À la lecture des notes du livret de ce nouvel album de La Division Mentale, intitulé « M.I.R.E.K. », un détail intriguant saute aux yeux : ‘Musique inspirée par la vie et le travail de Miroslav Tichy’. Personnage inconnu au bataillon, quelques recherches permettent cependant d’apprendre qu’il s’agit là d’un photographe tchèque quelque peu atypique, qui montait lui-même ses appareils photo sur base de différents objets de récupération. Information intéressante, qui offre une porte d’entrée salvatrice afin de pénétrer au cœur de ce mystérieux concept album qui ne s’aborde définitivement pas d’une oreille distraite et nécessite une attention constante afin de tenter de saisir la complexité de ses morceaux. Amis de l’easy-listening, passez votre chemin.
Le décor est planté, on passe à la musique. Ce second LP des Français se fonde sur une base de Black Metal atmosphérique, tant par sa noirceur que ses parties vocales plaintives, en retrait, empruntant au registre de l’indus. Six morceaux également pétris de Sludge, au rythme lent, lancinant et répétitif. Des samples de bruits de machines ou de voix telles que tirées d’un vieux film viennent de temps à autre alimenter cette atmosphère stérile et dépressive. On ne peut s’empêcher d’imaginer Miroslav Tichy, « Mirek », déambulant dans les rues de Kyjov, appareil photo bricolé sous l’imper, volant des instants présents du quotidien. Une plongée dans la tête de ce marginal, à l’esprit décalé, réduisant en morceaux les balises artistiques au profit de l’expérimentation. Une ambiance retrouvée telle quelle le long de ces quarante-cinq minutes de voyage sombre et atypique, où l’on se croirait sous influences de substances peu catholiques, voire cadenassé dans l’esprit d’un schizophrène. Ça part dans tous les sens. N’essayez pas de garder pied, ni de nager à contre-courant, il suffit de se lancer emporter par ce tourbillon hallucinatoire.
Vous l’avez compris, il s’agit bel et bien d’un album qui sort des sentiers battus. Mais pas juste à côté de la route ! Il trace en effet à lui seul un nouveau chemin au travers d’un monde perché entre réalité décalée et sublimée. À ranger dans le tiroir généralement bordélique de ces œuvres conceptuelles, qui détruisent pour mieux reconstruire. Alors que beaucoup se perdent en tentant de remettre les pièces du puzzle, La Division Mentale parvient à ressortir un produit fini cohérent. Certes complètement pété, pour le dire vulgairement, mais qui a le mérite de nous plonger dans un état qui dépasse l’écoute musicale en allant gratter des coins de l’âme généralement tapis dans l’obscurité. À expérimenter.
On ne peut pas dire que la paisible Autriche soit l’Eldorado du rock. Pourtant, il y existe une scène pop/rock particulièrement active. Qu’illustre notamment le label Siluh. Mile Me Deaf y milite et nous propose son quatrième opus, « Eerie Bits of Future Trips ». Un groupe viennois drivé par un certain Wolfgang Möstl. Sa musique campe un joyeux mix indie au cours duquel la formation empile les couches de guitares et de claviers tout en lorgnant tour à tour vers les terres de Deerhunter (« Pose and Move »), des Pixies (« Digital Memory »), de Mac DeMarco (« Extended Fraud ») ou même des Ecossais de My Bloody Valentine (le plus shoegaze « Head Note #1 »). Si l’ensemble pourrait parfois faire l’effet d’un pot-pourri, c’est toutefois officiel (la bombe est lâchée !) : Mile Me Deaf est dès aujourd’hui devenu le groupe autrichien préféré de votre serviteur…
Aux Iles Britanniques, cette formation de jazz jouit d’une solide notoriété. Qui a même atteint le Vieux Continent ; mais chez un public averti. Faut dire que depuis 2004, elle accumule les prix et les nominations en tous genres ; et tout particulièrement au Mercury Prize ainsi qu’aux BBC awards. D’ailleurs, ce « Same as you » (NDR : c’est son sixième elpee !) lui a permis d’être à nouveau nominé parmi les meilleurs groupes jazz de l’année.
Toujours drivé par le drummer Sebastian Rocheford (NDR : outre son implication dans le jazz, il participe régulièrement à d’autres projet, et notamment en compagnie de David Byrne, Brian Eno ou encore Pete Doherty), le combo a bénéficié du concours de quatre musicos supplémentaires, pour enregistrer ce long playing.
