Autant faire preuve d’honnêteté intellectuelle ! Je n’ai jamais vraiment été un fervent admirateur de Lavilliers !
A tort ! Je me suis rapidement rappelé que j’ai pu assister à son set, lors de la première édition du festival de Dour, en 1989. Je n’avais que 16 ans et pourtant j’avais été subjugué par la puissance de sa voix et la richesse de ses textes.
En découvrant ce disque, je me suis dit : ‘Encore un best-of ! Un de plus !’ C’est devenu une mode ; en période de fin d’année, les compilations passe-partout sont légion !
Mais Bernard Lavilliers (de son vrai nom Bernard Oulion) est un peu l’exception qui confirme la règle. Il affiche ici d’une générosité sans nom ! Il ne s’est en effet pas contenté de proposer une simple rétrospective d’une carrière musicale de quarante années !
S’inspirant des albums "American sessions" de Johnny Cash et "Mule Variations" de Tom Waits, c’est au contraire une véritable relecture acoustique en quatorze titres qui nous est offerte. Ses chansons emblématiques sont ‘chantournées’, ‘détournées’ à l’aide d’arrangements subtils et minimalistes (guitare, piano, batterie, contrebasse et harmonica). Qu’il illumine sobrement, efficacement, élégamment. Et la voix grave du crooner s’y pose à admirablement ! Les aficionados redécouvriront !
Le chanteur revisite avec brio et grand professionnalisme ses plus grands succès comme “Fensch Vallée”, “Attention fragile”, “Ô Gringo”, “Noir et blanc”, ... Il s’offre également des duos inédits sur “Idées Noires” (en compagnie d’une Catherine Ringer majestueuse qui remplace Nicoletta), chanson écrite il y a plus de 20 ans, “Les Barbares” (du rappeur Oxmo Puccino), “On the Road Again” (de l’infatigable Jean-Louis Aubert) et “Melody Tempo Harmony” (de Faada Freddy).
Beaucoup d’autres artistes devraient s’en inspirer ! Chapeau bas M’sieur !
L’air de rien, depuis son tube « Joe le Taxi », Vanessa Paradis a fait son petit bonhomme de chemin…
Parallèlement à une prodigieuse carrière d'actrice (« Noce blanche », « La Fille sur le pont »), elle est parvenue, tout au long de carrière musicale, à s’entourer de grands noms de la chanson tels que Serge Gainsbourg (« Tandem »), Lenny Kravitz (« Be My Baby ») ou encore -M- (« Bliss »).
Elle a opéré un retour remarqué en 2013, en publiant un double album studio entièrement produit et réalisé par son B.B. (oui, oui, Benjamin Biolay) et sobrement intitulé « Love Songs ». L’écorché vif de la chanson française compose également huit morceaux (sept titres sur l’album, un titre bonus sur l’édition limitée).
Vanessa Paradis ne signe qu’un seul texte, celui de « Doorway ». Tous les autres ont été écrits par une ribambelle d’artistes talentueux : Mathieu Boogaerts, Mikaël Furnon de Mickey 3D, Carl Barât, Adrien Gallo des BB Brunes, Ben Ricour, François Villevieille du groupe Elephant…
Elle va défendre cet elpee en opérant une tournée d’une cinquantaine de concerts à travers l’Europe. Un périple immortalisé sur un double CD réunissant pas moins de trente-neuf titres.
L'un des supports a été enregistré lors d'un concert symphonique aux Nuits de Fourvière. Elle était accompagnée par 43 musiciens de l’Orchestre de Lyon. Le second propose des morceaux plus électriques.
Vous connaissez la forme ! Que penser du fond maintenant ?
L’amour y est dépeint sous toutes ses formes entre ballades mélancoliques et rythmes endiablés. Il ne s’agit pas pour autant de chansons à l’eau de rose entre un homme et une femme, mais plutôt d’une déclinaison oscillant entre amour, amitié et désillusion. Ce qui est dit !
Cet opus est un savant mélange de sonorités teintées d’exaltation et de romantisme. L’instrumentation oscille ainsi entre guitares rock, violons, cuivres, … le tout dans une ambiance intimiste.
Composée par Mickaël Furnon, « L’au delà » est une très jolie ballade. Adorable, même. Elle médite sur le temps. « Chanson des vieux cons » est une compo vraiment troublante ; mais je me suis délecté en écoutant l’étonnante adaptation familiale (Johnny Depp, Vanessa Paradis et leur fille Lily-Rose ) d’un texte de Ruth Ellsworth Carter, « New Year ».
Un disque sur l’amour ? Oui, certes ! Mais pas seulement ! La chanteuse ‘aux dents du bonheur’ prend le pari de se faire plaisir et de nous faire plaisir en revisitant de nombreux titres comme le hit « Joe le taxi » ou encore « Dis-lui toi que je t’aime » tiré d’un album écrit par Serge Gainsbourg et composé par Franck Langolff.
« Marilyn et John », référence à la relation fusionnelle qu’entretenaient Marilyn Monroe et John F. Kennedy, me rappelle combien l’amour est intemporel, fragile et cruel.
Cette femme a gardé ce timbre de voix un peu enfantin qui la caractérise et ce malgré ses 42 balais (elle est née le 22 décembre 1972, à St Maur-des-Fossés, à côté de Paris). Cette fausse légèreté exacerbée par une faiblesse imagée, donne beaucoup de rondeur et de volupté… à cette quintessence de l’amour.
Bref, tout au long de ce « Love Songs », la quadra fait passer un message : la liberté d’aimer se prend, elle ne se demande pas !
Vanessa, c’est sûr, j’irai au Paradis avec toi !
Fondé en 2008, Romano Nervoso nous vient de région de La Louvière. Paillettes colorées autour des yeux et veste à plumes, Giacomo Panarisi en est le leader. Le chanteur également, même s’il possède une formation de drummer. Un personnage qui est tombé, tout jeune, dans la marmite au glam rock. Ce Loup a les dents longues et a déjà écumé toutes les bonnes scènes de Belgique. Il ne renie pas ses origines italiennes et en est même fier. Le combo est même considéré comme le fer de lance du spaghetti/rock. Giac avait accordé une interview à Musiczine, fin août 2014 (voir ici)
« Born To Boogie » constitue le second opus de Romano Nervoso. Il fait suite à « Italian Stallions », paru en 2011. Un disque qui recelait deux hits, « Mangia Spaghetti » et « Loose Control ».
La pochette du nouvel LP est à la fois sobre et accrocheuse. Sur fond blanc, on remarque la présence d’une boule à facettes, découpées en petits carrés gris et blancs. S’agit-il d’étoiles ou de cases pour une grille de mots croisés ?
Les vocaux sont assurés essentiellement dans la langue de Shakespeare et de Dante. Parfois, dans celle de Voltaire. Le mixing à été exécuté par Charles De Schuetter, une référence incontournable au pays du moules/frites.
« Vieni Dallo Zio » ouvre la plaque. Le son est puissant et nous plonge directement dans l’ambiance. Chanté en italien, ce brûlot métallique incandescent de 3’ entre littéralement en fusion. « Maria » est paru en single. Il s’agit d’une relecture du tube intemporel de Christophe, « Aline ». Tout au long de ce slow langoureux, empreint d’une tendresse, on ressent les racines transalpines de l’artiste. D’ailleurs Giacomo n’est pas né aux States. Il nous le rappelle à travers « Not Born In The USA », une compo contaminée par Iggy et ses Stooges…
Il nous parle de ses origines louviéroises, wallonnes, mais également latines, tout au long de « Straight Out Of Wallifornia feathuring Colonel (Party Harders) ». Encore une coulée continue de métal, qui nous vient de l'usine Boël.
