La justification d'une conviction dépend simplement d'un fait établi.
Démembrant allégrement cette théorie étirée en complexes réflexions mathématico-humanistes chères au philosophe Bertrand Russel à qui le groupe doit son nom, Acquaintances taillade, désosse, piétine et démantèle tout sur la longueur de ce premier essai.
Somme de noms au travers desquels on redécouvre avec plaisir l’Amérique sous un angle érodé par le bruit et la déconstruction méthodiste du rock, le groupe réunit des membres de Ted Leo And The Pharmacists, Don Caballero ou encore The Poison Arrows.
Dans l’exacte lignée d’Atombombpocketknife, l’une des multiples formations au sein de laquelle a évolué Justin Sinkovich, dont on retrouve la patte et la voix sur la plupart des titres, Acquaintances ne se résume pourtant pas à un passe-temps pour musiciens débordant d’énergie.
Véritable vivier incendiaire, le long playing, qui s’inscrit dans une veine Garage des plus venimeuses, regorge de titres efficaces, directs, et habilement déstructurés.
Sombre mais pas noir, le venin s’écoule comme un flot de lave entre les tympans et génère un enthousiasme digne d’une boisson énergétique.
Guys, very pleased to make your Acquaintances !
Les frères Dave et Phil Alvin jouissent d’une belle notoriété dans l’univers du blues et du rockabilly. Les deux chanteurs/guitaristes californiens étaient déjà passés à la postérité lors de leur aventure originelle vécue chez les Blasters, à partir de 1979, un groupe qui a marqué l’histoire de la musique rock pour son style punk/roots. Après la disparition du band, les deux musicos ont entrepris une carrière individuelle, en parallèle. Et pour la première fois depuis trente ans, ils ont décidé d'enregistrer en duo. Intitulé "Common ground", l’album est sous-titré ‘Dave Alvin & Phil Alvin play and sing the songs of Big Bill Broonzy’.
Broonzy est un bluesman dont la carrière a commencé fin des années 20. Emigré à Chicago, il passe à la guitare électrique dès le début des années 40. Il met en boîte plus de 200 titres entre 1927 à 1942. Il est également un des tous premiers bluesmen à se produire en Europe. Il est décédé en 1958. On lui doit de nombreux classiques du blues. Merci aux frères Alvin de nous le rappeler…
Gene Taylor, un authentique Blaster, siège derrière le piano. La fratrie Alvin a puisé aussi bien dans le répertoire acoustique qu'électrique de Broonzy, ce qui rend cet opus bien diversifié. Dave et Phil jouent de la guitare, ce dernier également de l'harmonica.
"All by myself" commence très fort. Les deux frangins se succèdent aux vocaux, armés de leur sèche. "Feel so good" est certainement l'un des titres les plus connus de Broonzy". Cette version est électrique. Toujours aussi à l'aise lorsque le tempo est rapide, Gene Taylor est préposé aux ivoires. Vu l’attaque percutante et convaincante, caractérisée le plus souvent sur une succession d'accords frénétiques, c’est certainement Dave qui assure l'envol sur la guitare. "How you want it done?" a été gravé à l'origine en 1932. Une piste très rapide. Evoluant sur le rythme du chemin de fer, propulsé par le batteur. Le raid des grattes acoustiques est très tranchant. Direction "Southern flood blues", un morceau largement amplifié, imprimé sur le tempo frénétique du boogie. Dave se consacre à la six cordes, Phil –très inspiré par ailleurs– à l’harmonica. Un des premiers titres enregistrés par Broonzy remonte à 1927. Il s’agit de "Big Bill blues". L'atmosphère originelle est très bien restituée. Gene se concentre sur le piano. Particulièrement décontracté, Dave se charge de la guitare électrique. "Key to the highway" constitue la chanson la plus célèbre du vieux bluesman. Elle est adaptée en format acoustique. La voix y est puissante et le rythme, soutenu. "Tomorrow" date de 1951. C’est donc un titre plus récent. Il est traité en mode western swing. Balisée par le piano, la guitare déborde d’allégresse et se met à jumper vers les sommets. "Just a dream" est encore une compo notoire. L’osmose entre les musicos est parfaite. Un vrai bonheur ! Dans son style californien, Dave est imparable sur son manche. Pensez un peu à Hollywood Fats ou Junior Watson. Et il en remet une couche sur le boogie "You've changed. Dave et Phil conjuguent impeccablement leurs voix sur le remuant "Stuff they call money", une plage au cours de laquelle Taylor se montre très actif sur les touches d'ivoire. "Trucking little woman" baigne à nouveau dans une atmosphère californienne. Le jump et particulièrement animé. Le solo de Dave est décoiffant. De toute bonne facture, ce tribute s’achève par l’instrumental particulièrement roots, "Saturday night rub"…
Deux amis de longue date, pas inconnus par ici, éloignés par deux continents distincts, aidés de deux ordinateurs et d’une liaison internet.