Passé une brève intro au titre évocateur (« Life, Love and Light »), sur laquelle des vocaux se posent afin de planter un décor paisible, Polar Bear attaque cinq pistes de prog/free-jazz (NDR : certains taxeront sa musique de ‘lounge’ ; mais avouez que le qualificatif est un peu réducteur). Afin de maintenir constamment l’attention, la formation cherche faire fluctuer les styles et les ambiances ; ainsi on rencontre ça et là, des références africaines, caribéennes ou encore orientales. Mais aussi, elle nous réserve quelques surprises. Et tout particulièrement le concours de Hannah Darling sur le single « Don’t let the feeling go » ainsi que du saxophoniste Shabaka Hutchings (également aperçu au sein de Melt Yourself Down), sur plusieurs plages…
Finalement, la prouesse de Polar Bear, c’est d’être parvenu à rendre une musique peu accessible, tout à fait excitante. D’ailleurs, au plus les écoutes se multiplient, au plus on découvre de nouvelles facettes de l’expression sonore. Ce qui démontre sa richesse…
Quand un Français part vivre son rêve américain et se prend pour Sam Beam, il devient Redeye.
Loin de sa marinière et son bonnet Saint James, Guillaume Fresneau coiffe un stetson et fait rutiler les chromes de sa dodge sur « The Memory Layers »
D’un timbre de voix ronflant, mais sans la profondeur d’un crooner, il déclame son attachement à sa nouvelle patrie en lui rendant un hommage touchant. Il y a du piano et de la guitare, mais toutes les cordes ont la part belle, quelles qu’elles soient. Techniquement, l’instrumentation est irréprochable. Les arrangements sont soignés, dans l’esprit yankee. Les compos sont solides. Mais pas inoubliables. Elles ont la couleur et le parfum de l’americana mais ce n’est pas de l’americana.
En fait, il manque à ce « The Memory Lanes » une âme. On aurait apprécié une prise de risque, un moment qui se détache ou décolle. Un geste de travers qui aurait communiqué un zeste d’originalité. Mais au final, « The Memory Lanes » n’est qu’un autre album de folk noyé parmi des tonnes d’autres albums de folk. Redeye est certainement un bon élève, mais parfois un cancre est bien plus créatif…
Joan Shelley nous vient de Louisville, dans le Kentucky. La musique de cette jeune femme évolue à des années lumières de celle proposée par certaines de ses contemporaines qui se (com)plaisent à en faire des tonnes en habillant leurs morceaux de cuivres, de cordes, et autres instruments. Son folk est donc minimaliste et authentique.
Et « Over and Even », son troisième album, constitue un bel exemple. Joan et Nathan Salsburg se consacrent à la guitare. Une instrumentation simple et efficace qui met bien en exergue la voix douce et paisible de Mrs Shelley. Selon les titres, des interventions de piano ou de lap steel viennent discrètement enrichir l’ensemble. En outre, elle échange quelques harmonies vocales bien senties et surtout remarquées, en compagnie du roi du folk, Will Oldham, sur « Stay On My Store », « Jenny Come In » et « Subtle Love ». Malgré cette instrumentalisation dépouillée, Joan Shelley parvient à insuffler un souffle à ses morceaux ; comme sur l’excellent « No More Shelter ». Et finalement, les compos de cette artiste parviennent à nous entraîner dans un univers très proche de Bonnie Prince Billy (bien sûr), Joan Baez ou encore Emmylou Harris.
Joan Shelley démontre, tout au long d’« Over and even », qu’il n’est pas nécessaire d’enfouir de bons morceaux sous une orchestration luxuriante. Parfois la grâce d’une sèche est bien plus efficace et troublante qu’une armée de violons.
Quand on parle de l’Islande, on pense inévitablement aux fjords, aux volcans ou à Björk. Et pourtant, il y existe une scène underground particulièrement dynamique. Mais elle est loin d’avoir pignon sur rue.
Singapore Sling ne figure pas parmi les moins inconnus. Demandez à votre barman de quartier, ils a certainement vu traîner les musicos, dans son estaminet, un soir ou l’autre. Toujours prêts à vomir quelques litrons.
On pourrait tracer des parallèles ; mais pour cet elpee, on devrait plutôt faire le grand écart. Et comme on n’était pas échauffé, le claquage de prostate s’est révélé franchement douloureux.
Friand de reverb et saturation, le groupe tourne depuis une dizaine d’années, tout en cherchant à gratter la peinture écaillée. Autrement dit, on ne peut pas dire que sa musique soit particulièrement originale. Imprimée sur des accords répétitifs et minimalistes, elle est plutôt conventionnelle. Ce qui ne l’empêche pas d’aligner régulièrement et avec beaucoup de sincérité des rondelles qu’on écoute pendant l’apéro aux tréfonds d’une murge vinassée. A l’instar de ce « Psych Fuck ».
