De son véritable nom Saul Hudson, Slash est né le 23 juillet 1965 dans le quartier de Hampstead, à Londres (Royaume-Uni). Il a cependant grandi au sein d’un petit village répondant au nom de Burton. Le pseudo ‘Slash’ lui aurait été attribué par le père d'un ami lors d'une soirée. Depuis son départ des Guns n'Roses en 1995, le légendaire guitariste au chapeau haut-de-forme n'a cessé d'accumuler les projets musicaux. Velvet Revolver, Slash's Snakepit et une aventure sous son nom, à laquelle ont participé de grosses pointures comme Ozzy Osbourne (Black Sabbath) et Lemmy (Motörhead).
Son premier véritable solo remonte au printemps 2009, lorsqu’il entame les sessions d’enregistrement de « Slash And Friends ». Il y reçoit le concours d’une pléiade de stars dont Iggy Pop, Dave Grohl (ex-Nirvana), Alice Cooper, Fergie (Black Eyed Peas), Andrew Stockdale (Wolfmother), Nicole Scherzinger (The Pussycat Dolls), Ozzy Osbourne, Adam Levine (Maroon 5), Lemmy, Chris Cornell (Soundgarden), Flea (Red Hot Chili Peppers), Josh Freese (ex-Nine Inch Nails) ou encore l'ancien batteur de Guns N'Roses et ami d'enfance Steven Adler qui apporte sa collaboration sur un titre. Sans oublier la présence des anciens guitariste et bassiste de Guns N'Roses, Izzy Stradlin et Duff McKagan. Produit par Eric Valentine (Queens Of The Stone Age), l’elpee paraît le 6 avril 2010.
Le deuxième LP en solitaire, « Apocalyptic Love », remonte à 2012. « World On Fire » constitue donc son troisième. Un œuvre pour laquelle il a de nouveau bénéficié de la participation de Myles Kennedy and The Conspirators. Compositeur, et guitariste rythmique, Myles est surtout notoire pour ses capacités vocales qui couvrent 4 octaves. Des rôles qu’il accomplit au sein d’Alter Bridge. Myles Kennedy est apparu sur scène aux côtés de nombreux artistes aux cours des dernières années et s'est impliqué dans de nombreux projets. Et notamment en 2008, auprès des anciens membres du groupe Led Zeppelin (Jimmy Page, John Paul Jones et Jason Bonham), projet qui est demeuré dans les cartons.
La pochette de l'album a été réalisée par l'artiste américain Ron English, qui s’était déjà chargé de celle du premier long playing. Une image très ‘pop’ où l'on voit des jouets qui baignent dans la peinture, ainsi qu'une boule smiley représentant le musicien. Slash ne chante toujours pas, mais il met tous ses talents de gratteur (slide et rythmique) à contribution pour épauler la voix de Myles Kennedy. Et l’ensemble est parfaitement soutenu par les Conspirators impliquant Todd Kerns (également préposé aux backing vocals) à la basse et Brent Fitz aux drums, aux percus et au piano électrique. Consistante, la plaque est découpée en 17 plages.
Récemment élu second meilleur guitariste de tous les temps, derrière Hendrix, Slash adore balancer des riffs incisifs qu’il maîtrise à la perfection sur sa Les Paul. Et il va le démontrer brillamment tout au long des 75’ de son long playing.
Le morceau maître ouvre l’opus. Et manifestement, dès le départ on se rend compte que les musicos ne font pas dans la dentelle. Un départ en force ! Il s’agit d’ailleurs du premier single qui a précédé la sortie de l’LP. Un disque qui s’achève par deux chansons empreintes de douceur, deux superbes ballades destinées à rejoindre le dancefloor : « Bent To Fly » et le plus prog « The Unholy ».
Pour « Stone Blind », « Withered Delilah » et « Avalon », Slash envoie du lourd. En écoutant « Shadow Life », on imagine qu’Axel Rose est de retour ; mais c’est Myles Kennedy qui est derrière le micro. Le clin d’œil est peut-être volontaire… « Battleground » est une petite merveille. Ici, c’est Myles qui communie pleinement avec sa gratte. Et sa voix est absolument divine tout au long d’« Automatic Overdrive », de « 30 Years To Life » et de « Beneath The Savage Sun », trois morceaux accrocheurs, métalliques, mais mélodieux, caractérisés par des riffs qui ont la pêche. Bien balancé, « Wicked Stone » macère dans des sonorités de gratte graisseuses, huileuses, malsaines. « Too Far Gone » ne me botte pas trop. A contrario « Dirty Girl » et « Iris Of The Storm » sont absolument savoureux. A croquer! Une intro radiophonique débarque du néant, mais l’enchaînement opéré sur « The Dissident » est parfait. Les cordes sont bien distinctes alors que Brent Fitz martèle ses fûts vigoureusement mais aussi métronomiquement. Instrumental, « Safari Inn » permet à Slash d’explorer toutes les facettes de son talent sur sa Gibson.
Un album brillant coécrit par Slash et Myles. En compagnie des Conspirators, ils se produiront ce 26 novembre à Forest National. Un rendez-vous à ne pas manquer
L’histoire des Vaselines, longtemps faite de pointillés, prend donc un nouveau virage, vingt-cinq ans après leur première sortie de route.
Groupe atypique s’il en est, le combo d’Édimbourg, constitué principalement du duo Eugene Kelly – Frances McKee, n’a jamais cherché le succès et ne l’a d’ailleurs jamais trouvé.
Forcément, on doute que les événements changent aujourd’hui.
Mais pour autant, il ne faudrait surtout pas mésestimer le potentiel de ce sympathique combo et de son tout nouveau bébé.