Blues déchirant, « Psicotico Blues » baigne dans un Bayou, ‘un poco latino’. Les guitares sont incendiaires. Heureusement, les pompiers ne sont pas loin. En 2’30, « The Story » nous entraîne dans un punk particulièrement nerveux, digne de The Hives. Tout comme « Rocking Machine », un uppercut rock/garage qui vous déchausse les dents, vous remue les tripes et vous incite à pogoter. Boogie, « The Man/The Woman » lorgne carrément vers les Stones. Une piste plus classique et paisible, « Under My Skin ». Du Romano pur jus. Musclé et légèrement psychédélique, « Pussycat » fait la part belle aux guitares. Et après le très speedé : « Superstar », Romano Nervoso nous assène une dernière claque dans les gencives, « In The Name Of The Lord ».
Pour un second essai, il faut reconnaître que Giacomo s’en tire haut la main. Il a du talent et de l’énergie à revendre. Et puis sa musique est bien dans l'air du temps, donc elle est tout à fait exportable… Bref, si vous aimez le punk, le rock'n'roll, le garage/rock, le glam, les 70’s et les 80’s, ainsi que la bonne humeur et la dérision, vous devriez y trouver votre bonheur.
Originaire de Stockton, dans le Nord-est de l’Angleterre, Young Rebel Set est né en 2007. Il réunit trois guitaristes : Andrew Parmley, Mark Evans et Matthew Chipchase, ce dernier se consacrant au chant. Sans oublier le drummer Luke Evans et le bassiste Chris Parmley. Les trois gratteurs n’hésitent pas à apporter leur poids dans la balance rythmique. Leur premier elpee, « Curse Our Love », est paru en 2011. Des références ? The Kooks, The Coral, Artic Monkeys, The National et The Kings Of Leon. Les lyrics sont poétiques et parlent d’amour et de filles…
La formation devait se produire au Huis 123 de l’Ancienne Belgique, mais a annulé sa tournée en dernière minute. Et c’est bien dommage…
La voix du chanteur est puissante, rocailleuse. On la qualifie de voix de tête. Elle évoque tour à tour Bruce Springsteen, Garland Jeffreys ou encore Johnny Cash. De sacrées références.
Pop et sucré « Yesca And The Fear » est une plage discrètement tapissée d’accords de banjo. Caractérisée par son refrain accrocheur, « Tuned Transmission » est une ballade délicate qui monte progressivement en puissance. Sculpté dans un folk/rock classique, mais accrocheur, « The Lash Of The Whip » est paru en single, avant la sortie de l’opus. Et « The Girl From The 51 » pourrait également paraître en single voir même devenir en hit. Immédiat, il bénéficie d’excellents arrangements. La voix est plus posée et même chatoyante, sur une autre ballade paisible, « Unforgiven ». A écouter devant un bon feu de bois. Plus rock’n’roll, « Another Time, Another Place » exige plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. L’instrumentation s’emballe, mais le chant s’adapte à la perfection. « Show Your Feathers & Run » et « Berlin Nights » constituent les deux meilleures pistes du long playing. « Reap The Whirlwind » et « One Law» se fondent dans l’ensemble. Sans plus. Hanté par des sonorités de piano envoûtantes, « Where Have I Been Going? » permet une dernière fois au chanteur, de mettre en exergue ses aptitudes vocales…
Sur « Sabrina », un premier Ep 6 titres sorti sur le label parisien Beside, le jeune quintet tourangeau (de Tours donc…) prodigue une poésie urbaine sur des instrumentaux organiques et diablement jazzy. S’y côtoient un saxo libre, une contrebasse au swing indéniable, des claviers analogiques rétros, des samples cinématographiques ainsi que le discret beatbox exécuté par le dénommé Starsky, vice champion de France de l’exercice. Les textes s’avèrent particulièrement soignés et originaux et, lorsqu’on apprend qu’Assad signifie ‘Lion’ en arabe, on comprend mieux ce flow corrosif, capable d’aborder des thèmes aussi variés que les vacances de ski (« L’Eté »), le hip-hop lui-même (le cool « Gaspillage ») ou le désabusement quotidien (« The End »)… « Sabrina » rappelle quelque peu l’univers du grand Oxmo Puccino. La jolie langueur des volutes hip-hop jazzy d’Assad navigue en tout cas à des années lumières des affreuses exactions commises par le sinistre Bachar ‘Le Lion’…
Né le 30 juillet 1971 à Échirolles (Isère), Calogero Maurici est né au sein d'une famille d'origine sicilienne.
Ce fils d’ouvrier s’intéresse très tôt à la musique. Lui, son frère Gioacchino et un ami d’enfance partagent un goût immodéré pour la scène, et fondent Charts. Le groupe publiera cinq albums en dix ans !
Le succès commercial n’est pas véritablement au rendez-vous. La motivation des uns et des autres s’estompe. Ils se séparent en 1998.
Le chanteur à la voix cristalline, référence à la transparence, la sonorité et la pureté, se lance alors dans une carrière solo. Pour notre plus grand bonheur !
Une flopée de tubes plus tard, tels que « En apesanteur », « Aussi libre que moi », « Tien an men », « Prendre racine » ou encore « Face à la mer », il revient ‘tout feu tout flamme’ en août 2014 pour allumer « Les Feux d’artifice ». Un disque coréalisé par Alan O’Connell. Les textes sont certainement les plus originaux qu’il ait pu recevoir. Les plumes de Marie Bastide (son épouse), Dominique A., Alex Beaupain, Christophe Cirillo et Paul Ecole y sont sans doute pour quelque chose.
Enregistré entre Paris, Bruxelles et Londres, Calo nous propose douze titres aux influences anglo-saxonnes ; mais qu’il met au service de ce qu’il fait de mieux, à savoir de la bonne chanson française. Et le tout manifeste une finesse artistique rare !
L’édition ‘de luxe’ recèle un bonus de cinq titres : trois plages inédites dont l’une a été écrite par Charles Aznavour et deux versions acoustiques des singles « Un jour au mauvais endroit » et « Le portrait ».
Les sujets sont variés et intelligemment interprétés. Son cœur de « Cristal » porte un regard naïf sur le monde. Un petit reproche cependant pour cet elpee : l’absence de fil conducteur.
Pop/rock, fédérateur, « Un jour au mauvais endroit » rend hommage, sans jamais donner de leçons, à Sofiane Tadbirt et Kévin Noubissi. Ces deux adolescents ont été assassinés à Échirolles (Calogero y est originaire) par un groupe de jeunes de la Villeneuve de Grenoble. Les faits datent du 28 septembre 2012 et avaient indigné la sphère politico médiatique. En espérant que le message, fort et symbolique, soit entendu.
Balayant tout objectif mercantile (dixit son interprète), le single a connu un succès bien mérité !
Le chanteur y aborde aussi des thématiques sociétales telles que les familles recomposées (“Le Monde moderne”), l’homosexualité (“J’ai le droit aussi”) ou encore des enfants sans mères (“Le Portrait”, deuxième extrait de l’histoire très émouvante de ce petit garçon dessinant sa mère, que l’on devine décédée, à la craie).
Les gauchers on également ‘droit’ à leur petit clin d’œil à travers « Conduire en Angleterre ». Plus léger, certes, mais tout aussi subtil et touchant.
A l’écoute de ce petit bijou, je me surprends à siffloter, à chantonner… pour ensuite m’embraser rapidement de bonheur et de délectation !
Bref, « Les feux d’artifice » nous laisseront, à tous, des étoiles plein les yeux !
Quatre ans après avoir publié son dernier elpee, la bande à Simon Aldred est de retour. Son nouvel album s’intitule « Herd Runners ». S’il a fallu attendre aussi longtemps avant la publication d’un nouvel opus, c’est essentiellement dû aux projets alternatifs du leader. En effet, outre son implication chez Cherry Ghost et son job de producteur, il se consacre à différentes expérimentations, notamment dans l’univers de l’électro. En solitaire.