Il n’en fallait pas plus pour donner naissance à Crown Estate, projet bicéphale, bipolaire, bifurqué et surtout vachement bi(en) foutu.
Si la distance se compte en miles entre Hong Kong, Oakland et Londres, le talent de cette paire, elle, se compte en bits.
Auteurs d’un premier single irrésistible au sortir de 2013 (« Battlesbridge »), le tandem remet le couvert à l’entame de l’été, en publiant un « Lazers », toujours aussi inspiré et des plus excitants.
Oublions donc totalement leur passé respectif au sein de Rosa Mota, formation phare de l’underground nineties à laquelle ma propre histoire est trop intimement liée pour nous focaliser sur la quintessence de ces deux titres.
Car s’il est difficile de juger sur la longueur un projet disposant à ce jour d’une unique carte de visite recto/verso, il s’avère, à l’écoute de celle-ci, que leur potentiel est énorme.
Commençons donc par « Battlesbridge » et son introduction graduelle, lancée par une boîte à rythmes délicieusement vintage, sous une pluie digitale.
Lentement, Sacha Galvagna tisse une toile délicate sur laquelle la voix de Julie Rumsey, enrobée d’un voile de distorsion, vient secouer les fils de soie.
Cette Electro sensuelle, bientôt greffée d’un groove lancinant monte en puissance tout au long de ces trois minutes trente-cinq et laisse en suspens nos désirs naissants.
« Lazers », quant à lui, est un titre jouant avec des sonorités enfantines et affiche un aspect Pop plus prononcé.
La voix, la mélodie, toutes deux plus candides, se promènent sur un tempo plus élevé, se perchent au sommet d’un rythme espiègle pour mieux en dégringoler en grappes lumineuses comme une cascade de faisceaux lasers au milieu d’une nuit étoilée.
Plus direct que dans ces aventures parallèles (Charles Atlas, Carta, et autres projets personnels dont la sombre magnificence de The Last King Of England, entre autres), Sacha Galvagna appose ici son style et l’affine pour épouser parfaitement l’univers de sa compagne de jeu.
Mariant de fort belle façon rythmique faussement évidente et accroche mélodique entêtante, comme une ritournelle obsédante, le duo apparaît d’étroite connivence, malgré le temps et la distance qui les séparent.
Reste à éviter le danger d’un processus de travail lent et minutieux et à donner suite au plus vite à ces deux titres au regard desquels, on peut déjà miser beaucoup d’espoir en ces deux têtes couronnées.
« Battlesbridge », « Lazers » ainsi que deux autres titres (dont l’intrigant « Skin ») sont en écoute sur le soundcloud du groupe. Et c'est ici
Steve Hill est un chanteur/guitariste. Un Montréalais dont le style oscille entre blues et rock. Entre 2002 et 2011, c’est d’ailleurs surtout dans l’univers du rock qu’il va évoluer. Avant cette période, il pratiquait uniquement le blues. Parmi les faits marquants de sa carrière on épinglera ainsi sa participation aux sessions d’enregistrement de "Roots and blues", un elpee de Nanette Workman. Compatriote, cette chanteuse est particulièrement populaire au pays du sirop d'érable. C’est en 2012 qu’il revient au blues, en publiant "Solo recordings - Volume 1", un disque salué par la critique ; ce qui lui vaudra quelques awards du blues dans son pays!
Steve Hill propose ici le deuxième volume de ses enregistrements opérés en solo. Il se réserve tous les instruments : guitares (Gibson), basse, batterie, percussions et harmonica. En outre, il chante et s’est chargé de la mise en forme ainsi que du mixing. Enfin, hormis 3 pistes, il signe toutes les autres compos.
