante beauté...
(Organisation : Ancienne Belgique)
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Chaque année, pendant dix jours, le Festival des Libertés propose des animations diverses oscillant du théâtre au colloque, en passant par la musique et la projection de documentaires. Un événement engagé qui a pour vocation de susciter des débats sur des sujets sociétaux. Pour sa quatorzième édition, l'ASBL Bruxelles laïque avait placé la barre haute, dans le domaine musical, en programmant une affiche éclectique. Ainsi pendant une semaine, les scènes du Théâtre National et du KVS ont accueilli les revenants Ghinzu, Morcheeba, Tiken Jah Fakoly ou encore Hindi Zahra.
Ce vendredi 30 octobre, les organisateurs avaient mis les petits plats dans les grands, en invitant Calexico, au Théâtre National. Les Américains rendent visite régulièrement à la Belgique. La dernière fois, c’était d’ailleurs à l’AB, il y a seulement quelques mois. Mais c’est toujours avec un plaisir non dissimulé qu’on retrouve la bande à Joey Burns et John Convertino. Ce concert est aussi l'occasion de redécouvrir les compos de leur dernier opus, "Edge of the Sun", une œuvre riche en collaborations diverses. Plusieurs chanteurs issus de l’Amérique Centrale, mais également les membres de Devotchka, avaient ainsi participé aux sessions d’enregistrement. Pour assurer le supporting act, Calexico a d’ailleurs emporté dans ses bagages, la vocaliste guatémaltèque, Gaby Moreno, qui a également apporté son concours sur plusieurs plages de l’album.
Peu avant 20h30, Gaby Moreno monte sur l’estrade. Elle est seule, armée de sa guitare et entame son set devant une foule clairsemée. Oscillant entre folk, blues et jazz, sa musique est teintée de couleurs tropicales. Alors, que le gros de la foule commence à arriver, la Centraméricaine commence à prendre de l’assurance et ses morceaux gagnent de la profondeur. La jeune femme a un sacré coffre. Sa maîtrise est impressionnante. Après une quinzaine de minutes, elle annonce que les musiciens de Calexico vont l’accompagner pour le reste de son spectacle. Et elle en semble ravie. Faut dire aussi que lors du concert de ce dernier, elle viendra, à son tour, poser sa voix sur plusieurs morceaux. Enthousiaste, l’auditoire et donc prêt à accueillir la tête d’affiche…
Vers 21h20, les choses sérieuses peuvent commencer. Joey Burns prend place au centre du podium. Et derrière lui, on reconnaît le drummer, John Convertino. Autour des deux piliers, s’installent 5 musiciens : un guitariste, 2 trompettistes, un claviériste et un bassiste. Qui parfois changent d’instrument. Quand ils ne les doublent pas. Et ce sont tous des musicos exceptionnels. Leurs petits mais efficaces solos, dispensés tout au long de la soirée, en sont les plus bels exemples, et se succèdent pour le plus grand plaisir du public. En moins de deux morceaux, Joey Burns parvient à chauffer la salle. Il faut dire que la discographie de Calexico est tellement riche et variée, que chaque titre est capable de baigner au sein d’une ambiance différente. Le tracklisting puise d’ailleurs également au sein de leurs plus anciens disques. On passe ainsi de compos mélancoliques porteuses d’espoir (« Falling From the Sky ») à des titres mariachi ou hispaniques (comme l’excellent « Alone Again » ou « Inspiracion »), en transitant par des morceaux pop ou blues/rock. Dans ces conditions, jamais l’ennui ne guette le mélomane. Et il ne faut pas très longtemps avant que les spectateurs ne commencent à esquisser quelques pas de danse. Pour qu’un spectacle soit réussi, le contact entre le public et l’artiste ou le groupe est primordial. De quoi créer une atmosphère chaleureuse. Pas de problème ; dans ce domaine, Calexico excelle. Et apparemment excité par la fête d’Halloween, Joey Burns se révèle particulièrement expansif. Il remercie le public (et ses musiciens) à la fin de chaque morceau, et n’hésite pas à discuter avec les spectateurs ou encore raconte diverses anecdotes. Pendant tout le spectacle, les musiciens ont eu le sourire aux lèvres. Une joie qui est devenue communicative. Et quand au bout de deux heures, Joey achève sa prestation en remerciant l’auditoire de pouvoir vivre sa passion, c’est vraiment l’expression d’une grande classe.
