Dash Rip Rock est un trio de roots rock louisianais formé en 1984. Le leader est le chanteur/guitariste Bill Davis. C’est également le dernier membre fondateur du groupe. Ses influences, il les puisait dans les groupes du style de l'époque, comme Jason and the Scorchers, les Beat Farmers ou encore Rank & File ; des roots bands qui avaient conservé leur énergie punk. Au départ, Bill était épaulé par le bassiste Ned Hickel et le drummer Clarke Martty. Au fil du temps, Davis est devenu une véritable référence dans les genres baptisés cow punk, country punk, alternative country, …
Eponyme, leur premier elpee est paru en 1986. Depuis, la formation en a publié une douzaine d’autres. Et sur le label de Jello Biafra, Alternative Tentacles, depuis 2004, dont "Recyclone", une compile sélectionnée par l’ex-Dead Kennedys, et "Hee haw hell" un concept album, sorte d’opéra punk rock, paru en 2007 ! Aujourd’hui le line up de Dash Rip Rock implique Bill Davis, le bassiste Patrick Johnson et le drummer Kyle Melancon.
Dès "Black liquor", un rock boogie puissant, l’énergie punk est palpable. Le chant de Davis est bien à l’avant-plan. Il injecte tout son feeling aux cordes pour attaquer "Dirt". Dramatique, son riff est accentué par les interventions de basse. Bill libère un déluge de notes torturées, tourmentées, coupées au rasoir, une plage manifestement marquante. "Blood swamp" évolue sur un tempo plus paisible. Cependant, la voix ravagée ne véhicule pas de bonnes nouvelles. Au cœur de ce marais trouble, sanglant, des créatures sauvages se profilent. Nous sommes à l’aube du crépuscule. Ruisselant de sueur, le manche exerce un effet dévastateur sur les cordes. Bien qu’acoustique, les cordes sont secouées, malmenées, tout au long de la ballade, "In this world". Un même canevas adopté par "Tugboats", une plage au cours de laquelle Davis condamne ces remorqueurs qui naviguent continuellement sur le Mississsippi, entre Memphis et New Orleans. "Touch of you" opère un retour au cowpunk pur et dur. Une piste qui ne souffre d’aucun compromis. Le trio s’y révèle particulièrement soudé. Bill nous invite à se baigner dans la rivière. Et pas seulement à y mettre les orteils. Caractérisé par d’évidentes références sudistes, son rock le comble de bonheur. "Voodoo doll" nous entraîne dans une forme de punk stoner. Les interventions de Bill, qui a décidé de se consacrer aux ivoires, sont particulièrement nerveuses. Rockabilly rageur, virevoltant, "Go ahead, baby" est manifestement hanté par les prémisses d’Elvis Presley. "Possession" adopte un profil blues rocker. Malgré une volonté de rendre sa voix plus douce, Davis conserve une férocité toute naturelle. "Beck Moi Tchew" en remet une couche. Sauvage, punk, la voix véhicule des textes en mauvais français, mais aux accents cajuns. Bill se sert même d’un accordéon. Il ose le démon ! Tourmentée, cette œuvre s’achève par un rock pur et dur, intitulé "Anvil or hammer". Un choix difficile lorsqu’on se trouve entre l'enclume et le marteau ! Un disque pas facile à avaler d'une seule traite !
A l’origine, la formation avait choisi pour patronyme The Miss Universes. En 2013, elle a été forcée de le changer et a opté pour celui de Girls Say No. En fait, il avait été contesté par le milliardaire américain Donald Trump, fondateur du concours international de beauté 'Miss Univers', en 1996, pour lequel il avait enregistré la marque…
Pour concocter cet Ep, le quintet liégeois a reçu le concours d’Anthony Sinatra à la production. Anthony est également le chanteur du groupe Piano Club et membre du collectif JauneOrange. L'Ep a été mis en boîte au sein des studios La Chapelle et mixé au Studio 5.
Le line up réunit Yannick Albert (synthé, chant), Laurent Richter (basse/chant), Arnaud Muller (drums), Benjamin Hermann (guitare) et Ludovic Wannez (synthé). Avant de graver ce disque, le band avait publié « Triangular Love », en mars 2014, un single destiné à faire la promo de l’Ep. Il avait été bien accueilli par le public et les médias. La pochette d’« Emmetropia » a été réalisée par l’artiste/peintre japonais Korehico Hino, dont les sujets s’inspirent le plus souvent de personnages jeunes et androgynes.
