House of Cosy Cushions est le projet de Richard Bolhuis, un habitant de Groningen. "Spell" constitue son cinquième album. Un disque qui alterne morceaux instrumentaux plutôt introspectifs et ballades folk nocturnes. Ces dernières sont sans doute moins originales. Des accords de guitare bouclés à l'infini sont agrémentés de quelques drones offrant ainsi un écrin contemplatif à la voix fragile de Bolhuis. "The Mad Sisters" est le seul morceau chanté qui incorpore un harmonium et quelques notes de violons. Sans être lugubre, ce n'est jamais très marrant.
Ce violon de l'invitée Saskia Meijs parcourt également les meilleures plages de "Spell". On le retrouve notamment dans “Black Bat Dance” aux côtés de percussions martiales et d'un trombone tonitruant ou lors de la piste finale " Kerkje te Oostum", composée initialement pour accompagner de récentes installations dans le Groninger Museum. Un titre qui navigue entre ambient et neo-classique que l'on aurait pu retrouver dans la discographie du Kammerflimmer Kollektief. On pourrait aussi déceler certaines analogies avec les atmosphères les plus calmes du Kilimanjaro Darkjazz Ensemble et de Bohren and Der Club of Gore (particulièrement sur "Charlotte Salomon"). Et Richard Bolhuis nous entraîne également dans des contrées post-rock indus minimalistes sur "Into The Words".
"Spell" est sans conteste l'album le plus audacieux de House of Cosy Cushions. Sans doute parce qu'il laisse plus de place à l'improvisation et à l'expérimentation. Assurément une étape majeure dans sa discographie. Reste à savoir jusqu’où Richard Bolhuis veut nous entraîner. Très touchantes, presque émouvantes, ses chansons ne sont pas dénuées d'intérêt ; mais on serait curieux de découvrir un elpee exclusivement instrumental qui incorporerait le violon, le trombone et la batterie sur tous les morceaux. Il y a, en tout cas, une vraie personnalité et beaucoup de maîtrise derrière ces compositions audacieuses et parfois un peu énigmatiques. Les climats nonchalants et pourtant tendus, désertiques et denses à la fois plongent l'auditeur dans une sorte de méditation dont il est tiré régulièrement par de petites aspérités sonores. Car les coussins sont effectivement douillets dans cette maison ; mais les bruits de la rue sont parfois perturbants.
Lehmann est une formation italienne. Issue de Bologne, très exactement. Matteo Lehmann en est le leader. Le chanteur aussi. Le line up implique également Ivan Demichev et Neil Grotti aux guitares, Andy Bigi à la basse et Rick Perigini aux drums. Le quintet pratique un heavy metal particulièrement mélodique teinté de prog et d’émo.
A l’âge de 11 ans, Mat suivait encore une formation classique. Il se consacrait alors à la contrebasse. Il participe ensuite à de multiples aventures, au sein de combos de métal transalpins, pour y jouer de la basse et/ou de la guitare.
En 1996, il monte son premier groupe, Animalator. Après quelques années de galère, le band splitte, sans jamais avoir enregistré de disque. Mais en 2004, Neil Grotti (chant, guitare) et Mat Lehmann (basse) décident de remonter le combo, sous le patronyme de Neurasthenia. L'année suivante, le line up accueille un nouveau batteur, Rudy, et un lead guitariste, Phil. Neurasthenia grave son premier LP, « Possessed » en 2006 et un deuxième, « Your Omen », en 2009. La formation commence à tourner dans la botte, en première partie d’Anthrax, d’Amon Amarth et de Behemoth. Puis au sein du Vieux Continent, comme supporting act pour Exciter, Flotsam & Jetsam et Hatesphere.
Grâce à ses prestations brillantes à la basse, Mat Lehmann se forge une fameuse réputation sur la scène métallique. Et il est de plus en plus courtisé comme musicien de studio. D’ailleurs, l’ex-Iron Maiden Blaze Bayley l’engage pour participer aux sessions d’enregistrement de l’album "The King Of Metal", disque qui paraît en 2012. Il va même y assurer le rôle d’ingénieur de studio.
Fort de cette expérience, Mat décide de fonder son propre band, qu’il baptise tout simplement Lehmann. Et "Lehmanized" constitue leur premier long playing. Un projet au sein duquel l’artiste veut concentrer sa passion dans un projet sans limite, où la technique, la mélodie et l'expérimentation se conjuguent pour atteindre un seul objectif : la musique.
« Equilibrium » ouvre la plaque. On reste dans l'expectative. A cause de ces sonorités électro en intro. La voix émane du fin fond de l’enfer, avant de se métamorphoser en victime du vocodeur. Pourtant Matteo a une voix bien racée. Amorcé par des accords de piano, « The Secret » est une piste aux riffs de grattes bien accrocheurs. Ils montent en puissance tout au long de « Like A Rock », un superbe morceau de heavy métal mélodique. Et le titre constitue certainement le sommet de l’opus.