Le band de Bolton nous propose donc sont troisième opus. Guidée par la voix d’Aldred (qui rappelle parfois celle de Kurt Wagner, le leader de Lambchop), la musique de Cherry Ghost est à la fois mélodique et mélancolique. Les Anglais sont aussi à l’aise sur les morceaux riches en instrumentation (« Clear Skies Ever Closer » et ses cuivres luxuriants) que lors des plages plus paisibles, à l’instar de « Herd Runners » ou encore « My Lover Lies Under ». Le long playing recèle également de superbes compos sculptées dans le folk. « Love Me Follow Me » en est certainement la plus belle illustration. Plus pop, « Sacramento » confirme la raison pour laquelle Cherry Ghost a été comparé à Coldplay (NDR : en moins grandiloquent quand même).
« Herd Runner » est un disque agréable à écouter. On peut donc décréter que le combo a réussi son retour. Mais de là à s’imposer sur la longueur, c’est une autre paire de manches.
Tout droit sorti de l’imagination de David Lynch, The One Armed Man (NDR : traduisez ‘Le Manchot’) est le patronyme choisi par ce groupe strasbourgeois. Comme le personnage imaginé par le réalisateur, le combo part à la rencontre des mythes américains ; et plus exactement en creusant au cœur des racines du Nouveau Continent.
Dans l’ensemble, cette formation française ne s’en tire pas trop mal, même si tout est loin d’être parfait. Si le plus rock « Night Train » baigne dans un climat judicieusement glauque, comment ne pas froncer les sourcils à l’écoute du chant maniéré qui sévit tout au long de « Mad Season ». Les meilleurs titres se révèlent lorsque le band cesse de jouer les gros bras pour embrasser un format davantage country/rock. A l’instar de la ballade « Summer Knows », des entraînants « Back Home » et « Lullaby » ainsi que du filmique « Black Swan », dont les réminiscences semblent puisées chez Calexico voire même Ennio Morricone.
En résumé, il y a à boire et à manger sur cet opus, un peu trop éclectique à mon goût. Un Ep aurait suffi !
Pour enregistrer son dernier album, cet ex-Go Betweens s'est rendu dans les célèbres studios de John Keane à Athens en Georgie. De cette rencontre est né un double album. Vingt-quatre chansons qui offrent sur le premier disque un profil effilé, délicat, ‘gobetweenesque’ comme sur ses deux précédents opus, "Fireboy" et "Watershed", et puis bien entendu sur le single qui inonde actuellement les ondes radiophoniques, "Don't you cry". Le second embrasse totalement la production ambiante. Des chansons pop colorées de country et de rock, électrifiées tantôt à la manière de R.E.M., de Television ou même des Byrds; Grant s'autorisant même une cover de Roger Mc Guinn, "The Ballad Of Easy Rider". Mais tout l'album exhale la même chaleur intimiste, la même passion délicate, un climat qu'irradie le timbre vocal si pur et attachant de McLennan. Superbe !
Birdpen est une formation anglaise drivée par le chanteur/guitariste d’Archive, David Penney, et le guitariste/claviériste Mike Bird, roadie au sein du même collectif. C’est à l'hôtel Bloom, situé à deux pas du Botanique, que le tandem nous a accordé cette interview, juste avant son concert à l’Orangerie. Après avoir publié 5 Eps (autoproduits) depuis 2003, BirdPen a gravé « On/Off/Safety/Danger » en 2009, « Global Lows » en 2012 et « In The Company Of Imaginary Friends », cette année. Mais intéressons-nous d’abord à l’opération ‘Trekstock’ à laquelle participent les membres d’Archive, et Dave, notamment…
Dave : « Trekstock » est un projet caritatif qui vient en aide aux enfants atteints du cancer. Mais également qui se préoccupe de la jeune enfance, afin de prévenir cette maladie. En l’invitant à adopter une vie et une alimentation plus saines, notamment. Un projet qui a démarré, il y a plus ou moins 18 mois. C’est Alex, notre tour manager, qui nous a sensibilisé à cette question. Nous avons rencontré des membres de l'organisation et nous sommes avons projeté de réaliser l'ascension du Mont Blanc, pour lui donner une impulsion. Nous ne sommes pas parvenus au sommet, mais au moins au dôme, dernier niveau avant l'ascension finale. Nous étions presque arrivés au but, mais le temps s'est un dégradé vers 5 heures du matin. Nous étions accompagnés de guides chevronnés. Nous avons donc dû rebrousser chemin. On a quand même réussi à collecter 13 mille livres. Puis on a accordé quelques concerts au cours desquels on a accompli quelques DJ sets. Toutes ces initiatives nous ont permis de collecter des fonds. C'était une superbe aventure qu’on a vraiment appréciée. Et le dessein nous tenait vraiment à coeur.
Ce sont des gens comme toi qui permettent de se mobiliser contre cette maladie, surtout quand elle touche les plus jeunes. Quand on est passé par là, on sait de quoi il en retourne. Et la musique devient alors pour toi, une véritable drogue.
Dave : Oui en effet, la musique est toujours un bon moyen de s'évader et de prendre du recul par rapport à la maladie. Je te remercie pour le compliment.
Gravir le Mont-blanc, c’était un fameux défi, quand même ?
Dave : Je n'avais jamais osé me lancer dans une telle aventure auparavant. J'avais bien réalisé quelques petites ascensions, dans d’autres régions, mais jamais je n’avais eu recours à des équipements aussi spécifiques que des pics à glace ou des casques. Il a fallu que me fasse violence pour sortir de mon confort quotidien. C'était un challenge à la fois relativement neuf et effrayant en même temps. Mais, ce défi m’a permis de donner un autre sens à la vie…
Vous tenteriez à nouveau l’expérience ?
Dave : Oui, car je sais maintenant à quoi m'attendre.
En insistant davantage sur la préparation ?
Dave : Oui, principalement mentale. Nous vivons dans un une région peu accidentée. Pour s’entraîner, on est obligé de se rendre au Pays de Galles ou dans les Midlands. Donc il est relativement difficile de pouvoir s'exercer. J’ai un peu fréquenté les salles où on pratique l’escalade. Mais cela n'a rien à voir. Physiquement, j'étais prêt. Mais mentalement, c'était une autre paire de manches…
Pourquoi avoir fondé Birdpen ? Surtout quand on est impliqué dans un groupe qui possède déjà une telle notoriété. Vous avez dû sortir de votre cocon ?
Dave : Mickael va répondre…
Mickael : Les événements se sont déroulés différemment. Birdpen est un projet que nous menions, bien avant de nous investir chez Archive. En 2002, nous réalisions déjà des vidéos pour d'autres groupes, que nous signions Birdpen. Puis on a commencé à se produire en concert et développé d’autres concepts…
Vous parvenez à gérer deux groupes ? N'est-ce pas, parfois, un peu schizophrène ?
Dave : Complètement. Actuellement je suis impliqué dans 3 projets. Je bosse également dans l'industrie musicale. Tout dépend de la nature de ton job. On pourrait se contenter de s’exprimer uniquement à travers Archive ; mais je ne crois pas que ce soit une bonne idée. Parfois, on veut développer d’autres trucs, différents du collectif Archive. Archive est le fruit de l’imagination de différents musiciens. Aux idées différentes. Ce qui le rend billant et unique en son genre. Birdpen se limite à celles de Mickael et des miennes. Et c'est vraiment très bien ainsi. Le troisième plan auquel je participe, c’est celui de Robin Foster. Mais il se charge de la musique, et moi des paroles. Ces trois projets me tiennent vraiment à cœur. Le plus important est de rester actif. Chaque fois, ce sont des moyens qui permettent d'exprimer tes idées, tes opinions et de solliciter ton inspiration. Nous avons beaucoup de chance que le public apprécie notre création. Mais pour y parvenir, tu dois t’impliquer à fond et montrer ce dont tu es capable.
Et en même temps, te permettre de t'échapper d’Archive ?