Je suis donc allé regarder sur YouTube, la vidéo de « Triangular Love ». Une compo particulièrement contagieuse, aux vocaux bien maîtrisés, et dont les nappes de synthétiseurs épousent une configuration contemporaine. Bref, on ressent très fort la patte d’Anthony tout au long de ce morceau de pop sucrée, même si les éclats de guitare surf nous replongent à l’époque des Beach Boys. « Spanish Fury » s’inscrit davantage dans l’esprit des Cars, un combo qui m’avait énormément marqué à la fin des 70’s et au tout début des 80’s. Outre l’évocation de leur synthé pop, le chant me rappelle celui de Ric Ocasek. Vu la présence d’une guitare qui arrondit les angles, « Little Talk » ne trempe pas dans l’électro pure. D’ailleurs les synthés ne sont ni agressifs et encore moins envahissants, et privilégient le sens mélodique. « Meteorr » est une invitation à investir le dancefloor. La musique de Girls Say No est une invitation au voyage. Depuis les rives de la Volga jusqu’aux plages brésiliennes de Paraiso. Et « Tundra » en est un parfait exemple.
Pour un premier essai, Girls Say No a tapé dans le mille. Faut dire cependant, que le concours d’Anthony y est sans doute pour quelque chose. Un Ep particulièrement soigné qui s’inscrit dans l’esprit de qualité du collectif JauneOrange. A suivre de très près !
Chanteur/harmoniciste/compositeur, Dave Hoerl est né à San Francisco. Il a beaucoup appris de Rick Estrin, le leader des Nightcats. Il réside au Canada, du côté de Vancouver, depuis 1986. Et en 2012, il a acquis la double nationalité, canadienne et américaine. Lorsqu’il débarque dans son pays d’adoption, il devient très proche du pianiste Kenny ‘Blues Boss’ Wayne. Dave fonde les Twisters en 1994. La formation a gravé depuis 4 long playings ; et si elle et toujours en activité, seul Hoerl y milite comme membre originel. Une aventure qui lui a permis depuis de cumuler les nominations aux Awards du blues, décernés par la Toronto Blues Society. Hoerl développe également d’autres projets. En duo ou trio, au sein de Hurricane and the Hooligans.
Ce nouvel opus solo a été enregistré dans le studio Blue Wave, à Vancouver. Il est co-produit par Kevin Burke et Dave. Hoerl a écrit ou co-écrit 9 des 11 plages. Lors des sessions, il a reçu le concours de la crème des musiciens locaux. Et notamment Double D (Dave Dykhuizen) aux guitares, Charles Hart (l'un des Twisters) à la basse, Roger Brant à la batterie, Dave ‘Cob’ Webb aux claviers et Johnny Ferreira aux saxophones.
"Soul mate", titre qui ouvre les hostilités, est sans doute celui qui lorgne le plus vers le Chicago blues. L’ambiance est cool. Dave Webb assure derrière son piano. Parcimonieux aux cordes, James ‘Budd’ Rogers (invité pour la circonstance) est tout aussi efficace sur ses cordes. Mais les interventions de Hoerl à l’harmo sont à la fois personnelles et bouleversantes. Ce n’est pas un musicien extraverti qui en remet constamment trois couches. Il privilégie la sobriété tout en livrant son âme, à l’instar du très swing "Pure & simple blues", une plage au cours de laquelle il est soutenu par Double D à la slide. "I'd rather be blind, crippled and crazy" est issu de la plume de Charles Hodges et O.V Wright (avec la bénédiction du label Hi). Un soul blues indolent, qu’il chante discrètement. Webb tapisse l’expression sonore de ses interventions à l’orgue Hammond. Double D tire son épingle du jeu en mode jazz. "Snake charm" est une plage élégante, dansante et subtilement manouche. La six cordes de Brandon Isaak (le Twister) libère énormément de swing. Ferreira vient apporter son concours au saxophone ; et finalement David se sent comme un poisson dans l’eau au cœur de ce style qui incontestablement aurait plu à notre Toots Thielemans. "Fight of the century" est une piste lente, mais subtilement funky, une plage au cours de laquelle Webb tire son épingle du jeu à l’orgue Hammond. Empreint de délicatesse, "Don't think it can't happen to you" est un autre titre de toute bonne facture imprimé sur un tempo jazzyfiant. Un morceau qui baigne au sein d’un climat fragile entretenu par l'orgue et l'harmo du leader ! Chip Hart amorce "Grand old game" (NDR : une chanson dont le lyrics traitent du baseball), une compo dont le Diddley beat est imprimé par les percus de Hart aussitôt relayées par l'harmonica. "She took back my heart" trempe dans le soul funk. Roots song entraînante, "Long highway" repose sur une jolie ligne mélodique. "A little off the top" adopte un profil r&b emprunté aux 50’s. Câline, la voix s’inscrit parfaitement dans ce climat fin de soirée. Les accents jazz sont entretenus par la contrebasse, le piano et le sax ténor de Ferreira. "I left my heart in San Francisco" est un morceau autrefois popularisé par Tony Bennett. La version proposée est instrumentale. L’ombre de Toots Thielemans plane à nouveau. Hoerl et manifestement un musicien talentueux, mais en même temps créatif. Ce qui ne gâte rien !