(Organisation : Festival des Libertés)
Rozz est une formation issue de Valenciennes. Elle compte plus d’un quart de siècle d’existence. Dans l’univers du métal, elle figure parmi les dinosaures. Ces Chti’s avaient donc projeté d’immortaliser un Dvd en ‘live’. Il fallait donc une bonne salle, d’excellentes conditions d’enregistrement et du peuple susceptible de mettre le souk. Le pari était risqué, car le lendemain, se déroulait un festival à Voulziers, à deux pas de Comines (NDR : en France !). Marcel Ximenes (NDR : membre fondateur et cerveau du combo) s’était décarcassé sur les réseaux sociaux pour rameuter la foule. Et il est satisfait, car des fans de tous âges se sont déplacés pour vivre l’événement. Parfois même en famille. On y croise donc des barbus bedonnants (comme votre serviteur), des vieux et des jeunes métalleux, vêtus de cuir et couverts de tatouages ou/et de piercings ; et même des punks à la coiffure en crête si caractéristique. Si la majorité des spectateurs sont issus du coin, certains nous viennent de Paris, de Lorraine ou de Provence. Malheureusement, 140 personnes ont pu entrer dans la salle, vu sa capacité. Et il y avait encore plein de monde à l’extérieur.
Le début du concert est prévu pour 20h30. Il y a du retard. Les musicos se font désirer. Six caméras doivent filmer le spectacle. Et on aura droit à 21 titres balayés par un light show impressionnant ; de quoi remplir les 90 minutes de set… et de tournage. Dont la setlist a été sélectionnée par les internautes suite à la demande du groupe. On reconnaît là les artistes à l'écoute de ses fans.
La troupe monte enfin sur l’estrade. Marcel Ximenès s’installe à gauche. C’est le leader et il est préposé à une des trois grattes. Bandana de couleur noir et blanc pour lui enserrer les cheveux, Olivier Bourgeois, se plante face à micro (NDR : tiens, le pied n’est plus garni de bandelettes, comme chez Steven Tyler). On dirait un Sioux ! Les fûts de Jeremy Jacquart sont impressionnants. Il s’agit du noyau dur de Rozz, car le line up a fait peau neuve. Ainsi Pierre Burette se consacre à la basse alors qu’Axel Dordain et Lucas Sohier se réservent les deux autres grattes. Ce dernier se charge également des claviers. Si la plupart des textes sont chantés dans la langue de Voltaire, parmi les nouveaux morceaux, certains sont interprétés dans celle de Shakespeare…
Après une introduction symphonique, devenue rituelle chez la plupart des groupes de metal, on entre dans le vif du sujet. Et « A Toute Vitesse » (« D'un Siècle à l'autre »). Les lyrics parlent de la vie qui passe trop rapidement. Une compo de hard rock classique et mélodieuse au cours de laquelle les deux jeunes sixcordistes entrent déjà en duel. « Légion Du Démon » est une vieille pièce très appréciée par les anciens fans. Elle a permis au band de se faire connaître. Tout comme « Fan », un morceau au cours duquel la section rythmique se révèle particulièrement consistante. De quoi mettre le feu. La voix d’Olivier grimpe déjà dans les aigus. « Condamne » (NDR : un extrait de « Tranches De Vie », le dernier elpee en date) est sculpté dans du heavy rock old school.