« Let Me Pray » s’étale sur 6 minutes. Un peu tiré en longueur. Mais « Gemini » et « Sunday I'll Be Dead » rectifient immédiatement le tir. Enfin, Blaze Bayley (NDR : il avait remplacé Bruce Dickinson, quand ce dernier avait négligé Iron Maiden, pour réaliser son projet solo) apporte son concours aux vocaux sur la reprise du « Laid So Low » de Tears For Fears. Une version qui navigue à des années-lumière du hit décroché, en son temps, par le duo Roland Orzabal/Curt Smith…
Stephen McBean, c’est le leader de Black Mountain. Leur véritable dernier opus, « Wilderness Heart », remonte à 2010. En 2012, la formation avait bien gravé « Year Zero : The Original Soundtrack », mais il s’agissait d’une B.O. pour le film du même nom. Stephen développe cependant également d’autres projets en parallèle. Dont Pink Mountaintops. Soit ses expérimentations en solitaire. Et « Outside Love », son dernier essai, date quand même de 2009. Originaire de Vancouver, l’artiste canadien s’est depuis établi un peu plus au sud. A Los Angeles, très exactement. Et manifestement ce déménagement a eu une influence sur sa musique. En fait, lors de ses escapades en solitaire, McBean en profitait pour s’abandonner dans le minimalisme, le plus souvent acoustique. Sur ce nouvel elpee, il a décidé de délaisser le folk rock pour embrasser du psyché/rock, un style qu’il affectionne tout particulièrement.
Pour y parvenir, il a invité quelques amis, dont quelques grosses pointures. Et notamment Steve Kille (Dead Meadow), Rob Barbato (The Fall) ainsi que J. Mascis (Dinosaure Jr.). Quant à la production, il l’a confiée au leader de The Icarus Line, Joe Cardamone. Un casting idéal pour charger d’électricité une expression sonore…
Dès « Ambulance City », le morceau qui ouvre l’elpee, le ton est donné. La ligne de basse semble tourner en boucle. Les grattes sont chargées de distorsion. Un canevas hypnotique sur lequel McBean vient poser sa voix et n’hésite pas à la forcer ; ce qui n’est pourtant pas dans ses habitudes. Caractérisé par ses accords de guitare spasmodiques, « The Second Summer of Love » adopte un format rock plus direct. Plus paisible, « Through All the Worry » évoque plutôt les long playings précédents de Pink Mountaintops.
Pourtant, tout au long de cette œuvre, la patte de McBean est parfaitement identifiable. Surtout quand les compos trempent au sein d’un climat plus ténébreux.
« Get Back » est un album de bonne facture, mais qui s’adresse surtout aux aficionados de Black Mountain. Dans ces conditions, on ne comprend pas trop, pourquoi il l’a réservé à Pink Mountaintops…
Trois ans déjà que la bande à Parker Griggs n’avait plus enregistré d’album studio. Il avait bien publié « 3 & 3 Quarters », en 2012, mais il s’agissait d’une sélection de démos concoctées par le leader, avant que la véritable aventure du groupe ne débute. Encore que depuis 2013, le line up implique une nouvelle section rythmique. Soit Anthony Meier à la basse et Paul Marrone aux drums.
Ce qui n’empêche pas Radio Moscow de continuer à puiser ses sources au sein du psychédélisme des 60’s et des 70’s. Parker voue un véritable culte à Jimi Hendrix et son jeu de guitare en est la plus belle illustration.
Après avoir gravé un opus éponyme en 2007, « Brain Cycles », en 2009 et le brillant « The Great Escape of Leslie Magnafuzz », en 2011, le combo nous propose donc ce « Magical dirt ».
Prodige de la six cordes, Parker est un fervent adepte de la pédale wah wah. Il est hanté par le Jimi Hendrix Experience, mais pas seulement. Au rayon des spectres, on pourrait ajouter The Cream, Blue Cheer et Humble Pie.
« So Alone » nous plonge instantanément dans le bain. Les compos sont émaillées de breaks et de changements de rythme. Puissant, « Rancho Tehama Airport » rappelle le hard rock de la fin des 60’s voire du début des 70’s. Caractérisé par ses excellentes sorties de guitare, ce titre me fait penser à Ritchie Blackmore (Deep Purple) au sommet de son art. Prélude à l’album, « Death Of a Queen » est paru en single. Et finalement, cette compo n’aurait pas fait tâche d’huile, 40 ans plus tôt, dans le répertoire d’un dinosaure de l’époque. Groovy, « These Days » est également sorti en single. La voix s’y révèle autoritaire.
