Zion Train est un 'sound system' insulaire qui existe déjà depuis plus de 25 ans. C'est un des pionniers de la scène dub anglaise. Fondé en 1990 par les producteurs David Tench (trompette), Neil Perch (basse) et Collin Cod (melodica), son line up est à géométrie variable. Un membre semble est quand même devenu permanent : le chanteur Molara. Ce collectif insulaire propose, depuis quinze ans un dub aux influences variées et surtout propice à la danse. L'originalité de la musique de Zion Train procède de ce mix d’influences, récentes et plus anciennes, le plus souvent hétéroclites, oscillant entre les plus analogiques (donc vintage) et les plus contemporaines (donc technologiques) ; le band enrichissant le tout d’instruments à vent traditionnels. Pour enregistrer cet elpee, le trio a reçu le concours de Don Fe à la flûte, Finn Todd au mélodica, Vedran Meniga à la batterie, Fitta Warri aux percussions africaines (nyabinghi) ainsi que David Fullwood, Lucas Petter et Gianni Denitto aux cuivres. Sans oublier les invités (featurings). Et tout particulièrement les vocalistes : le Jamaïcain Fitta Warri, la chanteuse/poétesse Jazzmin Tutum, le toaster Dadda, la jeune mancunienne délurée Kathika Rabbit, le Français Daman et l’Allemand Longfingah. Dont les lyrics se consacrent à des thèmes soucieux de la planète et de la nature.
Le périple vous entraîne de Cologne (les sessions s’y sont déroulées, dans le studio Zion Train) à Kingston et s’ouvre par « Land Of The Blind », un morceau traditionnel. Tout comme « Words Of Wisdom », de quoi vous permettre de prendre le vol suivant, si vous avez manqué le premier.
« Dirty Dunza/Go For It » est un remix du « Bloody Dunza » du célèbre Johnny Clarke. Les sonorités de flûtes sont samplées. Le step est ici assuré par le Jamaïcain Fitta Warri et la chanteuse de dub Jazzmin Tutum. Et c’est cette rencontre entre le dub dansant et la voix délicate de Jazzmin qui fait la différence. Un hit potentiel !
Kathika Rabbit pose la voix sur « We Are Water », une compo aquatique aux vagues dub alertes et entraînantes. Puis sur « More and more », une plage aux cuivres somptueux. Des cuivres qui se révèlent à nouveau remarquables, tout au long d’« Inner vision ». Et deviennent inquisiteurs sur le plus roots « No I.D. ». Une forme plus roots davantage explorée en deuxième partie de parcours.
Une rythmique saccadée dynamise « Land Of The Blind », une version ‘extended’ de « Dirty Dunza »). Les MC’s Dub Dadda et Fitta Warri sont aux commandes tout au long de « Roots Man Play/Permanent Pressure », le plus long morceau du long playing. Et aussi le plus épatant, pour les amateurs du style. Le MC Longfingah se distingue sur le plus sauvage « Raise A Dub », une piste encore une fois enrichie de cuivres éblouissants.
Après le plus paisible « Dry Your Tears », « The Great Flood – Gaia’s Tears » achève ce voyage en beauté. Débarquement dans la capitale jamaïcaine reflété par la parfaite osmose entre flûtes et cuivres.
Martin Carr a eu son heure de gloire, début des nineties, au sein de Boo Radleys, une formation issue du Merseyside, dont trois de ses albums (« Everything's Alright Forever », « Giant Steps » et « Wake Up Boo! ») vont lui permettre de trôner au faîte de la scène indie insulaire. Certains journalistes vont même leur promettre un futur comparable aux Beatles. Après la séparation du groupe, en 1998, Martin embrasse une carrière solo, sous le patronyme de Brave Captain, au cours de laquelle il va afficher un visage commercial, non commercial, rétro, futuriste, introverti et on en passe. Il se alors également au chant. Mais on ne peut pas dire que malgré la publication d’une dizaine d’elpees, de singles et d’Eps, le succès ait été au rendez-vous.
