C’est par Anvers que qu’Attila avait décidé de faire un crochet en Belgique pour le début de sa tournée européenne. Une centaine de personnes les attendaient au Kavka, petite salle de concert en plein cœur d’Anvers. Chauffé en première partie par Knives To a Gunfight et Heart Of A Coward, le public a répondu présent au Metalcore teinté de Hip-Hop des Géorgiens.
Les hostilités ont tout d’abord commencé par Knives To a Gunfight. Originaire d’Anvers, il va délivrer un Metalcore pêchu, précis et sans concession. Il joue sur ses terres, cela se sent. Les fans sont là. Ils jouent des coudes pour s’emparer du micro et chanter à l’unisson avec le chanteur charismatique (et tatoué jusqu’au visage!), Mick. On se bouscule et on laisse la place à quelques mosh-pits au centre de la salle. Vu l’agencement réduit des lieux, inutile de préciser que la promiscuité est vite de rigueur. L’intensité monte d’ailleurs d’un cran lorsque le combo annonce que le concert est entièrement filmé afin d’en réaliser prochainement un clip. Il ne compte certes que deux années dans les jambes mais fait preuve d’une expérience certaine de la scène. Bonne découverte.
Le temps de se rafraîchir le gosier et ce sont les Anglais de Heart Of A Coward qui prennent possession de la scène et attaquent ‘Killing Fields’, titre aux chants clairs en fin de compo, n’ayant pas manqué de faire vibrer dangereusement les tympans. Ce type de voix n’est en effet apparemment pas le point fort de Jamie Graham, chanteur de la formation. Elle nous promet ensuite une montée en puissance au fur et à mesure des morceaux. Pas faux. Mais le set ne décolle pas et les titres s’enchaînent selon une linéarité quelque peu monotone. « Around a Girl (in 80 days) » clôture la prestation en une envolée de fausses notes vocales. Passons. Il est temps de refaire le plein en houblon afin d’accueillir la tête d’affiche.
Première constatation : les Américains d’Attila ne sont que quatre sur scène. Nate Salameh, le soliste, manque à l’appel. Le band n’y fera d’ailleurs pas mention ni allusion pendant son show. On apprendra le lendemain, via le compte Facebook de Nate, que les quatre autres musicos et lui ont décidé de converger vers des chemins différents, le guitariste ayant désormais opté pour ‘un style de vie différent en ne consommant plus d’alcool ni de drogues ; ce qui s’avérait impossible comme membre du groupe’.
Le concert s’ouvre par un « Middle Fingers Up » qui met directement l’ambiance : le quatuor invite à jumper et le public suit sans broncher. Attila prend visiblement du plaisir à exécuter ses titres, malgré le format réduit des lieux. Alors qu’il rencontre un beau succès outre-mer, atteignant presque les deux millions d’écoutes sur Spotify, il doit encore faire ses preuves en Europe. ‘C’est vrai que nous ne venons pas souvent chez vous, mais c’est promis, on reviendra’ lance Fronz, le chanteur, en guise de promesse au public. La setlist reprend essentiellement des plages de leur dernier opus, « About that Life », reconnu unanimement par les critiques comme un succès. ‘Il y a la barrière de la langue, mais je vois qu’on se comprend quand même’. La confrontation des cultures européennes et américaines est en effet parfois palpable. Il peut paraître un peu surprenant de voir une formation profiter d’un break entre deux morceaux pour apercevoir qui, parmi le public, porte un t-shirt ou une casquette à leur effigie, tout en invitant ensuite chaleureusement les personnes présentes dans la salle à dépenser quelques deniers au stand marchandising. Il suffit de suivre quelque peu le groupe sur les réseaux sociaux pour se rendre compte que leur facette ‘business’ occupe une part toute aussi importante que celle musicale. Par chance, il a préféré ranger dans ses tiroirs les chaînes (à l’exception du batteur) et autres bagues ‘bling-bling’ arborées dans le clip « About That Life ». C’est d’ailleurs par ce titre, lors du rappel, qu’Attila clôture un show propre, percutant et fidèle à l’énergie insufflée dans leur dernier LP. On regrettera cependant la durée du spectacle : à peine moins d’une heure. Un combo incontestablement habitué à fouler les scènes dont la percée en Europe ne pourra qu’aller crescendo au fur et à mesure des prestations. Prochain rendez-vous lors des festivals d’été ?