Dave : Absolument ! Même s’il est parfois plus difficile de les mener à bien que de participer au collectif. Mais l’inverse est également vrai. Quand je me retrouve au sein d’Archive, je peux également m’évader des autres projets. Et je le reconnais, c’est une énorme opportunité de pouvoir disposer de plusieurs cordes à ton arc, et de vivre ta vie comme tu souhaites la vivre. Ce qui te permet d'acquérir de l'expérience, d’emmagasiner des connaissances, trouver de l’inspiration pour écrire et t’ouvrir l'esprit.
Vous semblez très proche du public belge ?
Dave : C’est sans doute dû au fait qu’on y accorde le plus de spectacles, depuis un bon bout de temps. Les Belges et les Anglais ont pas mal de points communs. Chaque fois qu’on se produit en Belgique, sa réaction est vraiment surprenante. Que ce soit lors des festivals ou au Botanique, elle est même fantastique. Au fil du temps, les représentations se sont enchaînées et l’accueil est toujours aussi bon.
Il sert de test pour vos nouveaux shows, avant de partir en tournée ?
Dave : On a déjà joué nos nouvelles chansons dans d’autres pays. C’est la première fois qu’on les interprète, ici en Belgique. On avait inversé le processus, lors de la sortie du précédent album. On avait inauguré nos compos sur le sol belge. Mais pas cette fois-ci. Nous ne pouvions pas attendre avant de les dispenser. Mais je pense que certains fans ont déjà entendu nos nouvelles chansons. Donc, ils savent, je pense, plus ou moins à quoi le nouvel album ressemblera…
C’est votre troisième. Il s’intitule « In The Company Of Imagining Friends ». On peut en savoir davantage?
Dave : Oui, bien sûr. L’an dernier, nous avions composé deux morceaux et nous voulions approfondir le sujet. Le concept repose sur la perte de conscience. Pense aux alcooliques ou aux drogués. Ils s’enfoncent progressivement dans le côté obscur de l’existence. Et quand ils sont dans les ténèbres, il faut pouvoir s’en sortir. De nombreux êtres humains traversent des épreuves dans la vie. Cela m'affecte. Elle est relativement clémente pour moi ; mais ce n’est le cas pour tout le monde. Des tas de mésaventures peuvent s’y produire. Mais au mieux on peut les analyser, au plus elle deviennent claires et au mieux on peut les combattre. Ce disque est une porte ouverte qui laisse les gens entrer. C'est un album très personnel. Mais, aussi une libération pour pouvoir exprimer et évacuer sa détresse. Il reflète ce que l'on fait dans sa propre vie…
Est-ce une forme de thérapie qui vous a été nécessaire ?
Dave : Nous l’avons enregistré. Nous l’avons mixé ; une tâche que nous n’avions jamais exécutée auparavant. Mickael y a passé beaucoup de temps. Quand on l'écoute, les sonorités sont tout simplement incroyables. On l'a conçu et on l'a produit. C’est du 100% Birdpen. Autrefois, on devait avoir recours à un producteur et à un mixeur. Nous sommes relativement fiers du résultat.
L’accouchement a été difficile ?
Dave : Pas vraiment ! Nous connaissions parfaitement le sujet. Nous savions ce qu’on voulait faire. Ce qui est plus facile que lorsque tu ne sais pas exactement ce que tu veux. Nous étions très confiants. Nous étions conscient qu’on pouvait y parvenir ensemble. Et on y est arrivé…
Qui se charge des textes ?
Dave : Je les ai tous écrits !
Et de la musique ?
Dave : Mickael et moi, ensemble !
En général, le troisième album constitue un tournant dans la carrière d'un groupe. Etiez-vous conscients de cette situation, quand vous avez décidé de le produire et de le mixer vous-mêmes ? N’avez-vous pas l’impression d’avoir pris des risques ?
Dave : On a accompli un grand pas en avant en se chargeant à deux de cette tâche. Et si on est capable de l’accomplir, je ne vois pas de raison de changer notre fusil d’épaule, dans le futur. Il ne s’agit pas vraiment d’un changement ou un tournant, mais plutôt d’une progression naturelle dans la manière de travailler ensemble et d'écrire. De toutes manières, le résultat correspond exactement à ce que nous souhaitions entendre. Et puis Birdpen n’était pas très connu et il ne l’est pas beaucoup plus aujourd’hui. Au départ, tu enregistres toujours un album pour toi-même ; mais lorsqu’il sort, un tas de monde s’y intéresse et passe son temps à creuser le contenu…
« I Like A Mountain », c’est la première plage de l’elpee. On en revient à l’ascension du Mont Blanc ?
Dave : J'avais écrit cette chanson avant d’entamer cette aventure. « I Like A Mountain » n’évoque pas l’escalade d'une montagne, mais un état d’esprit. Il faut prendre ce titre au sens figuré. Mon message c’est quelle que soient les épreuves de la vie, il faut juste les affronter comme elles sont. Même si on a l’impression de devoir soulever des montagnes pour trouver une solution. J'aime cette métaphore…
Quelques mots sur le nouvel album d'Archive ?
Dave : Il s’intitule « Restriction » et on vient de publier 3 singles en même temps. C'est encore le fruit d’idées fraîches et novatrices. On a de nouveau essayé de repousser les limites. Nous avons réalisé ensemble et simultanément toute une collection de vidéos aux visuels différents. Nous allons les faire vivre. On a beaucoup expérimenté. On s’est ouvert de nouvelles perspectives. Je pense que le public va vraiment apprécier. Une longue tournée suivra. On prie pour que tout se passe bien. Je touche du bois (NDR : il joint le geste à la parole).
Natalia Doco est née en Argentine. Elle a pas mal bourlingué. Au Mexique, notamment. Avant d’atterrir en France. Elle a appris à parler la langue de Molière. Elle a été repérée par Serge Sabahi, un véritable découvreur de talents. Le courant est passé immédiatement entre eux. Mais il existe également une grande complicité entre Natalia, Serge et Fréro De La Vega. Ce qui lui a permis d’assurer le supporting act du duo, au Théâtre 140, le 12 novembre dernier. Elle reviendra, toujours en première partie, mais de Rodger Hodgson, l’ancien co-leader de Supertramp, le 25 janvier 2015, au Cirque Royal. Le concert est déjà sold out. Pour entamer cet entretien, les circonstances ne sont pas très favorables ; et pour cause, des groupies ont insulté Natalia, dès le début de son concert. Ce qui l’a forcée à quitter la scène après seulement trois chansons. Evidemment, c’est le sujet de départ de notre conversation…
Pas facile à encaisser. Il m’a fallu un certain temps avant de me remettre et de me calmer. Oui, je suis déçue. C’est la première fois qu’une telle situation m’arrive… j’ai essayé de me concentrer afin de pouvoir continuer à chanter, mais peine perdue, elles continuaient à crier qu’il fallait que je dégage. Tout ce qu’elles attendaient, c’était de voir débarquer les garçons. Quand le public est assez jeune, ce sont des mésaventures qui peuvent survenir…
Parlons un peu de toi. Ton itinéraire musical est assez atypique. Tu es née en Argentine. Tu as vécu un moment au Mexique. Et finalement tu t’es installée en France. Que t’a apporté ce parcours dans ta carrière ?
Je me suis énormément produit au Mexique. J’en ai tiré une grande expérience. Surtout quand tu joues en compagnie de musiciens qui ont une vision différente de la musique traditionnelle. Et cet enrichissement culturel a inévitablement influencé mon style.
Nous t’avons découverte sur YouTube. Manifestement, tu es très active sur les réseaux sociaux. C’est une aide précieuse, pour toi ?
Absolument ! C’est en postant des vidéos sur Internet que j’ai été remarquée par ma maison de disques et mon manager.
Après avoir gravé un premier Ep, tu as sorti un premier album. Il s’intitule « Mucho Chino ». Il a bien été accueilli.
