Ouragan Matt Jacquier est un grand voyageur devant l'éternel. Là ou il pose ses valises, il invite les musiciens du terroir à participer à ses projets. C'est donc lors de son troisième concert accordé à la Chapelle de Mons qu'il a répondu à nos questions. Il fait chaud, l’ambiance est plutôt cool et c'est sur la terrasse et devant une boisson rafraîchissante que l'interview se déroule. Dans la langue de Molière, car ce Franco-canadien s'exprime aussi bien en anglais qu'en français.
Ouragan Matt Jacquier, c’est un drôle de patronyme pour un groupe ?
Au départ, il s'appelait Sidharta. Nous tournions surtout au Canada et aux Etats-Unis. C’est là que nous vivions, finalement aussi. Puis on a débarqué en Europe. Une très chouette expérience. La vraie vie rock'n'roll en groupe et entre amis. A force de voyager, tu rencontres des tas de personnes différentes. Cette envie de liberté va souvent de pair avec la maturité acquise par un artiste, en général. Mais ces rencontres, ces aventures, vécues chaque fois, je voulais qu’elles soient les plus excitantes possible. Lorsque j’étais aux States, mon backing group était constitué d’Américains ? Quand j’ai débarqué en Belgique, j’en ai conclu qu’il était naturel de me produire en compagnie de musiciens belges. C'est également une manière d’appréhender une autre culture. Et puis ce choix permet au public de découvrir une dimension différente de ma musique, et tout particulièrement lors des concerts. Chaque concert, je le souhaite autre. Et la présence de musiciens différents y contribue. Je refuse d’être prisonnier d’une structure ou d’un projet. Quand on monte sur les planches, c’est parce qu’on a envie de jouer en live. Dans ces conditions, choisir mon nom (NDR : Ouragan Jacquier) pour baptiser un groupe, n’est pas nécessairement facile à assumer. Mais c’est une façon d'être moi-même. De m’exprimer à travers les autres. Ceux qui m’entourent, participent à l’aventure. Et finalement aussi le public, qui fait partie de l’ensemble…
As-tu d’autres projets en chantier ?
Vu la formule à géométrie variable, je n’ai pas besoin de me lancer dans d'autres projets. Le but c’est aujourd'hui. Là où je me rends, il se produit des événements. Et on immortalise ces moments-là. Des moments à chaque fois uniques ; et dans ces conditions, chaque nouvelle opportunité, chaque jour, chaque concert, se transforme en nouveau projet.
Finalement, tu vis au Canada ou en Belgique ?
Pour l’instant, je suis en Belgique parce qu'on joue en Belgique. En général je vis où on se produit. On a vécu aux Etats-Unis. A Seattle, Los Angeles et New York. Au Canada. A Montréal et Toronto. En Europe. A Londres et Paris. Nous sommes en Belgique. En Wallonie. Puis nous irons en Flandre. Avant de mettre le cap sur les Pays-Bas. Et ensuite, on retourne en Angleterre. Nous sommes des nomades. Des voyageurs du monde. Comme les acteurs d’un cirque permanent. On ne sait jamais où on va débarquer le lendemain. C’est parfois stressant ; mais ce mode d’existence est très enrichissant.
Comment décrirais-tu ta musique ?
Pour être honnête, les étiquettes commencent à me fatiguer. Je fais du rock. Et les influences, n’importe qui est susceptible de dénicher celles qui lui conviennent. Depuis Neil Young et son Crazy Horse à Tom Petty, en passant par des formations ou des artistes plus contemporains comme Nick Cave et ses Bad Seeds, les Stooges ou P.J. Harvey. Elle ne sont pas exhaustives, et c’est ce que j’apprécie le plus. Certains y décèlent même des références à Red Hot Chili Peppers. Nous n’avons imposé aucune limite. Et je gère le tout. Finalement, tout le monde s'y retrouve. Suivant l’endroit où je me trouve, la musique prend une dimension différente.
Quels sont les musiciens qui t’ont accompagné, ce soir ?