Stand For Truth et Do Or Die, la tête d'affiche, ont fait trembler la cité du doudou ce samedi 18 octobre. L'épicentre : l'Alhambra de Mons. Do or Die est une formation montoise née en 1999 qui reconnaît pour influences majeures, Machine Head, Sepultura, Slayer, Pantera, Metallica, Madball ou encore Cannibal Corpse. A son actif, 5 elpees studios, dont le dernier "The Downfall of the Human Race", remonte à 2011.
Reach The Shore était également au programme. Arrivé trop tard, j’ai manqué leur prestation.
Stand For Truth a vu le jour en 2010 et nous vient de Tournai. La formation, dont le nom apparaît de plus en plus à l'affiche des festivals, attirait mon attention depuis un moment.
Cet été 2014, elle a, notamment, participé à l'Antwerp Metal Fest et enchaîné au Dour Festival, pour défendre son premier album, "Game is over".
Ce soir, bien que le son n'ait pas joué en leur faveur durant les dix premières minutes, l'énergie dégagée a fait bonne impression.
Le problème réglé, le groupe confirme, alors, qu'il n'est pas là par hasard. J’ai bien fait de rester sur place.
Parmi les titres interprétés, je reconnais "Injustice for all" et "I'll make you pay" ; compos dont les vidéos ont pas mal circulé sur la toile.
Un Ep 6 titres devrait sortir au mois de mars 2015. En exclusivité, "Hope for the hopeless" nous a été présenté. Très prometteur, je pense.
A suivre !
Une petite demi-heure plus tard, Do Or Die, la tête d'affiche, investit les planches. Au sein du line up, on remarque la présence d’un nouveau batteur, Jonathan Chiarenza.
Pour ne pas déroger à la règle, c'est sur les chapeaux de roues que le show démarre. Et la surprise est de taille, puisqu’il s’ouvre par un nouveau morceau, "Crows".
L’aptitude du band à se réinventer est sa marque de fabrique. Pas étonnant que "Crows" fasse mouche, à l'unanimité.
Trois autres nouvelles compos, d'un futur sixième elpee, alimenteront la setlist, qui en comptabilisera dix-sept au total. Rien que ça !
Ils s'agit de : "Bella Famiglia soldiers", "Off with their head" et "You fucked us once, We kill you twice !"
Elles seront jouées avec un enthousiasme débordant et sans appréhension. Un professionnalisme exemplaire. Le public appréciera !
Finalement, tout semble facile pour ces ‘monstres’ de la scène hardcore belge et européenne.
Prouesses d'interprétation, vocales, techniques, rythmiques et même physiques seront au rendez-vous pour le plaisir des cinq sens ; voire six pour les plus férus d'entre-nous.
Un moment précis va marquer ma soirée. Chris Michez (chant), aujourd'hui orphelin de ses grands-parents, leur rendra hommage, en guise de remerciements pour l'homme qu'il est devenu, tout au long de la chanson "Heart full of pain".
L'altruiste qu'il est n'oubliera pas de la dédier à nos disparus, aussi.
C'est l'index levé vers le ciel qui donne le coup d'envoi.
Le concert se termine par un classique et une reprise de Sepultura ; respectivement "Bella Famiglia" et "Roots bloody Roots".
Sachant que la salle est très difficile à dompter quand il s'agit d’acoustique, terminer cette chronique sans mettre en exergue l'ingé-son du band serait une erreur.
C'est très surpris et humblement qu'il m'a donné son nom. Jérôme Sanna, membre à part entière du combo, était donc aux manettes.
Une longue tournée s'est achevée, ce soir.
Résumé de la conversation réalisée en compagnie le Chanteur Stéphane Frocheur, à l’issue de leur prestation.
Do Or Die se prépare à sortir, pour mars 2015, son 6ème opus. Des négociations seraient en cours auprès de plusieurs labels, dont certains d'envergure.