Injustement méconnu, The Vaselines ne doit sa relative notoriété qu’à l’admiration sans borne que leur vouait un certain Kurt Cobain, de son vivant.
Trois reprises (dont le magnifique « Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam » lors du MTV unplugged), qui l’espace d’un instant, éclairaient le monde sur un des joyaux de la Reine, jalousement gardé par une frange d’adorateurs d’une certaine Pop aux couleurs délavées et jetaient la lumière sur ce modeste groupe écossais.
Alors catalogué groupe mythique sans pour autant susciter un quelconque intérêt, tout laissait présager que le groupe allait connaître la fin obscure que lui même s’était dessinée en 89 (en se séparant la semaine même de la sortie de « Dum Dum », leur premier elpee).
Ressortis de la naphtaline par le label Sub Pop (déjà en 92), les petits protégés de Stephen McRobbie (The Pastels) se languissaient jusqu’en 2010 avant de sortir leur deuxième opus.
Et toujours dans une semi indifférence.
Au final, donc, quatre années seulement nous séparent de ce dernier essai, prompt à réveiller la curiosité de certains d’entre nous.
Alors, quid de ce « V For Vaselines » ?
D’abord, il y a ce titre, en forme de boutade, rappelant à qui veut l’entendre que le groupe ne s’est jamais pris au sérieux.
Ensuite, épinglons la pochette, où le duo s’affiche plus rebelle que jamais.
Cuir et casquette, comme au bon vieux temps de ‘l’Équipée Sauvage’.
Et de fait, le premier titre « High Tide Low Tide » pétarade d’entrée de jeu.
Papapa papa pa Papapa papa pa Papapa papa pa !
La suite est du même acabit.
Les mélodies sont accrocheuses, entraînantes, faussement niaises, délicieusement candides, et s’enchaînent sans s’essouffler.
La complicité reste palpable entre les deux voix, et souligne le lien ténu qui les unit, portant les chansons sur de solides épaules.
Finalement, c’est peut-être la recette simple et imparable d’une Pop intelligente et éternellement fraîche ?
Quant aux intros, elles sont généralement directes et efficaces, de manière à saisir l’attention immédiatement.
Sans surprise, dès lors, le charme opère tout du long.
« V for Vaselines », comme deux doigts frondeurs et qui narguent le succès du haut de la juvénile insouciance de ses membres fondateurs.
L’art de trousser des morceaux irrésistibles aux accents indémodables, même quand ils frôlent un semblant d’insipidité (« Single Spies »).
Derrière cette façade à la dualité affichée comme des rideaux aux fenêtres d’une maison close (entre douceur et vice) se glisse le propos irrévérencieux de deux têtes bien pleines et qui ont encore leur mot à dire.
Décidément, avec The Vaselines, tout passe nettement mieux !
Depuis quelques années, le label Bureau B est devenu la référence en matière de Kraut rock. La structure d'Hambourg réédite en effet régulièrement des albums rares des légendes du genre mais propose également les nouvelles compositions de ces glorieux anciens ainsi que celles de formations plus récentes (Kreidler, Camera, Automat...)
Ziguri existe depuis 1987 mais était demeuré un groupe cantonné au live jusqu'à sa disparition dix ans plus tard. A la base, projet musical accompagnant des spectacles théâtraux, il était devenu célèbre en écumant les clubs underground berlinois quand il ne se produisait pas dans des squats ou dans les street-party très en vogue à l'époque.
A la tête de ce trio, Günter Schickert, l'homme qui, en compagnie de Manuel Göttsching (Ash Ra Temple), a donné ses lettres de noblesse à l'écho-guitare dans les années 70. Un des pionniers de la musique psychédélique allemande. Les deux autres membre, comme l'indique le titre du présent opus, se nomment Udo Erdenreich et Dieter Kölsch.
Les trois amis n'étaient pas fâchés puisque ils avaient monté depuis lors d'autres projets en duo (dont on ne trouve à nouveau aucune trace discographique) et s'étaient toujours promis de se reformer.
C'est en 2011 que ce désir prend forme lorsqu'ils accordent deux concerts en compagnie de Damo Suzuki. L'appétit venant en jouant, Ziguri remonte plusieurs fois sur scène par la suite et constatant que leur musique plait à une nouvelle génération de mélomanes, décide de se lancer dans la composition de leur premier album. 27 ans après leurs débuts.
Ziguri est le mot qui désigne le Peyote chez les indiens Tarahumara du Mexique et il n'est donc pas étonnant que la musique du groupe nous entraîne dans un voyage psychédélique menant à la transe. Les rythmiques répétitive et tribale du chamane Kölsch répondent à la basse profonde et ondulante du sorcier Erdenreich. Les voix sont incantatoires et appellent le grand manitou de la guitare Schikert à distiller ses boucles hypnotiques pour plonger l'auditeur dans un état second. On danse, on plane, on ondule au gré de ces oscillations.
Oui cette musique est une puissante drogue hallucinogène qui nous transporte toujours plus loin, au fur et à mesure des écoutes. Au départ, on cherche à résister ; on peut même être un peu rebuté par les voix. Mais bientôt, elles ne font plus qu'un avec la musique. Et puis, on se laisse aller, on ferme les yeux et on imagine Neu! qui jamme avec Ash Ra Tempel et Wooden Shjips au milieu du désert. Le temps est aussi dilaté que les pupilles d'Hunter S. Thompson. Putain de mescaline.