« Cavale » est bien plus écrasant et primaire, un peu dans l’esprit de Motörhead. La ligne de basse est à la fois vive et percutante. Quoique métronomiques, les drums finissent par passer en force. Le timbre d’Olivier devient clair mais reste autoritaire. Et les grattes vous poursuivent, tels des chiens féroces qui pourchassent des êtres humains. En bout de course, on est d’ailleurs à bout d’haleine. Ténébreux, « Wendigo » adopte un tempo plus lent. Marcel jouit d’une belle technique sur sa gratte, mais ne s’agite que circonstanciellement. En général, il reste statique et s'applique consciencieusement sur son manche. Une nouvelle compo : « Cauchemar ». Plus classique.
« Crazy Horses » est une cover de The Osmonds. Rozz se la réapproprie judicieusement. Et en anglais ! « Les Loups » est un titre qui lorgne manifestement vers Deep Purple voire White Snake.
« Né Pour Le Hard » est un hymne. Le public jumpe. Olivier l’incite régulièrement à réagir. En outre, il parvient de mieux en mieux à moduler sa voix, en fonction des titres. Les caméramans filment aussi bien sur l’estrade que dans la fosse.
Bref, votre serviteur a vécu une bien belle soirée. Et Rozz a décidé de recommencer l’expérience dans la région de Valenciennes, pour consoler les aficionados qui n’ont pu y participer. Ce sera encore pour cette année. Et votre serviteur devrait encore être au rendez-vous.
Setlit :
« Intro »/ « A Toute Vitesse » / « Légion Du Démon » / « Fan » / « Condamne » / « Cavale » /« Wendigo » / « Another Life » / « Rock N Roll » / « Ku Klux Klan » / « Cauchemar » / « Tu » / « Publicité » / « Crazy Horses » / « Debout » / « Les Loups » / « Ne Pour Le Hard » / « Burn » / « Possession ».
(Organisation : Rozz)
Dans quelle nouvelle aventure s’est encore fourré l’Ecossais Aidan Moffat, ex-tête pensante d’Arab Strap (avec Malcolm Middleton), en s’associant pour la seconde fois avec son compatriote et multi-instrumentiste Bill Wells (que l’on a vu aux côtés d’Isobel Campbell, des Pastels ou encore de Barbara Morgenstern). Une collection de comptines pour enfants ? C’est en tout cas ce que nous laisserait croire le dessin réalisé par son fils de 6 ans pour illustrer « The Most Important Place of the Word »… Une idée bien vitre démentie à l’écoute de cet opus, sur lequel Moffat conte –plus qu’il ne chante– ses histoires désabusées au cours desquelles il exprime ses regrets et autres frustrations, d’un accent ‘scottish’ à couper au couteau. ‘The Most Important Place in the World’ est un slogan piqué au géant suédois de la vente de mobilier et de déco, Ikea, et un début de critique –acerbe– à l’égard de notre quotidien et de la décadence urbaine, exercices dont a toujours raffolé notre homme déchiré entre humour, cynisme (‘God only wants you when you’re down and lonely’) et tristesse (‘The fridge is empty, the cupboard is bare, your bed is cold – but fuck it, there’s always another promise to break, tomorrow and always another night to forget’)… Parfois dissonant (« Lock Up Your Lambs »), légèrement bossa-nova (« Any Other Mirror ») ou d’un classicisme avéré (« VHS-C »), le duo vient de concocter une nouvelle œuvre incontournable, nous réservant même « Street Pastor Colloguy, 3 A.M. », un mini sommet, caractérisé par son rythme uptempo, son saxo enivré (au Whisky ?) et son final extatique tramé dans les chœurs gospel. Un autre –quasi– sans-faute pour Aidan Moffat… et probablement Bill Wells, même si j’avoue moins bien connaître l’univers musical de ce dernier…
Bonne nouvelle ! Berri Txarrak est de retour. Il vient de fêter ses 20 ans d’existence… Une intro facile pour ce groupe basque dont le patronyme signifie littéralement ‘Mauvaise nouvelle’ en ‘euskara’, l’idiome local. Formé en 1995, le groupe pratique une musique qui mêle punk, hardcore et métal tout en véhiculant des messages engagés, dans cet isolat local.