Depuis 2006, il enregistre également sous son véritable nom. Et « The breaks » constitue son tout nouvel elpee. Un disque qui ne manque finalement pas d’allure. Les arrangements sont particulièrement raffinés. Très ‘british’, les références oscillent entre les Kinks et Paul Weller. Cuivres, Hammond et chœurs alimentent les compos les plus soul/pop. Et les cordes de gratte acoustique –le plus souvent en fingerpicking– les plus intimistes (« Sometimes it poors », « No momey in my pocket », « The breaks »). Les harmonies vocales sont limpides et le sens mélodique est soigné. Parmi les perles de cet opus, on épinglera le morceau d’entrée, « The Santa Fe skyway », dont les intonations vocales semblent avoir été empruntées à Mark Eitzel, le tango « Mountains » et deux plages contagieuses : la jolie ballade « I don’t think I’ll make it » ainsi que l’allègre « Mandy get your mello on »...
Une excellente surprise !
Les 10 titres de cet album ont été enregistrés lors de la dernière tournée de l’artiste, baptisée « Old Ideas Tears », en public ou lors du soundcheck. Il recèle deux nouvelles compos : « Got a little secret » et « Never gave nobody touble » ainsi que deux covers jamais immortalisées sur support, « La Manic » et « Choice ». Interprétée dans la langue de Molière (NDR : un événement !), la première est une chanson d’amour signée par le Québécois Georges Dor. Et la version touche au sublime. Le deuxième est un morceau issu de la plume de feu George Jones, chanteur country américain disparu en 2013, à qui il rend ainsi hommage.
L’elpee recèle également quelques chansons plus notoires, à l’instar du tube « I can’t forget », mais également de « Light as breeze », « Joan of Arc » ou encore « Nights comes on ».
Petite parenthèse, mais elle donne une coloration positive à ce ‘live’, une véritable bonne humeur baigne tous ces morceaux, un climat qu’entretient l’humour contagieux de Leonard Cohen…
Groupe de reggae, Atomic Spliff nous vient de la Cité Ardente. Un reggae particulièrement ‘roots’, dont les style oscille entre ragggamuffin et dancehall, en passant par le rub a dub. D’après le magazine hexagonal Reggae.fr, ce combo pourrait bien être la révélation en 2016.
Le line up réunit les MCs Stoneman (NDR : également sculpteur et dessinateur, ses dreadlocks lui tombent jusqu’aux chevilles) et Daddy Cookiz ; mais également le bassiste Boris Valley Colledos, le drummer Renaud Baivier, le claviériste Brieu Di Maria et le guitariste Kevin Maclot.
Des sonorités cosmiques ouvrent cet LP. Cet « Intro » annonce l'arrivée d'Atomic Spliff sur la Planète Terre (NDR : un clin d’œil au fil « Mars Attack » !) Ces extraterrestres débarquent de la planète Ras (NDR : comme Rasta ou rasé, car quatre des musicos ont la boule à zéro). Le titre maître est caractérisé par un refrain contagieux. Place ensuite aux présentations : ‘Venus de loin pour envahir la terre. Une sono et un pistolet laser ! C'est l'invasion des hommes rouge jaune vert. Ras Attak Man dans tout l'univers !’ Les good vibes feront le reste. La musique est urbaine et a été fortement influencée par les sound systems. A travers leurs chansons, ils nous parlent tout simplement de la vie de tous les jours, avec ses joies, ses déboires, mais également ses aspects positifs et négatifs. Ecrits dans la langue de Voltaire, les textes véhiculent des messages de paix, d'amour, de respect et d'union ; mais en se servant de l’humour. Il n’existe pas de barrière entre les humains, alors que Babylon souhaite qu’ils restent chacun dans leur coin.