Des musiciens bruxellois impliqués dans différents projets. Et en compagnie desquels je m’entends très bien. Ils s’investissent dans le mien comme s’il était le leur. Et chaque fois qu’ils montent sur les planches, ils donnent le meilleur d’eux-mêmes. J’avais aussi recruté un guitariste néerlandais. Sous ce line up, on a accordé 6 concerts. Dans un futur très proche, je compte exécuter des sets ‘unplugged’. Acoustiques, si tu préfères. Et m’entourer alors de bluesmen. Ce qui permettra de donner encore d’autres perspectives à mes compositions.
La scène, est donc primordiale pour toi ?
Pour moi, c'est super important. Je fais de la musique pour jouer sur scène. Après avoir transité par le studio, c'est fondamental, car tu marques le moment. Mais, l’effet s’estompe rapidement. Quand tu as enregistré un album, tu le défends pendant des mois voire des années. Mais tu dois chaque fois le réinventer, sinon tes prestations deviennent lisses et linéaires.
Tu as un album en chantier ?
Oui, ce sera mon premier album solo. L’objectif est de communiquer notre expérience dans la musique. Et de la faire vivre dans notre univers. D'une manière tout à fait personnelle. On va le sortir sous différents formats. Des formats qu’on souhaite originaux.
Quelles sont tes sources d’inspiration ?
La vie tout simplement. Ma réponse est totalement 'bateau', mais c'est ainsi. Je pense qu’elle résulte de ma culture anglophone. Je chante uniquement en anglais. Je parle couramment le français et l'anglais. Mais l'anglais est ma langue maternelle Donc, je rédige plus facilement mes textes, dans cette langue. Par contre, quand j’écris des poèmes, je choisis la langue française. On n’écrit pas de la même manière en anglais ou en français. Il y a beaucoup moins de mots. Et on les utilise davantage pour la dynamique que pour la syntaxe en général. Donc, j'aime bien résumer mes idées et les illustrer. Un exemple ? « Le Petit Prince » de Saint-Exupéry. C'est mon livre de chevet. J'aime beaucoup les textes de Gainsbourg et ceux de Bashung. Ils m'inspirent réellement. J’observe le monde qui m’entoure. Comment les gens se comportent. Et, à la manière d’un reporter, je relate leur quotidien. Certains artistes ou groupes sont engagés politiquement. Mon origine anglo-saxonne m’incite à relater comme un carroi (régionaliste en dialecte canadien). J'ai plus le côté 'Big Generation'. J'aime beaucoup voyager sur les routes, le road movie. J'aime être témoin. Quand j'arrive en Belgique, et tout particulièrement à Mons, je ne débarque pas forcément en terre connue. Mais j'essaye de me fondre le plus possible dans la population et voir comment elle vit. Je respecte sa culture. Et ce soir, c'est le meilleur exemple. C'est le troisième concert à Mons et les gens viennent de plus en plus nombreux. Une certaine connexion s’est établie entre nous…
Quels sont les derniers concerts auxquels tu as assisté ?
Celui de Nick Cave. Et c’est le concert qui m’a le plus marqué. J’ai aussi beaucoup apprécié celui du Fleetwood Mac de Stevie Nicks.
Qu’est ce qui te botte sur la scène musicale contemporaine ?
Franchement, actuellement, il n’y a pas grand-chose qui me donne entière satisfaction. La musique, c’est ma vie, ma passion. Mais les productions actuelles me laissent plutôt froid. Elles sont un peu trop lisses, formatées. Trop explicites également. On ne permet plus aux mélomanes de poser un choix sur ce qu’il veut écouter. On lui impose ce qu’il va entendre. Il prend tout dans la figure. Tout de suite. Et sans ménagement. Perso, j’apprécie me replonger dans les albums des Beatles. Et en particulier celui de « Sergent Pepper's ». Et j’y distingue, chaque fois, des trouvailles. Au bout de la troisième lecture, j’y découvre un nouvel instrument. Je vais être franc, récemment je n'ai rien acheté qui vaille la peine.
Ce samedi 24 mai, se déroulait le festival ‘La vie en Rock’, dans la salle des sports sise Plaine de La Machine à Feu à Dour ; un festival destiné à financer la recherche contre le cancer. Une vingtaine d'artistes avaient accepté de laisser tomber leur cachet pour la bonne cause. C'est à cette occasion que le très sympathique groupe parisien Bagdad Rodéo a bien voulu répondre à nos questions.