Suivant les albums, la formation a bénéficié de la mise en forme de Steve Albini, Tim McIlrath (Rise Against The Machine) ou Matt Sharp (Weezer).
Pour célébrer ces deux décennies de carrière, elle vient donc de graver un 8ème long playing intitulé « Denbora da Poligrafo Bakarra ». Une œuvre recelant 20 pistes en 3 volumes, enregistrés sous la houlette d’autant de producteurs en au sein de trois endroits différents. Soit à Los Angeles par Ross Robinson (At the Drive-In, Korn, Sepultura), Madrid par Ricky Falkner (Standstill, Lori Meyers) et dans le Colorado, par Bill Stevenson (Rise Against, Alkaline Trio, NOFX). Une division qui reflète les différentes orientations du groupe. Falkner se consacrant à la face indie rock, Robinson à l’aspect historique métal/hardcore, et Stevenson à la perspective punk US… Pour votre serviteur –qui ne connaît guère son aventure– l’écoute de ces trois disques est déconcertante ; car on a l’impression qu’ils ont été concoctés par trois combos différents. Et difficile de déceler des similarités entre chaque cd… Cependant, entre salves mélodiques (« Helduleku Guztiak ») et claques plus sauvages (« Hemen Sukaldarien Herrian»), la lecture en mode ‘shuffle’ permet de passer un bon moment. Qu’un groupe ait encore autant de choses à dire après 20 ans d’existence, c’est plutôt une ‘Bonne Nouvelle’, non ?
Chanteur/guitariste américain de couleur noire, Eric Bibb est âgé de 64 balais. Il vit cependant depuis très longtemps, en Europe. Il réside d’ailleurs pour l’instant en Finlande. Sa discographie est impressionnante.
Jean-Jacques Milteau est de nationalité française. Agé de 65 ans, il joue de l'harmonica. Les deux musiciens vouent une passion commune pour le blues en général, mais certainement pour le blues originel, en particulier.
Leadbelly est un chanteur/musicien qui a surtout sévi au cours de la première moitié du XXème siècle. Il interprétait son blues et son folk d’une voix puissante, mais aiguë, en s’accompagnant le plus souvent d’une guitare à douze cordes ou alors, d’un accordéon. Indépendant et fier, il avait vécu quelques déboires ; ce qu’il lui avait valu l’un ou l’autre séjour derrière les barreaux. Il est décédé en 1949, à l’âge de 64 ans, des suites d’une maladie.
Le projet d’Eric et de Jean-Jacques est donc destiné à rendre hommage à Leadbelly, à travers son répertoire. Les onze compos –certaines notoires, d’autres moins– ont été immortalisées ‘live’ lors d’un concert accordé au Sunset de Paris. Larry Crocket épaule le duo, lors de ce concert, aux drums. Les cinq derniers titres ont été enregistrés au Studio de la Seine, par le tandem…
Les versions proposées sont –bien évidemment– acoustiques. Bouleversant, "Grey goose" ouvre le bal. Chromatique, l’harmo de Milteau libère une fameuse dose d’émotion. La chanson évoque l'histoire d'un prêcheur qui capture une oie grise pour la manger le même soir ; hélas, il se sent incapable de tuer l’animal ! Et ne peut donc observer le Sabbat. Jean-Jacques souffle avec énormément de feeling, tout au long de "When that train comes along/Swing low, sweet chariot". Le célèbre Big Daddy Wilson chante auprès d’Eric Bibb. Il participe également aux chœurs pour "On a Monday" et "Pick a bale of coton". "The house of the rising sun" est un traditionnel que Leadbelly avait gravé dès 1943. "Midnight special" est surtout connu pour les adaptations réalisées par les Beatles, Creedence Clearwater Revival, Van Morrison. Leadbelly la chantait en s’accompagnant à l'accordéon. Milteau lui communique une sonorité proche du piano à bretelles, en se servant de la musique à bouche. "Where did you sleep last night" est une plage chargée d’intensité, également baptisée "Black girl". Kurt Cobain en avait réalisé une cover singulière, au sein de Nirvana, en 1993, un an avant sa mort. "Good night Irene" est une très belle chanson d’amour que Leadbelly avait enregistrée en 1933. "Rock Island Line" est une piste particulièrement entraînante que l’Anglais Lonnie Donegan avait traduite en tube, au cours des 70’s. Bibb et Milteau en ont concocté une adaptation remarquable.