Le mixing sera opéré du côté de Dallas, aux USA, par un certain Sterling Winfield (Pantera, Hellyeah, ...)
Quant à la production, elle sera assurée par Mikey Doling, guitariste cheez Snot, Soulfly et Channel Zero.
Ça va barder !
(Organisation Alhambra)
Russell Whyte, plus connu sous le nom de Rustie, déposait ses platines sur les planches du VK, ce jeudi 16 octobre pour y présenter « Green Language », un second LP en demi-teinte mais imprégné de bonnes grosses basses bien lourdes, à l’image de ce concert, qui en aura laissé plus d’un sur sa faim.
Pour son troisième passage sur une estrade bruxelloise (1ère fois en 2009 à l’AB, 2ème au Bozar Electronic Weekend en 2011), le DJ/producteur écossais a convié en première partie Yarin Lidor, DJ israélien qui explore le même terrain, un genre hybride et inclassable de Bass Music, Hip Hop et électro. L’homme propose un DJ Set sans grandes étincelles. Et des étincelles, cette soirée n’en produira pas énormément. Heureusement, il y a le bar.
Habitué aux retards de la salle molenbeekoise, c’est sur le coup des 21h que je débarque dans un VK quasi vide. Un rideau réduit l’espace de l’auditoire de moitié. Derrière le voile, un parterre clairsemé. Ce n’est décidément pas un succès de foule pour le jeune producteur de Glasgow. En attendant l’arrivée de ce dernier, Yarin Lidor fait timidement danser quelques clubbers du jeudi soir sur un set qui semble s’allonger indéfiniment.
Plus qu’une impression, puisqu’il a fallu attendre 21h45 pour que Rustie daigne rejoindre ses platines pour le ‘Live VJ Set’ annoncé. Derrière lui, l’écran diffuse des variations d’une seule et même image : celle de flamands roses illustrant la pochette de « Green Language » et le vidéoclip de « Raptor ». Le set démarre lentement sur quelques extraits de son dernier labeur. Pas content le Rustie ? Ou juste amorphe ? Le jeune homme affiche une mine fermée, résolument tournée vers ses machines. OK, vu le matériel déployé, les manips demandent certainement une bonne dose de concentration. Mais, sourire oublié en coulisse, l’Ecossais preste sans communiquer la moindre émotion. La salle gigote sur les « Lost », « Attak », « Surph », « Ultra Thizz » et autres capsules empruntées à ses collègues de Warp, comme le génial « Chimes » de Hudson Mohawke, qui sera le point culminant de la soirée. Et, à contrario d’un DJ set, pour que ce soit le titre d’un autre qui se révèle être le point culminant du show live d’un artiste, ce dernier a de quoi remettre en question sa prestation. Au bout d’une petite heure, le mecton lâche ses manettes et se barre sans se retourner. Allez, si, un petit rappel riquiqui et puis s’en va. Et je fais de même, assez déçu du résultat, malgré quelques passages pourtant prometteurs.
(Organisation : VK)
Le ciel est bas et plombé au dehors. L'obscurité de l'hiver s'est glissée sur Bruxelles. Unique convive : la pluie. Le froid glace le sang. La mélancolie s’installe. Pourquoi ne venez-vous pas à l'intérieur? Allez, amusez-vous!
Quand un musicien de la trempe d’Erlend Øye, ancien membre de Kings Of Convenience et collaborateur régulier chez Röyksopp, revient sur le devant de la scène après 5 ans d’absence, forcément, on y jette une oreille attentive. Et on découvre un album enthousiasmant, à peu près aussi jouissif et audacieux que son premier effort, le déjà très surprenant « Unrest ».