Vous avez accepté de participer à la ‘Vie en Rock’. Vous êtes donc très sensible à l’organisation de tels énervements pour financer la recherche ?
MSR : c'est une excellente initiative. Le festival est, en outre, bien organisé. Ce soir, nous sommes présents pour divertir le public et en même temps soutenir un projet dont l’objectif est de faire avancer la recherche pour combattre une maladie qui nous concerne tous. Nous connaissons tous un proche ou un ami qui traverse ou a traversé cette épreuve. Vu tout ce qu'on chope, toutes les merdes qu’on bouffe, tous les pesticides qui nous empoisonnent et les retombées radioactives qui nous contaminent, les risques de la contracter sont particulièrement élevés. Nous sommes une génération sacrifiée. Nous, on le sait. Notre modèle de société est pourri jusqu'à la moelle. Ce qui explique pourquoi ce type de manifestation nous plait.
Christobal : c'est bien. Pour une fois que des gens se mobilisent pour une bonne cause. Nous, cela nous éclate. Et en plus de se mobiliser pour faire avancer la recherche contre le cancer. On peut s'amuser dans une bonne ambiance et un bon esprit. C'est génial ; ce ne sont que de bonnes idées.
C'et la première fois que vous vous produisez en Belgique ?
MSR : oui, la première fois, comme membre de Bagdad Rodéo.
Une petite présentation du line up ?
MSR : je m’appelle MSF Delatourette. Et me charge des vocaux. Christobal (Sanchez Del Rodéo) se réserve la guitare. Parmi les gars qui bouffent là-bas, il y a Romain qui se consacre à la batterie ainsi que Houston, aux claviers et à la guitare. Yayo joue de la basse. Notre ingénieur du son, c'est le black. On l'a recueilli. Il voulait une formation d’ingé son. C'est le fils de Bokassa Ier. En fait, c’est son père qui finance notre projet.
Bagdad Rodéo, c’est un patronyme susceptible de soulever des polémiques ?
MSR : on avait le choix entre Bagdad Rodéo et Beyrouth Corrida. Or Bagdad Rodéo collait plus à d'actualité. Tu vois, on a voulu faire la synthèse entre un sujet dramatique et un autre plus fantaisiste. Bagdad se réfère à la guerre en Irak, conflit qui ne date pas d’aujourd’hui. Et Rodéo reflète notre côté plus drôle, plus fun. Ce qui correspond vraiment à notre musique. On tente de faire passer un message difficile sur un ton léger et humoristique…
Des textes engagés écrits dans la langue de Molière, quoi ?
MSR : absolument ! Tu as bien résumé. Les textes sont rédigés en français. Et doivent avoir du contenu. Pas la peine de parler pour ne rien dire. Par exemple, si demain je colporte que tous les flics sont des cons, ce n’est pas le reflet de notre opinion. Tu vois ce que je veux dire. Ce n'est pas une appréciation personnelle, mais notre manière de voir les choses. On aime creuser nos sujets. On évite l’observation simpliste des événements tout comme le recours à la vulgarité gratuite. Nous voulons susciter la réflexion. Et ce principe est fondamental. Sans quoi nous ne pourrions ni en rire, ni en éprouver de la satisfaction.
Qui est responsable des lyrics ?
MSR : essentiellement moi. Je les écris et les autres musiciens les corrigent. Ils me signalent quand j’ai oublié un 's'. Non, je rigole. On discute des thèmes et des sujets qui seront abordés. De la nécessité de les approfondir. De les revoir de fond en comble, quand je suis à côté de la plaque. Quand ça arrive, je le vois immédiatement à leurs gueules. Par contre, quand ils se marrent, c’est que c'est bon. Et quand ils disent tous ‘oui’, alors c’est que c'est tout bon. C'est leur manière de valider mes textes.
Et de la musique ?
MSR : on paye un mec pour composer. Un petit chinois, mais on ne peut pas le crier sur tous les toits. C'est un secret entre nous. Le type mesure 1 mètre 40 au garrot. Il est hyper doué dans l’exercice. On l'appelle Tink Ponk.
Christobal : Et moi je passe pour quoi ?