Après 7 années passées sur les routes et les scènes musicales du monde entier, Mad Caddies a pris son temps avant de publier son "Dirty Rice". Groupe phare de la scène ska punk depuis la sortie de "Duck and Cover", en 1998, après 400 000 albums vendus en 19 années de carrière, Mad Caddies a décidé de mûrir comme le bon vin et de vieillir avec ses fans. Plus loin du punk, plus près du ska. On a troqué les bouteilles de whisky pour les biberons et les hamburgers pour la cuisine de bobonne. Ainsi "Dirty Rice" est servi comme un plat qui garde ses composants de départ, à savoir le côté jazzy de la Nouvelle-Orléans, mais en y intégrant toute une palette de saveurs qui viennent parfumer l'ensemble. Les cuivres et pianos, plus lents, plus swing, font la part belle au ragtime, au dixieland, au reggae, le tout relevé à la sauce cajun. D'où le titre de l'elpee, puisqu'il tire celui-ci d'un plat traditionnel de Louisiane comprenant... une douzaine d'ingrédients. Indigeste ? Non, du tout ! Tout se déguste à la petite cuillère et reste cohérent. Evidemment, ceux qui espèrent retrouver des tempos rapides à la « Riot », « Monkeys » ou encore « Drinking For 11 » risquent de rester un peu sur leur faim. Mad Caddies a décidé d'entrer dans l'âge de la maturité. N'ayant plus rien à prouver, il se libère et vit pleinement toutes ses influences. En 12 mélodies plus riches les unes que les autres, "Dirty Rice" communique sa bonne humeur. Cette évolution dans le registre ne doit pas nous faire oublier ce que Mad Caddies est réellement : un formidable Big Band, une machine de scène qui exprime pleinement toute sa palette en live. Ce ne sont pas les festivaliers de Dour qui diront le contraire.
Lorsque après avoir vécu une véritable explosion, début des 70’s, le blues anglais commence à s’essouffler, il se retire dans les pubs. Ce qui va lui permettre encore de vivre de beaux jours. Notamment du côté de Southend, près de l'embouchure de la Tamise, et principalement grâce à Dr Feelgood, une formation alors drivée par le chanteur/harmoniciste Lee Brillaux et le guitariste Wilko Johnson. Quelques années plus, l'explosion punk va ramener ce blues sur le devant de la scène, grâce à des pubs bands énergiques, comme Nine Below Zero ou encore Count Bishops.
Garage, la musique de The Trap nous replonge au beau milieu de cette époque. Ce quintet est pourtant suisse… le line up réunit le chanteur Nico Cennamo, le bassiste Yannis Friederich, le drummer Fred Michaud ainsi que les guitaristes Dominguez et Olivier Bene. En 2011, il avait gravé un premier Ep 4 titres. Le combo signe l’intégralité de son répertoire, et c’est de la pure dynamite.
Tout au long d’"All night long", morceau qui ouvre la plaque, les guitares sont bien en rythme. Cesar Dominguez souffle comme un possédé dans son harmo alors que la voix furieuse de Nico rappelle le regretté Lee Brillaux. Excellent, "Lonely road" est victime d’une attaque punk énergique. L'harmo est totalement déchaîné! La rage au ventre, Nico éructe ses vocaux sur "Bound to love", une plage garage cinq étoiles, au cours de laquelle Dominguez s'envole enfin sur ses cordes. L'instant d'après, il récupère sa musique à bouche pour nous délivrer un nouveau brûlot, "Pay no mind". Un nouveau cri de rage plus tard, il se met à martyriser son harmo pour exécuter "That girl", une plage très agressive. Les guitares sont inépuisables tout au long de "You wanna rock", une solide tranche de rock'n'roll. Des riffs bien alignés préludent une intervention vocale bien punk sur "Not a sound". Inlassablement, The Trap relance la machine à rythme. L'harmo de César et la voix puissante et offensive de Nico balisent "All the things". A cet instant, Cennamo me rappelle quelque part le chanteur du groupe australien Count Bishop, un ensemble remarquable qui a sévi à la fin des seventies. "Crazy" tourne au même régime. La basse ronflante de Yannis galvanise "Got the means", une piste aux guitares totalement débridées. Cesar a retrouvé son souffle pour attaquer "Lose my mind". On imagine alors un Status Quo qui aurait subi une cure de rajeunissement ou sous l’emprise de quelconques produits énergétiques. "Rock'n'roll" is not dead. Et le combo helvète le démontre. Le long playing s’achève par "Save your love", un titre au cours duquel la formation s’est autorisée un petit coup de Diddley Beat. Excellent !