De bons piliers de comptoir pour se faire une petite belotte, quoi. Patron, la prochaine tournée, c’est pour moi !!
Agrégé en histoire et maître en philosophie, Olivier Terwagne est issu de Couvin. C’est également un artiste qui évolue dans l’univers de la chanson française à textes. Des textes humoristiques, truffés de calembours, à travers lesquels il cherche à faire passer des messages.
Pour enregistrer « Mnemosyne », il a reçu le concours d’Alonza Bevan (Kula Shaker, Johnny Marr) à la mise en forme. Ce talentueux bassiste communique une touche indie/pop insulaire originale à la musique d’Olivier, alors que centrée sur le piano, l’instrumentation implique violon, violoncelle, viole de gambe, accordéon, cuivres, hammond, guitare électrique et même de l’électro. Un travail de longue haleine, puisque les sessions se sont étalées sur deux longues années. Mais entrons dans le vif du sujet.
« Le Désert Du Trop Tard » est somptueusement enrobé de cuivres. Ce titre bénéficie d’un clip réalisé par Stefan Thibeau. Et c’est ici. Des chœurs remarquables illuminent « La Sphinge Sans Secrets ».
A travers « Tweet Sur Seins trompés », Terewagne nous propose une version irrévérencieuse du célèbre hit « Twist A Saint-Tropez » des Chats Sauvages. « Pas Contentes » nous parle des filles en 2015, avec dérision. « Banana Splitsing » ou quand la Belgique fout le camp. Baignant au sein d’un climat presque manouche, « Blasphémateurs » est un véritable pamphlet contre les dérives de notre société contemporaine.
Tout au long de « Nos faiblesses » et de « La Vie Est Un Long Deuil Tranquille », il nous parle d’amour et encore d’amour. Instrumental mélancolique, « L'Hiver à Forges » est dominé par les cordes et les ivoires. Un spleen qui envahit également « Le Coeur Sale ». Et empreints de nostalgie, « Je Voudrais Encore » et « Tonton » replongent au cœur d'une enfance, finalement heureuse.
Une seule chanson n’est pas signée Olivier : « L'odeur Acre » ; elle est issue de la plume d'Eric Piette et baigne paradoxalement au sein d’un climat moyenâgeux.
Formé en 2008, The Underground Youth a d'abord propagé sa musique sur des plates-formes comme Myspace avant d'être repéré par Fuzz Club. A l’instar de Sonic Jesus et Dead Skeletons, il s’agit d’une des premières formations signées par l'excellent label londonien. Ses compositions sont alors influencées par la scène psychédélique californienne, le Velvet et les Stone Roses mais aussi Jesus & Mary Chain voire Joy Division.
« Haunted » marque une évolution dans les compositions des Mancuniens. Un tournant déjà décelé dans leur excellent maxi paru en 2014, « Beautiful & Haunted ». Le psychédélisme des débuts a presque complètement laissé la place à un univers new wave marqué par le post punk des 80's.
Le ton est donc plus sombre, la voix de Craig Dyer aussi. Plus grave que jamais, elle épouse parfaitement le climat de romantisme noir gothique recherché par l'âme pensante d'Underground Youth.
‘L'intention était de créer une ambiance musicale sombre et dérangeante susceptible d'accueillir le contenu lyrique, chaque chanson détaillant la lutte d'un personnage avec une affection différente. Comme une série de cauchemars récurrents’ confiait-il dans une récente interview.
Une mélancolie froide que l'on trouve dès le premier morceau « Collapsing Into Night » mais qui est toujours soutenue par les mélodies pop accrocheuses dont le groupe ne s'est jamais départi. Elles sont particulièrement touchantes sur le plus caressant « Haunting », caractérisé par son shoegaze délicat. Parmi les réussites, citons également la noise atmosphérique de « Deep Inside of Me » évoquant justement Jesus & Mary Chain tout comme le plus électrifié « Dreaming With Maya Deren ».
Sans toutefois trop bousculer ses fans, The Underground Youth a donc cherché à se renouveler. En incorporant plus de sonorités électroniques mais aussi en expérimentant de nouvelles méthodes d'enregistrement ; car, si « Haunted » a été conçu dans leur home-studio comme les précédents, le groupe a, pour la première fois, travaillé sous la houlette d’un producteur, James Shilito. Celui-ci était d'ailleurs déjà de la partie sur la reprise du « Come Together » des Beatles, qui figurait sur la compilation « The Magical Mystery Psychout », sortie plus tôt dans l'année.