"Still got it bad" ouvre la plaque. Un blues rock lent aux accents dramatiques. Les riffs puissants sont largement amplifiés. La voix colle bien au style. Elle est talonnée par la guitare qui ne laisse guère d'espace libre. "Slim chance" élève le tempo. Steve aligne les riffs rythmiques toujours aussi denses ; mais il s’autorise quelques petits envols en solitaire, le doigt armé d'un bottleneck. "Tough luck" baigne dans une certaine quiétude. D’une voix plus grave, Hill chante ce folk/blues en s’accompagnant à la sèche quand il ne souffle pas dans son harmo. Sa guitare slide introduit "The collector", une plage au cours de laquelle il sculpte des motifs rythmiques implacables et intenses. Manifestement, le Canadien est comme un poisson dans l’eau sur cet instrument. "Never is such a long time" constitue certainement le meilleur titre du long playing, un blues lent, sombre, marqué au fer rouge par les sonorités grasses et épaisses de sa Gibson Les Paul. La première reprise est consacrée au "Hate to see you go" de Little Walter. Une version alerte que Steve a adaptée à sa guitare. Une excellente cover au cours de laquelle Steve libère judicieusement ses cordes. Ballade indolente, "Better" véhicule des accents southern rock, mais également métalliques puisés dans le Delta, une piste mélodique caractérisé par le recours à un bottleneck. "Simple things" est un titre issu de la plume de Ray Bonneville, un guitariste/compositeur canadien qui a beaucoup bourlingué à travers les Etats-Unis. Steve et Ray avaient enregistré en duo cette chanson acoustique et l’avait réservée au premier opus de Hill, paru en 1997. Un traitement de choc a été administré au "I want you to love me" de Muddy Waters. Ce blues baigne au sein d’un climat écrasant, malgré ses changements de tempo et ce zeste d’harmonica. Chargé d’intensité, "Go on" trahit la face rockin' blues de l'artiste. "Long road" clôt l’elpee, une plage folk atmosphérique…
La plaque commence de manière on ne peut plus fortuite par une intro instrumentale branlante mais qui déjà devrait mettre en avant certains indices en même temps que l’eau à la bouche.
Quelques instants plus tard, quatre mesures d’une basse aux épaules bien carrées se chargent de dégager la piste autour d’elle. Quatre mesures, un temps, et « Graves » s’installe comme un hymne surf garage reléguant The Drums dans un cabanon au fin fond d’une plage déserte.
Le chant rappelle à premier abord Ian Brown (surtout le timbre) ; mais tout au long de l’album, on imagine surtout un croisement entre les cordes vocales de Ian Svenonius (The Make-Up, Nation Of Ulysses, Chain And The Gang) et de Julian Casablancas des Strokes (NDR : en sévère panne d’inspiration depuis longtemps).
En y ajoutant une gratte facétieuse qui titille le chorus de façon ludique, une basse toujours bien présente, telle un pilier soutenant l’ensemble en équilibre subtil tout autour d’elle, et une production maison qui surclasse aisément celle de Steve Albini, au hasard (mais vraiment au hasard, hein !), on obtient la recette d’un élixir de jeunesse que je recommanderais volontiers à tous.
L’album s’achève trop tôt, avec en ‘outroduction’ les mêmes mélopées étranges qui lançaient cet album vers lequel on a qu’une envie, à savoir y revenir immédiatement.
Torontois, ces quatre jeunes gens (une fille, trois garçons) viennent, en gravant ce deuxième album, de signer le hold-up parfait.
Imparable comme les premiers Pavement, jouissif comme toute la discographie de Ty Segall et lumineux comme un orgasme commun à tous les noms cités dans cette rubrique.
« Gravez », le sex toy de l’année !
Le 7 septembre au Charlatan à Gand.
Little Mike Markowitz est un harmoniciste de blues qui jouit d’une belle notoriété. Un chanteur/compositeur/producteur originaire de New York. Il s’est depuis établi en Floride. Il a entamé sa carrière fin des 70’s. Il est donc sur les routes depuis un bon bout de temps. Très inspiré par le blues de Chicago, il a notamment accompagné Pinetop Perkins, Hubert Sumlin et Jimmy Rogers, des artistes devenus eux-mêmes célèbres après avoir côtoyé Muddy Waters et Howlin' Wolf… En 2013, le label El Rob avait publié un elpee intitulé "Forgive me", une œuvre réunissant des enregistrement datant déjà de 2001.
Little Mike est de retour, à Jacksonville, en Floride. Pour enfin y concocter un nouvel opus. Lors des sessions il a reçu le concours des Tornadoes originels : le guitariste Tony O. Melio, le bassiste Brad Vickers et le drummer Robert Piazza. Le line up est enrichi du pianiste, Jim McKaba au piano. Les treize compositions sont inédites.
"Hard hard way" ouvre la plaque. Une piste qui baigne manifestement dans une atmosphère Chicago blues. Le tempo est nerveux. Tous les instrumentistes sont bien en place. De manière à mettre en exergue les soliste. Dont l'excellent Melio aux cordes, aussitôt relayé par son leader, qui n'a rien perdu de ses qualités de souffleur. "So many problems" embraie sur un mode funky, dansant. Mike articule parfaitement ses mots. Le tempo et les interventions à l’harmo rappellent Slim Harpo. Tout comme sur "All the time" ! Blues lent, "Since my mother been ill" véhicule un maximum d'émotion. Mike communique sa douleur avec beaucoup de réalisme. Pour la circonstance, c'est le piano de McKaba qui domine le sujet, nous rappelant des légendes telles qu’Otis Spann et Pinetop Perkins. Il est relayé par Melio, dont le feeling à fleur de peau, évoque Hubert Sumlin. Melio est à nouveau au sommet de son art sur "Drunk last night", un blues imprimé sur un tempo élevé. "Sam's stomp" est un instrumental au cours duquel Little Mike injecte toute sa fougue à l’harmo. Et ses interventions sont particulièrement efficaces. Chaque soliste a droit à son ticket de sortie. Le titre maître est absolument superbe. Un blues nerveux entraînant, puissant, au cours duquel Mike Mike impressionne par son aisance à pousser ses facultés de souffleur, dans ses derniers retranchements ! "Blues is killing me" embraie sur ce même tempo soutenu. Melio s’y révèle très en verve. "Wonder why" adopte un rythme plus contemporain, celui du Chicago Westside. Mike est passé sur son instrument chromatique pour le splendide "Stuck out on this highway", un blues lent qui rend un vibrant hommage au légendaire George Harmonica Smith. D’excellente facture, le long playing s’achève par "Close to my baby", un blues excitant, au cours duquel l’harmoniciste nous emmène une dernière fois vers les sommets, sur un tempo emprunté à Jimmy Reed!
