- Papy, papy ? Mamy elle dit qu’avant tu faisais du speed métal. C’est quoi le speed métal ?
- Et bien tu vois fiston, le speed métal c’est comme le heavy métal mais plus vite…
- Ahhhh, et pourquoi tu fais plus du speed métal, papy ?
- Bé oui, tiens, pourquoi je fais plus du speed métal…
- Et, papy, ça raconte quoi le speed métal ?
- Et bien, tu vois fiston, je vais te raconter : Once upon a time… in Hell…

Mon esprit tortueux prend plaisir à imaginer ce qui a été le déclencheur de la réapparition de Drakkar. Perdu au fond des brumes depuis le début des années 90, ce groupe hennuyer fondé en 1983 était pourtant promis à un bel avenir. Notamment lors de la sortie de son premier album « X-Rated », en 1988. Ses prestations lui ont ouvert les portes de support de formations mythiques comme Metallica, Overkill, Slayer ou Queensrÿche lors de leurs tournées européennes. Mais, las de ramer ensemble, les Montois se séparent pour tenter l’aventure vers des horizons différents.

En 2012, riches de leurs expériences personnelles, ils se reforment pour tenter de nous envahir à l’aide d’une nouvelle production sous la bannière de Spinal Records : « Once Upon A Time In Hell ».

Je suis assez surpris qu’un groupe éteint depuis belle lurette puisse reprendre les flots pour nous soumettre à un ensemble aussi cohérent. Loin de larguer les amarres pour quitter le monde du speed métal, terre des anciens, ils parviennent à y adjoindre un souffle de modernisme non négligeable. Le chanteur des débuts, Fabrice Vanbellinghen alias Leny, maintient un vocal mélodique très eighties, tantôt cassé dans les aigus, tantôt tombant le grave hargneux et rageur digne d’un death light. Un support hardcore est présent dès l’entame des morceaux, chœurs œuvrant de concert pour nous marteler de sentences. Le côté technique est assuré par une ligne de trois guitares (Richy Tiborcz, Pat Thayse et Thierry Delcane) et une basse (Tytus Dupont) qui mènent de front les riffs mélodiques et le côté groove voire trash. Mais le rythme est vraiment emmené par Jo Sanders à la batterie, qui tel le Kraken surgi des profondeurs, étreint le navire pour l’emmener dans les profondeurs, palpite en rythme alternatif, dresse les galériens aux sons des tambours lancinants ou exaltés. Le côté accrocheur des morceaux tient à la recherche de la mise en ambiance de certains titres, intros, fonds sonores, voix off, Drakkar amène son auditeur dans son univers tout en progression.

Cet univers sent le vécu, la réflexion, la sueur. L’enfer n’est pas à venir, il est là. Nous l’avons créé à travers nos peurs et nos espoirs déçus. Drakkar réalise un audit de la misère humaine à travers l’Histoire, en mettant en évidence la faculté de l’Homme à s’autodétruire à coups d’idéologies et d’introspections inutile. Le ton est donné par le titre éponyme qui sert autant d’introduction que de conclusion et stigmatise tout ce qui fait nos valeurs sociétales : l’argent, l’éducation, l’évolution technologique et les religions. Cet album est construit comme une ligne du temps allant de la création aux temps modernes, en passant par les Croisades ‘Yerushalayim A.D. 1096’, la Saint-Barthélemy, la déification des Rois de Babel, les guerres mondiales du siècle passé pour en arriver à la conclusion de la folie humaine qui conditionne notre futur. A noter le soutien de cette idée par l’aspect graphique de la jaquette, sobre illustration des titres par la proposition d’une voie de réflexion sur fond de gargouilles. Un album, c’est comme une assiette au restaurant : vous mangez avec les yeux avant d’y goûter.

Au-delà de l’aspect technique réussi de « Once Upon A Time », ce qui marque c’est l’enthousiasme et la cohésion qui émanent de Drakkar, sa faculté à être resté fidèle à son style générique en y incluant un ensemble de spécificités d’autres genres du métal. Il y a bien longtemps que des refrains d’un album ne m’étaient restés gravés en tête aussi longtemps au point de me relever la nuit pour vous écrire cette bafouille et me libérer de cette emprise !

Si vous souhaitez tester cet enthousiasme, ils se produiront à Deerlyk le 1^er novembre dans le cadre du ‘Métal against child cancer fest’, ainsi qu’au ‘Club Jan Hertog’ de Maasmechelen le 11 novembre. Notez encore que vous pouvez foncer vous procurer « Once Upon A Time In Hell » chez le magasin qui m’affirme (à tort) que ‘Je ne suis pas fou !’.