Oui. C'est ce qui m’est arrivé de mieux, depuis que je suis arrivé en France. Mais les événements se précipitent. J’y ai débarqué depuis deux ans, et il se produit de bonnes surprises tous les jours…
Pas aujourd’hui, malheureusement. Tu as chanté exclusivement en espagnol ; mais tu utilises également la langue de Shakespeare et de Molière. Tu es sans doute le plus à l’aide dans ta langue natale ?
Je chante également en portugais. Dans quelle langue ? Tout dépend. Oui il est plus facile pour moi de chanter en espagnol ou en portugais. Mais je m’inspire beaucoup de la musique anglo-saxonne. Et je ne peux l’exprimer qu’en anglais. Je viens d'écrire une chanson, à moitié en français et moitié en espagnol. Mais je dois encore m’améliorer dans ce domaine. Il y a trop peu de temps que je suis en France. La première année, j’étais incapable de m’exprimer dans cette langue.
Dans quelles circonstances as-tu rencontré les Fréro et Serge ?
J'ai rencontré Flo De La Vega pendant les vacances que je passais à Paris. Au cours de la dernière soirée. On s’y est croisé à différents endroits, au cours de la même nuit. Une histoire romantique. Depuis ce moment-là on est ensemble. Et la suite coule de source…
Tu es parvenue à séduire la France. Comment compte-tu faire pour séduire la Belgique ?
Je n’en sais rien. Aujourd’hui, c’était mon premier test. Je ne sais comment y parvenir. En fait, je ne vais rien faire. Ou si, continuer à faire ce que je sais faire : tout simplement chanter et tenter d’entrer en communion avec le public. Le public séduit sera celui qui partage une même énergie que la mienne. Mais ce soir, ce n'était pas possible.
Pour séduire le public belge, il faut un peu le connaître…
Je ne connais pas trop, effectivement. Mais… ne me quitte pas.
Ah Brel, très bien !
C'est une chanson que j’ai entendue très jeune. Même bien avant de savoir qu'il y existait une possibilité de vivre en France. En fait, c’était la version de la B.O. du film de Pedro Almodovar (NDLR : « La Loi du désir » - 1986, le titre y est interprété par Maysa Matarazzo). J'adore ce réalisateur. Il y a plusieurs années que je tente de la chanter. Mais auparavant, l’interpréter en français était pour moi totalement impossible. Il y a des années que j’essaie pourtant. Aujourd’hui, c’est amusant, elle représente beaucoup pour moi. C'est le premier moment proche de la langue française...
Quelque part, Brel t'a donc inspirée. Mais depuis que tu as débarqué en France, on pourrait y ajouter Charles Aznavour et Henri Salvador.
Salvador, j'aime bien. Il m'inspire beaucoup. Georges Brassens également.
Pour la réalisation artistique de ton album, tu as opté pour Jacques Ehrhart. Un choix personnel ?
C'est le patron de ma maison de disque qui me l'a présenté. Il avait déjà entendu quelques chansons… des maquettes notamment. Nous avons énormément discuté et il m’a conseillée. Nous avions plus ou moins les mêmes idées. C'était une belle opportunité de travailler avec quelqu'un à qui je ne dois pas tout dire. Quand j’ai entamé l’enregistrement, je ne parlais pas français. Donc, c'était bien de s'entendre dans une langue musicale, sans trop causer...
Les Beatles, Led Zeppelin ou les Stones ? Tu as une préférence ?
Immédiatement, je te réponds les Beatles. Mais j’adore aussi le Led Zeppelin. Mais pas seulement. Le Pink Floyd, également. La musique qui a bercé ma jeunesse. Mais les Beatles, je peux en écouter tous les jours ?
Qu’est-ce qui t’as poussé à te lancer dans une carrière musicale ?
J'ai fréquenté un peu le Conservatoire. En Argentine, le cursus est très long et je voulais toujours en connaître davantage. J’ai assisté aux cours pendant deux ans et j'ai retrouvé plein de musiciens qui sont mes amis. Mais j’ai arrêté pour en suivre d’autres, afin d’apprendre plus et plus vite.
Tes parents y sont pour quelque chose ?
Ma mère s’intéresse à toutes les formes musicales. Toute petite, elle m'a permis de découvrir les Beatles, Queen et Led Zep. Mon père jouait beaucoup de guitare. C'était un peu le roi de la soirée quand il en jouait en chantant. Il m'a éveillé à toute la musique révolutionnaire d’Amérique latine. J'ai donc grandie dans ce contexte.
Comment envisages-tu ton avenir ?
Je ne pense pas trop au futur. Cette attitude provoque trop d'anxiété. Tu penses que tout va bien ou le contraire. Je vais profiter de faire de la musique tant que je le pourrais.
Donc sur scène, tu es plus anxieuse que sur YouTube ?
Oui, un peu. Mais je profite du moment présent et de la scène. Sauf que je ne veux pas m’enfoncer mille plans dans la tête. Car, une telle accumulation limite les alternatives. Il faut accepter les choses telles qu'elles sont…
C’est dans le cadre du Brussels Summer Fetival que nous avons rencontré Antoine Chance, juste avant le concert qu’il a accordé au Magic Mirror. Nous sommes dans les loges, devant un petit rafraîchissement. Antoine, c’est le fils de Philippe Geluck, le célèbre dessinateur du ‘Chat’. Il a la même bouille. Même calvitie naissante, même sourire enjôleur, même répartie, même bonne humeur. Et puis le mot néerlandais ‘Geluk’ ne se traduit-il pas en français, par chance ? C’est un clone presque parfait. En 2013, il assurait l’ouverture au même endroit. Aujourd’hui, il est programmé en tête d’affiche. Quel parcours accompli depuis les Nuits du Soir, auquel il avait participé l’an dernier !
C'est drôle quand même. Il y a un an pile poil, je jouais ici en première partie des Innocents et aujourd'hui, je me retrouve en tête d'affiche. Depuis, il y a eu la sortie du single et de l’album.
Il t’a fallu 10 ans avant de sortir ton premier album. Un bail quand même ?
Effectivement. J'ai développé des projets, sans forcément attendre un certain résultat. Ensuite, j’ai voulu qu’ils soient bien ficelés. Et dix ans se sont écoulés. Mais le disque a du succès. En même temps, je me sens en phase avec ce que j'ai fait. Il aurait pu totalement se planter. Alors j’aurais vraiment été mal dans ma peau. Je pense que j’aurais eu du mal à encaisser le coup. Même si je ne me serais pas entièrement remis en question. Je ne vais plus patienter 10 ans avant de graver un nouvel album. « Fou » est vraiment le premier. Si j’en sors un par décennie, je ne vais pas en enregistrer beaucoup. Et si je meurs à 81 ans, j’en réaliserai donc huit.
Peux-tu nous parler de ton parcours musical, en quelques mots ?
J'ai commencé à jouer du piano classique à l'âge de six ans. A douze, j’ai opté pour la guitare. Et j’ai délaissé le piano, avant d’y revenir vers 18. C’est à cette époque, que je suis parti étudier la musique, en Angleterre, près de Brighton. Puis, je suis rentré en Belgique et je me suis posé des milliers de questions. Envisageant alors de commencer à écrire des chansons. Je me suis lancé. Il a fallu de temps. Et le résultat est là.
Tu me fais penser à un moteur diesel, il te faut du temps pour te mettre en route…
C’est exact, j’ai un petit côté diesel.
Te sens-tu soutenu par ton label ?
Ma firme de disques est très présente et croit à mon projet. Elle m’a habitué à un gros ‘taff’ et c'est super. On bosse comme des tarés. On a bénéficié d’énormément de promo. En fait, c’est la même équipe qui me suit depuis longtemps. Et on obtient des résultats.
« Fou » est produit par Renaud Létang. Une raison ?