MSR : non, on est cons. C'est Christophe (Christobal) qui se charge des partitions musicales. Pour « Deux », il signe pratiquement toute la musique.
Christobal : Yayo (NDR : le bassiste) et Ludo (NDR : MSR) ont également collaboré. En général, on bosse en binôme ou trinôme. Sans oublier le petit chinois.
MSR : perso, dans ce domaine, je sers plutôt d'aiguilleur. J’indique ainsi qu’il est possible d’adapter un texte à la musique. Quand les structures sont trop complexes, je suis perdu. C'est plutôt ce rôle qui m’est dévolu.
Christobal : Ludo pose toujours le choix final. C'est lui qui valide ou pas ce qu’on a élaboré d’un point de vue musical. Si le morceau l'inspire, on va en faire une chanson. Dans le cas contraire, et même si nous on reste persuadés qu’elle sera superbe, on abandonne l’idée. In fine, c’est Ludo qui entérine.
MSR : malheureusement pour moi. C’est une lourde responsabilité…
Christobal : mais l'avantage chez Bagdad Rodéo, c'est sa diversité de ton. Et puis on peut y mettre ce qu’on veut. Perso, je ne ressens aucune frustration. Si je propose un morceau de reggae à Ludo et qu’il estime que c’est de la merde, on essaie quand même d’en faire quelque chose. Parfois, sans trop savoir pourquoi, la magie peut opérer. Un album de Bagdad Rodéo, c'est un disque de rock au sens large du terme. On peut y mettre du funk, du folk ou de la country. Ou encore ce que l'on a envie. Le leitmotiv, c'est la liberté de ton. Et puis, raconter une histoire à prendre au second degré permet de nous éclater…
La musique vous en avez fait un métier ou elle reste une passion ?
Christobal : un peu des deux. On ne peut pas vivre uniquement de Bagdad Rodéo. Même si on a tracé le chemin adéquat pour y parvenir. Le business musical n'aime pas trop quand un artiste ou un groupe est libre de faire ce qu’il veut. Alors, soit tu choisis l’autonomie, soit tu payes la note. Mais on s'en fout, car nous sommes tous musiciens professionnels. Bagdad Rodéo, c'est en plus…
MSR : ces deux critères doivent rester liés. Quand tu propages les mots 'bite' et 'cul' un peu partout, tu ne récoltes pas beaucoup de tunes pour bouffer. Mais on n’a plus grand-chose à se prouver. Et on ne développe pas trop d’ego sur ce qu’on fait. On le fait parce qu'on a envie de le faire. On aime ce projet et on ne se sent pas prétentieux. Créer notre propre musique nous permet de prendre du bon temps. C’est le principal.
Développez-vous d’autres projets en parallèle ?
MSR : non, nous avons tous un job. Et il nous pompe suffisamment de temps.
Christobal : il est déjà difficile de participer à une aventure comme celle de Bagdad Rodéo et de connaître, en même temps, une vie de famille. Ce projet prend énormément de temps. Entre la maison, Bagdad Rodéo et le travail qui permet de payer le loyer, franchement, nous n'avons plus une seconde de libre. On aimerait bien, mais on ne peut pas. Plusieurs membres du groupe ont aussi des enfants.
Vous avez quand même encore le temps d’écouter des disques d’autres artistes ?
MSR : le dernier album de Stromae, il est super ! Et ce n'est pas parce que je suis en Belgique que je le proclame. Celui de Triggerfinger n’est pas mal non plus. Leur musique est coquine. Comme les bonnes frites. La classe. Je prends aussi mon pied à l’écoute de la musique des Hives. Ah non, ils ne sont pas belges ! Annie Cordy, bien. Elle chantait ‘TaTa Yoyo avec son grand chapeau’. Et la marionnette Tatayet, aussi. ‘Salut, c'est Tatayet, j'ai mal au cul’. Sans oublier la Duvel. C’est ce que le Français moyen retient de votre culture.
Christobal : perso, j’apprécie beaucoup Triggerfinger. Ils balancent un rock'n'roll de malade. La démarche de Stromae, sur disque, me plaît. Par contre, je ne suis pas prêt à aller le voir sur les planches. Il n’est pas assez soutenu par de véritables musiciens. J'aime trop la guitare et surtout en prendre plein la gueule…
Le public vous a réservé un accueil chaleureux…
Christobal : les Belges sont gentils.