On nous a donc menti ?

Depuis le temps qu’on est persuadé que le bonheur, c’est chiant.

Non, pas pour ceux qui le vivent.

Non.

Plutôt pour nous qui sommes parfois forcés d’écouter ces heureux qui n’ont plus rien à dire.

On pensait que le bonheur tuait toute créativité, on le devinait sans pitié pour l’imagination, tel un grand anesthésiant du génie de l’artiste.

En plus, on avait plein d’exemples qui corroboraient nos appréhensions sur le bonheur.

Et puis, d’album en album, Aube Lalvée nous prouve le contraire.

D’album en album, elle découvre le bonheur.

D’album en album, en se découvrant, elle nous couvre de bonheur.

Pas le truc guimauve et dégoulinant qui colle aux dents.

Non. Plutôt ce truc vivifiant et qui fait chaud dedans.

Une chaleur graduelle.

Parce que forcément, le bonheur, ça ne vient pas comme ça.

Il faut d’ailleurs souffrir un minimum pour y goûter à ce fameux bonheur.

Ça s’appelle le chemin.

Et du chemin, Aube en a parcouru avant d’arriver à cet état extatique.

Alors, forcément, quand elle partage ce bonheur, non seulement, il est communicatif, mais en plus, on en perçoit encore toute sa fragilité, toute sa beauté délicate.

On devine ses veines sous la peau laiteuse, et on les imagine courir jusqu’à cet immense cœur, qui se gonfle, nourri par l’amour.

« Time For The Happiness ». Notez bien l’importance du déterminant.

Ce ‘THE’, il est important. Parce qu’il ne s’agit pas de n’importe quel bonheur.

Tout comme dans la discographie d’Aube, ce sixième opus est donc déterminant.

Parce qu’il ne s’agit pas de n’importe quel album.

C’est celui de l’éclosion, de la révélation.

Non pas au monde (lui, il attendra), mais à elle-même.

Des disques qu’elle enchaîne toujours aussi rapidement.

Une collection généreuse mais pas prolixe.

Chacun des œuvres précédentes révélant le chemin.

Jusqu’à nous mener ici.

En sa compagnie, en haut de cet escalier en colimaçon, dont les marches se dessinent au fur et mesure sous les pieds.

Mélange d’électronique et d’organique, cet album dépeint ce point frontière entre réel et irréel, ce point tangible où l’ivresse devient satiété.

Ou la peur s’estompe et devient moins effrayante.

Où le doute qui s’immisce en tout, qui s’immisce en nous, se laisse apprivoiser.

Cet instant propice où l’abandon nous fait lâcher prise.

Invitation à passer cette limite, le premier titre s’intitule fort justement « Cross The Line ».

C’est un instrumental vaporeux, empreint de magie.

S’ensuit alors le thème principal de ce long playing, développé dans ce titre-phare, car lumineux dans la nuit : « Time For The Happiness ».

‘Happiness’not an easy way’. Non. Point de facilité, ici.

La voix, qui joue à travers différents registres, s’élève et nous surplombe.

Car la vue est plus dégagée là haut, et permet de voir venir.

Et on se rend compte très rapidement du tour de force extraordinaire de cet essai.

Celui de marier dans les mêmes harmonies joie et tristesse, comme un soleil éblouissant au creux de nuages que peu à peu le vent viendrait à chasser.

Car il émane une mélancolie de chaque titre, légère et impalpable.

Selon l’humeur, on percevra donc ces huit morceaux, ces huit éclats de vie, de manière différente.

Écoutes après écoutes, on se surprendra à le découvrir et on découvrira combien il peut encore nous surprendre.

Enregistré et produit par Aube elle-même dans son propre studio, niché entre ses murs parisiens, il marque donc une transition dans le travail d’Aube.

Une évolution qui ressemble à une mue.

Certaines sonorités ne sont pas sans rappeler The XX, certains climats aussi.

C’est sans doute le seul lien tangible que je puisse établir avec une quelconque scène.

Quant à la scène, c’est sans doute la seule chose qu’Aube ne partage pas.

Assumant tous les rôles, cette délicieuse femme orchestre son univers autour de ses instruments.

Prenez donc, puisque c’est offert !

Goûtez-y à ce bonheur, il ne se refuse pas.

Découvrez la, elle n’attend que ça.

Le succès, lui, peut se refuser à elle.

Mais pas vous !

Non, car personne ne devrait se refuser à Aube L.