Originaire de Buffalo, David Michael Miller est très tôt contaminé par la soul et le blues. En 1995, il monte Painted by Moses, un groupe qui pratique surtout le gospel. Inspiré par son voisin de Buffalo, Tommy Z, il fonde alors Beautiful Bones en compagnie de son fils et son neveu. Au répertoire : blues et soul ! On le retrouve plus récemment, lorsqu’il assure le rôle de chanteur au sein de Dive House Union. Une aventure ponctuée par l’enregistrement de deux opus live. L'an dernier, il rencontre le producteur local, Jesse Miller. Ce qui va lui permettre de concocter son premier long playing solo. En fait, David souhaite prioritairement être reconnu comme compositeur. Il signe d’ailleurs l’intégralité des pistes de ce disque. Il assure également le chant et la guitare. Il est soutenu par une section rythmique réunissant le drummer Carlton Campbell et le bassiste Daric Bennett. David est très proche des Campbell Brothers, un ensemble de gospel blues qui a forgé sa notoriété dans un style baptisé ‘sacred steel’. Au sein du line up, figurent trois frères aux cordes et un des fils du trio, à la batterie. En l’occurrence Carlton, qui a apporté son concours lors des sessions d’enregistrement. Deux des frangins, Darick et Chuck y ont également participé. Enfin Jesse Miller, préposé à la mise en forme, se charge de la plupart des parties de claviers.
"Hand me downs" ouvre la plaque. Un véritable brûlot. Ou si vous préférez une claque très électrique, caractérisée par ses changements de rythmes ; même si au galop, c’est surtout le tempo du boogie qui est adopté. La lap steel de Darick Campbell est percutante. Une plage très travaillée, fort bien produite. "Edge of the end of the world" change radicalement de style. Le morceau baigne au sein d’une ambiance exotique chaleureuse. Les interventions vocales sont excellentes. L'orgue de Jim Ehinger et le saxophone de Barry Arbogast tirent parfaitement leur épingle du jeu. Les interventions de Chuck Campbell sont particulièrement émouvantes, tout au long de "Memphis Belle", une superbe plage lente, que chante David, d’une voix bien mise en relief. Soul/blues d’une grande pureté, "Hope finds a way" est impeccablement structuré. Une charpente qui permet au chant limpide de se détacher de son environnement, avant que guitare, piano et cuivres ne prennent à leur tour, un billet de sortie. "Moonshine" poursuit dans le même esprit, nonobstant la présence de la trompette de Stephen McLean Jr. Miller soutient à nouveau Patrick Campbell, lorsque se dernier récupère la pedal steel, pour attaquer "Spent", un R&B bien saignant. Il la cède ensuite à Darick, pour aborder "Carolina bound", une bien jolie ballade. Autre ballade, "Careless" est une piste indolente, émouvante, soulignée par l'accordéon de Ron Davis. Superbe ! "Oncce" est sculpté dans de l’excellent r&b funkysant. Plage atmosphérique, "Movin' on" se distingue par sa remarquable intervention d’orgue que se réserve le producteur, Jesse Miller…
Dans l’univers du blues, The Nighthawks est certainement l'une des plus anciennes formations qui fréquente encore le circuit des bars et des clubs. Du blues que le combo mêle au R&B, doo wop et rockabilly. La figure de proue est Mark Werner, membre fondateur qui drive le combo depuis 1972. Un chanteur/harmoniciste dont les bras sont intégralement tatoués. Sa réputation, le groupe de Washington DC l’a bâtie sur le duo Mark Werner/ Jimmy Thackery. Guitariste, ce dernier embrassera une carrière solo dès 1986. Par la suite, toute une série de gratteurs vont défiler : Jimmy Hall, Jimmy Nalls, Danny Morris, Pete Kanaras, … Depuis plus de dix ans, ce rôle est assuré par Paul Bell. Le line up est complété par le bassiste Johnny Castle et depuis 2010 du drummer Mark Stutso. Les quatre musicos participent aux vocaux !
