Cette formation a été fondée par Skyla Burrell et Mark Tomlinson. Ils jouent tous les deux de la guitare. Skyla, se réserve les vocaux. Une blonde sexy aux longues jambes. Le premier opus du SB Band, "Working girl blues", remonte à 2004. L'année suivante, la formation est demi-finaliste de l'International Blues Challenge de Memphis. Réputé pour son blues/rock incendiaire, le combo aligne un nombre impressionnant de shows. Il publie ensuite "Livin' day to day" en 2006, "Tough luck" en 2008 et "Real love" en 2011.
Skyla est native de Los Angeles. Elle a émigré vers la côte Est, après ses 20 printemps. Mark est issu de New York. Il a milité chez les Kingsnakes, formation qui a accompagné un bon nombre de seigneurs du blues. Le line up est complété par Ezell Jones à la batterie et le vétéran Charlie Hilbert à la basse, qui vient de remplacer Miss Michelle Lucas. C’est d’ailleurs cette dernière qui a participé aux sessions de "Blues scars". Les quinze plages ont été écrites par Burrell et Tomlinson, seuls ou en couple.
Le titre maître ouvre les hostilités en mode funk. La voix de Skyla est excellente. Elle est talonnée par les grappes de notes produites par Tomlinson, inspirées subrepticement par Albert King. "Bluesin' for your lovin'" est un blues/rock bien balancé. Les grattes de Skyla et Mark se distinguent en alternance, dont une slide bien trempée. La rage au ventre, Skyla chante le rock'n'roll "Trouble". Dynamique, "Stuck in a struggle" est caractérisé par une bonne sortie de Mark sur ses cordes. Skyla chante sa passion, de manière bien féminine, tout au long de la ballade blues indolente "Love letter in blue". Balayé par une slide, "Livin' for the blues" adopte le tempo du classique "Help me", une piste qui ne manque pas de charme. Miss Burrell s’éclate sur "Shut you down". Et elle a la pêche ! Les musiciens sont chauffés à blanc. Il passent à l’offensive et attaquent en rythme "Life storms". "World wide blues" se convertit à la rumba. Un changement de style judicieux pour cette plage illuminée de guitares enchanteresses. Les sorties de cordes montent encore d'un cran tout au long du puissant "Full time gambler", un morceau au cours duquel le batteur Ezell Jones Jr fait une solide démonstration de son talent ! Un des meilleurs morceaux de l’opus ! Ballade R&B, "Jace" ne manque pas d'originalité. "Juke jointin' tonight" libère énormément de swing, une piste dont les grattes sont inspirées par Albert Collins. Empreint d’une grande sensibilité, mélodieux, "6 Mile Cemetery Road" autorise paradoxalement un flux de cordes en folie. Et ce sont "21st century blues" et "Bad business" qui achèvent cet opus de toute bonne facture…
L'artiste en est aujourd'hui à son septième album.
Ne connaissant Corneille que par le single de ses débuts, « Parce qu'on vient de loin », peut-être suis-je passé à côté de quelque chose.
L'index balance la première.
Le premier tour de piste se passe sans encombre, idem pour le second qui se voit affublé d'une touche de rap plutôt sympa.
Les événements se compliquent au troisième tour. C'est un basculement, une glissade dans le décor, percutant de plein fouet les panneaux commerciaux.
Difficile d'en ressortir. Il y a un blocage à tous les étages. La verve est pauvre, la composition sans envergure et les onomatopées insistantes en deviennent irritantes.
Tant bien que mal, j’arrive à la piste 11 qui semble être annonciatrice d'un nouveau départ. L'espoir est, cependant, de courte durée, et ce jusqu'à la ligne d'arrivée.
L'alliage de plusieurs courants musicaux n'a pas aidé l'artiste.
Sans doute, aurait-il été préférable de le voir évoluer vers davantage de simplicité. Guitare folk, basse, batterie par exemple.
Je retiens trois pistes : "Les sommets de nos vies", "Ego" et "Au bord du lac".
Pour le reste, Corneille, je bâille.