À titre purement informatif, Legao, le deuxième essai du jeune Norvégien, a été enregistré entre 2013 et 2014 au studio Hljóðriti à Reykjavik en Islande aux côtés du groupe de reggae Hjálmar. Un choix singulier mais somme toute assez cohérent lorsqu’on écoute les nouveaux morceaux du Norvégien. À commencer par « Fence Me In », un petit bijou d’indie-pop lumineuse assez éloignée des tendances affichées dans le passé par Kings Of Convenience, si ce n’est dans cette façon de mélanger la légèreté à la gravité, de varier les esthétiques et les genres musicaux. Cette fois, c’est dans des tonalités mid-tempo, des sonorités exotiques et des rythmes presque dub qu’Erlend Øye est allé puiser les arrangements souples et élégants de ses chansons efficaces.
L’inclassable Erlend Øye se met alors en scène. Artiste atypique à la silhouette d’adolescent dégingandé, au visage flanqué de lunettes époque Brejnev et fan absolu de ‘Data Pop’. Jeune extraverti qui arpente volontiers le monde blasé de l’électronique et de la culture club. Un concert plutôt ensoleillé.
Pourtant, l’ennui s’immisce rapidement. L’Orangerie est comble, l’auditoire suffoque dans la moiteur qui laisse peu de place et guère de confort pour accueillir votre hôte comme il se doit. Après 27 minutes d’attente pour commander un soda. 14 minutes de file devant les portes de l’Orangerie, l’angoisse vous étreint. La fatigue et la foule gagnent sur le concert. Un choix s’impose : supporter ou le revoir. Après 4 morceaux, c’est la seconde solution qui s’invite et décide. Impérieusement. À bientôt Erlend Øye. Pas ici, pas maintenant.
(Organisation Botanique)
Tacit Fury pratique du death et du trash metal. Fondé en 2001, ce groupe russe réunit le chanteur/guitariste Enoth, le drummer Imidazo et le bassiste German. Intitulé « Imaginary Suffering », son premier elpee paraît en 2002. Et le deuxième, « The Invented Pain », en 2006. Le combo se sépare ensuite pour se reformer en 2010. Il publie alors « Horrors From Depth », en 2012 ; et enfin, « A Social Berserker » en mars dernier, chez Fono Ltd. L'intégralité de cet opus a été produite aux studios Hertz en Pologne où ont notamment enregistré des formations comme Behemoth, Vader et Decapitated.
Depuis la chute du mur de Berlin, l'ouverture vers l'Est touche également la musique ; et on y recense d’excellentes formations qui méritent de s'exporter vers nos contrées. Et Tacit Fury en fait assurément partie.
Découpé en 12 morceaux, cet album est une véritable tuerie. Il fait d’ailleurs le buzz, dans les médias, un peu partout en Europe. L’expression sonore évolue quelque part entre celle de Motionless In White et de While She Sleeps. Le premier single extrait de l’LP s’intitule « Lacerated, Strangled, Impaled » ; il fait également l’objet d’un superbe clip vidéo. Et c’est ce morceau qui ouvre les hostilités. Grattes et drums se livrent une véritable guerre des tranchées. La voix est puissante et percutante. Les riffs de gratte sont très soutenus. Dans le style « Run While You Can », « Mind Crushing Power Dominance » et « Release The Lions » devraient régaler les mélomanes du style. La voix d’Enoth se crispe pour « Chronology Bleached », alors que les soli de cordes sont à la fois épiques, précis et techniques. Tout comme pour « A Standard Of Perfection » et « Future For Future ». « Overbade » et « Ferocity Unleashed » constituent les deux pistes qui me bottent le moins. « The Saw Wheel Of Fortune » et « War Against All Living » nécessitent plusieurs écoutes avant d’être appréciés à leur juste valeur. « Creeping Death » clôt les débats. Bonus track, il s’agit d’une cover de Metallica. Et à la sauce russe, le résultat est probant.