Après 40 années d’existence, on se doute bien que la discographie du band est imposante. Leurs deux derniers opus remontent à 2010 et 2012. "Last train to Bluesville" est paru chez Rip Bang, et "Damn good time", sur Severn. Ce dernier essai est paru sur le label Ellersoul, un label très actif qui avait publié l’an dernier un superbe long playing de 4 Jacks, formation impliquant le gratteur texan Anson Funderburgh.
"Walk that walk" ouvre la plaque. Soutenu par les chœurs doo-wop de ses trois acolytes, Mark chante ce rockabilly. Wenner prouve qu'il n'a rien perdu de sa verve à l'harmonica, poussant ses notes dans leurs derniers retranchements. Imprimé sur un mid tempo, "Livin' the blues" est un blues buriné par la voix nasillarde et relativement usée du leader. Son message passe pourtant en puissance. Il souffle dans son harmo comme si ses jours étaient comptés! Il est vrai qu'il a été opéré à cœur ouvert en 2012. Débordant d’énergie, "444 A.M." nous replonge dans le rockabilly. Paul Bell joue en pickin' alors que Mark a déjà rechargé son instrument de poche! Une voix soul, chargée de passion (NDR : probablement celle de Mark Stutso), interprète "You're gone", un blues classique. Wenner a récupéré le micro pour attaquer l’excellent "Honky Tonk queen", une plage captivante qui évolue dans un registre honky tonk/country rock. Elle est même le théâtre d'une nouvelle sortie des solistes. Ludique, "Got a lot of lovin'" opère un retour au rock'n'roll. Les vocaux sont partagés tout au long du blues/soul "Crawfish". "High snakes" constitue la première accalmie de l’elpee ; une tendre et douce ballade fort bien ficelée, au cours de laquelle Paul Bell brille sur les cordes. "The price of love" est incontestablement une des meilleures plages du long playing, un R&B très participatif caractérisé par les interventions vigoureuses à l’harmo alors que Bell est passé à la guitare slide. Et "No secrets" adopte la même formule ! Stutso chante "Nothin' but the blues", un blues unplugged. Empreint de pudeur et de douceur, il est enrichi par la présence d’une slide aux interventions de toute beauté. La reprise du "Louisiana blues" de Muddy Waters préserve l’authenticité de la version originale. De bonne facture, cet elpee s’achève par "Roadside cross", une ballade folk roots qui met en exergue la mandoline du Japonais Akira Otsuka.
Lee Palmer est canadien. Originaire du Brunswick, il vit à Toronto depuis 1980. Aujourd’hui âgé de 60 balais, cet adepte de la roots music avait publié un album solo en janvier 2013. Il explore la musique de ses racines, où se mêlent folk, et surtout blues ainsi que country. Il chante d’un baryton chaleureux, en s’accompagnant à la sèche. "60 clicks" a été enregistré live dans le studio torontois de Rogue, des sessions au cours desquelles Lee a reçu le concours d'excellents musiciens locaux, dont Alec Fraser préposé à la basse, mais également responsable de la production.
Palmer signe les 11 plages. Parmi elles, figurent quelques blues de très bonne facture, à l’instar de la plage d’ouverture, "Do what I does", qu’on pourrait qualifier de particulièrement harmonieuse. La section rythmique est impeccable. Fraser et Al Cross se chargent des percussions. Rony Platt à l’harmo, Elmer Ferrer à la sèche et Burke Caroll à la slide excellent chacun sur leur instrument. La rythmique adoptée par "Waiting on my love to come" rappelle Howlin' Wolf, même si l’approche est plus soignée. Roly Platt (NDR : il a été plusieurs fois nominé aux Maples Blues Awards, distinctions réservées à la scène blues canadienne) brille sur son harmonica. Il est talonné par le bottleneck de Carroll. Un effet et des musicos qu’on retrouve sur "Fighting the blues" ; Wendell Ferguson (à la guitare 66 Tele cameo) renforçant pour le circonstance le line up. Le reste du long playing baigne essentiellement dans la country. Tout d’abord la ballade "Parents child". Puis "Sometimes", une plage caractérisée par les interventions tout en délicatesse des solistes. "Things are too good to be blues", ensuite ; mais dans l’esprit du western swing. Et du swing, cette piste n’en manque pas, l’harmo et la pedal steel entretenant ce climat. "Changed man" nous transporte au Sud de l’Espagne. A cause de ces accords de guitare dispensés par Elmer Ferrer. "Wrong not to write" nous ramène du côté de Dallas. Une compo au cours de laquelle l’harmo et la pedal steel de Burke Carroll sonnent comme à l’authentique. Le titre maître est une jolie cover de Bill Smith, disparu il y a quelques mois. Caractérisé par ses accents country/blues, "Together we roll" nous plonge dans le bluegrass. C’est également la piste finale. Platt y émerge à la manière de Sonny Terry.