« Bridges » et « Got The Time » trempent au sein d’un hard/blues/psyché que le trio dispense généralement en live. Une seule cover : le « Gypsy Fast Woman » de Rick Handle (Brain Police). Un morceau qui remonte à 1968 ! Le band parvient à préserver sa spécificité, tout en lui insufflant une touche de modernisme. La pédale de distorsion lamine brillamment et judicieusement « Before It Burns ». « Seet Lil Thing » et « Stinging » macère dans un blues, réminiscent du Delta. « Stinging » adopte un profil plus acoustique. Bref, dans le style, c’est un excellent album…
Ce groupe nous vient du fin fond des Ardennes, de Bastogne plus précisément. Son style ? Le heavy metal. Vu son patronyme, ce n’est pas étonnant. Mais en même temps, cette appellation est à double sens, puisqu’elle veut également affirmer l’origine (NDR : une appellation contrôlée ?) de leur formation. En 2011 et 2012, le combo autoproduit deux démos. Début 2013, il est sélectionné pour participer au Durbuy Rock Festival. Il y représente la Province du Luxembourg. Dans la foulée, il enchaîne plusieurs festivals, et notamment le Nordic Rock, le Ward'In, et surtout La Guerre des Gaules, au cours duquel il ouvre pour Skindred et Mass Hysteria.
Nicolas Scohier et Simon Gaudron se réservent les guitares. Le second nommé, se charge également du chant. A la section rythmique, Ludovic Meunier se charge des drums et Pieltain de la basse.
« The Ep With No Name » constitue leur premier Ep. La plaque s’ouvre par l’instrumental « The Man With No Name » et embraie par « 37 In The Box ! », deux titres qui tiennent parfaitement la route. Le quatuor reconnaît pour influences majeures Black Sabbath, Judas Priest, Metallica, Machine Head, Down, High On Fire. Et « The Unknow Hero » en est une belle illustration. « Big Whisky » distille des cordes de gratte bien charpentées et puissantes. Le gosier du vocaliste colle parfaitement au style. Chargé d’électricité, « With Prison » aurait pu figurer au répertoire de Lemmy Kilmister (Motörhead). Blindé, leur métal est capable de résister au feu des panzers qui ont sévi au cours de la deuxième guerre mondiale…
L’Ep est disponible en digital sur iTunes, Google Play Music et Amazon MP3 ; mais vous pouvez aussi le commander à l’adresse e-mail suivante : Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Bonfire Lakes est un sextuor limbourgeois qui ne devrait pas longtemps végéter dans l’anonymat. Et pour cause, lors de mes dernières vacances, mes amis m’avaient chargé de la sélection musicale. Et j’avais emmené le premier Ep de ce groupe dans mes bagages. Dès la première écoute, les vacanciers pourtant dissipés se renseignaient afin de connaître l’identité de ce band responsable, à leurs oreilles, d’aussi douces mélopées…
Partagé en 5 plages, l’Ep a été mis en boîte à Malines, sous la houlette de Pieter Van Dessel (Marble Sounds) et Gianni Maarzo (Isbells & Marble Sounds). A première écoute, leur musique évoque l’univers folk boisé et classieux de Damian Rice (« Ghosts »). Le sens mélodique des chansons est tout aussi aiguisé. Et la jolie alternance entre voix masculine et féminine parvient à achever les dernières et éventuelles réticences… A suivre de très près donc !
Raider 79 est un jeune artiste montois qui vient de sortir « Double Face part II », un Ep au cours duquel il explore les chemins de traverse d’une Techno bourrée d’énergie destinée aux hangars gigantesques ou aux raves. Mais en ne lassant jamais grâce à un sens du détail et de la micro-variation. Entretien en compagnie de ce talent prometteur issu de l’autre patrie de la techno (la Belgique évidemment).
Quel chemin as-tu parcouru avant d’arriver à la techno ?
Mon père m’a offert 2 platines Technics, et c’est le véritable point de départ. J’ai commencé à mixer dans la région de Tournai où j’habitais à ce moment-là. Très vite, j’ai commencé à passer de la Trance, de l’Electro et de la Techno. J’y ai pris goût ; mais le vrai tournant s’est produit lors de l’achat d’une Groovebox qui m’a plongé dans la production plus que le mix. Et j’ai commencé à acheter d’autres machines pour étoffer mon son.
Quelles ont été tes influences ?
Laurent Garnier et Technasia au départ m’ont énormément influencé. Actuellement je me sens plus proche du son de Vitalic et de l’ambiance qu’il peut créer dans une salle. Comme lui, je re-travaille mes morceaux pour les Live.
Comment se déroule le processus de création de tes morceaux ?
Je travaille seul dans mon coin d’abord. A une certaine époque, j’ai bossé en compagnie des Fouck Brothers qui m’ont permis d’évoluer dans mon projet musical. Je suis isolé au moment de la composition pure, mais je n’hésite pas à solliciter le concours d’un ami pour opérer le mastering et les arrangements ; ce qui permet de prendre du recul par rapport à mon travail.
Qu’est-ce que tu écoutes pour t’inspirer ?
Principalement de la techno, mais pas seulement. Il faut s’ouvrir à d’autres styles pour se renouveler même si on ne le ressent pas forcément dans ma création. Quand ils fouillent dans ma compactothèque, mes amis sont souvent étonnés d’y repérer des disques de musique classique. Mais au moment de la composition, plus aucune influence externe ne vient me perturber. Je me coupe de toute musique autre que la mienne.