Le résultat laissera peut-être un goût de trop peu aux amateurs de psychédélisme mais est bien dans l'air du temps. Celui du retour en masse des productions shoegaze et cold wave auquel on assiste ces dernières années. Et dans cette multitude, The Underground Youth est loin d'être le moins intéressant.
Rusty Rope, c’est le nouveau projet solo du producteur/compositeur Laurent Meunier (Heartbeats, Ballast). Particulièrement créatif, ce touche-à-tout est également impliqué dans toute une autre panoplie de créneaux artistiques, comme la peinture, la danse, le graphisme, la vidéo et on en passe. Ce Parisien cherche à créer des thèmes musicaux cinématographiques, en se servant d’un cocktail de folk, d’electronica et de bruitages.
Il nous propose un Ep 3 titres éponyme, exclusivement instrumental, prélude à la sortie d’un album.
Atmosphérique, le titre maître est délicatement sculpté dans des cordes de sèche et subtilement parcouru d’interventions électro. Une guitare presque floydienne s’immisce dans la trame de « The Holy Mountain » et de « City Of Monkey God ». Finalement, il n’y manque que les images, pour être invité au voyage…
Lorsque Spoon cherche à se réinventer, il ne fait pas les choses à moitié. Faut dire qu’au fil des œuvres, il parvient à se réapproprier d’autres univers ; à tel point que parfois, il crée une véritable galaxie en constante expansion.
Et « They Want My Soul » ne déroge pas à la bonne règle. Pourtant, 10 titres en 38 minutes, c’est digne d’un horaire de fonctionnaire. Différence, mais elle est de taille, le café proposé est savoureux, loin de celui –infect– servi dans les organismes publics.
Entre explosions et ronronnements, entre intermède volatil et attaque frontale, les titres s’enchaînent, cisèlent leurs rythmes, s’électrifient, et se propulsent en avant, après avoir récupéré leur moelle au cœur des expérimentations successives du band, mais aussi celle de groupes issus des 80’s. Sans oublier le croc-en-jambe jazz/soul commis au beau milieu du jeu de quilles. Démontrant ainsi que le combo n’a peur de rien et surtout envie de tout. D’autant plus qu’il ose une approche plus électronique que sur les précédents essais. Personne ne s’en plaindra, car le résultat est succulent.
Vu le changement de label, on aurait pu craindre le pire ; mais finalement, vu leur background, les Ricains viennent une nouvelle fois de démontrer, que ce transfert n’est pas de nature à les perturber. Et c’est tout naturellement, qu’ils sont encore parvenus à imposer leur perception de la musique. Car si finalement « They Want My Soul », on n’a pas l’impression que nulle écurie n’est capable de leur voler. Et c’est tant mieux !
Impossible d’avoir une connaissance exhaustive de la scène musicale contemporaine. Pourtant, certains ratissent large. Parfois même plus rapidement que d’autres. A ceux-là qui sont constamment sur le qui-vive, je leur demande de poser un geste fort et de me balancer leur mediator à la gueule. C’est tout ce que je mérite.
Eponyme, l’album de « Svin » ne m’a pas immédiatement fait flasher. Faut dire que le contenu de la bio avait tout pour s’opposer à ma propre sensibilité. Et pourtant, j’avais bien lu : il s’agirait de jazz expérimental…
Mais en omettant de donner une suite au genre annoncé : mais pas que…
« Svin » s’avère finalement bien plus intéressant que prévu. Bien sûr, on y décèle du jazz expérimental ; mais au lieu d’une expression sonore nombriliste, qui sied si bien aux ateliers froids et impersonnels, on a droit à une formule grisante et régénératrice, toute indiquée au sein d’un salon moelleux et cosy…
Svin est une formation danoise. Des fendeurs de glace, des baroudeurs, mais surtout des Vikings ! Et vu la manière dont certains titres sont attaqués, on reconnaît immédiatement l’origine scandinave du combo.
Quand on évoque le Danemark, on pense aussi à la beauté des grands espaces, à ses lacs… et manifestement, le groupe s’est inspiré de ces paysages pour concocter cet opus.
Entre scierie et bulle de savon, les enchaînements de l’elpee sont époustouflants. Et si la structure est classique, les détails sont riches et croustillants. Soignés aussi. Donc on en redemande.