Dalton Telegramme nous vient de la Wallifornie sauvage et profonde et plus précisément de la Cité Ardente. Le line up réunit le chanteur/guitariste/trompettiste Quentin Maquet, les multi-instrumentistes Oliver Cox (drums, percus, flûte à bec, accordéon, mélodica et chœurs) et Rémi Rotsaert (guitare, banjo, ukulélé et chœurs) ainsi que Bernard Thoorens à la basse et à la guimbarde. Lauréat du « Franc'Off » de Spa en 2010, il s’est tout naturellement produit à Montréal. Il a également gagné le concours ‘Talents Acoustics’ organisé par TV5 Monde, en 2013. Et haut la main !
Leurs influences oscillent de la nouvelle chanson française au country & western, en passant par le folk et la roots. Et leurs compos se distinguent par des textes soignés.
Le combo a décidé de publier une série de 3 Eps. Et « La Cavale » en est le premier de la série. Il a été enregistré dans le Jet Studio, le plus ancien studio en Belgique.
Dynamisé par un banjo allègre, « Réveil Matin » vous sort du lit. Un titre vraiment judicieux pour vous lever sur le bon pied. Et communiquer toute sa bonne humeur, toute la journée. Grâce également à sa dose d’humour destinée à vous ouvrir les zygomatiques. « Sally » est une plage fraîche et novatrice. Alain Souchon aurait pu l’interpréter. « Tequilla » est le fruit d’un cocktail de blues, ragtime et cajun. Serions nous en Louisiane ? Dans le delta ? Pas vraiment ! Plutôt au sein du New Brunswick canadien, mais sans l'accent. Les paroles de « Papillons » s’envolent et celles de « Simili Black » ne font pas semblant. Elles sont d’ailleurs savoureuses…
Dalton Telegramme a décidé de graver une série de 3 Eps. Paru en 2013, « La Cavale » en était le premier. « La Planque » constitue le deuxième. Publié le 5 mai 2014, il a été mis en boîte, aux Studios 5 de Liège, sous la houlette de Lucas Chauvière. Il s’agit de la seconde collaboration entre le band et cet ingé-son/producteur français, qui a notamment bossé pour M, Saule, Winston McAnuff, De La Soul, Salif Keita, Java et R.Wan.
Cet Ep a été immortalisé en prise directe. Il recèle 6 plages exemptes de tout artifice.
« ...Cavale (In) » ouvre la plaque. Les images des grandes plaines qui peuplent l’Ouest américain sont à nouveau bien présentes. Au sein d’un climat sonore qui fait la part belle à l’americana, le roots et le bluegrass. Depuis la sortie de « La Cavale », il faut reconnaître que le band a pris de la bouteille. Expérience qui se ressent tout au long de cet Ep. En outre, concilier ce type de musique à des lyrics dans la langue de Molière est audacieux. Des textes qui tiennent vraiment la route. A l’instar de « Babyface Nelson », « Pas Besoin » ou encore « J'ai laissé devant ta porte », piste balisée par un banjo.
Probablement autobiographique, « Ce que nous étions » épouse un format folk/rock plus paisible. « Cavale (Out)... » achève cet Ep comme il avait commencé. C’est-à-dire à la découverte des immenses étendues de l’Ouest. Mais de la Wallifornie. Banjo et cuivres y tirent leur épingle du jeu.
On attend impatiemment la sortie du 3ème Ep de Dalton Telegramme, « Dernier Raid », qui devrait achever cette trilogie en beauté…
La trop méconnue Nancy Elizabeth Cunliffe fait assurément partie du gotha du songwriting actuel. Ce troisième album le confirme brillamment. Enregistré dans son petit appartement de Manchester, "Dancing" affine encore ce monde très personnel qui nous avait déjà tant séduit sur "Battle and Victory" et "Weight Iron".
Entourée d'une kyrielle d'instruments, du piano à la harpe celtique en passant par le khim (sorte de dulcimer thaïlandais), Nancy donne vie à ce petit orchestre de chambre. Parler de folk stricto sensu serait trop réducteur. Le premier single "The Last Battle" l'illustre bien. La BBC, grande fan de la ménestrelle, le dépeint fort justement comme une rencontre entre Ennio Morricone et Arthur Lee. C'est assurément un des très grands morceaux de cette pièce rare qui n'en manque pas.