Originaire de Londres, cette formation réunit deux gars et une fille, cette dernière se réservant le micro. Un combo qui a parfaitement saisi la recette d’un ‘hype’, servie à la grosse louche depuis de nombreuses années…
En extrapolant, on pourrait imaginer leur musique comme le résultat d’un croisement entre la dream-pop de Beach House et (surtout) la cold-wave The XX. « Conversations » constitue le premier opus de Woman’s Hour, un œuvre dont les atmosphères oscillent entre les plus glaciales et les plus réconfortantes. Des ambiances entretenues par une ligne de basse caoutchouteuse, des cordes de guitare minimalistes, une batterie électronique et, bien entendu, des nappes de synthés. Mais à partir de l’instant où on se rend compte que la chanteuse possède un timbre quasi identique à celui de Romy Madley Croft (The XX), il est difficile d’échapper aux analogies susvisées. Dès lors, même si ce premier album ne manque pas de charme, il souffre quand même d’un manque d’originalité.
Woman’s Hour se produira le 25 octobre au Botanique.
Ian McLagan est un claviériste insulaire qui jouit d’une belle notoriété dans l’univers du rock. Il a participé à l’aventure des Small Faces de Steve Marriott entre 1965 et 69 ; puis des Faces de Rod Stewart et Ron Wood, dans la foulée et jusqu’en 1975. Par la suite, il s’est converti en musicien de studio et de tournée. Il a longtemps apporté son concours aux Rolling Stones, mais également à Bob Dylan et Bruce Springsteen. Fin des seventies, il entame une carrière solo, malgré la collaboration d’un backing group. Il publie "Troublemaker" en 1979 et "Bump in the night" l'année suivante. Finalement, il baptise son combo, The Bump Band. Son dernier opus, "Never say never", remontait déjà à 2008. Ian a 69 balais. Il y a déjà un bon bout de temps qu’il s’est fixé à Austin, au Texas. Toute son équipe –soit le gratteur Scrappy Jud Newcomb, le bassiste Jon Notarthomas et le drummer Conrad Choucroun (impliqué également chez NRBQ)– s’est réunie au sein de son studio Doghouse, à Manor (NDR : c’est également au Texas) pour concocter ce long playing. Un disque mis en forme par McLagan en personne.
"All I wanna do" est un excellent roots rock. Au chant, Ian n’a pas le charisme de Marriott ou de Stewart. Mais ses interventions aux claviers sont excellentes. Un orgue qui mène de nouveau la barque tout au long de "Pure gold", une bonne plage rock, malgré la voix fatiguée de Mac. Le piano ouvre la voie à "Don't say nothing", une ballade qui colle parfaitement à la voix du leader, un titre au cours duquel Scrappy tire son épingle du jeu à la six cordes. Des sonorités de slide feutrées introduisent "I'm your baby now", un blues de toute bonne facture. Dans ce contexte, la voix passe ici bien mieux la rampe. "Mean old world" n'est pas le classique du blues composé par Little Walter, mais une ballade empreinte de douceur. Ian se consacre au chant et au piano, avant que, tout en sobriété, la guitare ne vienne mettre son gain de sel. Autre roots song, Love letter" exerce un charme discret. Le tempo est indolent. Les sonorités d’orgue rappellent Booker T et Billy Preston. Pas étonnant, puisque McLagan avoue avoir beaucoup appris de ces deux mythes ! Le début de "Who says it ain't love" se distingue par une mélodie particulièrement riche. Fragile, la voix tente de s’imposer dans un univers balisé par une rythmique quasi reggae! Une rythmique parfaitement structurée par l’orgue et la guitare. Plus soul, "Shalalala" aurait pu figurer au répertoire de Rod Stewart. "How blue" est un titre judicieux. Un boogie blues vaporeux conduit par le piano roadhouse de Mac. Particulièrement agréable à écouter, ce long playing s’achève par une ballade country folk. Ian y susurre ses mots, alors que Leigh Mahoney (David Byrne Band, Tosca String Quartet) vient apporter son concours au violon.
A l’heure des bacchanales musicales, où les partouzeurs avisés s’enroulent et s’oignent d’onguents et de parfums dignes des filtres d’amour réputés, certains restent cloîtrés dans leur univers inconfortable et plus complexe d’accès.
Là où les grandes machines à disques font tout pour séduire, jusqu’à se singer les uns les autres, Parquet Courts se contente d’un local crasseux et malodorant entre potes.
Un garage, une quantité astronomique de bières chaudes, une ambiance étouffante où plane une odeur de chaussettes humides appartiennent à leur terrain de jeu favori.