Nocive et addictive l’électro de Tobacco ? Signé sur Ghostly International, ce side-projet imaginé par l’Américain Thomas Fec, leader des Black Moth Super Rainbow, ne met en tout cas pas tous les atouts dans son jeu en choisissant un tel patronyme. Imaginez la fastidieuse recherche d’infos sur le Net pour dénicher des infos… « Ultima II Massage » constitue le troisième volet de cette singulière aventure. Elle fait suite à deux premiers actes parus sur Anticon. Pour explorer la face la plus sombre de sa personnalité, le bidouilleur de Pittsburgh s’est à nouveau servi d’instruments insolites (machine à écrire) et analogiques (synthés vintage). Et le résultat est aussi étrange que fascinant. Il y aborde d’ailleurs des thèmes aussi variés que les sucettes ou… l’éjaculation, via une multitude de voix trafiquées. Entre cauchemar étouffé (« Good Complexion »), vignette pop déviante (« Eruption ») et dance pompée dans les égouts (« Lipstick Destroyer »), l’électro de Tobacco n’est pas facile d’accès ; et, en outre, s’avère insidieusement nuisible pour la santé mentale des mélomanes. La réponse yankee au tout aussi dérangé frenchie Mr. Oizo, en quelque sorte…
A première lecture, le nom de Tomas Barfod ne me dit pas grand-chose ; mais en approfondissant le sujet, on apprend qu’il s’agit en réalité du batteur qui milite au sein du groupe danois WhoMadeWho. Après avoir gravé un album en compagnie de son band, il a pris congé de ses camarades pour en revenir à son projet solo, afin d’enregistrer un second album.
Tomas Barfod a donc troqué ses fûts contre des claviers et des boîtes à rythmes. Tout au long de « Love Me », il explore un univers électronique et semble y prendre un grand plaisir. Cet album possède un fil conducteur. Afin de donner du relief aux morceaux et qu’on puisse y accrocher plus aisément, Tomas a eu la judicieuse idée d’inviter plusieurs collègues à poser leur voix. En début de parcours, c’est Luke Temple (chanteur de Here We Go Magic) qui apporte la sienne sur « Bell House », un titre atmosphérique que l’Américain met parfaitement en valeur. S’ensuivent plusieurs plages, au cours de laquelle Nina K, une jeune compositrice suédoise, vient chauffer l’atmosphère. Chaque titre auquel elle participe est un tube en puissance, à l’instar de « Pulsing » et « Busy Baby ». Défilent encore derrière le micro, Brian Batz (artiste danois actif sur la scène électro) et son acolyte chez WhoMadeWho, Jeppe Kjellberg, pour ne citer qu’eux. Mais le tour de force réalisé par Barfod, c’est que malgré les nombreux collaborateurs, et le tracklisting partagé entre titres ultra pop et pistes contemplatives, il parvient à garder une homogénéité à l’ensemble tout en imprimant sa touche personnelle. Bref, « Love Me » s’écoute du début à la fin, avec autant de plaisir.
Alors que tout semblait rouler pour The Computers, qu’il parvenait à se détacher d’une scène rock un peu consanguine en proposant un rock pêchu, cinglant et original, il nous largue « Love triangle, Hate Squares ».
Mais pourquoi ?
Pourquoi ce changement de cap ? Pourquoi cette incursion dans la pop insipide et commerciale ? Bref, la mauvaise surprise est de taille.
La pochette de l’album prête à sourire. L’attitude de la formation anglaise ressemble à de la gêne. Vêtus de costards étroits, taillés dans le velours, comme les adeptes du punk/rockabilly, on dirait qu’ils cherchent à se cacher ou tout au moins à s’excuser d’avoir commis un tel disque.
Se seraient-il rangés ? Auraient-ils succombé aux sirènes lucratives ? Nul ne le sait.
Une chose est sûre, cette troisième galette est celle de trop. Celle que l’on enregistre pour vendre et surtout plaire à un maximum de public.
Alors que les concessions semblaient tout à fait inacceptables pour le combo, le style du band s’est adouci, liquéfié, et est même devenu condescendant.
Et que reste-t-il de l’essence même du groupe ? La banane dressée et les cordes chatoyantes. Car les compositions s’étouffent rapidement dans la multitude d’effets inadaptés. Les précédents elpees semblaient trop courts, celui-ci paraît long, interminable même et n’est pas du tout abouti.
« Love triangle, Hate Squares » est une trahison. En voulant plaire à tout prix, The Computers risque de perdre son âme. Allez les gars, on se réveille !!