La voix cristalline de cette adepte du Sōka Gakkai (variété du bouddhisme japonais) est un ravissement et touche à l'émotion pure. Comme sur "Heart", qui évoque le meilleur de Julia Holter, où apparaissent quelques légères sonorités électroniques. Une touche synthétique plus présente que sur les oeuvres précédentes que l'on retrouve sur "Simon Says Dance". Sur ce titre, son chant en staccato récité comme un mantra nous entraîne dans une danse spirituelle. Bouleversant aussi, le piano nostalgique de "Death in a Sunny Room" discrètement accompagné par quelques notes de harpe. Un instrument qui ennoblit tout l'opus et peut rapprocher certains morceaux des compositions de Serafina Steer. Sur l'hypnotique "Debt" par exemple, ballade sombre où harpe, guitare, cithare et rythmiques envoûtantes se côtoient et nous emportent dans une montée magistrale. Polly Jane Harvey appréciera certainement. On peut aussi déceler des réminiscences de "Rock Bottom", le chef-d'oeuvre de Robert Wyatt, dans certaines atmosphères de la Mancunienne. "All Mouth" et ses respirations saccadées en guise de rythme sonnent, par exemple, comme un cousin contemporain du remarquable "Alifib". On pourrait également citer les univers féeriques de Colleen, une autre personnalité particulière découverte par Leaf.
"Dancing" est riche et confine parfois au sublime. Son titre est cependant énigmatique. Le néo-folk aux touches médiévales et orientales décliné par la multi-instrumentiste anglaise est en effet bien plus destiné à l'âme qu'au corps. Une musique spirituelle qui apaise et parle à notre beauté intérieure.
Mark Ernestus est un personnage important dans l'histoire de la musique électronique allemande. D'abord, parce qu'il ouvre à Berlin en 89 le premier magasin spécialisé dans ce style : Hard Wax. Ensuite, pour le label légendaire qu'il a lancé en compagnie de son compère Moritz Von Oswald (aka Maurizio) au début des nineties : Basic Channel et toute sa constellation (Chain Reaction, Burial Trax, Imbalance...) Une structure que les deux amis ont amplement alimenté à l’aide de leurs productions personnelles sous quantité de pseudos (Cyrus, Quadrant, Rhythm & Sound, ...)
Depuis 2008, il entretient une passion dévorante pour la musique africaine. Il va d'abord remixer Tony Allen et le Konono n°1 puis compilera pour le label Honest Jons, les meilleurs morceaux d'un nouveau style né dans les townships au début du 21ème siècle : le Shangaan Electro. Sa fascination pour le Mbalax, musique basée sur les percussions particulièrement populaire au Sénégal, le mène tout naturellement dans ce pays. Il y rencontre Bakane Seck, grand maître du tambour Sabar qui le présente à d'autres éminents percussionnistes locaux dont Doudou Ndiaye Rose, légende vivante de la musique africaine, toujours alerte malgré ses 85 ans.
Très vite, Ernestus décide de se lancer dans la production de morceaux avec ses nouveaux amis sur un label qu'il crée pour l'occasion, Ndagga. Il embrigade dans le projet Jeri-Jeri quelques autres grands noms de la scène sénégalaise parmi lesquels le chanteur/guitariste Baaba Maal, la diva Mbene Diatta Seck et quelques membres du groupe de Youssou N'Dour. Ces enregistrements auxquels ont participé une vingtaine d'intervenants ont donné naissance à deux albums : « 800% Ndagga » qui se concentre sur les morceaux vocaux et « Ndagga Versions » pour les titres purement instrumentaux.