Les titres enregistrés en studio sont donc au nombre de cinq. On en épinglera, "Bourgeois blues", une véritable perle dont les lyrics traitent de la lutte contre la ségrégation raciale. "Titanic", un morceau au cours duquel Bibb se sert d’un banjo à 6 cordes ; et enfin "Swimmin' in a river of songs", une piste qui bénéficie de la participation de Michael Jerome Browne à la guitare à 12 cordes et à mandoline. Un très bel hommage!
L’artwork de la pochette cherche à nous faire passer l’ami Leon pour un vieux briscard de la soul ; et après avoir écouté ce « Coming Home », son premier elpee, il faut le reconnaître, on n’a pas été volé sur la marchandise ! En outre, ce Texan devrait rafler la mise en cette période de revival soul, grâce à ses vignettes à la fois charmantes et énergiques, gravées dans le son du gospel et de la soul intemporelle des 60’s. Et tout particulièrement celle de Sam Cooke, des Staples Singers ou d’Otis Redding. Des pépites telles que « Coming Home » ou « Better Man » sont magnifiées par la voix en or de l’Américain et parfaitement soutenues par l’instrumentation des musiciens issus de White Denim, également texans. Alors, comme la plupart des artistes qui militent dans le revivalisme, l’hommage tourne, parfois, à l’exercice de style et au déjà-vu… Mais qu’importe, si la musique est bonne. Et tant pis si ces effluves qui émanent directement du Mississipi sont enivrantes… Bien sûr, un supplément d’âme aurait peut-être pu transformer ce « Coming Home » en classique. Amy, tu m’entends ?
Agée aujourd’hui de 28 ans, Samantha Crain est une artiste que votre serviteur avait découverte lors de la sortie de son album « Kid Face ». Et à cette époque, il avait déjà mis en exergue, ses aptitudes de songwritrice. Un an plus tard, elle nous propose son quatrième opus. Il s’agit du second publié par le label insulaire, Full Time Hobby.
Tout comme lors du précédent LP, elle a reçu le concours de John Vanderslice, lors des sessions d’enregistrement. Donc pas trop difficile pour elle de poursuivre sur sa lancée. Minimaliste voire brut, son folk est alimenté par une instrumentation particulièrement subtile, destinée à mettre en exergue la voix habitée, mais parfaitement maîtrisée de Samantha, susceptible de rappeler Joanna Newsom. Du tracklisting, on épinglera quand même les magnifiques « Elk City » ou encore « You Or Mystery » et « When You Come Back ». En outre, elle ne se contente pas d’exceller dans le folk, s’autorisant ainsi une incursion dans le blues, à travers « Big Rock ».
A l’écoute d’« Under Branch & Thorn & Tree », on sent le vent chaud des plaines américaines nous caresser les cheveux. On imagine des tribus d'Indiens chassant le bison ou encore de vieux fermiers partant travailler en chiquant du tabac. Bref, Miss Crain nous entraîne au cœur de l’Amérique traditionnelle, de l’Amérique profonde, de l'Amérique qui l'a vue naître.