Le blues a toujours été populaire chez nos amis du Nord ; et depuis les 60’s, ils ont toujours donné naissance à des artistes talentueux. La scène y est particulièrement vivace et le nombre de jeunes formations y est important. Les Hollandais possèdent un son, qui a été cultivé et exploité par le label Cool Buzz depuis ses débuts en 1998. Sur cette écurie, la formation Big Blind a pondu un excellent album en 2009, "Circus left town". On se demandait ce qu’elle était devenue. Et bien on a la réponse, puisque le chanteur/harmoniciste Wesley Van Werkhoven, le guitariste JJ Van Duijn et le drummer Niels Duindam ont décidé de monter un nouveau combo en février 2013, le Dynamite Blues Band. Seul changement au sein du line up, la présence de Renzo Van Leeuwen qui a repris le poste de bassiste à Dirk, le frère de JJ! Et le résultat tient la route. Du blues franc, direct, dynamique et original. Les quatre musiciens signent les treize plages.
Dès les premières notes de "Howlin", nous sommes plongés au cœur de cet univers blues typiquement batave ; un ancrage bien personnel, même si le tout est épicé de saveurs empruntées aux Red Devils de Lester Butler. La voix de Wesley n'est pas très puissante, mais harmonieuse, elle se fond bien dans l’ensemble. Subtil, original, le jeu d'harmonica intervient assidûment. Une formule qu’on retrouve sur "Reset", une des meilleures plages de l’opus. Le rythme s'emballe sur "Boom boom boom". La rythmique puissante et le chant caustique me rappellent les Pretty Things à leurs débuts. Butler hante également "Doin' okay". L’harmoniciste vide pour la circonstance ses poumons. La voix est vivace. "Anna Lee" nous entraîne dans l'univers texan des frères Vaughan, et tout particulièrement celui de Jimmie. A cause du style incisif de JJ sur les cordes. "Rebound" opère une première incursion dans le boogie. Un tempo également adopté par le brillant "Boogie through the night" et lors de la finale, "Shakedown & boogie". "Rebound" évolue sur un rythme indolent, lancinant, hypnotique même, dans l’esprit de Howlin' Wolf ; une piste au cours de laquelle JJ se concentre sur la slide. Van Duijn tire son épingle du jeu tout au long de "Movin", un West Coast jump qui libère une swing léger, tout en évoquant la crème du genre, comme Hollywood Fats ou Junior Watson. Le long playing recèle également deux pistes rythmées et explosives ; en l’occurrence, "TNT" et "Dynamizer", un instrumental sur lequel Wesley pourrait rivaliser avec les meilleurs souffleurs contemporains. "Black magic" est la compo la plus lente, une chanson empreinte de mélancolie qui reflète un certain de mal de vivre…
HPRSTN comme Hypertension, est le fruit d’une surprenante collaboration franco-américaine réunissant les mystérieux HYPE001, 002, 003 et 004. Le band nous livre « Palm Tree », un second Ep hybride, qui navigue quelque part entre électro et noise, malgré quelques traces de pop. Un étrange cocktail contemporain qui oscille entre le léger et le lourd, le dansant et l’électrique, la fausse nonchalance (« Watch Your Back Again ») et les salves frontales réminiscentes de The Faint (« I Can’t Sleep »). Dommage que, parfois, la production manque de punch (« Going Out ») pour alimenter cette hypertension annoncée. Une belle découverte toutefois…
C’est souvent quitte ou double quand on aborde le hip-hop belge. Naviguant tel un bateau ivre, à bord duquel se côtoient le meilleur (Veence Hanao) et des productions très moyennes (non, non, pas de nom…), La Smala est un jeune collectif bruxellois actif depuis 2009. Néanmoins, leur premier elpee officiel constitue une bonne surprise, un disque frénétique qui paraît après la sortie de quelques essais publiés sous le manteau. On est donc ici en présence de bien plus qu’« Un Murmure dans le Vent », comme le band le suggère trop modestement. Il s’agit même d’une mini révolution dans le petit monde du rap noir, jaune, rouge.