Plage la plus longue du long playing (6’), « Movin » permet aux musicos d’étaler tout leur talent. Une piste qui bénéficie du concours d’une section de cuivres flamboyante, Asham Band (NDR : des Anversois !) Des cuivres de nouveau bien mis en exergue sur « Personne ». Chargé de feeling, le flow des MC's est constant et nous entraîne jusqu’aux plages de Kingston, pour y partager la scène en compagnie de grosses pointures, comme les Jamaïcains Joseph Cotton et Straika D, les Londoniens Général Levy et Solo Banton (Londres) ainsi que Daddy Nuttea, Dragon Davy et Sista Netna.
Lorsqu’on est coincé dans les bouchons de la circulation, ce n’est pas la peine de courir (« Run away »), il est préférable de vivre au rythme du raggamuffin. Le phénomène jamaïcain P.Nyne vient injecter ses good vibes, tout au long de « Nous c'est rub'a'dub ».
Plus roots, « Fixé Vers le Ciel » aborde le thème de la mort. « Dessiner Nos Vies » adopte un profil plus électro. Et l’album de s’achever par « We Ah' Digital », une piste qui mène à une console de jeux.
Elmer Food Beat est une formation nantaise qui a sévi fin des eighties / début des nineties. Son créneau ? Des textes qui parlent de sexe… avec humour. Parfois même au 4ème degré… EFB a gravé des hits à la pelle : « Le plastique, c’est fantastique », « Daniela », « La caissière de chez Leclercq », « Couroucoucou Roploplo », « Je vais encore dormir tout seul ce soir », « Est-ce que tu la sens », et on en passe. Et puis est responsable de prestations ‘live’ totalement déjantées. Séparé en 1993, le groupe se reforme épisodiquement, pour participer à l’un ou l’autre festival, puis décide de reprendre l’aventure, en 2006. Et a donc gravé un nouvel album en 2013, « Les rois du bord de mer ».
Première constatation, les musiciens ont vieilli et les paroles se sont un peu assagies. Pour concocter cet opus, les musicos ont invité le réalisateur artistique Matthieu Ballet (Miossec, Alain Bashung, Alexis HK.) afin qu’il se penche sur l’état de leur libido.
On y croise « Paméla », un robot à tout faire qui prend en charge l’« Electroménager » et un mec qui a le béguin aussi bien pour les blondes, les brunes que les rousses dans « Mon Coeur Balance »... entre Daniela, Pamela, Linda, Brigitte, Caroline, madame l'infirmière ou la caissière de chez Leclercq. Sur un tempo enlevé, « Le roi du bord de mer » rappelle les années ados, lorsqu’on s’envoyait en l’air sur les plages de sable fin.
Ça a la couleur d'Elmer, le goût d'Elmer et c'est du EFB ! Merci les filles !
« Frédéric Dard Dort » rend hommage à l’auteur des romans du commissaire ‘San Antonio’.
Entre rockabilly, pop, punk et garage, EFB s’est à nouveau fait plaisir ; un plaisir qui se savoure cependant davantage en ‘live’. Et, un nouvel LP est en préparation. Baptisé « A Poil Les Filles », il devrait sortir en avril 2016. Stay Tuned !
Le retour de la coupe mulet est à la coiffure ce que The World est à la musique en 2015. Une pointe d’humour et un solide cachet kitsch. Ressortez les bandanas et les coupes vents fluo. Ajustez vos mitaines et tricots de corps en résille : ça va suer dans les slibards.
Au démarrage de la rondelle, un rire gras vient fendre les premiers accords. C’est qu’on a beau être au courant que les 8 pistes de « The World » ont un parfum eighties, on ne pensait quand même pas que la fragrance allait à ce point écœurer nos nasaux ; et l’on s’entend ricaner avec surprise.
Certes, le revival vintage est sublimé par des hordes de fans prêts à en découdre sur le dancefloor. Certes, rien ne se crée, car tout s’altère ; mais sur cette galette l’abus nuit et foutrement.