New-yorkais d’adoption, ces cow-boys en ont connu des galères et des refus. Zigzaguant à leurs débuts entre des bars miteux, au public clairsemé. Mais en lieu et place de faire des concessions, le combo persiste dans leur style ‘garage’ en le signant d’un grincement de volet et d’une bonne odeur d’huile de moteur.
« Sunbathing Animals » constitue le 3ème opus des Américains. Il fait suite à l’excellent « Light Up Gold », paru en 2012 et le bordélique « American Specialities », sorti en 2011.
A son écoute, on perçoit une volonté manifeste d’éviter les coups de couteau à l’aveugle comme on a pu le constater sur la galette précédente.
On y perçoit encore mieux les influences du Velvet, Sonic Youth et Pavement, entre autres, dont le groupe se targue, sans honte.
Désaxé aux frontières de la fumisterie, il ne sombre cependant jamais dans le bricolage. Tout y est limite. Et à la manière d’un Black Lips, les accords s’enchaînent, s’entrechoquent et explosent sans avoir réellement besoin d’un détonateur.
Pagayer, se hisser, se vautrer avant de se relever : ce sont des verbes que le band ne se contente pas de conjuguer. Parsemant les différentes pépites vitaminées de quelques morceaux plus délicats (toute proportion gardée), « Sunbathing Animal » crée un véritable enchaînement fluide et percutant.
« Sunbathing Animal » s’avère certainement l’une de leurs œuvres les plus abouties, mais connaissant les larrons, nul doute qu’ils vont vite retourner à leur lieu de prédilection et nous asséner d’autres griffes encore plus surprenantes et vicieusement placées. On en rugit de plaisir d’avance.
Rival Sons est une formation de rock/blues issu de Long Beach, en Californie, un style qu’il pratique sans accorder la moindre concession. Elle est née en 2009, lorsque le guitariste Scott Holiday, qui militait chez Black Summer Crush, fonde les Rival Sons, en compagnie du Jay Buchanan, alors leader de son propre band, Buchanan. Et pour compléter le line up, le duo engage une section rythmique. Si Michael Miley est toujours à la batterie, Robin Everhart a cédé sa basse à Dave Beste, depuis l’année dernière.
Leur premier elpee, "Before the fire", paraît en 2009. Autoproduit, il est bien reçu par la critique. Ce qui permet au quatuor d’assurer le supporting act pour AC/DC et Alice Cooper. Le groupe signe en 2011 sur le label Earache. Il y publie "Pressure & Time" quelques mois plus tard, un elpee qui recueille un fameux succès. La même année Rival Sons tourne en Europe, et se produit dans le cadre du festival de Werchter. En 2012, il enregistre son second essai à Nashville, "Head down". Il sort en septembre. Début de cette année, les musicos y retournent, toujours au studio LCS, pour y mettre en boîte "Great Western Valkyrie", sous la houlette de Dave Cobb.
Ce long playing baigne dans un rock/blues puissant. Un style qui rappelle tour à tour Led Zeppelin, le Free, Bad Company et Deep Purple. Particulièrement dense, "Electric man", qui ouvre la plaque, évoque inévitablement le célèbre dirigeable. A cause de la voix qui semble hantée par le Robert Plant de la première époque. En crachant généreusement ses flammes, le hard rockin' blues de Rival Sons nous replonge au début des 70’s, et tout particulièrement lorsque des combos comme Bad Company ou Whitesnake profitaient de la solidité de leur section rythmique, pour faire hurler leurs cordes. L'intro de "Secret" est digne de la paire Richie Blackmore/Jon Lord, mais si la gratte et l’orgue empruntent un profil semblable à celui du Deep Purple originel, le voix de Jay est davantage proche de Robert Plant que de Ian Gillan. "Play the fool" synthétise toutes ces références insulaires du passé, un rock coriace qui repose sur des riffs en béton érigés par Holiday. Mais la tonalité des cordes répercutée lors de leur envol métallique est légèrement contaminée par le psychédélisme, un peu comme chez Blue Cheer, un autre trio de braise, qui a sévi à cette époque. "Good things" nous transporte du côté de la baie de San Francisco. A cause de ce cette réverbération acide réminiscente de groupes comme Iron Butterfly voir même des premiers pas de Steppenwolf. "Open my eyes" est contaminé par le blues/rock de Led Zep. Les Rival Sons n'ont sans doute rien inventé, mais ce qu’ils font est bien fait. Caractérisé par un clavier léger, atmosphérique (NDR : probablement un Farfisa), "Rich and the poor" prend une pause dans la douceur. "Belle star" embraie dans un climat plus éthéré encore, presque prog, davantage hérité de la seconde moitié des seventies. La voix de Buchanan épouse le timbre de Paul Rodgers, tout au long de "Where I've been", une autre piste empreinte de tendresse. Solennelle, "Destination on course" est une longue plage dont le climat évolue au fil du parcours. Il y a du hard, du prog et du krautrock ; mais surtout une intervention divine des valkyries dans la voix de Buchanan, pour la circonstance tellement proche de Klaus Meine (Scorpions), alors que ravagées, les guitares hurlent de détresse. A vivement conseiller aux nostalgiques des 70’s, of course…
Rosco nous invite à partager un voyage en apesanteur…
Guère étonnant du reste, de la part d’un ancien membre de The Darkside et de Spacemen 3 (Sterling Roswell a effectivement milité comme batteur sur les albums « The Perfect Prescription » et « Performance »).