DJ X-Men, F.L.O., Rizla, Senamo, Seyté et Shawn-H ressortent l’attirail du hip-hop sautillant des 90’s ; et, dans un genre pourtant ressassé, les MC’s de La Smala parviennent à faire claquer leurs punchlines inspirées sur des instrumentaux variés, passant aisément de singles festifs et jouissifs (« Hold-up », « Yes Mani ») aux sujets plus sérieux (« Pour Etre Franc », le très cool « 12 Ans d’Age ») sans tomber dans les poncifs et stéréotypes souvent liés au style. Il faut dire que les membres de cette smala sont actifs dans le milieu depuis plus de 10 ans ! Et ne manquent pas de talent. On ne s’improvise pas rappeur et les jeunes Belges de La Smala le démontrent tout au long de cet opus, qui finalement ressemble plus à un cri dans la tempête…
Entre Mountain Bike et votre serviteur, c’est un peu l’histoire d’un oubli. Charmé par la prestation du groupe qui s’était produit en première partie de Cloud Nothings et Mac DeMarco, lors des Nuits Botanique, au mois de mai, j’avoue avoir par la suite l’avoir laissé de côté sans réelle raison.
Heureusement, le quatuor franco-belge a su me rappeler à son bon souvenir lors du sympathique festival Ward’in Rock 2014. Le lendemain, je me procurais le précieux album sorti quelques mois plus tôt.
Le résultat est, sans surprise, très bon. Le groupe enchaîne les chansons en parcourant des sonorités parfois surf, rock, punk ou plus souvent garage. Le tout proposant également quelques passages un peu plus pop. Le long playing reste donc assez accessible et l’entrée en matière convaincra les sceptiques à pousser l’écoute jusqu’au bout des 11 pistes. Le morceau d’ouverture, « Word Land », accroche directement le mélomane grâce à ses petits coups de guitare et sa construction en crescendo. Le second titre, « I Lost My Hopes (In Paradise) », est le véritable tube du disque. Rythme entêtant (construit autour de la guitare sèche) et refrain qui ne quitte pas la tête après écoute : la recette magique est bien présente ! S’ensuivent deux plages au rythme effréné avant d’arriver au morceau « Just Good Friends » qui marque l’LP. Cette ballade n’a pas seulement la fonction d’apporter un peu de répit à l’auditeur, elle apporte une magnifique touche mélancolique à cet opus souvent très nerveux. Le souffle repris, nous pouvons attaquer la seconde partie. Celle-ci est toujours aussi intéressante et atteint son apogée lors des deux dernières chansons. « Hangin’ Around » est le titre planant de l’opus, alors que « Japanese Guitar » le conclut en puissance. Le son y est très dense mais également mélodique. Clairement un des meilleurs morceaux du groupe.
Si nous notons un petit coup de mou dans le deuxième tiers, le premier elpee de Mountain Bike est une belle réussite qui rafraîchira ceux qui auront le plaisir de se le procurer. Et surtout, c’est une formation qu’il ne faut pas rater en live, car leurs morceaux y prennent une autre dimension !
Drew Nelson est issu d’Ottawa. Ce chanteur/guitariste/compositeur canadien était, à l’origine, influencé par le rock'n'roll et le Chicago blues. En 1989, il monte son Drew Nelson Band. Et dans la foulée le combo publie son premier elpee, "The Drew Nelson Band". Puis “The Honeymoon’s Over”, en 1990. En 1994, il enregistre "Mr. Nelson’s Neighbourhood », en solo. De 92 à 97, il commet trois elpees en compagnie de Dutch Mason. Puis, il disparaît de la circulation. Il faut attendre 2001 avant qu’il ne refasse surface. Il sort alors "Just because", long playing solo pour lequel il reçoit le renfort de Steve Marriner à l'harmonica. Et en 2006, paraît "30 odd years". Nouveau long silence ; et huit années plus tard, il a enfin la volonté et la détermination d’opérer son grand retour. Pour y parvenir, il reçoit de nouveau le concours de Southside Steve Marriner, le leader du trio Monkeyjunk! "The other side" est une œuvre blues/roots réunissant onze plages, dont neuf sont signées par Nelson. Les sessions se sont déroulées au studio Signal Path d'Almonte, dans l’Ontario. Trois musiciens y sont totalement impliqués : Drew au chant et aux guitares, Matt Sobb à la batterie, et Marriner à la basse, à l’harmonica et une foule d’autres instruments.