Persian Rabbit est né de la réunion entre plusieurs groupes issus de la scène rock alternative lilloise, dont Tang, Ed Wood Jr, Two Left Ears ou encore Green Vaughan. Drivée par Djavanshir, cette formation pratique un post rock singulier, caractérisé par le recours à un harmonium, instrumentation d’origine indienne rappelant l’accordéon.
Malgré le contexte oriental (le patronyme, l’harmonium) cette élite lilloise marche plutôt sur les traces de Silver Mt Zion voire de Caspian (mais sous valium et en plus minimaliste). Empreint d’une grande sérénité, leur post-rock n’explose que rarement ; ce qui n’est pas nécessairement pour me déplaire. Pourtant le collectif n’hésite pas à se réserver l’une ou l’autre envolée, à l’instar de « Sell the Light ». En outre, une compo comme « Ginger » baigne au sein d’un climat maritime, particulièrement paisible. Seule la voix du chanteur éprouve davantage de difficultés à faire la différence ; même s’il faut avouer qu’elle parvient à insuffler de l’émotion au huit plages de cet elpee.
Quatre ans déjà que School is Cool a remporté le Humo Rock Rally et qu’il a publié son premier opus, « Entropology ». Depuis, la formation a accordé de nombreux concerts, et notamment au sein des prestigieux festivals belges. Ce qui a permis aux Anversois de se forger une certaine notoriété. Leur deuxième album était donc forcément attendu au tournant.
Autant l’avouer de suite, « Nature Fear » confirme tout le bien qu’on pensait de la formation flandrienne. Il est jouissif et accrocheur du début à la fin. En outre, leur indie-rock prend différentes colorations en fonction des morceaux. Ainsi, si le début de parcours est surtout marqué par les synthés des 80’s (« Wide-eyed & Wild eyed », « Envelop Me »), l’opus nous réserve une chanson pop rock classique baignant dans la mélancolie (« Golden Grey ») avant d’enchaîner par du punk à la fois énergique et exotique (« The Boothing Sound of Breaking Bones »). Tout un programme donc… Chaque musicien joue parfaitement son rôle. Tribales, les percus font bon ménage avec les cordes et les cuivres, alors que les harmonies vocales se superposent en couches. Toute une structure destinée à créer une musique à la fois dense et entraînante. Un régal pour les oreilles !
« Nature Fear » constitue certainement un des albums les plus intéressants réalisé par un groupe ou un artiste noir/jaune/rouge. El le sextuor se produira au Pukkelpop ce 16 août…
Vingtième album en 33 ans de carrière pour les sympathiques Japonaises, dont le sommet en terme de carrière demeure à ce jour l’indéfectible admiration de Kurt Cobain, de son vivant, pour ce trio issu d’Osaka.
« Overdrive » explore aujourd’hui le Hard (?) Rock des seventies, en version lollipop.
Montagnes russes entre son gras et mélodies vocales sucrées.
L’inventaire recense dix guitares, deux basses, trois amplis et une pléiade d’effets divers.
Manifestement, le son rappelle celui des elpees de Thin Lizzy, Black Sabbath et Deep Purple, circa 70, mais le contraste avec le contenu bubble-gum est pour le moins troublant.
Les titres en sont l’illustration : « Dance To The Rock », « Shopping », « Like A Cat », Green Tea », rien qui n’inspire ici une poussée éhontée de testostérone.
Scandés de façon puérile, les lyrics (qui, vous l’aurez deviné, ne sont pas le point fort du combo) sont à prendre au second degré ; ce qui fait passer le projet pour un pastiche.
Pourtant, cet opus semble avoir été pensé comme un hommage à cette période dorée du Rock.
Le résultat reste distrayant et permet quelques dérapages de l’imagination cocasses (j’ai eu cette vision de Lemmy arborant des couettes et sirotant un jus d’ananas auprès d’Ozzy en bikini à pois), mais c’est loin d’être transcendant.
Au final, celles qu’on qualifie de Ramones d’Osaka résistent courageusement au temps, mais leur Pop acidulée sur fond de riffs de guitares gonflés d’overdrive reste une recette, certes fraîche, mais relativement insignifiante.
Il paraît que c’est déjà le dernier jour… Dans ce microcosme dourois, on oublie les jours, les heures, les conventions et surtout que toutes les bonnes choses ont une fin. On part gonflés à bloc pour profiter, comme il se doit, de ces dernières heures passées au paradis.