Promenade interstellaire donc, entre mise sur orbite, dérives spatiotemporelles ainsi qu’escales qui jalonnent l’astre sis au bout de l’univers et notre planète bleue.
Ce sont justement ces étapes en capsules qui présentent l’intérêt de cet opus (les interludes gravitationnels constituent d’agréables moments à l’écoute des chants de l’espace).
Car entre chansons et voie lactée, l’ancien acolyte de Sonic Boom et Jason Pierce ne choisit pas. Il propose les deux. En blocs. Les uns s’emboîtant dans les aspérités stellaires des autres.
Les pépites Pop, qui ne sont pas sans rappeler Moose, ne se succèdent donc pas tout au long de cet essai, mais s’intercalent ci et là, comme autant de comètes flirtant avec l’immensité d’une galaxie intérieure qui, elle, évoque les ambiances de Stars Of The Lid.
Un OVNI dans toute sa splendeur !
Grégoire Fray assume pratiquement seul la paternité de Thot. C’également le créateur d’un style qu’il a curieusement baptisé ‘Vegetal Noise Music’.
Pour la circonstance, il a mis les petits plats dans les grands, en confiant le mix final à Magnus Lindberg (Cult Of Luna).
Cette œuvre dévoile ses visions sombres, sorte de trames opaques et visqueuses d’un Indus-Electro-Rock qu’on comparera forcément à Nine Inch Nails.
Mais au-delà d’une certaine admiration pour Trent Reznor, on décèle avant tout un désir réel de se démarquer par le biais de compositions riches et fort bien mises en place.
En live, Thot bénéficie d’un line up efficace et de projections vidéo susceptibles de mettre en lumière toute son obscurité. C’est donc à un projet réfléchi auquel on a droit.
Une réflexion qui démarque ce troisième album des deux précédents (« The Huffed Hue » et « Obscured By The Wind ») en poussant l’univers de Thot dans des retranchements à la fois malsains et attractifs.
Envoyé en éclaireur et en exclusivité sur le réseau deaddrops.com, le single « HTRZ » qui ouvre ici le long playing trace d’ailleurs la voie dans ce sens, déflorant une flore étouffante à coups de serpes digitales.
Si la surabondance d’effets fatigue quelque peu l’attention au fil de l’elpee (et principalement sur les voix), il faut souligner le travail remarquable réalisé en amont par cet artiste belge.
Seul aux commandes et ignorant les compromis, il délivre ici une œuvre personnelle forte et mise en abîme par une production léchée, faisant la part belle à un souci du détail.
En découle une plongée en apnée haletante, angoissante, heureusement ponctuée de respirations en surface (au souffle court) salvatrices dans ces dédalles suintant de phobies urbaines.
Des atmosphères qui atteignent leur paroxysme sur « Citizen Pain », lors d’une finale noise aux reflets de goudron.