Surprise, c'est une composition de Bob Dylan, "Seven days" qui ouvre le feu. Armé de sa guitare slide, Drew chante d'une voix proche du Zim des débuts. Une reprise de bonne facture. Marriner amorce "Make it right" au piano, un blues imprimé sur un tempo soutenu. La slide ronronne et le jeune Marriner (pas encore 30 ans) dégaine rapidement son harmonica ; et manifestement il est particulièrement doué. Il a, en outre, le don de fouetter l’enthousiasme de Nelson qui libère une excellente envolée de cordes. "Stick around" adopte le rythme de reggae. Kelly Sloan se réserve les backing vocals et Steve se charge de l'orgue. La reprise du notoire "Bird on a wire" de Leonard Cohen est très réussie. Illuminée par la pedal steel de John Steele (Cooper Brothers), elle nous plonge dans un climat country. On passe à du Chicago southside pour "One more chance", un blues lent très proche de Muddy Waters. L'harmonica de Southside Steve et la slide de Drew ressuscitent le tandem de Little Walter et Muddy Waters. Et c’est un vrai bonheur ! "Valentine" nous entraîne à la découverte des paysages lugubres des swamps louisianais. Les sonorités sont réverbérées. Les cordes de Drew et la guitare baritone de Marriner se frictionnent. Excellent ! Nelson emprunte la voix grave de Johnny Cash pour interpréter "Drifting away", une ballade country marquée par le retour de la pedal steel. Et le résultat est sublime ! Caractérisé par ses changements de rythme, "Please come home" est blues de bonne facture, au cours duquel l’harmo du jeune Steve s’enflamme à nouveau. Ballade empreinte de tendresse, "Did you ever?" bénéficie d’excellents arrangements, procurés par la six cordes et le saxophone de Steve Trecarten. "Get it!" est de la pure dynamite. Un rock'n'roll stimulé par la slide dévastatrice et Steve qui double au piano et à l'harmonica. Ballade folk roots, "The other side" est balayé par le violoncelle Ken Kanwisher. Retour réussi pour Drew Nelson !
Que les censeurs se lèvent, après avoir lu cette chronique, et me jettent tout ce qui leur passe sous la main : amplis, enceintes, bouquins, cailloux, belle-mère, je suis prêt à en prendre plein la poire.
Que les autres restent assis.
Si je vous annonce qu’« Arc Iris » est neuneu, une première salve de projectiles est en préparation.
Certains critiques musicaux crient au génie. Perso, cet opus me laisse dubitatif. Il baigne dans un climat de douceur surannée, volatile, sans véritable but ; une impression accentuée par la voix aérienne et mielleuse à souhait. Bref, « Arc Iris » est un album parfait pour les dépressifs.
Yann Tiersen (la B.O. du film Amélie Poulain), Kate Bush et Sufjan Stevens doivent plus que probablement constituer les influences majeures de cet Américain.
N’y cherchez aucune fantaisie dans sa musique, mais une grande sensibilité exacerbée par de longues tirades au piano et des cordes de violons emphatiques. Tout ce qu’il faut pour plomber l’atmosphère.
Certaines pistes tentent néanmoins de manifester une touche d’optimisme voire d’allégresse (« Stranger I know », « Pestiodon Fasciatus » « Unhand Me »), mais la plupart d’entre elles nous entraînent dans un abîme ténébreux… Mais était-ce vraiment l’objectif de l’artiste ? Je n’en suis pas vraiment sûr…
Quoiqu’il en soit, si vous estimez que la souffrance est une forme de bonheur et qu’intellectualiser le sens mélodique entraîne légèreté et bonheur, pas de doute, vous devez vous jeter sur « Arc Iris »
Pour les autres, évitez l’épreuve ; elle ne ferait qu’aggraver toute situation qui vous semblait jusqu’alors claire et gérable.
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