Pas d’influences moyen-orientales pour ces Assyriens venus d’Italie… Ce sont plutôt des effluves psyché qui enfument cette « Tundra », premier album, qualifié de ‘Galatic Pop’ par le groupe lui-même. Une pop rappelant bien entendu MGMT voire Foxygen et fortement gavée de sonorités 60’s. Des titres comme « Darwin » permettent à The Assyrians de dresser de belles et inspirées vignettes particulièrement mélodiques rappelant Mercury Rev et même Syd Barrett, cerveaux notoirement perdus dans la Galaxie ! Les jeunes Milanais planent et nous font planer (« Astronaut ») tout en n’omettant pas de pondre l’un ou l’autre single, afin de nous faire revenir les pieds sur terre, tels qu’« Orion » ou « Baobab ». Après le Batave Jacco Gardner, The Assyrians prouve que le Vieux Continent n’est pas en reste quand il s’agit de s’abandonner dans les psychédélices…
Daveed Diggs, William Hutson et Jonathan Snipes ont fondé Clipping, il y a déjà quelques années. Après avoir publié un premier elpee sur une écurie obscure, le trio signe chez Sub Pop. Suivant son habitude, le prestigieux label américain adore surprendre les mélomanes. Et pour cause, Clipping est un groupe de hip hop.
Mais ce « CLPPNG » est loin d’être abordable. Minimaliste, le hip hop de ces Californiens (NDR : ils sont originaires de Los Angeles) est tour à tour chargé de références différentes. Tantôt r’n’b (« Tonight », « Get Up »), tantôt jazz (« Taking off »), et la liste est loin d’être exhaustive… En fait, le crew s’amuse à récupérer tout ce qui lui tombe dans l’oreille et à l’intégrer dans son style. Tout en conservant un tempo monocorde. Finalement, ce disque ressemble à un OVNI qu’il est nécessaire d’apprivoiser avant de l’apprécier. Car côté vocaux, il faut reconnaître que le flow de D.Diggs est assez impressionnant. Dès l’introduction, il montre la couleur. Pour étoffer le tout, au fil des morceaux, des amis et amies viennent poser leur voix sur la trame, sans même accorder un minimum de cohérence.
Cet album ne figurera pas parmi les classiques Sub Pop. Trop expérimental. Pas assez harmonieux. Néanmoins, si vous appréciez les artistes en perpétuelle recherche, ce « CLPPNG » pourrait peut-être vous botter...
Lyla Foy est certainement l’une des meilleures surprises féminines de l’année. Agée, d’à peine 25 ans, cette Londonienne jouit d’un talent qui n’est pas passé inaperçu auprès des pontes du label de Sub Pop. Ce qui explique leur empressement à signer la demoiselle. Qui vient donc de publier son premier opus, « Mirrors the Sky ».
Si Lila Foy reconnaît pour influence majeure le folk, et notamment celui de Tori Amos ainsi que de Fiona Apple, elle a le bon goût de ne pas se contenter de marcher sur les traces de ses idoles. A contrario d’une majorité d’artistes contemporaines du style, l’Anglaise ne conte pas ses problèmes de cœur en s’accompagnant à la gratte sèche. Elle n’en fait jamais trop ; et sa musique est à la fois minimaliste, douce et attachante. Mais son folk, elle le teinte habilement de touches électroniques et de nappes de claviers. Pour un résultat manifestement bien au goût du jour. On pourrait même comparer son style à une rencontre entre électro folk et cold wave, dans l’esprit de The XX ou Beach House.
Les dix plages de « Mirrors the sky » finissent même par vous envoûter. Il y a belle lurette que je n’avais plus eu la chance de découvrir une artiste folk de ce calibre. Elle ne se contente pas de sortir des sentiers battus, mais nous réserve une musique particulièrement originale…
C’est depuis le climat ensoleillé de la Croisette cannoise qu’un mystérieux ‘Nancy Boy’ tisse de douces mélopées électro-acoustiques. Son univers éthéré et poétique rappelle le récent effort des Canadiens de Peter Peter, surtout à travers la voix du Nancy Boy en question et la mélancolie qui baigne l’ensemble. Le timbre vocal rappelle également celui de Florent Marchet ; mais un Florent Marchet qui aurait choisi d’évoquer principalement le sentiment amoureux (« Where You Go I Go »). Ravageur, le premier titre, « Toi, Moi », donne le ton d’un album pop empreint d’une grande sensibilité… Pas de véritables références au « Nancy Boy » de Placebo même si le côté écorché (« L’Absente ») et légèrement androgyne finit par le suggérer. A la limite du maniérisme (le plus pénible « When You’ll Be Mine »), la musique est cependant magnifiée par les arrangements raffinés de Jean-Baptiste Ayoub, des arrangements impliquant trompettes, violoncelles, saxos et autres boites à rythmes. Définitivement une voix singulière qui éclot…
« L'envol » est le joli titre de l'album d'Ivan Tirtiaux.
Sur la pochette, en carton, l'artiste regarde vers le haut, vers la droite, et tourne le dos à un mur de briques humides sur lequel les bois d'un cervidé sont accrochés. Le côté mélancolique annoncé n'est pas pour me déplaire et attise ma curiosité.
Les chansons, écrites en français, sont une promenade dans le quotidien, la nature et les horizons.
Il semble que l'homme a beaucoup marché, regardé tout autour le lui, s'est intéressé à l'infiniment grand, l'infiniment petit, bourlingué et pris pas mal de notes pour s'en souvenir encore et souvent.
D'une piste à l'autre, le souci des arrangements et de l'harmonisation est bel et bien présent.
Les styles musicaux abordés sont, alors, à la portée de tout un chacun, mais il est préférable d'avoir le calme autour de soi et une certaine paix intérieure lors de la première écoute.
En effet, dès la cinquième plage, le changement peut s'avérer ‘brutal’.