C'est l'occasion pour un nouveau public de découvrir les polyrythmiques fascinantes du Mbalax, un style qui depuis les années 70 fusionne musiques traditionnelles et influences occidentales. Cette rencontre avec un orfèvre de la production fonctionne remarquablement. Ernestus donne une nouvelle dimension au genre et lui donne la possibilité de séduire les fans de sonorités électroniques. Intelligent et inventif, plein de groove et de complexité rythmiques, « Ndagga » est une rencontre entre le passé et le futur. Cela se danse ou cela s'écoute selon l'envie. C'est de la world music débarrassée de toute ringardise, de toute condescendance. C'est le tribut amoureux d'un sorcier de la techno germanique au continent des rythmes. Griotronic.
Echappé des Felice Brothers depuis 2009, groupe mené par ses frères Ian et James, et au sein duquel il militait comme batteur, Simone Felice a trouvé le temps de donner libre cours à sa propre inspiration. En écrivant des morceaux pour son groupe The Duke & the King ou des poèmes, dans le cadre de sa carrière littéraire…
Simone louvoie dans un univers très classique entre americana, country et ‘classic rock’. Sa voix rappelle quelque peu celle de Cat Stevens (« Gettysburg ») et on y traverse des ambiances à la Bruce Springsteen (« Molly-O ! »). Pas de réelles surprises à l’horizon sur « Strangers », son second album solo, mais des morceaux aux instrumentations soignées et aux riches harmonies dans la pure tradition US. Donc impliquant banjo, piano, violon et autre orgue Hammond pour quelques réussites immédiates (« Bye Bye Palenville ») et d’autres chansons plus anecdotiques (« Heartland »). Une musique de « Strangers » destinée aux Européens peut-être, mais bien américaine. Simone Felice se produira au Video de Gand, le 3 novembre prochain.
Fo'Reel est un nouvel ‘all star band’ issu de la Nouvelle Orléans. Il a été fondé pour célébrer le blues, le R&B et le funk. Son créateur est Mark Domizio. Producteur et guitariste, il a régulièrement joué en compagnie de Bryan Lee. Y sont également impliqués, C.P Love, un chanteur soul local, Johnny Neel –un claviériste notoire qui a beaucoup travaillé pour l’Allman Brothers Band et Gov't Mule–, Dickey Betts, et enfin, le bassiste David Hyde. Le line up est soutenu par une section de cuivres réunissant Jon Smith au saxophone ténor, Ward Smith au saxophone baryton et Barney Floyd à la trompette. Et enrichi par la présence de Daryl Burgess à la batterie et Rick Lawson au chant. Fo'Reel est donc un projet. Qui vient donc de graver "Heavy water". Mais il vient également de prendre une dimension live. Y participent Domizio, C.P Love, Neel et David Barrard, un bassiste qui a épaulé pendant 40 longues années Dr John et s'est également produit en compagnie des Neville Brothers. Parmi les onze plages qui figurent sur "Heavy water", la majorité est issue de la plume de Domizio. Les prises de son ont été opérées au studio de David Farrell à New Orleans ou celui de Straight Up à Nashville.
Le collectif est au grand complet pour attaquer "Breaking up somebody's home". Ce titre, Albert King en avait fait un hit. Il avait également été repris par Etta James et Ann Pebbles. La voix soul de C.P Love est naturelle, chaleureuse et plutôt remarquable. La même équipe embraie par le titre maître, une piste funky, dansante, tapissée par l'orgue Hammond de Johnny Neel. R&B pétillant, "Leave your love alone" est chargé de swing. Harmonieuse, la voix de Lawson est proche d'un jeune BB King. Les interventions de Neel à l’orgue Hammond sont savoureuses. Domizio aux cordes et Smith au sax ténor prennent ensuite le relais. "Blues" est un superbe blues lent. La voix de Rick Lawson y épanche toute sa sensibilité, alors que Domizio nous réserve un solo brillant, tout autant chargé de feeling personnel. Originaire du Mississippi, Lawson est un chanteur de southern soul. Il voue une grande admiration à Tyrone Davis. Il a réalisé la plus grande partie de sa jeune carrière à Jackson, capitale du Mississippi. Plage instrumentale, "Gate" permet aux différents musicos de tirer leur épingle du jeu. Et tout particulièrement Domizio à la six cordes. Blues particulièrement subtil, "What can I do" concède les accents latins d'une rumba, une superbe composition chantée par C.P Love qui secoue aussi des congas et gratte une planche à lessiver! Fo'Reel adapte ensuite deux compositions signées Luther Allison et James Solberg, le leader de son backing band américain! C’est la voix de nouveau chargée de passion que C.P chante le funky "What's going on my home" (extrait de "Blue Streak", paru en 1995) et "Just as I am" (issu de "Reckless, publié en 1997), un slow blues éblouissant. Rick Lawson revient chanter deux titres. Tout d’abord "Snake n Bake", un funk d’une grande pureté, largement cuivré. Puis "Outside love" un blues remarquable au cours duquel Johnny Neel tire son épingle du jeu en doublant piano et orgue, alors que les interventions de Domizio à la slide sont bouleversantes. La fête du rythme s’achève par la plage instrumentale "Tater", un titre de jazz coloré de southern soul, caractérisé par des envolées brillantes de Domizio aux cordes, mais également de la section rythmique, constitué, on vous le rappelle, de Daryl Burgess et David Hyde.