Peux tu décrire l’évolution de ton son ?
Au début, mes morceaux étaient plus carrés, plus bruts. Ensuite, j’y ai injecté une certaine souplesse, en gardant l’énergie. Je cherche constamment des variations autour d’une structure.
Comment se déroule ta vie de musicien en Belgique ?
C’est très compliqué au niveau du booking, surtout que je n’assure plus de djing pour me faire connaître, mais je vais peut être m’y remettre. L’avantage d’un petit pays, c’est la facilité des contacts et de pouvoir s’entourer d’amis.
Quel est le meilleur endroit pour écouter ta musique ?
Dans une salle sombre, grande ou dans une voiture (sourire)
Quel est le retour des gens sur ta musique ?
Ils adorent l’énergie, le côté un peu sombre qui ressort au milieu d’ambiances plus joyeuses, ce qui me motive encore plus pour mon live.
Pour écouter l'EP, c'est ici
Bagdad Rodeo nous vient de l'Hexagone. Une formation parisienne. Pas des parvenus. Non des gars vraiment simples et sympas. Sur les planches, ils font la fête et invitent le public à y participer, tout en essayant de communiquer un message. Et c’est grâce à leur bonne humeur communicative, qu’ils parviennent, le plus souvent, à impliquer les spectateurs. A ce jour, le combo a publié deux elpees, modestement baptisés « Un » et « Deux ».
Ce quintet réunit le chanteur MSR De La Tourette, le guitariste Christobal Sanchez Del Rodéo, Romain aux drums ainsi que Houston, aux claviers. Depuis Yayo, le bassiste, a décidé de quitter le groupe pour embrasser une carrière solo.
La pochette est géniale et cocasse. Deux cyclomotoristes plutôt balaises ont les fesses qui débordent largement de la selle du deux roues motorisé.
Les textes sont engagés, humoristiques, mais on a parfois l’impression qu’ils sont inachevés, et on reste un peu sur sa faim. Leur musique est déjantée, mais soignée. Un rock bien hexagonal qui évolue quelque part entre les Wampas, Marcel Et Son Orchestre, les Fatals Picards, les VPR ainsi qu’Ultra Vomit, les rois de la parodie. Une expression sonore qui peut se révéler musclée, mais également s’imprégner de pop, de rockabilly, de punk ou de country. Impliquant même cuivres, piano et choeurs. Sur les planches, Bagdad Rodéo envoie du lourd. A faire pâlir de jalousie certaines formations de métal, qui tentent de se distinguer outre-Quiévrain. Et en particulier celles qui s’expriment dans la langue de Molière. L’énergie est omniprésente. Les riffs de guitares sont précis et incisifs. Mais les morceaux peuvent également virer au country. Ou au folk nerveux, comme lorsqu’ils se sont produits, dernièrement, dans le cadre des Francos.
« Quand Je Serais Mort » est une invitation à rejoindre le dancefloor. Christobal est doué à la guitare. Mais également au ukulélé. Et il le démontre magistralement en intro de « Dis Moi Papa ». Le refrain est trivial, mais pondéré par sa bonhomie. Pour atteindre leur objectif, certain(e)s feraient n'importe quoi. Même sucer le fruit du chêne… Parodique, « La Classe Américaine » vilipende la société de consommation.
« Le Nouveau Millénaire » est un rock bourré d’énergie. « Le Couple Idéal » nous conte l’histoire d’une vie à deux. Ballade western cuivrée, « L'Homme à La Cigarette », c’est celle d’une blonde ou d’un brune à laquelle on s’accroche dès le départ, et dont on se sépare difficilement, jusqu'à la mort. « Monsieur Delatourette » se penche sur un syndrome qui se caractérise par des tics moteurs et des tics vocaux. Ils se développent durant l’enfance et sont susceptibles de persister toute la vie.
« Mon Pote Jésus » a des trous dans les bras. L’extrémisme engendré par les religions est suspendu à un humour déjanté qui nous rappelle quelque part celui d’Inspector Clouseau. Plus que misogyne, « J'aime pas les filles » désapprouve notamment les régimes, qu’elles s’imposent, surtout, à l'approche de l'été…
« Au Revoir » signale que le band ne gagnera jamais assez de blé, à force d’insérer de gros mots dans leurs chansons. Mais le discours est tellement sincère… « La Balayette » ? Vous pouvez la mettre dans le fondement…
« Un Homme, Une B*** et une Mastercard », c’est le propre (?!?!?) du machiste. Un bonus track traite d’écologie. Et on a le droit de s’en inquiéter, car cette chanson nous parle d’un grave péril, celui des déchets qui s’accumulent dans la mer…
Cet elpee risque fort de ne pas leur attirer que des ami(e)s. Perso, il m’a bien fait marrer…
Les Black Keys nous viennent d'Akron, dans l'Ohio. Un duo réunissant le chanteur/guitariste Dan Auerbach et le drummer Patrick Carney. A l'origine, il pratiquait un garage rock teinté de blues. Leur premier album, "The big come up", remonte à 2002. Il est paru sur le label underground Alive Records. L'année suivante, le tandem signe chez Fat Possum, une écurie blues établie dans le Mississippi qui héberge d'authentiques bluesmen noirs du terroir ; à l’instar de R.L Burnside et Junior Kimbrough, artistes qui n'hésitent jamais à mêler leurs racines à celles imaginées par de plus jeunes musicos. "Thickfreakness" paraît en 2003 et "Rubber factory" en 2004. Le tandem décroche ensuite un contrat chez Nonesuch, division du groupe Warner. C’est à cette époque qu’il s’installe à Nashville, la ‘Music City’ du Tennessee. Les elpees se succèdent, réunissant désormais les compositions originales du duo. Publié en 2010, "Brothers" récolte un franc succès commercial. Et l’année suivante, "El Camino" confirme le succès de ces chantres de la musique alternative.