Je suis signé chez Mercury en France. On s'est posé la question avec mon équipe là-bas. Qui serait le gars ou la personne idéale pour assurer la production ? On est vite arrivé sur son nom. On lui a passé un coup de fil, il est venu, on s'est rencontré et tout s'est très bien passé. C'était finalement assez simple. J’ai été très impressionné, car je pensais que dans ma carrière, je ne travaillerai jamais avec quelqu'un de cette envergure. Et capable de concrétiser autant de projets qui lui plaisent. Ce qui me rassurait quand même. Je souhaitais bosser sous la houlette d’un pro qui me dise ce qui allait et n'allait pas. Et finalement si j’ai travaillé tous les jours dans son studio, j'étais parfaitement à l'aise. Renaud Létang a réussi à mettre de l'ordre dans mes idées. Il a sollicité le concours de deux musiciens de studio ; en l’occurrence Ludovic Bruni et Vincent Taeger. Qui ont abattu un fameux boulot. Le son est bon, assez brut, dépouillé. Peut-être un peu trop. Il est vrai que parfois, j’aime bien en remettre une couche. Il faut cependant savoir dire 'Stop'. Mais quelquefois, on a dit 'Stop' un peu trop tôt. Mais bon, sans quoi c’est un disque pour lequel je reste en phase. Dont je suis fier. Cependant, à la fin des sessions, je me suis rendu compte qu’il n’avait pas de fil conducteur. Que c’était une sélection de titres réalisés par une équipe. Ce qui explique pourquoi, en bout de course, on a dû mettre de l’ordre entre les bonnes idées et les moins bonnes. Et finalement, on a seulement conservé les morceaux les plus simples.
Le concert que tu as accordé à la Rotonde était blindé de chez blindé. Satisfait ? Surpris ?
Oui, c'était impressionnant. J'ai vu les vidéos, par la suite, et elles m’ont quelque peu bouleversé. Sur scène j’étais également assez ému. J'avais dur à tenir ma voix. Un tiers de l’auditoire était constitué de membres de la famille et d’amis. Sympa, car ce sont les personnes qui m’ont toujours encouragé à poursuivre ma carrière. Perso, cette date est importante et restera gravée dans ma mémoire. La salle est superbe et on peut en tirer un son impeccable. Faut dire que derrière les manettes, il y avait un expert (NDR : il s’agit de Benoît, l’ingé son de Puggy ; il n’est pas loin d’Antoine…)
Ton planning de concerts en Belgique est bien fourni. As-tu prévu de partir à l’étranger ?
J’ai appris que Montréal se profilait ; notamment dans le cadre des ‘coups de cœur francophones’. Les Québécois ont reçu mon album ; et apparemment, ils l’apprécient. En outre, je ne connais pas le Canada et j’ai envie de m’y rendre.
Coco Royal, c'est de l’histoire ancienne ?
Pour l’instant, ce n'est plus du tout à l’ordre du jour. C'était la concrétisation de mon premier projet. On a accompli un bout de chemin ensemble et nous avons expérimenté un tas de formules. Nous étions encore à la recherche de la meilleure. Mais j’ai aussi vécu de très bons moments. Oui, en effet, j’ai mis Coco Royal, entre parenthèses…
Qui t’accompagne en tournée ?
Yannic Dupont se consacre à la batterie. Quand on s’est produit aux Nuits du Soir, c’était Ziggy de Puggy qui s’y collait. Il a un même talent. Il est cependant plus petit et affiche un physique moins suédois. On d'abord bossé en duo. C'était cool. Au départ, il est percussionniste, mais c’est un multi-instrumentiste. Il est également excellent arrangeur. Et puis, il a vraiment de bonnes idées. Geoffrey est arrivé ensuite. Il joue aussi bien de la basse que de la guitare et possède un fameux vécu dans l’univers musical. J'aime beaucoup mon groupe. On forme une belle équipe. On bosse énormément, et on s’entend très bien. Et puis, il y a pas mal de concerts. C'est vraiment chouette aussi.
Souchon et Voulzy, des références pour toi ?
Plus Alain Souchon, mais j'écoute aussi Voulzy. C'est un peu plus sucré et kitsch. J'aime bien Renaud aussi. Renaud et Souchon abordent l’écriture d’une manière totalement différente. Souchon utilise une forme poétique quand il raconte une histoire. Dans le domaine, c’est vraiment le maître. On attribue toujours la mélodie à Voulzy. Voulzy se chargerait de la musique et Souchon des paroles ? Ce n'est pas vrai ! Souchon est un grand mélodiste et j’en suis un grand fan…
Tu es très attentif au sens mélodique. Une conséquence de tes influences ?
En tout cas, c'est ce qui me préoccupe le plus. Après, je ne promets rien. J'essaye d'écrire un peu plus de textes. Et puis, je veux tout contrôler. Pour que tout soit parfait. Je suis aidé pour les textes de mes chansons. Effectivement, je passe beaucoup de temps à travailler les mélodies. C’est ce qui me passionne, en fait. De nouvelles chansons sont en chantier…
Ton single « Fou » est diffusé sur toutes les ondes. Ton nom est sur toutes les lèvres. L'année 2014 sera celle d’Antoine Chance ?
Je n’en sais rien. Ou alors, tous les gens que je rencontre sont soit des amis ou des ennemis. On me dit souvent que je cartonne et qu’on m’entend partout. Effectivement, le disque marche plutôt bien. Mais en même temps, depuis 2010, j’espère chaque fois que ce sera la bonne année. Et finalement, nous sommes déjà en 2014…
« Fou d'Amour », s'adresse-t-il à ton épouse ? Es-tu fidèle ? Es-tu un grand sentimental ?
Je ne suis pas fidèle du tout. Ainsi, elle va apprendre aujourd'hui. Je ne voulais pas lui annoncer. Je plaisante bien sûr. Oui, je suis extrêmement fidèle. Je suis plutôt un sentimental, quelque part, un romantique.
C’est la lune qui t’a inspiré pour « La Nuit Interpelle » ?
Que veux-tu que je réponde à cette question ? La lune est toujours une source d’inspiration. Mais je n’ai jamais écrit de chanson au sujet de la lune.
Sur la nuit, oui !
« La Nuit A Ses Défauts » est une belle chanson. Je ne signe pas les textes ; mais c’est une belle chanson.
« Sur l'Asphalte » raconte ton parcours, ton histoire…
Je ne suis pas non plus responsable des paroles. En fait, c’est assez amusant, pour cette compo, j’ai envoyé à Marcel Khange, le parolier, quelques indications personnelles. Et résultat, elle colle parfaitement à mon parcours. L’autre jour, j’ai écrit le texte d’une chanson, en m’imposant de ne pas parler de ce dont je te parle ; et j'en parle quand même. Parfois, on se laisse un peu embarquer. Lors d’une émission, dernièrement, j’ai entendu Gainsbourg déclarer que c'est le mot qui donne l'idée ou l'idée qui donne le mot. Pour lui, c'est le mot qui donne l'idée. C'est donc ainsi. Chacun a sa vision des choses. Je suis assez d'accord à ce sujet.
Cette compo me fait quelque part, penser à Coldplay…
La démo, au départ, évoquait un peu Agnès Obel. Coldplay ? Peut-être. J'aimais vraiment bien. Mais aujourd’hui, c'est devenu une grosse machine. Il y a un bout de temps d’ailleurs. Ce qui est sujet à la critique, évidemment. Chris Martin est un poète. Il a quelque chose dans la voix et dans son écriture qui me touche.
« Qui c'est » adresse-t-il un clin d’œil à Bowie ?
Oui. Bowie est une sacrée référence. L'idée est venue naturellement. L'histoire de la guitare, c'est celle du batteur en studio. Il ne joue pas de guitare. Elle est drôle cette chanson. Mais au fil du temps, on l’a remaniée. Au départ, elle était plus mélo, plus Coldplay. C'est devenu un truc un peu rigolo, où on a ajouté des ‘claps’, aussi.