En conclusion, j'ai beaucoup apprécié le soin apporté au son, et la complémentarité entre les instruments. Aucune tension intempestive à déclarer.
Une rose sur un terril !
L’album « Abbey Road » des Fab Four a été réinterprété, en entier, en fingerpicking (NDR : c'est-à-dire à l’aide d’une guitare folk, dont les cordes sont en métal) par Antoine Goudeseune. Et dans l’ordre du tracklisting. En outre, cet elpee a été enregistré au sein du même studio mythique (studio 2), en janvier 2014. Et la pochette est identique ; sauf que c’est Antoine qui traverse la rue…
Cet opus est paru ce 26 septembre 2014, soit 45 ans jour pour jour après la sortie de celui des Beatles. Natif de Binche, virtuose et professeur de guitare au Conservatoire Marcel Quinet de Binche et à l'Académie de musique de Morlanwelz, Antoine vient donc de réaliser son rêve. Il a commencé à jouer de la guitare classique dès l’âge de 8 ans. Il a reçu son premier prix de guitare à 18 printemps, au Conservatoire Royal de Mons. C’est en 2011 qu’il s’est lancé dans ce projet ‘fingerpicking The Beatles’, qui consiste à reprendre et arranger les titres des Beatles uniquement à la six cordes et en utilisant cette technique. En fait, elle évolue à la limite entre celle du classique et du picking pur et dur. Antoine y reproduit les arrangements complexes des titres des Beatles sur sa gratte. Et il publie un premier opus du style, « Fingerpicking The Beatles », en 2012. Il n’est cependant devenu fan inconditionnel des quatre de Liverpool que depuis une vingtaine d’années. Il estime même qu’au plus on écoute les Beatles, au plus on découvre de nouvelles sonorités dans leur musique.
En Belgique deux artistes pratiquent ce type de fingerpicking. Tout d’abord, Jacques Stozem. Un maître incontesté qui remplit des stades en Asie. Et puis Antoine. Ce dernier a réalisé son projet via le crowdsufing (financement participatif) de KissKissBangBang. Une plate-forme qui permet aux internautes et fans d'Antoine de le financer, en échange d’une gratification personnelle (un disque, un vinyle, un concert privé, etc.) Et le montant nécessaire a vite été atteint. Preuve que ce guitariste est hors pair.
Pour la petite histoire, le studio avait été réservé pour 2 x 12 heures. Antoine avait emmené son ingé-son et son luthier (pour préserver son instrument de tout contretemps). Particulièrement motivé, il a mis en boîte l1 plages, le premier jour. Il était donc à l'aise, le second, pour enregistrer les six pistes restantes.
Il a fallu douze mois de travail à l’artiste pour adapter les 17 morceaux en fingerpicking. Un travail de réécriture a même été nécessaire. Lors des sessions, il a reçu le concours du guitariste suédois Mattias IA Eklundh, pour la chanson « Here Comes The Sun ». De l’opus, j’ai beaucoup apprécié le superbe « Come Toghether », « Oh! Darling », « You Never Give Me Your Money » et « Sun King ». Et le disque est également paru en vinyle!
Antoine a parfaitement réussi son exercice de style. Son style est léché et ne s’adresse pas exclusivement aux fans des Fab Four. Un disque à écouter par une belle soirée d'automne devant un bon feu de bois…
La tournée d’Antoine passera par le ‘Beatles Day’ de Mons, ce samedi 11 octobre 2014.
Pierre Kasprzyk est un jeune prodige de la guitare. Un bluesman qui a été demi-finaliste lors de l'‘European Contest Blues’, qui se déroulait à Riga, en Lettonie. Il y défendait également les couleurs de la Belgique. Comme Fred And The Healers, qui ont été sélectionnés pour participer à la finale. Pierre Kasprzyk aurait pu être le fils naturel de Bonamassa, Chapellier, Froidebise, Clapton, Van Campenhout ou Vaughan… A cause de sa maîtrise sur sa gratte. Il ne coule pas du sang rouge dans ses veines, mais blues. Un blues qui transpire le Bayou de la Louisiane. Un Delta blues qui devrait même plaire à Beverly Jo Scott (NDR : il aurait même intérêt à lui envoyer). Le Liégeois se réserve la guitare et le chant. Il est soutenu par le drummer Raphael Pire, le bassiste Olivier Fanuel et le claviériste Maxime Cromps.
Le titre maître ouvre l’elpee. Un bijou serti de 6 diamants blues. « Money Machine » nous replonge dans les 70’s. Est-ce John Lord qui se charge de l’orgue Hammond ? Il est vrai que cet opus est criblé de bonnes références. Caractérisé par ses riffs de gratte à la Gary Moore, « My Lady » est un slow blues langoureux destiné aux couples qui veulent s’enlacer sur le dancefloor. Pendant plus de 8 minutes, ça vaut le coup ! Et quand ce n’est pas Moore, alors Joe Bonamassa prend le relais. Aussi bien pour la voix que pour le jeu de guitare. La très jolie Julie Compagnon se charge des backing vocaux sur les trois premières perles. Quoique nappée d’interventions au Hammond, « Hard Living Women » évoque purement et simplement Stevie Ray Vaughan. En fait, cette plage bénéficie du concours de l’ami Fred Lani. Si un jour ces deux-là forment un groupe ou se réservent une jam, le résultat risque fort d’atteindre le nirvana musical ! « Star Life » s’autorise des envolées de cordes à la fois précises et classieuses. Tout au long d’« Island Of Peace », notre cher Pierre est divin sur son instrument. Un peu comme le dieu de la guitare, Eric Clapton. De sa voix marécageuse, il nous invite une seconde fois à rejoindre la piste de danse.