Petit moment exotique en compagnie de Naâman. Jeune Français fan de la Jamaïque et de ses traditions musicales, il s’est imposé sur la scène reggae. Autant dire que son physique autant que son background sont atypiques ; mais aussi qu’ils poussent à l’admiration. Sa voix est absolument incroyable. La Dance Hall est sous le charme. Une version rallongée de « Skanking Shoes » conclut le seul concert de reggae auquel je me serai rendue.
On se dépêche d’assister au début de set de Casseurs Flowters, nouveau groupe d’OrelSan et Gringe. Je dois bien avouer que m’y rends par curiosité, très peu attirée par ce genre musical. Pour une fois, nous voyons la Last Arena clairsemée. Nous aurions dû nous douter que le public cible du Dour Festival n’a que peu d’intérêt pour un groupe de rap français, apprécié par beaucoup d’ados. Orelsan et Gringe montent sur les planches, accompagnés de deux DJ’s. Force est de constater qu’ils font le show. Leurs paroles sont tantôt totalement futiles, tantôt très réfléchies, mais souvent ridicules… On ne peut nier leur énergie débordante mais ce n’est pas assez pour rester toute l’heure…
Allons jeter un œil à la Cannibal Stage et à Punish Yourself. Comme d’habitude, c’est démentiel. Entre peinture phosphorescente et grand n’importe quoi sur scène. Il est parfois difficile de se concentrer sur leur musique tant on accorde de l’importance à leur comportement. Performance scénique ou concert ?
A 23 heures direction la RedBull Elektropedia pour Len Faki. On se faufile à l’intérieur de la tente où comme d’habitude la chaleur et l’humidité règnent en maître. C’est encore une star de la techno que nous propose le line-up de Dour. Rasé, en débardeur, il arrive aux platines et commence son set. Une heure trente de techno qui passera extrêmement vite. Sans le son on ne croirait pas écouter de la minimale tant les gens dansent. Temps écoulé pour Len Faki, deux minutes de break permettent aux fans de techno de sortir pour laisser la place aux fans d’électro. Nous annonçons Brodinski ! Ce n’est vraiment pas mal mais nous nous attendions à mieux. Ses enregistrements sont un peu plus puissants et originaux que son live, au final assez classique.
C’est pourquoi nous décidons lettre le cap sur Last Arena pour y assister à la prestation de Boys Noize. C’est le dernier artiste à se produire en plein air, sur la scène principale, cette année. Pour sa troisième participation à Dour, il nous offre un live mémorable. Ce DJ reconnu mondialement n’a plus rien à prouver. On pourrait critiquer son manque de renouvellement ; mais sa recette habituelle est un véritable succès. Le public est en délire, tout le monde sans exception danse au rythme de son électro épurée et presque mécanique. Encore un excellent moment qui se hisse sans surprise dans mon ‘top 5’ de cette édition.
Il est deux heures du matin. En ce moment, totalement ébahis par Boys Noize, qui remercie chaleureusement son public, nous pensons juste être déçus de tout ce que nous entendrons après lui. C’était sans compter sur un drôle d’oiseau…
2h30. Les lumières s’éteignent. Le Dance Hall est plongé dans l’obscurité. Mr. Oizo n’est plus à présenter. C’est en sa compagnie que nous allons clôturer le festival cette année (bien que forts tentés par Boris Brejcha, deux scènes plus loin). Il nous ferait presque oublier le très bon Boys Noize. Encore une fois, les fans d’électro sont conquis par ce DJ totalement détaché de la situation, pas du tout concerné par son live. Il se contente de balancer ses tracks sans montrer aucune émotion. Il finira même par faire son sac avant même d’éteindre ses platines, partant ainsi ‘sans dire au revoir’. Néanmoins, c’est une des meilleures prestations que nous avons pu voir sur les quatre jours. « Positif » (Vous êtes des animaux !), son tube, met le public dans un état de transe. Avant un remix du « Riverside » de Sidney Samson, il nous passe même du Gesaffelstein (NDR : le top 1 de l’édition Dour 2013). Que demander de plus ? Peut être une heure supplémentaire… Car la ‘journée’ s’achève une heure plus tôt en ce dimanche, à quatre heures du mat’ au lieu de cinq.
Cette heure trente passée en compagnie de l’Oizo nous a laissé sur notre faim. Il est de ces concerts dont on n’ose pas regarder sa montre de peur qu’il prenne fin. Il est de ces endroits dont on ne compte pas les jours car on aimerait y passer l’éternité. L’ambiance qui règne sur la plaine en ce dimanche soir est incroyable. Certains escaladent les installations pour y décrocher des panneaux, d’autres improvisent des concerts sur les poubelles… Tout nous pousse à continuer la fête au son des enceintes des bars et ce jusqu’au petit matin. Nous sommes accompagnés de centaines de campeurs déjà nostalgiques et que rien ni personne ne fatiguera. Consolez-vous mélomanes car l’organisation nous a annoncé aujourd’hui que l’édition 2015 s’étalera sur cinq jours. Au revoir et merci Dour, à l’année prochaine.