L’elpee me fait penser à une B.O. cinématographique issue des années 80, où Sylvester Stallone et Wham croiseraient le fer…
Un film pas synchro au cours duquel le scénario s’emmêle les pinceaux ou la musique hurle au moment le plus inapproprié…
The World devrait pourtant facilement trouver son public. Certainement pas les quadras qui ont vécu une époque affreuse de la culture, en souffrant par exemple devant Véronique et Davina. Mais probablement celle et ceux qui cherchent à se plonger au cœur d’un univers synthétique, insipide, illuminant artificiellement des mecs qui se croient virils en en enfilant des micro-shorts ou des jeans tendance…
La musique de 10 000 Russos émane du plus profond de votre âme. Ils cognent, martèlent et pulvérisent tout le confort qui les entoure pour ne conserver que l’essentiel. Ils veulent sublimer les émotions glacées et abyssales rejetées par l’être humain. Comme celles provoquées par la froideur d’une lame au goût métallique et rouillé. Et le plus incroyable, c’est l’addiction qu’elle provoque.
Le combo est portugais et a signé chez Fuzz Club, une écurie londonienne qui serait bien capable de faire pâlir celle des héritiers de feu Omar Sharif.
Entre les vapeurs de chlore et d’essence, on tombe. D’abord sur les mains, puis les genoux.
Les 5 plages de cet opus sont brumeuses, hostiles, corrosives, sournoises, et nous entraînent au cœur d’un tourbillon psychotique, sis à la limite de l’hypnose. Plus que cold wave, donc dark wave, elles sont contaminées par le krautrock voire l’indus. Oscillant entre 6 et 13 minutes, elles ne perdent jamais leur temps. Et ne suscitent pas davantage l’ennui.
On rêverait d’écouter cet album nu, couché sur un tapis de velours et sous le joug d’un shaman satanique qui multiplierait les incantations. On rêverait de rondes et de bacchanales. On se surprendrait à connaître des érections, à rencontrer des émotions, à souhaiter des envies sordides de fornication brutales et répétitives. On se surprendrait à relire le contrat qui lierait notre âme au diable. On pleurerait de joie et de foutre. On serait heureux. Juste heureux d’avoir froid…
Blue Daisy, aka Blue Daisy, est un rappeur et producteur londonien. Sa musique est contaminée à la fois par le dubstep, la bass music, le jazz, le punk, l’indus et le hip hop. Grave, rauque, sa voix évoque instantanément celle de Tricky. Il a d'ailleurs collaboré aux sessions d’enregistrement de « False Idols », que le bidouilleur de Bristol avait concocté en 2013.
« Darker Than Blue » fait suite à « The Sunday Gift », paru en 2011. Un disque qui baigne au sein d’une ambiance ténébreuse, angoissante, poisseuse, glauque, parfois même sinistre… Le spectre de Tricky plane constamment. Il y a du trip hop, du rap, et même du psychédélisme hendrixien sur le titre maître ainsi que sur l’instrumental « Gravediggers ». La voix douce de Connie Constance contraste avec celle, bien caverneuse et lugubre de Kwesi, tout au long d’« Alone ». « Six Days » nous entraîne dans les profondeurs de l’enfer. Et au bout de ce voyage chez les morts-vivants, « You & Me » opère un retour au calme. Il était temps !
10 ans déjà que Boulevard des Airs roule sa bosse. Un collectif de 9 musicos dont les deux premiers hits, « Cielo Ciego » et « San Clemente », figurent sur le premier elpee, « Paris-Buenos Aires », un disque (NDR : d’or) qui s’est vendu à plus de 80 000 exemplaires et lui a permis une nomination aux Victoires de la Musique (Révélation Scène).
Depuis, la formation a gravé un deuxième opus en 2013, « Les Appareuses Trompences », et a enregistré un changement de line up, puisque Mélissa a remplacé Kevin, parti faire le tour du monde.