Cet ex-chanteur du combo glam-punk D Generation, est une grande promesse de la scène rock new-yorkaise du début de ce millénaire. Pourtant, suite à la sortie de l’Ep « The Wendy EP », sur laquelle figure sa magnifique reprise du « Hungry Hearts » de Bruce Springsteen, l’aura de Jesse Malin s’était quelque peu estompée. Elle commençait même progressivement à s’effacer de nos mémoires, comme celle de son ami Ryan Adams, même si ce dernier n’a jamais arrêté de composer, depuis…
« New-York Before the War » ne devrait pas lui permettre de retrouver sa place au firmament de la scène rock internationale, mais parvient à nous replonger dans son univers rock classique et romantique (« Oh Sheena ») et parfois épique (« Immigration Boots »), grâce à des morceaux enrichis par sa voix de vieux briscard qui doit tant au ‘Boss’ qu’à Tom Petty ! Le long playing alterne entre ballades mélancoliques interprétées au piano (« The Dreamers »), morceaux rock ‘old school’ (« Freeway », qui bénéficie du concours de Wayne Kramer du MC5, comme guest de luxe) et saillies americana (« Bent up »)… Jesse ne révolutionnera pas le monde, à travers cet elpee, mais nous y livre toute sa passion. Un disque pour lequel il a quand même reçu le concours de Peter Buck (R.E.M.) sur « I Would Do It for You » et Craig Finn (Hold Steady) pour « Bar Life » ! Finalement, en écoutant cet LP, vous aurez l’impression d’avoir retrouvé un bon pote, que vous aviez perdu de vue, depuis quelques années…
Mazarin, c’est le célèbre cardinal qui a mis l'Hexagone à ses pieds, et son sort entre ses mains. Mais c’est également le patronyme choisi par Le Feuvre. Il est issu de Laval, en Mayenne. Echappé du groupe La Casa, (qu'il avait formé en compagnie de Jean-François Péculier), il a décidé d’embrasser une carrière solo, en 2012.
Le premier opus de La Casa, « Les trucs Abîmés », avait rencontré un certain succès. Ce compositeur/auteur/interprète et scénariste avait également écrit deux titres majeurs pour Hubert-Félix Thiéfaine : « La Ruelle des Morts » et « Stratégie de l’Inespoir ». Deux perles qui ont permis au Jurassien de décrocher autant de disques. Les deux artistes partagent une même alchimie des mots, qu’ils traduisent en poésie. Pas étonnant que Lucas, le fils d’H-F, s’est chargé de la mise en forme de cet LP. Un ingénieur du son particulièrement doué, malgré ses 22 printemps. C’est déjà lui qui avait mixé « Stratégie de l’Inespoir », le dernier long playing de son paternel, en 2014.
Le troisième collaborateur qui s’est investi pour ce projet s’appelle Frédéric Scamps. Fils de luthier roubaisien, il a fréquenté le Conservatoire, et à milité au sein du backing group de Johnny Hallyday. Il a également participé au deuxième chapitre de l’histoire de Stocks, comme claviériste.
Caractérisée par le recours à un marimba, « La Tête Dans Les Nuages » ouvre la plaque (‘C'est juste de la pluie, qui emporte tout, un nuage gris, qui assombrit tout, juste quelques larmes, qui tombent au compte-gouttes’). Bercée par une mélancolie douce, cette chanson nous parle de la Sambre. Une mélancolie qui baigne l’ensemble de l’œuvre. A l’instar de « Ce N'est Rien Du Tout » ou « La Mer », une plage enrichie de cordes de violon et de violoncelle. Susceptible de déchirer l’âme, « En Manque » lorgne vers Noir Désir. Et « Ma Ramure » pourrait figurer au répertoire de Thiéfaine.
« Le Temps Court » est le premier single extrait du long playing. La voix de Pierre glisse sur des beats électro. Des sonorités électroniques qui envahissent également « Allez Allez ». Plus pop, « La Croisée Des Chemins » lorgne vers les Innocents. De la pop, mais bien sucrée, dynamisée par des machines, qui alimente la comptine « A l'Ombre ». Et l’album s’achève par « Notre Place Au Soleil » ; de quoi réchauffer les cœurs, en cet automne un peu frisquet.
Un disque totalement de notre temps, qui ne boude pas pour autant les guitares, malgré ses expérimentations dans l’univers de l’électronique…
Le Cardinal au coeur sentimental part en tournée en compagnie de Hubert-Félix Thiéfaine à travers tout l'Hexagone. Et pourquoi pas un petit crochet par la Belgique ?
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