Howard Glazer est l'un des meilleurs bluesmen de Detroit, dans le Michigan. La Detroit Music Awards Foundation lui a d’ailleurs attribué, cette année, le titre de meilleur instrumentiste de blues et R&B. Glazer est sur les routes depuis plus de 20 ans. Il compte également plusieurs albums à son actif, dont le précédent, "Stepchild of the blues", est paru en 2013. De ces sessions, il en a conservé la section rythmique. Soit le fidèle Charles David aux drums et Chris Brown à la basse. De nouveau, Larry Marek se charge circonstanciellement des claviers. Glazer est devenu un homme à tout faire. Il a assuré la prise de son, le mixage et la production. Il signe aussi les douze plages!
Des cordes de guitare parcimonieuses introduisent "Midnight postman", un blues funk tapissé par les interventions d’orgue de l'orgue de Marek, alors que les voix féminines de Maggie McCabe et Stephanie Johnson soutiennent celle du leader. "Broken down hotel blues" emprunte un riff à Howlin' Wolf. La voix de Maggie épaule à nouveau celle d’Howard. Ce dernier libère une excellente sortie au sein d’une atmosphère cool. Howard écrase sa pédale sur "Take me baby" afin de torturer les vibrations électriques de sa guitare. Larry Marek prend un billet de sortie sur son orgue et réplique aux cordes acérées et bien amplifiées. De bonne facture, "All I ever wanted" jouit d’une excellente ligne mélodique. Miss McCabe susurre ses mots. L’assemblage des cordes est audacieux et bien réverbéré. Qu’elles soient acoustiques, électriques ou dispensées sur un dobro. Detroit shuffle, "Walking in Detroit" est très proche du blues de Chicago. La rythmique est bien marquée. Le duo vocal lymphatique. La guitare impeccable. Tout comme la sortie de David Kocbus à la trompette. "Eviction blues" est le long blues lent qu’on attendait. L'échange entre le chant et la guitare est bien mis en évidence. Armé de sa guitare resonator, Glazer chante d’un timbre quelque peu fatigué, le blues acoustique "Feeling so bad". Le titre maître est certainement le meilleur de l’opus. Un blues amplifié caractérisé par des grattes aux tonalités différentes qui s’entrelacent. La voix est nonchalante et le recours au bottleneck est tout à fait judicieux. Soutenu par les chœurs féminins, Howard change d’une voix ‘dylanesque’ "Wandering trails", une bien jolie ballade roots nappée d’orgue et balayée de cordes lancinantes, dispensées par le bottleneck qui glisse le long des cordes. Rock'n'roll classique, "Pushing the limits" adopte le riff de Chuck Berry. Delta blues original, "Misunderstood the devil" libère des sonorités décapantes, légèrement acides, destinées à préparer la rencontre avec le diable. Et la finale est tout à fait superbe. Blues lent accrocheur aux accords de gratte réverbérés, sulfureux, psychédéliques, "Emergency" est hanté par les fantômes qui peuplent les marais du Sud ; alors que la flûte de Tom Schmaltz tente de se frayer un chemin à travers les rares espaces libérés par la six cordes Impressionnant ! Finalement, Howard Glazer aurait dû davantage explorer l’aspect le plus ténébreux de sa muse…
Nick Grey est un infatigable bosseur. Il apporte régulièrement sa collaboration à des tas d’artistes. Il na ainsi participé aux sessions d’enregistrement pour Charlemagne Palestine, Martyn Bates (Eyeless in Gaza), Kris Force (Amber Asylum, Swans). Nick milite également chez 230 Divisadero en compagnie de Matt Shaw, de Tex La Homa (à l’origine projet solo de Matt Shaw, ce band compte plusieurs albums à son actif) et le 'collectif virtuel' 48 Cameras, un ensemble à géométrie variable au sein duquel ont notamment transité des musicos de Scanner, David Coulter, Gérard Malanga ou encore Jean-Marie Mathoul. Il partage son temps entre le Sud de la France et Montréal, au Canada.