« Bruxelles » constitue donc son troisième essai. Si toutes les prises de son ont été réalisées dans le ‘home studio’ à Tarbes, c’est au sein de l’ICP bruxellois que se sont déroulées, les opérations de mixing et de mastering, sous la houlette d’Erwin Autrique (Benjamin Biolay, Cali, Keren Ann, Calogéro, Alain Souchon, …)
Les influences de BdA sont multiples ; elles oscillent du rock au reggae, en passant par le jazz, le folk, l’electro et les musiques traditionnelles. Les textes sont chantés tantôt dans la langue de Voltaire, de Cervantès ou de Shakespeare. Des textes qui parlent de la ville, d’amour, de liberté, de temps qui passe et de révolte.
Enrichi de chœurs atmosphériques, « Si je m'endors, mon amour » baigne dans un climat flamenco. A cause des cordes. Une atmosphère hispanique qu’on retrouve tout au long du refrain de « Mentira », une compo pourtant reggae. Et encore sur « Lo Vamos A Intentar », une plage ensoleillée au cours de laquelle l’espoir d’un monde meilleur est symbolisé par l’intervention de la trompette.
Paru en single, « Emmène-Moi » est une ballade soulignée de cuivres jazzyfiants. « Demain De Bon Matin » adresse un clin d’œil au « Déserteur » de Boris Vian. Pas étonnant que Zaz y participe, puisqu’elle est considérée comme un nouveau porte-drapeau des valeurs de la liberté et de l’antimilitarisme. Sur un ton pourtant festif, « Tu danses et puis tout va » dénonce les injustices de ce monde. « On Se Regarde » nous parle d’un vieux couple qui vit ensemble depuis longtemps. Les époux n’ont plus rien à se dire. L’ennui les ronge et progressivement ils s’éloignent l’un de l’autre…
Deux pistes plus rock : le cuivré « J' Nous Imagine » et le percutant « Je Resterai ». Un morceau contaminé par le drum&bass : « Ce Gamin-Là ». Quant au titre maître, légèrement électro, il trahit une vision de la capitale européenne par les Provençaux.
Pulpul, le chanteur du groupe ibérique Ska-P, prête sa voix à l’énergique « Quiero Sonar ». Un style qu’on retrouve sur « Laisser Faire », piste au cours de laquelle les cuivres s’en donnent à cœur joie.
Les nouveaux troubadours du XXIème se produiront à Bruxelles ce 23 mars 2016 à la salle de la Madeleine et sillonneront l’hexagone de février à juillet…
La vanité est un vilain défaut. Oublier les conventions n’est pas toujours un acte délibéré. « III » parvient à mettre en abîme des émotions, à la manière d’un serpent charmé par le tournoiement d’un bâton provocateur. Les accords sont minimalistes. Hypnotique, contagieuse, la musique baigne dans un climat dark wave.
La première écoute d’un album est souvent superficielle. Elle sert à poser les premiers jalons des futures élucubrations. En général, au bout de trois ou quatre écoutes, les mots deviennent des phrases et le texte prend forme. Sauf que, dès la première lecture de ce cédé, on est rapidement emporté par le souffle de la rythmique chamanique. Par ces délicieuses réverbs qui nous propulsent vers les limbes.
Quatre morceaux. Il suffit de quatre morceaux à cette formation chilienne pour nous retourner complètement. S’étalant sur 45 minutes, les pistes ont un pouvoir ésotérique, presque druidique. On entre dans une danse des corps perdus. Une chorégraphie au cours de laquelle, les tripes s’emmêlent.
Car finalement, tout au long de « III », Föllakzoid libère des énergies positives. C’est la glace qui réchauffe, l’eau qui assèche. Une fusion improbable entre la lame, le feu, l’eau et le cristal. C’est l’enclume qui sourit, le clou qui rebouche.
Et sans vous en rendre compte, « III » va modifier votre confort, votre perception de l’espace qui vous entoure.