MSR : ta réflexion est péjorative. Les Belges savent rigoler. Vous êtes moins tendu du cul que certains. Putain, tu connais Le Mans ? On y a joué une fois, et les spectateurs étaient particulièrement froids. Ils devaient s'enculer entre cousins et cousines là-dedans… Je ne sais pas ce qui s'est passé. Le retour du public, on y attache de l'importance. Les gens ont le droit de nous juger quand nous sommes sur scène. Mais, nous on a aussi le droit d’évaluer leur réaction quand on est sur les planches. Cela fait partie du jeu. Les Belges sont généreux aussi. Plus détendus. Nos conneries les font rire. Dès qu’on aperçoit les premiers sourires, le courant passe plus vite. Et on sait qu’on va se marrer. Tout à l’heure, j’ai décelé la présence d’un mec qui était à moitié bourré, et instinctivement je m’en suis fait un pote et un allié. On joue un peu sur l’effet 'People'. C’est arrivé pile poil sur le morceau « J'aime pas les filles ». Pour lui, sans doute, les filles sont des connasses ; mais c'est son choix, et le texte l’a fait marrer. C’est ce qui est le plus important. Les Belges ont une approche de l'humour bien plus ouverte que les Français.
MSR : (en me dévisageant) C’est pas croyable, mais tu ressembles à mon père. Vous vous ressemblez comme deux gouttes d’eau. Ce n’est pas croyable. Je vais te montrer sa photo. Tu pourrais être son frère ! Je vais te sortir une photo. Euh, je peux t'appeler Papa ?
Ce qui explique pourquoi la scène est importante pour vous?
(NDR : le temps que le chanteur retrouve les photos de son paternel), Christobal reprend le crachoir : oui, la scène est extrêmement importante. C’est vraiment le moment au cours duquel on peut se lâcher. Tu passes des mois à composer sans pouvoir interpréter tes compos devant un auditoire. Les planches, c'est le moment du partage. Soit tu prends un râteau, soit tu établis une connexion avec le public.
MSR : c'est un moment vital pour nous. Tu y oublies tous tes problèmes. C'est pourquoi il est indispensable de se produire en live…
Vous revenez en Belgique ?
MSR : aux Francos de Spa. Quatre jours en juillet. On est programmés aux 'Vitrines des Franco'. On joue 24 heures sur 24 pendant quatre jours… Quoi cinq jours ? Et on va devoir se farcir quotidiennement 4 interviews ? Mais les organisateurs sont des tortionnaires… Tu viens nous voir aux Francos ?
Les Lokerse Feesten fêtent donc leurs 40 années d'existence en 2014. Et chaque édition consacre une journée au métal. Un ‘Metal’s day’ qui s’est donc déroulé ce dimanche 3 août. Au programme Channel Zero, Devin Townsend Project, Dimmu Borgir, Down, Motörhead et Within Temptation.
La formation belge Channel Zero ouvre les hostilités. Très tôt, puisqu’il est 16h30. Dans l’univers du métal noir, jaune, rouge, il s’agit certainement de la formation la plus ancienne. Fondée en 1990, elle s’est inspirée de « She Watched Channel Zero », une compo du groupe de rap américain Public Enemy, pour choisir son patronyme. Le combo s’était séparé en 1997, avant de se reformer en 2010. A 7 reprises elle parvient alors à remplir, une institution comme l'Ancienne Belgique. Malheureusement, le 10 août 2013, Phil Baheux, le drummer, décède inopinément. Juste avant un concert que le band devait accorder dans le cadre du Brussels Summer Festival. Il s’y produira, mais pour y dispenser un bref mais émouvant set acoustique en hommage à leur batteur. C.Z. décide néanmoins de poursuivre l’aventure, et recrute Seven Antonopoulos, un musicien grec, pour participer aux prestations ‘live’, comme préposé aux fûts. « Kill All Kings », leur nouvel elpee, paraît début 2014, un disque qu'il vient défendre au sein d’une AB sold out le 11/04/2014.