The Random Orchestra réunit Louis Pontyianne et Sarah Maison. Bassiste de formation, le premier est également multi-instrumentiste et a participé à l'écriture de la plupart des morceaux de "You're Mine Again". La seconde a rejoint le line up, l’année dernière. Et c’est l’ingé-son Peter James qui s’est chargé du mixing et du mastering dans son studio d'Edimbourg. Enfin, l’artwork de la pochette est vraiment superbe.
David Bowie constitue certainement une des influences majeures de Nick Grey. A cause de cet esprit glam qui envahit l’elpee. Mais également de cette période électronique qui a enfanté la trilogie « Low », « Heroes », Lodger ». Et puis, de certaines inflexions dans la voix. Des inflexions qui lorgnent également vers Dave Stewart, à l’époque de The Tourists, juste avant de fonder Eurythmics. Mais aussi vers Brett Anderson, le leader de Suede.
Le titre maître vous entraîne progressivement dans un climat néo-romantique. Une image me vient immédiatement à l’esprit : celle de voyageurs qui naviguent sur une gondole à Venise, pendant le carnaval, alors que sur les quais se promènent des figurants masqués et fringués comme au temps des 'Splendeurs'.
Sans pourtant se révéler envahissants, les claviers constituent la colonne vertébrale de « My Love Affair With Might », une plage au cours de laquelle la voix de Nick prend toute son ampleur. Le refrain et la mélodie sont accrocheurs. En filigrane, on peut y déceler une touche de 'french touch'. L’envoûtement par les vocaux opéré sur « Heart Of The Glacier » évoque à nouveau Bowie. Un Bowie qui hante également « The Wasp Lover ». Paisible et planant, « Structure And Faith » privilégie l’électro. Mais pas au point de vous inviter sur le dancefloor. Si « Wounded, Yet Feudal » ne manque pas de charme, ce morceau nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. La voix de Nick est douce et frémissante pour interpréter « In The Ravine ». « Death Of The Dogman » est la piste la plus longue de l’elpee. Elle creuse jusqu’au racines du blues qui nous vient du delta. Nick module sa voix en conséquence. Et elle passe bien la rampe. Les claviers sont moins présents. La guitare prend ici, sa revanche. Et le disque de s’achever par « Enchantée », un morceau interprété par Sarah Maison dans la langue de Molière. Exquis ! D’autant qu’elle a également une très belle voix.
C’est avec beaucoup d’intérêt que nous nous sommes penchés sur le projet de Gwenno Saunders.
Petite piqûre de rappel, Gwenno militait fièrement, micro vissé à la main, dans les Pipettes, un girl band qui a connu son petit succès début des années 2000.
A la fois chanteuse et DJ, la demoiselle possède beaucoup de charme, un certain charisme et une énergie scénique assez communicative.
C’est à présent seule qu’elle se lance dans l’aventure, et dès la première écoute, on se persuade qu’elle sera belle.