De son véritable nom Blandine Coulet, Colline Hill est originaire de Plumelec, en terre bretonne (Morbihan). C'est à l’écoute des disques de Bob Dylan, Joan Baez, Leonard Cohen, Nick Drake, Johnny Cash et Neil Young qu'elle se nourrit. Un peu plus tard, elle découvre Ray Lamontagne, Damien Rice et Tracy Chapman. Colline part vivre quelques années en Irlande, où elle va forger son expérience lors de jam sessions accordées dans les pubs de Galway. Elle s’installe alors à Liège en 2008. L’année suivante, elle grave un Ep 3 titres : « Cose I Love » ; mais il faut attendre 2012 pour voir sortir son premier elpee, « Wishes », œuvre pour laquelle elle reçoit le concours de Stuart Bruce (Peter Gabriel, Kate Bush, Loreena McKennitt) à la mise enforme.
C’est grâce au crowdfunding (KissKissBangBang) qu’elle finance l’enregistrement de son nouvel opus, « Skimmed ». Elle est retournée en Irlande pour écrire la majorité de ses nouvelles compos. En s’isolant sur l'île d'Inis More (un des trois îlots de l'Archipel Aran). Lors des sessions, qui se sont déroulées au studio Purple Airplane, elle a reçu le concours du multi-instrumentiste Stéphane Grégoire (drums, synthés, basse, ukulélé, balafon, saxophone, guitares, etc.) et du trompettiste Martin Saccardy.
Les 10 plages de cet album puisent bien évidemment leurs racines dans le folk, la country et le blues. Parfois aussi dans la pop. A l’instar de « Oh Hey Was ». Mais le fil rouge des compos reste la voix de Colline. Chatoyante, douce, atmosphérique, mais toujours empreinte d’une grande sensibilité, elle colle parfaitement aux mélodies et à l’instrumentation. Ainsi, « To Die Like A King » est un morceau au cours duquel la voix et les cordes, jouées en arpèges, entrent parfaitement en harmonie, alors qu’un zeste de trompette vient cuivrer discrètement l’ensemble. Un titre plus radiophonique ? « But In My Days ». Il est même très susceptible de se transformer en hit.
A l’écoute de « Skimmed », on a parfois l’impression d’être fouetté par l'iode, les embruns et l'écume des vagues qui s’abattent sur les plages bretonnes, avant de s’enfoncer à l’intérieur du pays, afin de pénétrer dans la Forêt de Brocéliande…
Sexagénaire, Stones Jack Jones est un personnage au parcours plutôt atypique. Loin du rêve américain, il est né dans une famille de mineurs et a passé son enfance en Virginie. Il choisit pour pseudo Stones Jack Jones, un patronyme qui évoque davantage un alcool frelaté que celui d’un songwriter. Et se produit dans les clubs de ‘striptease’, avant de s'installer à Nashville, où il se forge une certaine notoriété. S’il a gagné un combat contre la maladie, il faut reconnaître que cet artiste n’est toujours pas enclin à faire la fête. Rien qu’a regarder sa mine austère, on a plutôt envie de compatir. Et son nouvel opus, "Love and Torture", ne laisse pas entrevoir le moindre coin de ciel bleu dans son univers sombre.
Sa voix est rauque. Son americana noir et mystique. Un peu dans l’esprit de Wovenhand. Pas étonnant quand on sait que David Eugene Edwards et Stones Jack Jones sont issus des Appalaches.
« Shine » est une ballade solennelle à la mélodie efficace. Le ton est donné. Et il est obscur. L’instrumentation est parfaitement équilibrée : banjo, mandoline, harmonica, harpe, tout y passe, sans jamais que la musique ne puisse sembler surfaite. Mais c’est la voix de l’Américain qui fédère l’ensemble. Kurt Wagner (Lambchop) joue de la guitare sur « Circumstance », alors que pour « Ships », c’est la chanteuse country Patty Griffin qui vient donner de la voix.