Pierre est un sacré guitariste capable de vous sortir littéralement les tripes du ventre. Coproduit par Bernard Musick, son premier long playing est particulièrement réussi. D’ailleurs il est régulièrement diffusé sur toutes les bonnes stations de radio de blues européennes, anglaises et américaines. Manifestement, l’artiste est prêt à l’exportation…
En préambule à la messe de ce soir, première des deux soirées dévouées au culte d’un homme devenu à la fois ange et démon, se déroule à l’étage une séance d’écoute de l’album « Tostaky ».
Ici, loin du brouhaha médiatique, nous demeurons presque solennellement assis dans une nef, face à un autel où trône une platine.
Comme une chapelle ardente dont le chœur vibre d’une même voix.
Celle de la musique.
Car ici, il n’est question que de ça.
Loin de tout parti pris, nous nous retrouvons dans cette pièce pour la meilleure des raisons qui soit.
Tout à la dévotion d’une œuvre, plutôt qu’à un homme, tout dieu soit-il.
Le son rêche des cordes qui s’extirpent de la masse. « Here It Comes Slowly ».
C’était en 1992.
L’album n’a rien perdu de sa superbe.
Hors du temps, hors contexte.
Frondeur et saillant sous tous les angles.
Là, sous la voûte, un ange passe.
Revenus comme autant d’Ulysse, sombres héros de l’amer, de cette salvatrice immersion, prêts à pénétrer serein le détroit qui sépare les mers de l’oubli, nous voici plongés à présent dans la fosse, emportant comme seul bagage notre foi sacrée en l’immortalité de nos cœurs jouvenceaux.
Imprégnés d’une aura électrique, scintillants d’excitation.
Tout autour, se répand l’effervescence d’un public impatient.
C’est une de ces nuits mémorable qui s’avance à grands pas !
Puis pénétrant la lumière, le groupe s’installe sur scène.
Pratiquement tous les yeux sont alors braqués sur un seul homme.
Celui qui a appris à vivre avec ces regards, et les autres aussi.
Celui qui a appris à vivre avec lui-même, aussi.
Puis, presque timidement, le groupe avance et se faufile dans chaque interstice.
« Ma Muse » en éclaireur, défrichant doucement le nouvel « Horizon ».
Peu à peu, l’atmosphère échange ses ions de chagrin et glane ici et là quelques électrons libres sous haute tension.
Le ciel se déchire, mais se refuse à pleurer.
« Ernestine » est le premier titre de Noir Désir interprété ce soir.
Passent les nuits.
Le chant des cimes est accessible ou pas.
Mais impossible de résister à l’appel de cette voix, charriant d’indicibles douleurs et d’éternels combats.
S’enchaînent les titres d’hier et ceux d’aujourd’hui, effaçant la frontière invisible que dessine la cicatrice du temps. Juste l’espace d’un instant. Mais un instant renouvelé chaque soir, comme un baume contre le mauvais souvenir, tel un remède opiacé où se réfugier.
Comme une attelle aidant Bertrand Cantat à progresser, à se relever, à se révéler à nouveau.
Car il ne fait aucun doute que cette étincelle de vie retrouvée, cette joie réelle de partager, de se trouver là, sur scène, parmi les siens, devant nous, il la doit à cette muse qu’on nomme création et qui s’exécute docilement sous ses doigts, se glissant dans sa voix.
Sans elle, Cantat ne serait plus. Et depuis longtemps déjà.
Mais cette force, elle est belle et bien présente.
Tangiblement ancrée comme des fers à ses poignets.
Sensiblement nouée au creux de sa gorge.
La première partie touche à sa fin. On croit approcher l’apothéose.
Mais celle-ci s’offre généreusement pendant près d’une heure.
Une heure de rappels !
Détroit bouscule l’organisation sans faille de l’AB.
Ses organisateurs sentent le moment historique, ce moment où décidément, il se passe quelque chose qu’on n’est pas en passe de revivre avant longtemps.
Et dont on parlera encore longtemps.
Bertrand Cantat inflige une gifle, musicale et magistrale, oublie ses détracteurs, oublie même d’oublier, car il n’est plus qu’un magnifique Icare qui tutoie le soleil et plonge droit sur lui.
Ce trou béant de lumière au milieu du noir et du désir.
De ce mariage improbable naît un Phoenix qui, en pleine renaissance, entre en communion presque charnelle avec la foule, cette foule, sa foule.
Cette masse compacte de chair et d’os, de larmes et de sueur qui s’agite ici bas.
Détroit n’est pas pour autant un simple faire-valoir.
C’est une entité à part entière.
Plus que la suite de Noir Désir, c’est une des ramifications de Noir Désir.
On croyait l’arbre mort, et soudain surgit le mystère.
Puis, le bourgeon a éclos, jusqu’à devenir fleur.
Et quelle fleur !
Fragile, et couverte d’épines.
Les nouveaux arrangements de « Un Jour En France » ou de « Tostaky » peuvent sembler gonflés à l’hélium, ils n’en restent pas moins des fers de lance incontournables.
Relecture audacieuse d’un répertoire non figé, qui lui aussi peut encore évoluer.
Symphonie syncopée d’une certaine histoire de la révolution made in Rock.
Échos de la rage contenue, flagellant la désolation, fustigeant la réaction.
Enfin, au second rappel, vient l’heure de l’union sacrée entre le public et le band.
Où l’émotion prend la place qui depuis le début, lui est octroyée.
Et quand se termine « Comme Elle Vient », comme la vague irrésolue, les paroles du refrain, reprises par l’assistance, viennent s’échouer sur le devant de la scène, emplissent l’espace et gonflent le cœur de Bertrand Cantat, encore et encore.