Quand l’évidence Pop tient la dragée haute à une esthétique intègre, qu’elle ose se désaper et laisser ses attributs faciles au vestiaire, elle nous apparaît alors dans son plus bel appareil.

Quand elle épouse les contours rugueux d’une pédale de distorsion, qu’elle écrase d’un pied sûr les conventions, elle sait nous aguicher.

Et quand elle surgit de derrière une tenture d’atmosphère sombre et soyeuse comme un velours usé, elle sait se montrer mystérieuse et nous entraîner.

C’est donc d’elle dont il est question sur ce six titres.

Cette Pop aux multiples facettes et aux multiples tenues de scène.

La scène, justement, parlons-en!

Un élément incontournable de la Pop créée par Matthieu Malon.

Mais nous y reviendrons.

Car avant tout, attardons-nous sur l’homme et revenons sur ses différentes identités.

Rencontré en 2002, au creux d’un univers sombre et mystérieux sous les traits opiacés de Laudanum et au travers de trois albums crépusculaires entre Electro et déclinaisons Wave (dont “System : On”, inclassable oeuvre d’une noirceur éclatante), on le perd ensuite de vue,  malgré une activité jamais prise en défaut (notamment au sein de Ex Ex et sous son propre nom). Et aujourd’hui, Matthieu Malon nous revient à la face, tel un boomerang ivre.

Rapproché à juste titre de Daniel Darc, à qui il rendait un vibrant hommage au soir de sa disparition en publiant “28.02.2013”, il signait en mai dernier un retour remarqué aux affaires.

Ainsi, “Peut-être un jour” retraçait les points de suspension au dessus du vide laissé par “Froids”, son premier album paru sans l’artifice d’un pseudonyme au crépuscule du siècle passé, et ce malgré l’existence cachée du très beau “Les Jours Sont Comptés”, un disque oublié car jamais gravé.

Aujourd’hui sort donc cet Ep, “Une Deuxième Chance”.

Dont le titre éloquent tend les bras vers le ciel et nous invite à l’embrasser.

Une franche accolade au départ qui se transforme vite en virile et tendre empoignade.

“Je Veux Du Fric”, en effet, est une entrée en matière plutôt enjouée et un parfait contre-pied à l’univers de Laudanum.

Une déstabilisante incursion dans un registre sympathique sans être racoleur.

Mais bientôt l’étreinte se resserre à l’écoute de “L’Air De Rien”. A cause des sonorités saturées et des nappes synthétiques qui font valser les illusions.

Une électricité grésillante qui sert d’écrin à la voix de Matthieu Malon, celle-ci s’y logeant avec une élégante distance, susurrant les mots plus que les chantant.

“Loin” s’éclaire de choeurs féminins et de clappement de mains sans se départir d’une certaine urgence et “Une Deuxième Chance” retrace ce lien ténu entre cinéma et prose Rock par le biais d’un dialogue teinté de Diabologum.

Une version revisitée de “28.02.2013” souligne l’évidente influence de l’ex-Taxi Girl, mais sans révérence pompeuse et puis il y a cet extrait Live.

Caractérisé par sa trame opaque, “La Fin De mes Nuits” s’autorise une version lézardée d’éclairs électriques. Comme une nuit d’encre striée de flashes, offrant des images stroboscopiques à des paupières closes.

Une adaptation magistrale, tout en retenue, d’où s’échappe un flux résonnant et obsédant.

À l’instar de Matthieu Malon lui-même, “Seconde Chance” affiche donc sa dualité assumée, son envie irrépressible de défricher le paysage sonore et de s’aventurer sur des pentes escarpées comme sur des chemins d’apparence plus linéaires.

Une seconde chance qu’on aimerait voir ne pas filer. 

Fausse et marquetée rébellion politique (« Boom Time »), beats old school éculés 1 000 fois entendus (« Smile »), flows insipides (« Left the Hood »), concept fumeux (premier album publié en forme de lunettes de soleil sur lesquelles on trouve un code pour le télécharger… hmmmm, quelle bonne idée !), sous-Sublime (« Feels Right ») ou sous Major Lazer (« Wrong War »), vocalises horripilantes (« Me I Am »), indigestion de styles (soul, hip-hop, dance, Latin, funk, reggae,…) ou diversité de pacotille, ‘feel-good music’ insipide et encore riffs de guitares faussement bodybuildés (« Flying High »)… Cette énumération constitue une partie des ingrédients utilisés pour concocter cette horripilante purée musicale londonienne. Pas la peine de vous rappeler qu’il est préférable de passer votre chemin…