"Turn blue" constitue donc leur nouvel opus. L’image de la pochette est représentée par un vertigo psychédélique. L’œuvre est ambitieuse. Les compos sont extrêmement travaillées, raffinées, de manière à bien mettre en exergue la voix délicieusement pop d'Auerbach. Mais si la mise en forme réalisée par Brian Burton, dit Danger Mouse, est destinée à rendre leur expression sonore plus accessible et commerciale, il ne gomme pas pour autant la puissance créative du duo. Par sa volonté mélodique, le son accroche facilement l’oreille ; et pourtant la structure des compos demeure complexe, poursuivant ainsi la démarche entamée par "El Camino". Pour enregistrer cet LP, la paire a quand même reçu un solide coup de main de Burton. A la production, mais aussi à l'écriture et à l’instrumentation…
"Weight of love" ouvre le disque. C’est aussi la plus longue plage. Plus de 7’ ! Après une longue intro instrumentale, au cours de laquelle se bousculent cordes acoustiques, claviers atmosphériques et enfin les interventions de guitare suramplifiées de Dan, la voix entre dans la danse, épousant rapidement un refrain accrocheur. On pense au Pink Floyd d'une certaine époque. A cause de cette gratte aux sonorités ravagées qui se dédoublent en fin de parcours. Des voix féminines (NDR : ou androgynes) amorcent "In time". La voix d'Auerbach y adopte le timbre et même les inflexions de Marc Bolan (T Rex). Une nouvelle fois, le refrain émarge à la pop. Le titre maître colle parfaitement à son époque. Constante, la ligne mélodique est colorée par des sonorités synthétiques. Soutenu par un clavier ‘vintage’, "Fever" est imprimé sur un tempo enlevé. Un titre contagieux et excitant, paru en single. Des rythmes synthétiques agitent "Year in review", une plage particulièrement percussive, mais très éloignée des Black Keys originels. "Bullet in the brain" s’ébroue en douceur sur un lit de cordes acoustiques, avant de subir un fameux coup d’accélérateur ; une formule imaginée par Danger Mouse. Patrick Carney imprime un tempo tribal à "It's up to you now". La compo macère dans un climat plus garage. Dan a d’ailleurs sorti sa fuzz box. C’est sous ce profil tortueux que je préfère les Black Keys. L’œuvre replonge à nouveau dans la pop. "Waiting on words" est empreint de tendresse et "10 lovers", de charme. Des pistes truffées d'effets sonores dispensés en boucle. Une formule un peu trop explorée sur cet elpee. Ce qui ne l’empêche pas de receler des moments autant inattendus que réussis. A l’instar d’"In our prime", une plage dont les interventions de guitare psychédéliques savoureuses et la beauté immaculée du sens mélodique, rappelle les Beatles de la grande époque (66/67). Et le final nous réserve une autre bonne surprise, puisque The Black Keys nous réserve le blues/rock "Gotta get away", comme pour rappeler que le duo n’a pas renié totalement ses sources…
Coco Montoya est un prestigieux guitariste. Un bluesman californien qui s’est forgé sa notoriété en militant chez les Bluesbreakers du vétéran anglais John Mayall. Il a pourtant entamé sa carrière comme drummer, au sein du backing band texan d’Albert Collins. Une légende du blues. Mais c’est sa dextérité aux cordes qui va le rendre célèbre. Coco va vivre d’incessantes tournées, pendant 10 ans, auprès de Mayall. Alors qu’il est encore sous la houlette de son employeur, il tente l’une ou l’autre aventure individuelle. Avant de se lancer en solitaire. Début des 90’s il publie pas moins de trois elpees chez Blind Pig. Puis début de ce siècle, il rejoint Alligator, réservant à nouveau 3 opus à sa nouvelle écurie. Enfin, en 2009, il signe sur le label allemand de Thomas Ruf, pour lequel il vient de graver "I want it all back".