As-tu prévu de sortir un second single ?
Oui et c'est « Parader En Enfer ». On s’est rendu compte qu’elle avait une certaine pêche, qu’on ne retrouve pas sur disque. On l'a donc retravaillé. Pour l’adapter à la scène.
Antoine, la toile et les réseaux sociaux, est-ce important pour toi ?
Oui, très important. Essentiel, même. Je ne suis pas accro à Facebook. Mais je me suis inscrit sur des tas de réseaux sociaux. Je dispose même, depuis peu, d’un compte Twitter, que je n'utilise presque jamais.
Espères-tu décrocher un prix aux Victoires de la Musique ?
Un paquet ! Je ne sais pas… A vrai dire, l'album n’est pas distribué en France. En Belgique, on peut toujours espérer un ‘Octave de La Musique'. Peut-être…
Fondé en 2009, Hell City est un groupe belge de Heavy Metal qui monte petit à petit les échelons. « Victorious », leur dernier album, est sorti au mois de novembre dernier. L’occasion de revenir sur la conception de l’elpee, le climat au sein duquel il baigne, et ce qui lie les musiciens à leur producteur, Mikey Doling.
Pouvez-vous retracer brièvement l’histoire de Hell City ?
Hell City, c’est tout d’abord l’histoire de deux gars qui voulaient simplement faire de la musique ensemble. Et plus précisément, des covers de Metallica. Parmi ces deux personnes figure Tommy, l’actuel batteur. Quelques compositions ont à l’époque commencé à voir le jour, dans un mélange de Heavy Metal et de Rock Stoner. On était alors en 2007. Le plus dur a été ensuite de dénicher de bons musiciens et de favoriser un déclic entre eux. Hell City a connu quelques chanteurs avant l’arrivée de Michelle (NDR : l’actuelle vocaliste). Michelle était en fait déjà présente au sein du line up, mais se chargeait seulement des backing vocals. Jusqu’au jour où on s’est rendu compte qu’on pourrait vraiment ajouter un plus si elle devenait la chanteuse principale. Ce qui a également influencé notre décision, c’est qu’elle était bien meilleure que notre chanteur précédent. Le choix a été vite fait !
Quelles sont vos sources d’inspiration ? Qu’insufflez-vous dans vos compositions, que souhaitez-vous communiquer au public ?
Nos sources d’inspiration varient fortement d’une personne à l’autre. Elles oscillent du Death Metal, genre Carcass, Arch Enemy ou At the Gates, au Funk en passant par le Rock plus classique. Note bassiste est par exemple un fan notoire de Prince ! Michelle a quant à elle de bonnes connaissances en musique électronique. Tu dois certainement te demander comment obtenir un ensemble homogène dans ce contexte ? Et c’est justement cette diversité qui est passionnante ! On retrouve dans Hell City des traces de tous ces genres musicaux, transformées en riffs de guitare, en mélodies et en lignes de chant. Le tout doit sonner rock et proposer de bon riffs accrocheurs. Et plaire au public. Cette particularité musicale nous a toujours permis de partager aussi bien une affiche où figurent des formations ‘easy-listening’ que plus lourdes.
Comment est né « Victorious » ? Quel est le processus d’écriture chez Hell City ?
Une grande partie du processus d’écriture se déroule dans nos locaux. Nous avons depuis peu notre propre espace de répétition où sont composés tous les riffs de guitare. C’est ensuite retravaillé et mis en forme, jusqu’à ce que nous entrions en pré-prod. On réalise cette tâche généralement en utilisant du matériel informatique de base, tout en réfléchissant déjà à ce qu’on pourra ajouter comme effets. Ce sont des étapes très riches musicalement parlant ! Mais c’est seulement lors de la production finale que l’ensemble prend forme. C’est également à ce moment que les compos doivent être adaptées les unes par rapport aux autres. Et c’est là que Mikey (NDR : Mikey Doling, producteur de l’album mais par ailleurs guitariste de Channel Zero et Snot) a été très bon : il a tiré l’album vers le haut, sans en perdre le côté rock’n’roll.
Comment s’est passée votre rencontre avec Mikey Doling ? Qu’a-t-il apporté à Hell City ?
Nous avons rencontré Mikey la première fois lors des Muzikantendag à l’Ancienne Belgique à Bruxelles. Franky (NDR : chanteur de Channel Zero) et lui donnaient une sorte de conférence à propos de l’arrivée de leur groupe au sein de l’industrie musicale. Nous étions à ce moment-là en plein dans le processus de mixage de notre précédent cd et nous avions déjà l’intention de lui faire écouter ce que nous avions réalisé. Il s’est montré disponible mais il a fallu attendre l’enregistrement d’un nouveau single pour qu’il intervienne. C’était pour « Ice Cold Rage », une première coopération et un premier test pour d’éventuelles implications futures. Et tout s’est très bien passé ! Mikey est un gars super, très positif et particulièrement intuitif aussi. Il nous a stimulés afin que nous nous dépassions et réalisions de cette production quelque chose de monumental. Il est lui-même guitariste. On a pu voir qu’il était également à l’aise lors des enregistrements des parties vocales. C’était vraiment un plaisir de le voir à l’action. Un de ses mots d’ordre ? ‘Don’t bore us, get the chorus !’ Des refrains ‘catchy’, c’est ce qui importe ! Que vous soyez dans le circuit commercial ou dans le monde du metal, peu importe, c’est ce qu’on retient ! Et qu’on a donc fait…
La pochette de ce nouvel album évoque un paysage apocalyptique, montrant en avant-plan un bras coupé, poing fermé, suspendu en l’air par des câbles électriques. De plus, votre site Internet, en parlant de nouvel opus, mentionne qu’‘il est de temps réaliser qu’ensemble, nous nous soulèverons, nous serons victorieux’. Doit-on y voir le symbole d’une forme de résistance dans une société bouleversée, parfois chaotique ?
On a surtout travaillé la thématique de l’apocalypse, la fin des temps comme nous l’entendons, pas nécessairement le naufrage total mais une sorte de survie dans une jungle de déchéance. C’est un thème qui nous obsède. Le nom de notre groupe va dans le même sens. Sans vouloir paraître condescendant, cette idée d’une survie de la société actuelle, rongée par ses dérives agressives, son extrémisme, son isolement, me fait penser finalement à une sorte d’évasion romantique. Le titre de l’elpee, « Victorious », se réfère plutôt à une victoire à la Pyrrhus, une victoire après une bataille dévastatrice, où les pertes sont tellement grandes qu’elle ne peut avoir qu’un goût amer. Mais ce n’est pas de l’arrogance ! Ce titre se réfère également à l’élaboration de l’album et les efforts que nous avons dû accomplir afin qu’il puisse voir le jour.
On connaît davantage de présence féminine au chant dans des groupes de Metal symphonique (tels Nightwish, Epica, etc.), plus que dans des groupe de Heavy. Hell City se définit par ailleurs sur les réseaux sociaux comme un ‘Female Fronted Metal band from Belgium’. L’identité du groupe se focaliserait-elle sur la présence de Michelle Nivelle, vocaliste de la formation ?
L’enfant doit bien porter un nom et pour beaucoup de monde, il est plus confortable de nous cataloguer comme ‘Female Fronted Metal’. Cette connotation est plutôt une discrimination positive. Pourquoi profiterions-nous du fait qu’une femme joue dans notre groupe ? Michelle est un des gars parmi nous ! Ce qui n’empêche pas beaucoup de gens d’être charmés par cette compensation féminine au milieu de cette violence musicale.
Les morceaux de l’elpee sont présentés dans le livret, sous un ordre différent de celui présenté à l’arrière du CD. Un changement de dernière minute concernant la succession des morceaux ?
C’est la malédiction de « Victorious » ! Non, c’est une blague… C’était en fait une erreur lors du processus d’impression, une erreur de communication. Ce premier lot de livrets a par la suite été remplacé par un autre, cette fois-ci correct. Tu possèdes donc un exemplaire collector !