Comme en mai dernier, comme chaque soir peut-être, mais toujours avec autant de foi et d’amour fusionnel entre cet artiste qu’on dit poète maudit, et son public.
Un public, qui l’a compris, vient de passer un moment unique.
C’est simplement beau et grand, et il y a des lustres que nous n’avions pas vu pareille ovation.
Et si aujourd’hui n’a sans doute pas la force d’effacer hier, dans chaque instant, infiniment présent, il dessine les contours de demain.
(Organisation : Live Nation)
(Voir aussi notre section photos ici)
Clap Your Hands Say Yeah (CYHSY) est une formation pionnière en matière de diffusion et de promotion sur le net. Des précurseurs qui ont exploité le potentiel de la toile, au lieu de transiter par un label. Une formule devenue aujourd’hui habituelle. Ces ex-stars des blogs sont également les premiers à avoir causé des ravages sur MySpace (NDR : vous vous en vous souvenez encore ?). Le combo se produisait, ce mardi 7 octobre, à l’Orangerie du Botanique. Et il n’était donc pas étonnant d’y croiser un public de trentenaires, relativement clairsemé, accueillir ces Philadelphiens qui étaient parvenus à faire chavirer les cœurs des fans d’indie, en 2005, grâce à leur irrésistible premier album…
Les lumières sont toujours allumées dans la salle, lorsque les 4 musicos montent sur le podium. Au premier instant, on imagine qu’il s’agit de roadies encore occupé à régler le matos. En fait le band, évolue à des années-lumière du star-system. Les artifices ne les intéressent pas. Et encore moins le racolage. Le show sera donc épuré. Le combo est venu défendre son dernier et quatrième opus, « Only Run », paru il y a quelques mois. Du line up initial, il ne reste plus que le bassiste/producteur Matt Wong et le chanteur/compositeur/guitariste Alec Ounsworth. Ce dernier est manifestement le leader ; et son emprise sur la bande est indiscutable.
Clap Your Hands Say Yeah débute pied au plancher. Le son est puissant et dense. Pas besoin de réglage ni de rodage. Nasillarde, la voix d’Ounsworth, me fait penser à celle de Gordon Gano (Violent Femmes), mais circa 2000. C’est également le principal atout de la formation. Cependant, la solide ligne de basse, le drumming aride et rigoureux, la surprenante boîte à rythmes ainsi que les claviers à coloration 80’s, apportent une autre envergure aux compos, pas toujours évidentes à cerner sur l’elpee. Dommage que le chef de bande manifeste aussi peu de sympathie et donne l’impression de n’accomplir que son job –si l’on excepte un morceau interprété seul sur l’estrade– car ses acolytes sont à la fois souriants et énergiques… Néanmoins, le set de CYHSY regorge de perles indies, telles que « Satan Said Dance », « Maniac », « Over and Over Again », « Upon This Tidal Wave of Young Blood », « Is This Love » ou leur hit incontournable, « The Skin of My Yellow Country Teeth », tout en surfant imparablement sur la mélancolie allègre. Après un peu plus d’une heure de show, les Américains quittent la scène sous les applaudissements du public, avant de revenir pour un court rappel exécuté, malheureusement, sans passion ni enthousiasme. Malgré l’évidente qualité de leurs compos, il manque au band ce petit grain de folie qui permet de passionner les foules. ‘Clap Your Hands’ ? Mais sans ‘Yeah’ !
(Organisation Botanique)
Asking Alexandria, mon groupe de métalcore favori, se produisait, ce lundi 6 octobre, au 110 du Boulevard Anspach, endroit idéal pour ce genre de soirée. C'est la troisième fois que votre serviteur assiste à un de leurs concerts. En 2013, ils avaient eu le bon goût d’entraîner, dans leur sillage, d’excellentes formations comme While She Sleeps, Motionless In White et Betraying The Martyrs. Et la grande salle était comble. Mais des problèmes vocaux rencontrés par Danny Worshop avaient réduit le set à 45 minutes. Compréhensible. Aujourd’hui, l’auditoire est en mode box, mais n’est rempli qu’aux trois-quarts. Le band souffrirait-t-il d’une perte de notoriété ou alors les trois ‘supporting act’ sont-ils un peu trop anonymes ? Quoiqu’il en soit, le périple est baptisé 'From Death To Destinity'.
Secrets ouvre les hostilités à 18h30. Originaire de San Diego, il pratique du post hardcore particulièrement énergique. Le line up réunit le chanteur Aaron Melzer, le guitariste Richard Rogers (également préposé aux vocaux), le drummer Joe English, Michael Sherman à la seconde gratte et Tim Trad à la basse. Le combo dispose de très peu d’espace. Il est même confiné à l’avant-scène. Faut dire que le matos de la tête d’affiche est plutôt envahissant. Le combo est venu présenter son dernier elpee, « Fragile Figures », paru l’an dernier, un disque qui fait suite à « The Ascent », publié en 2012. Les deux plaques sont sorties chez Rise Records et ont bénéficié du concours de l’ex-gratteur de A Day To Remember, à la production. On attendait donc un solide cocktail de metalcore mélodique, souligné par des voix claires et sucrées. Un peu dans l’esprit de Sleeping With Sirens voire de Pierce The Veil.