Ruf a décidé de consacrer des albums live, en Cd et Dvd, à ses artistes, qu’il a baptisé "Songs from the road". Joan Shaw Taylor, Oli Brown, Luther Allison, Savoy Brown et Royal Southern Brotherhood avaient déjà bénéficié de la formule. Qui a permis à Coco Montoya et son band de réunir 14 plages sur un double compact disc, épinglant quatorze titres issus de la discographie du Californien, dont cinq extraits du dernier LP "I want it all back", et trois, du tout premier, "Gotta mind to travel", paru en 1994.
Le concert a été immortalisé au Triple Door de Seattle, en août 2013. Il s’ouvre par "Got a mind to travel", une plage au cours de laquelle les interventions dispensées à la guitare sont tellement proches de celle du Master of the Telecaster, Albert Collins. Le premier envol est cependant accordé par Leeper, à l’orgue. "Hey Senorita" est un hit décroché par un combo doo-wop, baptisé The Penguins. Et il remonte à 1954. La touche latino-américaine contamine cette cover, une piste qui permet aux deux solistes de tirer leur épingle du jeu. De superbes cordes introduisent "Too much water", une excellente ballade au cours de laquelle le chant naturellement puissant de Coco se détache de l'ensemble. Ce qui ne l’empêche pas d’injecter toute sa sensibilité dans un des meilleurs soli du concert! La reprise du "The one who really loves you" de Smokey Robinson met également en exergue la voix de Coco. Elle nous transporte dans l’univers northern soul de Motown. Il marche de nouveau sur les traces d’Albert Collins lorsqu’il aborde "Love jail". Ivre de bonheur, il est comme un poisson dans l'eau. Les plages s'allongent. A l’instar de "Don't go makin' plans", une piste R&B funky qui s’étale sur plus de 11'. Le premier disque s’achève par "I wish I could be that", une belle opportunité pour les deux solistes de briller sur leurs instruments respectifs !
La seconde plaque s’ouvre par un blues pur et dur. En l’occurrence le "Fanny Mae" de Buster Brown. Caractérisée par cette trame plutôt simple, mais répétée à l’infini, cette compo avait décroché un n°1 au top R&B en 1960. Roots R&B bien nerveux,"I love your love in my life" permet à nouveau au band de se lancer dans de longues chevauchées instrumentales. "Good days, bad days" est un titre issu de la plume de Gary Nicholson. Un blues lent. Enfin ! Mélodique, cool, il baigne dans un style proche d’un Eric Clapton contemporain. Une piste qui s’étale sur plus d’un quart d'heure. La longueur de la plage aurait pu s’avérer un handicap, mais vu la constance dans l’esthétisme et la sensibilité, on finit par y succomber. "I want it all back" est une autre compo issue de la plume de David R Steen, un ami fidèle à Coco, qui lui apporte son concours à l'écriture. La mélodie est exquise. Les accords de gratte son raffinés. Tous les musiciens reprennent en chœur le refrain. Le concert s’achève par trois morceaux signés par Henry ‘Coco’ Montoya. D’abord le très soul "I won't beg" et le plus blues "You'd think I'd know better by you", une piste balisée par le piano de Leeper. Enfin "My side of the fence", un blues nerveux, susceptible pour la dernière fois de ressusciter Collins. Et pour que votre info soit complète sachez que la production et le mixage ont été assurés par Jim Gaines. Un album de bonne facture, même si un seul cd aurait largement suffi…
Janiva Magness s'est forgé une excellente réputation dans les milieux du blues et de la soul. Malgré ses 57 ans, elle a toujours beaucoup de charme. A ce jour, sa discographie compte 9 albums. Au cours des dernières années, elle a décroché plusieurs Awards du blues. Originaire de Detroit, sa jeunesse n’a pas été facile. Ses deux parents se sont suicidés à trois ans d'intervalle. Elle est devenue mère à 17 ans, et elle a immédiatement perdu la garde de son enfant qui a été adopté. Elle a aussi tenté à plusieurs reprises de mettre fin à ses jours. C’est la musique qui va notamment lui permettre de remonter la pente. Elle émigre à Phoenix, d’abord, puis s’établit à Los Angeles, ensuite, en 1986. A partie de 1997, elle enregistre et publie des productions locales. Elle est alors signée par le label blues Northernblues Music ; ce qui lui permettra de graver "Bury him at the Crossroads", en 2004 et "Do I move you?", en 2006. Elle décroche ensuite un contrat chez Alligator, label sur lequel paraît "What love will do", en 2008, "The devil is an angel too", en 2010 et "Stronger for it", en 2012.
En 2013, elle cumule les nominations aux Blues Awards. Elle en récolte pas moins de sept! Et pourtant, Janiva et Alligator arrêtent leur collaboration. L'artiste veut se lancer de nouveaux défis. Elle souhaite mettre davantage en exergue ses propres compos. Ce qui explique pourquoi elle a décide de revenir chez Fathead Records, son propre label, dont elle avait partagé la gestion, au départ, en compagnie de son ex-époux. Une structure certes plus modeste, mais qui lui permet une totale liberté. Elle sait qu'elle est aussi sur la corde raide en prenant en main son propre destin, mais elle est désormais animée d'une volonté et d’une foi inébranlable pour réaliser ce challenge, qu’elle veut vivre ce qu'elle appelle, sa déclaration d'indépendance ! Elle a intitulé cet opus "Original", pour sa renaissance artistique, mais également parce que les 11 plages sont toutes originales, sept émanant même de sa plume.