Dans le cadre du festival Boomtown, le Handelsbeurs accueillait le groupe culte The Chills, ce samedi 26 juillet. The Chills c’est avant tout Martin Phillipps qui drive la formation depuis 34 longues années, même si son aventure a été marquée par quelques interruptions. Et il doit avoir consommé plus d’une vingtaine de ‘line up’ depuis la formation de son band. L’an dernier, il avait gravé un elpee live, « Somewhere beautiful ». Car son dernier opus studio, « Sunburnt », remonte déjà à 1996. Depuis, le combo n’a sorti que des Eps, des compiles et des singles, dont « Molten gold », en 2013. Et bonne surprise, il va publier un véritable nouvel album, avec de nouvelles chansons dans un avenir très proche. Avant la fin de l’année, paraît-il. Bref, The Chills se produisant rarement sur le Vieux Continent (NDR : sa dernière tournée européenne doit remonter à une vingtaine d’années), votre serviteur ne pouvait manquer ce rendez-vous. Ah oui, pour les néophytes, The Chills est une formation néo-zélandaise qui a participé activement à l’épanouissement de la scène pop/rock de Dunedin, incarnée par le label Flying Nun. A l’instar de The Clean, JPS Experience, Tall Dwarfs, The Bats, Able Tasmans et consorts… En attendant de rencontrer Martin, pour une interview, nous assistons au soundcheck. Pas un soundcheck purement technique, mais au cours duquel, on aura droit à quatre chansons, qui seront interprétées ce soir. Un moment privilégié…
Le quintet monte sur les planches à 19h30 pile. Légèrement en retrait, le drummer est particulièrement expressif. Ses mimiques sont assez drôles et, parfois, il joue debout, courbé sur ses fûts. A gauche, vu son visage, James Dickson, le bassiste (NDR : il participe également aux choeurs) est certainement de descendance Maori. Et les sonorités de son instrument libèrent un groove monstrueux. En outre sa complémentarité avec le drummer, Todd Knudson, est impressionnante. Une section rythmique parfaitement solide qui balise les compos. Pas étonnant, quand on sait que le line up de The Chills s’est plus ou moins stabilisé depuis une dizaine d’années. Martin partage le centre de l’estrade avec la guitariste/violoniste/claviériste, Erica Stichbury, également préposée aux ‘backing vocals’. Il affiche une bonhomie rassurante, mais est particulièrement exigeant en matière de mise en forme. Il joue sur une guitare de couleur noire, et n’en changera jamais de tout le show. Enfin Oli Wilson, l’organiste/claviériste, s’installe à l’extrême droite de l’estrade. Il alterne sonorités vintage et synthétiques, mais équilibre judicieusement ses interventions. La voix de Martin n’est pas transcendante. Elle est même plutôt grave et monocorde, un peu comme celle Dean Wareham ; mais soulignée par les backing vocaux, elle passe parfaitement la rampe. Et pourtant, quand il la pousse, elle parvient à changer de registre. Etonnant ! Quant aux chansons, sculptées dans une pop contagieuse, mélancolique, illuminée par les accords de guitare tintinnabulants, chatoyants, surf ou légèrement psychédéliques, ils prennent une toute autre dimension, lorsque Erica y injecte ses interventions au violon, parfois aux tonalités celtiques. Le set s’ouvre par l’ondoyant « Night of chill blue ». Le tracklisting (voir ci-dessous) inclut 5 nouveaux titres qui figureront sur le nouvel opus. Il devrait s’intituler « Silver Bullets » (**). Mais surtout nous réserve une pluie de singles (*) dont l’allègre « Wet Blanket », le ‘REMesque’ « Heavenly pop hit », le post punk « I love my leather jacket », l’incontournable et épatant « Pink Frost » (NDR : paru en 1984, c’est également leur seul tube !) et le tout dernier, « Molten gold », sorti l’an dernier… Une heure de concert. Pas de rappel. Superbe, mais un peu court…
Tracklisting
Night of chill blue (Brave Words)
House with a hundred rooms * (Brave Words)
Part Past Part Fiction * (Submarine Bells)
Silver Bullets ** (Silver Bullets)
The Male Monster form the ID * (Soft Bomb)
Aurora Corona ** (Silver Bullets)
Molten Gold *
Wet Blanket * (Brave Words)
Warm Wave Form ** (Silver Bullets?)
February (Ep Stand By)
Pink Frost * (Kaleidoscope World)
Underwater wasteland ** (Silver Bullets)
Rain (Brave Words)
I can’t help you ** (Silver Bullets)
Effloresce and deliquesce (Submarine Bells)
Heavenly pop hit * (Submarine Bells)
I love my leather jacket * (Kaleidoscope World)
(Organisation Boomtown)
Voir aussi notre section photos ici
A peine âgé de 29 ans, Jarekus Singleton est un jeune bluesman originaire de Clinton, dans le Mississippi. Il s’est cependant établi à Tampa, en Floride. Il a une peau noire au teint clair. Vu sa jeunesse, il a une vision contemporaine du blues, insufflant à ses compos une énergie rock, des vibrations r&b et même des élans hip hop! Jarkus avoue une passion pour les King (BB, Albert et Freddie), Stevie Ray Vaughan et en même temps pour le rap. Il a l’ambition de créer le blues du XXIème siècle. Au cours des derniers mois, il s’est produit dans le cadre d’une multitude de festivals ; ce qui lui a permis d’être repéré par Bruce Iglauer, le patron d’Alligator, label sur lequel il a signé.
Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au studio PM Music, à Memphis. Il y a reçu le concours de son backing band, soit l’organiste James Salone, le bassiste Ben Sterling, et le drummer John ‘Junior’ Blackmon.