Tout au long de cet LP, les émotions défilent : le plaisir, la colère, la tristesse, l’envie, la paresse…
Svin produirait le même effet que la cocaïne, mais sans l’addiction nocive. Ce serait le THC sans brûler ses poumons. Même qu’on pourrait l’écouter confortablement, assis sur un clou.
Alors, patronyme grotesque ou cartoonesque ? A vous de choisir. D’autant plus que la pochette agricole de ce « Mrs Peelings » est digne du fantasque « Peaches » de Presidents of The USA. D’ailleurs, à cet instant, on espère retrouver l’esprit foutraque et libre de Ween…
Mais le monde de ces Montpelliérains est bien plus sage que celui des faux frères Ween. Et pour cause, les compositions sont avant tout branchées sur la prise du rock anglais des 60’s si cher aux Kinks (« Popcorn in a Microwave ») ou aux Beatles (« A View to the Back of the 8 Ball »). Le mystérieux Grout n’est autre que le nom de famille de Sylvain. En fait, au départ, il avait monté un projet solo, qu’il a mué en riche quatuor afin d’étoffer le son de cette étrange ‘Madame Pelure’. Et le résultat devrait plaire aux aficionados de rock british pur jus. Les mélodies sont le plus souvent imparables. Les ballades sont empreintes de délicatesse (« Plan B »). Et on a même droit à des claviers vintage (« Me as a Cheesecake »). Reste la folie, qui s’exprime davantage à travers les lyrics qu’au cœur de l’enveloppe musicale de « Mrs Peelings ». Mais finalement, le tout ne manque pas d’un certain charme suranné…
White Note est un quintet parisien qui a publié son premier opus en 2011. Un disque suivi, quelques mois plus tard, par la sortie d’un Ep. Et dans la foulée, le groupe est parti en tournée à travers la France et l’Allemagne.
Quoique autoproduit, "Oppositional Defiant Disorder" a bénéficié du concours d’un quatuor à cordes, d’un trio d’instrumentistes à vent ainsi que d'une chorale. De quoi mettre les petits plats dans les grands ! Et cette collaboration semblait logique, lorsqu’on sait que la formation reconnaît explicitement comme influences majeures, Sigur Rós et Radiohead. Le résultat ? Un opus découpé en 10 morceaux lyriques qui évoluent parfois à la limite de la grandiloquence.
White Note cherche également à jouer sur la corde sensible (NDR : c’est le cas de le dire) en torchant des mélodies bouleversantes, quoique parfois prévisibles, alimentées par une instrumentation tantôt bien équilibrée (l'excellent single "That's All Folks" ou encore le morceau d’entrée "Shima"), tantôt emphatique, notamment quand le chanteur veut en remettre une couche. D’ailleurs le combo est au sommet de son art, quand il intègre davantage d’acoustique dans son expression sonore. A cet égard, une piste comme l'électrique "Nightmare & Hopes" fait un peu tache d’huile sur ce disque.
Cependant, "Oppositional Defiant Disorder" démontre que le band possède un potentiel indéniable. Reste à afficher davantage de maîtrise, surtout lors de certaines envolées enflammées parfois incontrôlées.
Louis Warynski, alias Chapelier Fou, est parvenu, en peu de temps à imposer son style hybride, un cocktail détonnant d’électro et de classique, caractérisé par des mélodies raffinées et accrocheuses, derrière lesquelles se cachent une surprenante complexité et un travail d'écriture très pointu. Claviers, ordinateur et violon constituent le matériau de base de cette expression sonore au cours de laquelle il mêle samples de vieux disques de jazz ou de musique symphonique, pop/rock, world, boucles et autres trouvailles en tout genres.
Exclusivement instrumental, cet Ep réunit une compo originale et quatre remixes, parfaitement abordés dans l’esprit du compositeur/interprète/bidouilleur. D’ailleurs les deux inédits sont issue des sessions d’enregistrement de « Deltas ».
Dont le titre maître, « Fuses ». Il s’étale sur plus de 6 minutes et nous entraîne dans une forme de prog contemporaine, que Louis brode à l’aide de délicates interventions au violon, parfois même en pinçant ses cordes.
Puis « Les Yeux De Mes Yeux », une plage davantage minimaliste. Les synthés sont discrets, la rythmique raffinée, et c’est la clarinette qui prend un envol visionnaire…
Remixées par Daedelus, Johnny Ripper, To Rococo Rot ou Yakie, les quatre autres pistes se révèlent davantage expérimentales. Enfin, si c’était encore possible…
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