Le set s’ouvre par « The Oath », extrait du premier long playing. Les guitaristes et le bassiste sont alignés face au public. Tous les musicos se démènent sur les planches. Y compris le chanteur, Aaron. Gros problème, on n’entend pas sa voix. J’ai beau changer de place, rien n’y fait. Secrets embraie par cinq plages issues de son second elpee, « Ready For Repair », « Artists Vs. Where? », « Dance Of The Dead », « Fragiles Figures » et achève le show par « Live Together, Die Alone ». La majorité du public est constituée de jeunes adolescents. Ils pogotent ou amorcent de timides round circles. Trente minutes, c'est un peu court pour évaluer les aptitudes un groupe. D’autant plus que le son est exécrable…
Petit changement de matériel et les planches de la vénérable institution accueillent le deuxième combo de la soirée : Crown The Empire. A ce jour, leur discographie épingle un Ep sept titres, gravé en 2011 (« Limitless ») et deux albums ; « The Fallout » en 2012 et « The Resistance : Rise Of The Runaways » en 2014. Sur l’estrade ils sont six. Originaire de Dallas, le line up réunit les vocalistes Andy Leoau et David Escamilla, les guitaristes Brandon Hoover et Benn Suede, le bassiste Hayden Tree ainsi que le drummer Brent Taddie. Le set s’ouvre par un morceau tiré de leur nouvel opus, « Call To Arms (Act1) ». Malheureusement, les deux chanteurs ont beau gueuler dans le micro, on les entend à peine. Et le son est toujours aussi déplorable. Après « Initiation », je m’éclipse…
A l’issue du concert, je tergiverse. Je ferai bien l’impasse sur The Ghost Inside. Par correction pour les artistes, je retourne au charbon. The Ghost Inside est responsable d’un metal hardcore lourd mais mélodique. Un quintet qui a commis trois elpees à ce jour : « Fury And The Fallen Ones » en 2008, « Returners » en 2010 et « Get What You Give » en 2012, paru chez Epitaph. Les deux premiers avaient été publiés chez Mediaskare. Le line up du band californien implique le chanteur Jonathan Vigil, les deux guitaristes Aaron Brooks et Zach Johnson, le bassiste Jim Riley et le batteur Andrew Tkaczyk. Le son est encore toujours aussi médiocre. C’est même de pire en pire. J'écoute « Faith Or Forgiveness », puis quitte à nouveau la salle.
Asking Alexandria a pris de la bouteille. Pas de nouveau cd en chantier, cependant. Leur troisième, « From Death To Destiny », est paru en 2013. Le line up est inchangé, soit Danny Worsnopau au chant, Ben Bruce et Cameron Liddell aux guitares, Sam Bettley à la basse et James Cassells aux drums. Danny est vêtu d'une veste à franges et coiffé d'un chapeau de cow-boy. De là à proposer du country & western… J’ai pris la bonne initiative de ne pas vider les lieux. Le son est bien meilleur. Le changement d’ingé-son y est manifestement pour quelque chose…
« DonT Pray For Me » et « Killing You », figurant sur l’LP « Death To Destinity », ouvrent le bal. Une bonne mise en jambes pour une soirée qui prend enfin une autre tournure. La setlist embraie par « The Final Episode (Let's Change The Channel) », un extrait de l’excellent « Stand Up and Scream », deuxième opus gravé en 2009. La foule commence à remuer et à pogoter. Sur l’estrade, les musicos s’agitent généreusement ; et tous les gratteurs arpentent le podium de long en large. Quoique distant (NDR : et pas seulement, parce qu’il est en retrait), le drummer ne ménage pas sa peine sur ses fûts. Il est même plus que percutant ; à cause de la seconde grosse caisse qu’il pilonne à l’aide d’un de ses pieds. Le répertoire aligne des plages tirées de leurs quatre long playing, dont « Someone, Somewhere », « Moving On », « Break Down The Walls », « Poison », « Not American Average », « To The Stage » et pour terminer, « A Lesson Never Learned ». Pas la moindre nouvelle compo. Et 50 minutes de set en tout et pour tout. Asking Alexandria serait-il en panne d’inspiration ?
Bref, j’espérais passer une excellente soirée. C’est raté. Peut-être la prochaine fois. Quand il y aura un nouvel opus ; et je l’espère, pour y vivre une soirée plus réussie, quand même…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Joe Bonamassa semble apprécier tout particulièrement la Belgique. Il y passe en tout cas, au moins deux fois par an. Ce remarquable guitariste est de la trempe des Clapton, Satriani et Beck (Jeff, of course) ; une fameuse référence ! Le show sera divisé en deux parties. Une première en mode acoustique ou si vous préférez en électro-acoustique. Et une seconde en format électrique. Pour l’événement, le Lotto Arena d’Anvers est sold out.
Joe Bonamassa a commencé à jouer de la guitare vers 4 ans. Son père, Len Bonamassa, tenait un magasin d’instruments, à Utica, dans l'état de New York. Dès son plus jeune âge, il a donc vécu au milieu des grattes. Vers 10 ans, le musicien de country Danny Gatton lui donne quelques cours. La country, le blues et le jazz n’ont cependant plus guère de secrets pour lui. A 11 ans, il assure la première partie de BB King ; et ce dernier ne tarit pas d'éloges le petit prodige. Joe en a actuellement 37. Et ce maître de la guitare a déjà accompli un fameux parcours…
La première partie est introduite par la bande sonore du « Highway To Hell » de Hayseed Dixie. Les musicos montent sur l’estrade avant Joe. Ce dernier s'installe sur un siège au centre du podium. Il est entouré de 10 guitares électro-acoustiques. Il n'a a qu'à se servir. Le line up implique également le percussionniste Lenny Castro, qui se chargera des congas, djembé, cajon, tambourin arabe et celte. Il s’installe à la gauche du leader. Lenny a notamment accompagné Elton John, Fleetwood Mac et les Rolling Stones. Le producteur suédois Mats Wester se place juste à côté de Lenny. Il va notamment se consacrer à la mandoline et la nyckelharpa, un instrument de musique traditionnel à cordes frottées d'origine suédoise. Il appartient à la même famille que la vielle à roue et la vièle. Il existe depuis le Moyen-âge (ses premières représentations datent du seizième siècle, sous différentes formes, et connaît aujourd'hui un regain d'intérêt depuis les années 1970, en Suède et même ailleurs). A la droite de Joe, Derek Sherinian siège derrière ses claviers. Derek a notamment côtoyé Van Halen, Dream Theater, Alice Cooper et participe à l’aventure, tout comme Bonamassa, du super groupe Black Country Communion, à l’instar de Jason Bonham et de Glenn Hughes. Et devant Derek, campe Gerry O'Connor, un banjoïste/mandoliniste/violoniste irlandais aux racines celtiques.