Le titre « Ice Cold Rage » est repris dans une version acoustique (très réussie !) en fin de long playing. Pouvez-vous nous expliquer ce choix d’une version acoustique ? Et pourquoi ce titre en particulier ?
Nous avions cette idée en tête depuis un petit temps… « Ice Cold Rage » est actuellement notre composition favorite et c’est, selon moi, le meilleur morceau du CD. Nous avions lancé pour l’enregistrement de cet album un appel à dons via crowdfunding. Un des lots à recevoir était une soirée Hell City en acoustique. Nous avions, pour l’occasion, préparé sous cette forme, un certain nombre de nos morceaux ainsi qu’un set de covers. Il ne faisait aucun doute qu’on y inclurait « Ice Cold Rage ». L’acoustique permet d’ouvrir les portes à un large public. Beaucoup de gens sont surpris quand tu arrives avec tes guitares acoustiques et, qu’au final, tu annonces jouer du Metal. Toujours drôles ces froncements de sourcils !
Vous vous êtes produits au Graspop, au Suikkerrock et au Metal Female Voices Festival. Vous aviez également assuré la première partie de Channel Zero, au mois d’avril dernier et vous jouerez avant les Vandenberg’s Moonkings à la fin de ce mois de novembre. Une tournée est-elle prévue pour la sortie de ce nouvel LP ? Avec qui rêveriez-vous de partager l’affiche ?
Quelques concerts sont prévus pour le début de l’année prochaine ainsi que pour l’été. Nous assurons par exemple les premières parties de Snot en février pour leur tournée européenne. Nous partons ensuite sur les routes, en Angleterre et au Danemark. Le Headbanger’s Balls est également confirmé. Pareil pour le BiesenRock. De belles perspectives en vue ! Le festival rêvé durant lequel nous pourrions partager l’affiche doit hélas, quant à lui, encore être trouvé ! Ce qui permettrait en tout cas un beau clash d’artistes !
« Victorious » est un long playing qui a pu voir le jour, comme vous le dites, notamment grâce aux dons reçus de vos fans via une plateforme de crowdfunding. Le montant espéré n’a malheureusement pas été atteint mais le disque a néanmoins pu voir le jour. Le crowdfunding permet-il à de nouveaux groupes d’émerger ? De quel œil voyez-vous ce nouveau type de soutien aux créations artistiques ?
Ce projet de crowdfunding a quand même permis d’obtenir de bons résultats car bon nombre de personnes nous ont contactés en-dehors la plateforme, notamment via les réseaux sociaux ou même directement. Le total des montants reçus nous a donné assez de possibilités pour nous lancer. Mais il est toujours difficile de se vendre, vu le nombre de portions du gâteau à partager au final entre les participants. Mais désormais, l’implication du public qui te suit dans ce projet t’oblige à revoir ce que tu leur proposes. C’était devenu quelque chose de plus personnel et, pour tout dire, ça fonctionne bien.
Les sources de revenu ne proviennent plus de la vente de cd mais bien de celle de places de concerts et surtout, majoritairement, du merchandising. Partagez-vous ce constat ? Hors grosses pointures, vivre de sa musique est-il devenu illusoire ?
En effet, la musique est aujourd’hui majoritairement digitale. Les medias via lesquels la musique est écoutée sont adaptés à ce format : lecteurs mp3, GSM, autoradio en Bluetooth, docking stations, etc. C’est pourquoi le CD est aujourd’hui devenu une sorte de fossile moderne. Mais on peut remarquer que la vente de merchandising a toujours la cote auprès du public Metal. La culture du t-shirt est toujours bien vivante, ce qui permet toujours au groupe de s’y retrouver quelque peu.
Si Blues Karloff replonge les nostalgiques, quarante années en arrière, il assène une véritable claque aux plus jeunes. A cause du dynamisme et de la puissance naturelle de leur musique. Il y a trois ans, le guitariste Fonzie Verdickt et le batteur Georges Milikan décident de monter un groupe. Mais la stabilité du line up ne remonte qu’à une bonne année. Il implique aujourd’hui le bassiste/harmoniciste Frans Ruzicka, le guitariste Paul ‘Shorty’ Van Camp et le chanteur Alfie Falckenbach. Les sessions d’enregistrement de "Ready for Judgement day" se sont déroulées au printemps dernier, au sein du studio Pyramide à Beersel. On pourrait imaginer le BK comme une synthèse de l'évolution du fameux British Blues Boom de la fin des sixties. Il avait ainsi mué en blues rock bien électrique, style que vont adopter les Rolling Stones originels, les Bluesbreakers de John Mayall, le Led Zeppelin, Jeff Beck, Chicken Shack ou encore Mountain, de l'autre côté de l'Atlantique.
Hormis "Mean ol' woman blues", cet opus se caractérise par son homogénéité. Il épingle la quintessence de cette époque, à travers des reprises, tout en retraçant l'histoire du blues. Depuis le mythique Robert Johnson, disparu en 1938, à Muddy Waters, en passant par Howlin' Wolf, John Lee Hooker, Albert King, BB King, Jimmy Reed, Slim Harpo, et j’en passe…
"Ready for Judgement day", c'est la contraction du "I'm ready", écrit par Willie Dixon et célébré par Muddy Waters, et de "If I had possession over judgement day" de Robert Johnson. Et ce "Who's who" du blues est revu au travers de la loupe du blues anglais de la grande époque. Nous pourrions citer toutes les plages. On se limitera aux plus réussies ou au plus singulières.
"Who's been talking" est une cover de Howlin' Wolf, le géant du Chicago blues. La puissance de feu est imparable. Alfie a la voix de l'emploi. Les interventions de grattes exécutées par Shorty et Fonzie sont décapantes. "Train kept a rollin'" a été composé à l'origine vers 1950 par Tiny Bradshaw, un spécialiste du rhythm & blues. Il est ici adapté à la manière des Yardbirds de la fin des 60s. Leur version avait été rebaptisée "Stroll on" et figure dans le film culte d'Antonioni, "Blow up". Le groupe apparaissait au club ‘Ricky Tick’. Et deux guitaristes exceptionnels étaient sur la même scène : Jeff Beck et Jimmy Page. Moins d'un an plus tard, les Yardbirds devenaient les New Yardbirds et enfin, Led Zeppelin. La cover du "Boom Boom" de John Lee Hooker est ma plage préférée. Blues Karloff en a réalisé une version bien personnelle. Falckenbach est en très grande forme. Il est même bien plus féroce que l'Animal Eric Burdon de 1964. Signé Booker T, "The hunter" avait été popularisé par Albert King. Rudy Pieters lui réserve un traitement personnalisé à l’aide de son orgue. "Better by you, better by me" n’est pas un véritable blues, mais un morceau que j’apprécie tout particulièrement. Il figurait en ouverture du remarquable elpee "Spooky Two" de Spooky Tooth, à l’époque où Mike Harrison et Gary Wright étaient encore réunis, pour nous choyer de leurs échanges vocaux extraordinaires. Alfie y excelle au chant. La version du "Shame shame shame" de Jimmy Reed est speedée. J’épinglerai encore le "Got love if you want it" de Slim Harpo, un titre qui figurait au répertoire des Rolling Stones, Pretty Things et Yardbirds, à leurs débuts, le "Neighbor neighbor" de Huey Meaux, que le Graham Bond Organisation, impliquant Jack Bruce et Ginger Baker, avait magnifié en 1965. "If I had possession over judgement day" met en exergue la section rythmique. Elle est en béton ! Et Milikan remet le couvert en tapant vigoureusement sur ses fûts, tout au long "Big boss man". Ce chouette moment de nostalgie, s’achève par le célèbre "Crossroad blues", peut-être comme Robert Johnson aurait pu le proposer, s'il avait encore vécu dans le Chicago des fifties!
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