Tout d’abord interloqués par le titre de la galette « Y Dydd Olaf », on réfléchit au jeu de mots ou à la phonétique qu’elle pourrait cacher. Mais en lisant le titre des morceaux, on comprend vite que la Galloise vient défendre ses origines par ce qu’elle a de plus ancré en elle : la langue.
Très vite, l’album s’emmitoufle dans une pop rêveuse aux accents electro. Aussi rapidement également, le souvenir de Trish Keenan explose dans les oreilles.
Vaporeuse, désuète mais également parfois incisive et pertinente, la voix de Gwenno se fond parfaitement dans les mélodies qui enrobent et réconfortent, tout comme le proposait Broadcast, à l’époque de Tender Buttons, en 2005. Ce qui plombe un peu le côté novateur de « Y Dydd Olaf », mais là n’était pas son but de toute manière.
Manifestant énormément de tendresse et de rêve, la galette poursuit son chemin de manière convaincante. Souvent, la frustration d’avoir séché les cours de Gallois dans notre jeune époque, nous prive du plaisir de vraiment pouvoir s’immerger entièrement dans les chansons. Il ne nous reste dès lors que la possibilité d’imaginer des paroles, l’exercice offre du coup, une dose de vision supplémentaire. Gwenno pourrait nous chanter sa liste de courses à effectuer au supermarché que le subterfuge tiendrait la route.
C’est donc dans une ambiance mystérieuse et excessivement douce que l’enchaînement des plages s’exécute. Petit bémol tout de même, à vouloir insuffler du rêve, le réveil est rapide et fait mal. La durée de l’album n’étant pas hyper longue.
Cependant, « Y Dydd Olaf » baigne dans le bonheur tout en sublimant les éléments. Un argument à la créativité personnelle.
« Y Dydd Olaf » est juste magnifique et vivement conseillé.
« La Nacelle » était un dirigeable dans le ciel hexagonal.
Grâce à ce titre, paru en 96, Hugo allait prendre son envol.
Étrange et séduisant, alliant un sens du raffinement Pop à d’étranges textes surréalistes, l’album « La Formule », dont il était extrait, trouvait écho auprès d’un certain public, amateur d’une esthétique musicale foncièrement mélodique et fortement influencée par les productions anglo-saxonnes telles House Of Love ou autres Prefab Sprout.
Avec la précision horlogère d’un métronome cryogénisé, sortait alors au rythme improbable d’un album tous les neuf ans, la suite de la discographie de notre homme.
« L’Homme Du Soir » est donc le troisième opus d’un artiste qui visiblement, privilégie la qualité à la quantité.
Tant mieux est-on tenté de souligner.
Quant à la recette, elle n’a pas changé.
On retrouve donc avec bonheur cet amour immodéré pour une Pop enjouée (une évidence mise en exergue par la reprise du « Here She Goes » des La’s) et ce sens de l’irréel qui baigne chacun des textes.
Petits bouts d’histoires brodées autour d’harmonies ciselées finement, les dix titres originaux de cet album sont autant invitation à l’imaginaire.
D’une voix fragile, Hugo serpente ces petites montagnes de dentelles russes en prenant la hauteur nécessaire à l’observation d’un univers mystérieux, perdu entre brumes et éclaircies, entre averses et nostalgie.
Vibrant mais parfois trop soigné, comme un hommage un peu engoncé, « L’Homme Du Soir » nous propose une relecture personnelle du mythe de la Pop parfaite.
Hugo sera bientôt de passage chez nous.
Le 20/11 au Mad Café de Liège
Le 21/11 au Botanique et
Le 22/11 au Belvédère, à Namur.
Robert Halford, Glenn Tipton et Ian Hill affichent une moyenne d’âge de 65 ans. Scott Travis en a 50 et Richie Faulkner –le jeunot– 35. La ‘suédoise’ ou ‘kamikaze’, selon, ne devrait pas causer de problème pour l’âge de la retraite des vétérans…
Après le départ de K. K. Downing en 2011, le discret Ian Hill devenait le plus ancien membre au sein du line up. Mais depuis le retour de Rob Halford, en 2003, c’est ce dernier qui a repris son statut de membre fondateur.