A l’écoute de « Love and Torture », il faut avouer qu’on ne se fend pas la gueule. Cependant, la charge émotionnelle y est considérable ; à tel point que cet opus pourrait servir de tremplin à une profonde introspection.
À la lecture des notes du livret de ce nouvel album de La Division Mentale, intitulé « M.I.R.E.K. », un détail intriguant saute aux yeux : ‘Musique inspirée par la vie et le travail de Miroslav Tichy’. Personnage inconnu au bataillon, quelques recherches permettent cependant d’apprendre qu’il s’agit là d’un photographe tchèque quelque peu atypique, qui montait lui-même ses appareils photo sur base de différents objets de récupération. Information intéressante, qui offre une porte d’entrée salvatrice afin de pénétrer au cœur de ce mystérieux concept album qui ne s’aborde définitivement pas d’une oreille distraite et nécessite une attention constante afin de tenter de saisir la complexité de ses morceaux. Amis de l’easy-listening, passez votre chemin.
Le décor est planté, on passe à la musique. Ce second LP des Français se fonde sur une base de Black Metal atmosphérique, tant par sa noirceur que ses parties vocales plaintives, en retrait, empruntant au registre de l’indus. Six morceaux également pétris de Sludge, au rythme lent, lancinant et répétitif. Des samples de bruits de machines ou de voix telles que tirées d’un vieux film viennent de temps à autre alimenter cette atmosphère stérile et dépressive. On ne peut s’empêcher d’imaginer Miroslav Tichy, « Mirek », déambulant dans les rues de Kyjov, appareil photo bricolé sous l’imper, volant des instants présents du quotidien. Une plongée dans la tête de ce marginal, à l’esprit décalé, réduisant en morceaux les balises artistiques au profit de l’expérimentation. Une ambiance retrouvée telle quelle le long de ces quarante-cinq minutes de voyage sombre et atypique, où l’on se croirait sous influences de substances peu catholiques, voire cadenassé dans l’esprit d’un schizophrène. Ça part dans tous les sens. N’essayez pas de garder pied, ni de nager à contre-courant, il suffit de se lancer emporter par ce tourbillon hallucinatoire.
Vous l’avez compris, il s’agit bel et bien d’un album qui sort des sentiers battus. Mais pas juste à côté de la route ! Il trace en effet à lui seul un nouveau chemin au travers d’un monde perché entre réalité décalée et sublimée. À ranger dans le tiroir généralement bordélique de ces œuvres conceptuelles, qui détruisent pour mieux reconstruire. Alors que beaucoup se perdent en tentant de remettre les pièces du puzzle, La Division Mentale parvient à ressortir un produit fini cohérent. Certes complètement pété, pour le dire vulgairement, mais qui a le mérite de nous plonger dans un état qui dépasse l’écoute musicale en allant gratter des coins de l’âme généralement tapis dans l’obscurité. À expérimenter.
On ne peut pas dire que la paisible Autriche soit l’Eldorado du rock. Pourtant, il y existe une scène pop/rock particulièrement active. Qu’illustre notamment le label Siluh. Mile Me Deaf y milite et nous propose son quatrième opus, « Eerie Bits of Future Trips ». Un groupe viennois drivé par un certain Wolfgang Möstl. Sa musique campe un joyeux mix indie au cours duquel la formation empile les couches de guitares et de claviers tout en lorgnant tour à tour vers les terres de Deerhunter (« Pose and Move »), des Pixies (« Digital Memory »), de Mac DeMarco (« Extended Fraud ») ou même des Ecossais de My Bloody Valentine (le plus shoegaze « Head Note #1 »). Si l’ensemble pourrait parfois faire l’effet d’un pot-pourri, c’est toutefois officiel (la bombe est lâchée !) : Mile Me Deaf est dès aujourd’hui devenu le groupe autrichien préféré de votre serviteur…
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