La ballade soul "Let me breathe" ouvre la plaque. Une compo séduisante que chante Javina d’une voix chargée de passion et de feeling. Les musiciens sont sobres mais efficaces. Zach Zunis est préposé à la guitare, Jim Alfredson, à l’orgue. "Twice as strong" est de la même veine. La voix de Javina est cependant soutenue par les chœurs généreux de ses musicos auxquels est venu se joindre le producteur Dave Darling. "When you were my king" baigne dans une atmosphère intimiste, empreinte de sérénité, un blues somptueux, introspectif, au cours duquel les cordes de Zunis s'intègrent parfaitement dans l’ensemble, mais également celles –acoustiques– de Darling qui cumule le dobro, le celeste et le glockenspiel. Matt Tecu imprime un diddley beat sur le nerveux "I need a man". Gospel, le chant est brûlant. Lorsque Janiva cherche un homme, sa prospection ne s’opère pas dans la discrétion, mais la ferveur collective. Pas de temps faible sur cet elpee. Janiva livre toute son âme dans la voix pour hurler son bonheur sur "Everything is alright". Elle partage les vocaux en compagnie de Dan Navarro (NDR : son timbre est particulièrement expressif) tout au long du superbe "With love", un morceau au potentiel commercial manifeste. Miss Magness se les réserve sur "Mountain", un southern soul qui nous flanque des frissons tout au long de l’épine dorsale. "Who am I" est encore une excellente compo. De la soul dansante, généreusement contaminée par l’orgue. Les voix se conjuguent sur "Badass", une piste caractérisée par une sortie aux cordes de Zunis. Et le long playing de s’achever par deux jolies ballades trempées dans la soul. Un excellent opus ! Ton indépendance te sied si bien, Janiva…
De père italien et de mère cubaine, Albert Castiglia est né à New York, mais vit depuis longtemps à Miami. Un chanteur, guitariste et compositeur de blues âgé aujourd’hui de 44 ans. "Solid ground" constitue son septième opus. Le premier, "Burn", remonte à 2004. Le dernier, "Living the dream", à 2012. Albert a forgé son expérience en bossant au sein du backing group de l'harmoniciste noir chicagoan, Junior Wells. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au sein des studios de Dave Gross, Fat Rabbit, sis dans le New Jersey. Et c’est le proprio des lieux qui a assuré la mise en forme. Pour concocter cet elpee, Albert a reçu le concours de sa section rythmique, soit le bassiste Matt Scheler, et le drummer Bob Amsel. Mais également de quelques invités de marque.
Albert nous réserve, comme entame, un boogie de bonne facture, intitulé "Triflin'". Bob imprime ce tempo spécifique derrière ses fûts. La voix d’Albert passe bien la rampe. Elle devient même autoritaire sur "Keep you around too long", une plage caractérisée par un aspect jump percutant. Véritable prodige, Dave Gross met également la main à la pâte, alors que Jeremy Baum siège derrière le piano. Et le niveau atteint par cette compo est déjà très élevé. Une claque indiscutable ! Signé Graham Wood Drout (Iko-Iko), "Searching the desert for the bues" est un soul blues contaminé par le funk. Lou Bevere (chanteur/guitariste au sein d'Enzo and the Bakers) se réserve le micro sur "Have you no shame", une compo issue de la plume de Donnie McCormick et Tommy Carlisle (NDR : les deux musicos militent chez l'Eric Quincy Tate), et un blues lent de bonne facture. Baum est préposé à l'orgue Hammond B3, alors que Gross et Castiglia s'envolent très haut sur leurs cordes. "Put some stank on it" est un blues rock imprimé sur un tempo énergique. Albert profite de l’occasion unique qui lui est accordée de se mesurer à Debbie Davies, une des meilleures guitaristes féminines du blues. La voix d’Albert est chargée de passion lorsqu’il aborde "Love one another", une soul song illuminée par quelques beaux échanges de cordes. Mais aussi "Sleepless nights", un blues lent plus conventionnel, marqué au fer rouge par ses six cordes ! Ecrit par St Louis Jimmy Oden, "Goin' down slow" est un classique du blues popularité par Howlin' Wolf. La version proposée par Castiglia, est ici plus proche de l’esprit Allman Brothers Band. "Celebration" est une ballade roots séduisante. Blues acoustique sculpté dans les cordes d’une sèche et d’une mandoline, "Hard time" est impeccablement ficelé. "Bad avenue" est un autre blues lent. Quoique bien amplifié, il est plutôt conventionnel. L'orgue Hammond tapisse l’ensemble, un contexte idéal pour une solide envolée de guitare. "Sway" est une des chansons des Stones que je préfère. Elle figure sur "Sticky fingers", paru en 1971 ; et on y rencontre un solo mémorable de Mick Taylor, sur sa guitare. L’adaptation n’est guère surprenante. Lou Bevere s’y réserve le chant, Castiglia et Gross les grattes. Instrumental véhiculant des accents de rumba, "Little havana blues" est une piste particulièrement réussie. Le long playing s’achève par un morceau acoustique, le très doux "Just like Jesus".