Pour son 17ème elpee studio, Judas Priest a délibérément choisi de replonger dans le passé. Et les fans de la première heure vont certainement s’en réjouir. Sous sa version DeLuxe, la pochette est un véritable régal pour les yeux.
« Dragonaut » démarre sur les chapeaux de roues. Les riffs de gratte sont incisifs, malsains, et soutiennent parfaitement la voix graveleuse d'Halford. On dirait presque du Black Sabbath de la meilleure époque. Comme sur « Sword Of Damocles », par ailleurs. Le titre maître revient carrément aux sources. Du grand Judas Priest ! D’une durée de 6 minutes, « Halls Of Valhalla » est la plage la plus longue de cet opus. Et elle est épique. Tout comme « Secrets Of The Dead ». Subtilement blues, « Hell And Back » navigue dans des eaux plus paisibles. Et si le tempo accélère parfois, il ne s’emballe jamais démesurément. Tout au long de « Metalizer », les guitares opèrent un retour aux temps héroïques de « British Steel » et de « Painkiller ». Les riffs sont ravageurs et accrocheurs. « Crossfire » est un petit blues métallique, tonique, mais également dansant. Harmonieuse et précise, la voix d'Halford est toujours aussi impressionnante. Et il en fait une parfaite démonstration sur « Battle Cry ». Empreint de calme et de délicatesse, « Beginning Of The End » opère un nouveau retour aux racines.
La version Deluxe propose un bonus cd. Y figurent cinq perles : « Snakebite », « Tears Of Blood », « Creatures », le plus cool « Bring It On » et la ballade « Never Forget ».
Même quand il envoie du lourd, Judas Priest prend toujours le soin de soigner le sens mélodique de ses compos. En outre, ces ‘papys’ du métal ont des heures de vol, du talent et une technique irréprochable. Plus ‘classique’, ce « Redeemer Of Souls » devrait ravir les fans de la première, comme de la dernière heure…
Un petit rayon de soleil avant l'hiver qui pointe le bout de son nez. Quatuor féminin formé en 2012 à Seattle, La Luz sort la même année un premier maxi autoproduit puis deux singles qui vont attirer les oreilles de Hardly Art. "It's Alive" ne tarde pas à arriver. Ce premier album ne manque pas de charme et nous replonge majoritairement dans le surf-rock des sixties. Quentin Tarantino doit adorer ces atmosphères très Pulp Fiction. On retrouve en effet les accords de Dick Dale ou des Ventures, les sonorités rockabilly de Link Wray et les chevauchées de guitares des Shadows. Une dose de twee-pop et un soupçon de Mazzy Star pour ne pas cantonner les demoiselles dans une seule époque et vous disposez de tous les ingrédients de ce court mais délicieux elpee.
Le morceau qui ouvre ce premier opus, "Sure as Spring", petit tube en puissance, l'illustre parfaitement. Section rythmique endiablée, mélodie accrocheuse portée par des choeurs dévastateurs, soli de guitare et de Wurlitzer imparables. La chanson parfaite. Si les demoiselles ne retrouvent pas cet état de grâce sur l'ensemble de l'LP, aucune plage n'est désagréable. On se laisse bercer par les ballades solaires ("All The Time" et ses délicates harmonies vocales) ou plus crépusculaires ("What Good Am I?" qui lorgne vers Hope Sandoval). On se déhanche gentiment sur les instrumentaux surf ("Sunstroke" et "Phantom Feelings"), on s'offre une cavalcade dans les plaines du Far-West ("It's Alive", "Big Big Blood") ou l'on valse avec les Zombies ("Call Me in The Day" et ses doo-wop adorables).
Décidément, on a envie de se payer une virée en compagnie de ces donzelles, leur offrir un verre dans un bar du fin fond du Texas, aller affronter les vagues sur les plages californiennes, se sentir vivant tout simplement. Etrange qu'elles soient nées dans la grisaille de Seattle. Car cette lumière-là, on n'a pas envie de la tamiser.
La Luz sera en concert dans le Witloof bar du Botanique le 30 octobre.
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