Dès "Refuse to lose", on se rend compte que le blues de Jarekus sera différent. La construction instrumentale est plutôt complexe. L’interaction entre la guitare et l'orgue est constante. Aux six cordes, Singleton impressionne. Il est capable de libérer un tourbillon de notes rock de sa gratte ou de la faire sonner carrément blues. Soutenu par la section rythmique, "Purposely" se distingue par son funk novateur. L'orgue confirme son rôle de catalyseur naturel pour les cordes du leader. Elaborée, la structure autorise un envol chargé de passion. Excellent ! Pur r&b, "Gonna let go" est une invitation à investir la piste de danse. La voix délicatement soul de Singleton caresse "Crime scene", un blues lent contagieux traversé par un solo de guitare beau à pleurer. Et on n’est pas au bout de nos (bonnes) surprises. "Keep pushin" emprunte davantage au rock qu'au blues pur et dur. Sous la conduite de la guitare, les changements de rythme sont judicieux. L’orgue de Salone communique à nouveau ses impulsions chaleureuses à l’ensemble. Une rampe idéale pour le décollage des cordes suivant, tout en adressant un petit clin d'œil aux échanges entre Carlos Santana et Greg Rolie, opérés dans un passé assez lointain. La barre est placée très haute et n’est pas prête de retomber. "Suspicion" bénéficie d’une délicate touche jazz. "Hell" est un blues lent accrocheur souligné par la voix harmonieuse de l’artiste. "Here" vire au funk naturel. "High minded" campe un blues très classique. "Blame game" se révèle plus singulier ; à cause une nouvelle fois de sa structure mélodique alambiquée. Pour la circonstance, Jarkus est épaulé par Brandon Santini, un jeune prodige à l’harmo et le pianiste Robert ‘Nighthawk’ Tooms. "Come with me" achève l’elpee. Un R&B rocker imprimé sur un tempo nerveux, fruit de la parfaite osmose entre les cordes et l'orgue de Salone. Un excellent album !
Thot est un projet musical créé en 2005 par le musicien bruxellois Grégoire Fray. Il décrit sa musique comme ‘Vegetal Noise Music’ : what's in a word anyway... Je la dépeindrais comme un cross-over entre l'électro-rock industriel (Nine Inch Nails) et le prog/rock/pop (Muse, Radiohead Porcupine Tree). "The City That Disappears" constitue le troisième elpee de Thot. Mixé par Magnus Lindberg (Cult of Luna), il a été enregistré par Grégoire Fray, qui se réserve la plupart des instruments et des machines.
"The City That Disappears" propose un mélange d'électro et de rock, sur lequel se pose la voix unique de Grégoire Fray, une voix qui rappelle celle de Matthew Bellamy (Muse). Les thèmes abordés sur cet album sont à nouveau consacrés à la dualité entre la nature et le développement humain, entre les réalités organiques et urbaines.
Ce qui frappe le plus sur cet opus, c'est son intensité, son sens de l'urgence. Tout y est tendu et on sent un besoin criant d'exprimer un ‘pathos’, que ce soit la colère, la peur ou la volupté. Le spectre musical est très large : il oscille d'un morceau calme au piano acoustique ("Keepers"), très NIN-esque, à des brûlots electro-indus bruitistes (« Rhythm.Hope.Answers », probablement leur composition la plus percutante).
"HTRZ", le premier single, commence par un chant syncopé et évolue vers un refrain puissant et une superbe partie progressive à la guitare avant l'explosion finale. Morceau instrumental « Dédale » montre la capacité de G. Fray à créer des atmosphères électro-ambient hypnotiques. "Blank Street" me fait penser à « Year Zero » de NIN. A cause des sonorités électro et des accents dystopiques. « Negative Buildings » est une autre composition ambitieuse, riche en éléments divers. "Traces" est probablement mon titre préféré, en raison de sa structure plus progressive. Il évoque clairement Anathema, surtout à la fin, quand Fray et Arielle Moens, la VJ de la bande, chantent à l'unisson. La progression est vraiment étonnante, conduisant à une déflagration finale. Le disque s’achève par "Citizen Pain", un autre single potentiel. Encore une fois, la partie instrumentale finale est impressionnante.
Dans l'ensemble, cet LP est très ambitieux et parfaitement accompli. Le seul aspect négatif vise la production. Elle manque un peu de clarté ; et en particulier dans les parties bruyantes. Si seulement G. Fray disposait d’un budget pour enregistrer dans un studio haut de gamme! Malgré cette réserve, ce disque s’avère d’excellente facture et je vous le conseille vivement.
Album disponible en édition limitée (300 exemplaires) sur vinyle doré 12" (+ bonus track).
Version numérique sur Bandcamp ici , sur iTtunes & Spotify (entre autres services de streaming)
Video de "HTRZ" : http://vimeo.com/89105609
Video de "Keepers" : http://vimeo.com/98621949
Line up:
Sur scène Grégoire Fray est soutenu par Gil de Chevigné (batterie, electronics), Hugues Peeters (piano, claviers), Dimitri Iannello (basse, claviers) et Arielle Moens (VJ, voix).
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