(Organisation Dour Festival)
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Le ciel se couvre sur la plaine de la Machine à Feu. C’est parti pour une troisième journée de festival, dont le line-up est un peu moins alléchant que pour les trois autres jours. De plus, la fatigue commence à se faire sentir. Mais ni la programmation, ni le manque de sommeil ne vont nous arrêter !
Mettons nous en forme en commençant notre tour d’horizon par Stand High Patrol. Ils se produiront de 14 à 22 heures au Dub Corner. Les sonorités dub chaudes, ensoleillées et relaxantes de ces artistes bretons ne peuvent que nous mettre de bonne humeur…
On s’empresse de rejoindre la Last Arena en début de soirée pour y voir une des têtes d’affiche du festival, j’ai nommé Cypress Hill. C’est une première pour moi, bien qu’il soit régulièrement programmé dans divers festivals européens. Il est 19 heures et la Last Arena est entièrement remplie. Le public s’est déplacé en masse pour ce crew au style si particulier. Dès le début c’est une véritable fête, la set list mise sur ses tubes pour mettre l’ambiance. « Insane in the brain », « Roll it up light it up smoke it up », « I want to get high», « Dr. Greenthumb », « Hits from the bong», « How I could just kill a man » et j’en passe. On regrette qu’une formation comptant 25 ans de carrière se repose autant sur ses acquis. C’est néanmoins un excellent concert que l’on n’est pas déçu d’avoir attendu. Quelques minutes d’improvisation, de percussions et de scratches nous rappellent à quel point les musicos sont capables de mélanger les styles à la perfection. Chaque titre est une bonne occasion pour eux de vanter les mérites de la marijuana et défendre sa légalisation. ‘Who wants to get high tonight with Cypress Hill ?!’ font de leur live une véritable ode à la ganja !
Un bref passage par la Dance Hall pour y (re)voir Shantel & Bucovnia Club Orkestar. Comme d’habitude, ils réalisent leur show à l’aide d’une musique tout droit importée des Balkans.
Le temps nous est compté et on le partage entre Shantel et Jagwar Ma. Sous ce patronyme félin se cache un trio australien formé en 2011. Après avoir transité par Glastonbury, il y a quelques semaines, il débarque à Dour. Leur musique novatrice évolue quelque part entre rock, pop et l’électro. Le fameux Noel Gallagher a avoué qu’il était trop occupé à parler d’eux pour reformer Oasis. En ce samedi, le combo nous livre une performance brillante. Le mix bien dosé des styles crée une playlist dansante qui devrait plaire à un large public. Un groupe qui promet d’aller loin…
Le ciel se remplit de nuages… Certains prient Zeus de les épargner pendant que d’autres n’attendent que la pluie. C’est finalement vers 22h que les premières gouttes tombent sur le festival. Elle ne cessera pas de la soirée. Dour retrouve son visage boueux et glissant. On aura tout vu pour cette vingt-sixième édition ! Autant Theo Parrish que The Hives me déçoivent… Espérons que la soirée nous livre de bonnes surprises.
Le DJ set de Machinedrum est intéressant car totalement fou. Subtil mélange de sonorités hip-hop, jungle, techno… Accompagné d’un visuel des plus délirants. C’est surprenant, mais on s’en lasse vite.
Direction la RedBull Elektropedia Balzaal pour le très célèbre Doctor P ! A la frontière entre la dubstep et la drum’n’bass, on passe très vite de l’un à l’autre. La folie s’empare de la foule lorsqu’il passe son remix de « Tetris ». Beaucoup prétendent que la dubstep se meurt, mais nous remarquons que les fans ne désemplissent pas à Dour. Je n’en suis pas une grande adepte et pars pour d’autres découvertes…
La pluie a vite fait fuir les festivaliers qui se retrouvent peu nombreux sur le site. A partir d’aujourd’hui, on en distingue deux sous-groupes : ceux qui ont prévu des bottes en caoutchouc et ceux qui n’en ont pas. C’est un peu comme la loi de la jungle. Heureusement, j’en suis équipée, et partout vous me suivrez.
‘Pas terrible, cette journée’, me dis-je après Doctor P. C’était sans compter sur le live de Rone. Il sera la véritable claque musicale de la journée. Le genre de concert qui vous fait oublier tout ce que vous avez pu voir auparavant. Ce Français vivant à Berlin ne se produit qu’en live et c’est tant mieux. Depuis quelques années, il est soutenu par la presse musicale et les DJ électro les plus influents. Une expérience inoubliable, de la minimale pure et mélodieuse agrémentée d’enregistrements vocaux… Avis aux fans du genre, Rone est un monstre !
(Organisation Dour Festival)
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