Joe empoigne sa première guitare. Et il attaque brièvement le « Seagull » de Bad Company. Sa technique est vraiment irréprochable. Le groupe relaie alors son leader et colore la compo de teintes celtiques qui s’anime grâce aux percussions de Lenny. La cover du « Jelly Roll » de Charles Mingus est plus classique. Plus jazz aussi. La version est totalement différente de l’originale, le banjo et la guitare vous convertissant le tout en blues du Delta. Place ensuite au titre maître de son dernier elpee, « Different Shades Of Blues ». La guitare et la voix de Joe ne font qu’un. Le blues parfait de ses amours. Changement de gratte pour Joe qui nous propose « Black Lung Heartache » de l’elpee « Dust Bowl », un disque publié en 2011 auquel avaient participé John Hiatt, Gleen Hughes et Vince Gill. Mais en format acoustique, la compo évoque plutôt le Led Zep. Banjo, mandoline et guitare guident Joe sur les plaines verdoyantes de l'Irlande ou de l'Ecosse. Il ne manque plus que l'harmonica de Charlie Musselwhite pour atteindre le Nirvana.
« Happier Times » figure sur le long playing « The Ballad Of John Henry ». Paru en 2009, c’est un de mes opus préférés. L’adaptation est plus paisible sans électrification ; et le piano Hammond marque quand même le pas. Une intro aux ivoires balise la voix de Joe pour la cover de Tom Waits, « Jockey Full Of Bourbon», un morceau sculpté par les accords de guitare flamenco. Blues électrique, « Dislocated Boy » figure sur « Driving Towards The Daylight », un elpee gravé en 2012. La version ‘live’ est évidemment plus paisible.
Jolie ballade, « Ball Peen Hammer » est une cover de Chris Whitley incitant les 10 000 spectateurs à investir le dancefloor. Un objectif irréalisable, car ils sont tous coincés dans leur fauteuil. D’une durée de 60 minutes, la première partie s’achève par « Athens To Athens », extrait de « Black Rock », un LP concocté en 2010. Lenny se sert d’une ancienne râpe de lavoir qu'il triture à l’aide de deux cuillères à soupe, pendant que le violoniste concède des accents country & western…
Cinq minutes de pause et le second acte peut commencer. Il sera bien électrique. Et s’il est du même tonneau, on risque fort de prendre à nouveau son pied. Changement de backing group, puisque la basse est confiée à Carmine Rojas, les drums à Tal Bergman et les claviers à Derek Sherinian. Seul Lenny Castro conserve son poste de percussionniste.
La technique de Joe est toujours aussi précise. Ses solos sont recherchés et copieux et il les dispense à la manière des 'guitar heroes'. « Dust Bowl » démontre qu’il est encore et toujours un maître dans l’univers du blues. Sa voix est empreinte d’une grande sensibilité. Tiré du dernier elpee, « Oh Beautiful! » opère un retour dans les 70’s. Signe distinctif : les interventions du Hammond rappellent John Lord. Faut dire que la deuxième tranche du set est bien plus musclée. Plus rock. On pense régulièrement au Led Zep, et tout particulièrement à son soliste Jimmy Page, tant les riffs de gratte sont audacieux et puissants. « Who's Been Talking » est une reprise de Howlin' Wolf que Carlos Santana a rendu célèbre. A la sauce Bonamassa, elle prend un aspect plus hard rock blues. Pas mal du tout ! On a même envie de danser. Mais c’est irréalisable ! L’adaptation du « Blues Deluxe » de Jeff Beck permet à Joe de développer un solo aussi long que minutieux. Un régal pour les amateurs du genre.
Le band attaque ensuite « I Gave Up Everything For You, 'Cept The Blues » et « Love Ain't A Love Song » deux autres extraits du dernier long playing, une œuvre qui pour la toute première fois n’inclut aucune reprise. Joe a tout écrit tout de 'a' à 'z'.
Et la guitare de Joe est de nouveau mise en exergue sur le « Sloe Gin » de Tim Curry. Pour clore le concert, nous aurons droit à « The Ballad Of John Henry » (NDR : le titre de l’album rend hommage au héros folklorique américain John Henry), un morceau sublime, issu du septième LP studio de Joe. Le set s’achève par un show à l'américaine…
Au cours des 180 minutes de spectacle, seules quatre plages du dernier opus ont été interprétées. Etonnant quand même. De quoi rester quelque peu sur sa faim…
Le rappel va nous réserver « Django », qui figure sur « You and Me », publié en 2006, suivi de l’inévitable « Mountain Time » qui, en général, achève les concerts de Joe Bonamassa. Merci le virtuose ! On se revoit dans 6 mois ?
(Organisation : Greenhouse Talent)
Voir aussi notre section photos ici
Nederlands 
Français 