Chatham County Line est un groupe américain de bluegrass. Il est né en 1999, à Raleigh, en Caroline du Nord. Avant d’entamer cette aventure, le chanteur Dave Wilson et le bassiste Greg Readling militaient chez Stillhouse. Et lorsqu’ils décident de monter une formation country, ils sont rejoints par le banjoïste Chandler Holt et le multi-instrumentiste John Teer. Le quartet publie un album éponyme en 2003. Il est ensuite signé par l’écurie Yeproc. "Tightrope" constitue déjà le sixième elpee paru sur ce label!
L'opus est de conception plutôt uniforme. Les arrangements bluegrass sont bien ciselés ; les voix, le plus souvent en harmonie. Dès le départ guitares, banjo et violon alimentent "The traveller", une compo qui accroche bien l’oreille. Bien qu’imprimé sur un tempo plus enlevé, "Should have know" adopte un même profil instrumental. Les interventions au violon de Teer mettent bien en exergue la tendre ballade "Any port in a storm". "Tightrope of love" est sans doute la meilleure plage de l’elpee, une ballade pour cow-boys au rythme léger, parcourue par les cris du banjo de Chandler et séduite par le charme de la mandoline. Un charme qu’on retrouve dans la plupart des ballades de Chatham County, qui conjuguent élégamment les différentes cordes acoustiques. A l’instar de "Love I found" ou de "Will you still love me". Très belle chanson, "Final reward" clôt le long playing, une compo qui évoque les funérailles d'un soldat. Fragile, la voix est soutenue par le piano de Gref Readling…
Meena Cryle est autrichienne. Chanteuse et compositrice, elle se produit depuis très longtemps en compagnie du Chris Fillmore Band. Chris en est le guitariste. Le line up est complété par le drummer Franky Cortez à la batterie et une jeune bassiste, Marlene Lacherstorfer. Meena est hébergée sur le label Ruf. Elle a publié un premier elpee en 2010. Intitulé "Try me", il a été enregistré à Memphis. Et un deuxième en 2012, "Feel me". Après "Essaie moi", "Sens moi", place donc à "Dis moi"…
La prise de son a été réalisée à Berlin. Les douze plages sont signées par Meena Cryle et Chris Fillmore. "Take this pressure off of me" est imprimé sur un rythme soutenu. La guitare libère des sonorités familières au Mississippi blues, alors que Franky impose un remarquable rythme du chemin de fer, derrière ses fûts. La voix de Meena est claire mais puissante. "Bring me the water" macère également dans le delta, une plage empreinte de douceur au cours de laquelle Chris se réserve le bottleneck acoustique et Roland Guggenbichler, l'orgue Hammond. Il émane de cette excellente compo un sentiment de mélancolie extrême, une piste qui monte progressivement en puissance. Empreint de tendresse, "Tell me" est un blues lent que Meena susurre au creux de votre oreille. Et elle y met toute sa passion. Tapissée par les interventions d’orgue, cette plage permet à Chris de distiller des notes empreintes d’une grande sensibilité. La section rythmique balise parfaitement "Enough is enough", un blues enlevé qui met bien en exergue sa guitare largement amplifiée. Et Fillmore injecte beaucoup de reverb à sa slide. La voix et les cordes entrent en parfaite harmonie tout au long du paisible, "I beg you". Et l’osmose entre les différents instruments démontre l’excellente mise en forme opérée par Raphael Tschermuth. Le rythme s'emballe à nouveau sur le country blues "Give it back". Chris y implique tout son arsenal acoustique : guitares, banjo et mandoline. Soulignée de chœurs, la voix de Mina est brûlante d’authenticité tout au long d’une autre ballade roots empreinte de douceur, "This is my will". Une piste dont le relief est apporté par la lap steel de Carl Kaye, invité pour la circonstance. Trempée dans la soul, mais légèrement teintée de rock, "You don't know" est une piste irriguée par les superbes interventions d’orgue Hammond. La voix se dilue dans une expression sonore dont le tempo est en constante évolution et les cordes de guitare sont franchement aventureuses. La tendresse et le charme sont encore au rendez-vous tout au long d’"I've been drinking", une autre ballade folk bues. Et "Baby goodbye" adopte un profil semblable. La voix de Meena illumine littéralement "Where is your love gone", un R&B acoustique, au cours duquel entrent dans le jeu de quilles, grattes sèches, orgue, voix féminine et percussions insolites telles que bouteilles et washboard. C’est toujours dans un climat de sensibilité extrême que ce long playing s’achève. "Tell me" nous le signale. Et dans le dépouillement absolu, "You may lose me today" le confirme…
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