Franky De Smet Van Damme (NDR : fier de son nouveau micro), le toujours aussi fringant bassiste Tino Di Martino et le gratteur Mikey Doling, sont bien accompagnés par le nouveau drummer hellène, Seven Antonopoulos. Le set ne va cependant pas dépasser les trois-quarts d’heure. Une petite déception quand on est apprécie tout particulièrement le meilleur groupe belge de métal.
Suivant un certain rituel, Franky s’asperge la tête d’eau, et en réserve également à la foule. Toni partage également ces ablutions, puisqu’il en reçoit dans la nuque. Le vocaliste est en forme. Véritable boute-en-train, il s’autorise même, en fin de parcours, un petit périple au-delà des barrières afin de rejoindre son auditoire. Et le drummer a également la pêche, puisqu’il parvient à briser la pédale de la grosse caisse. Un incident rapidement réparé par les roadies. Entre le quatuor et les spectateurs, l’interactivité est parfaite. Lorsque Mikey a soif, il affone une bière. Moment choisi par Franky pour lui placer le micro sous le menton, afin de bien répercuter le rot salvateur de Mikey. Bourrés d’énergie, les compos défilent : « Feed'Em Witch A Brick », « Hot Sumer », « Suck My Energy », « Dark Passanger », « Electric Cocaine » et en finale, l’incontournable « Black Fuel ». Le quatuor rend également un hommage à Phil, leur ami disparu, lors d’un « Angels » particulièrement électrique. Un set court, puissant, mais bigrement excitant…
Agé de 42 ans, Devin Townsend drive donc son propre band. Talentueux sixcordiste, il a été découvert par un des maîtres sur l’instrument, Steve Vai. A l’époque, le Canadien vient à peine de fêter ses 19 printemps. Et le New-yorkais lui propose d'enregistrer sous sa houlette, « Sex And Religion ». Suite au départ de Robert Halford, Judas Priest propose également à Devin, la place vacante de chanteur. Devin décline l'offre et préfère se concentrer sur sa carrière en solo. Qu’il entame d'abord sous son propre nom ; avant de lui coller, dès 2009, le qualificatif Project. Devin est également venu défendre son nouvel album, « Casualties Of Cool », paru en avril. La plaine est déjà bien garnie. Le leader est soutenu par un second gratteur, un bassiste dont la barbe est aussi fournie que celle de Léopold II et drummer, qui malgré ses frappes frénétiques, se révèle avant tout efficace. Voire même exceptionnel…
Le show s’ouvre par un « Seventh Wave » plutôt pompeux. Les interventions de Devin sur son manche sont magistrales. Mais le son manque de netteté, fait tellement rare à Lokeren, qu’il faut le souligner. Faut dire que les accès de basse sont trop envahissants. Pour préserver mes fragiles tympans, les boules-Quiès sont de rigueur. « War » baigne dans une même emphase. Heureusement, Devin maîtrise bien sa voix. Tout comme sa guitare. Il arpente constamment l’estrade. La musique de Devin Townsend Project est le fruit d’un mélange bien équilibré entre death, thrash, black et indus. Une fusion de formes métalliques extrêmes. Pourtant, quoique puissante, l’expression sonore peut se révéler mélodique. Du tracklisting, limité à 40 bonnes minutes, j’épinglerai « By Your Command », « Dead Head » et « Planet Of The Apes ». Je découvre pour la première fois ce Devin Townsend Project. Et difficile de se faire une opinion valable, après un set aussi court. A revoir dans d’autres conditions. Et surtout en salle…
Le changement de matériel est assez rapide. Trente bonnes minutes. Place dès lors à Dimmu Borgir, une formation norvégienne qui compte déjà deux décennies de carrière. Et dans le domaine du black metal mélodique, c’est une référence. J’avais eu l’occasion d’assister à leur set, en première partie de Korn, il y a un peu plus de deux ans, à l'Ancienne Belgique. Le concert des Vikings s’était déroulé au cœur d’un décor dépouillé. A Lokeren, les fumigènes, braseros et autres artifices pyrotechniques vont nous en mettre plein la vue. Un peu comme Sabaton, l’an dernier. Et finalement, heureusement que cet environnement est resté sobre lors du show accordé dans la salle bruxelloise, sans quoi il aurait fallu appeler les pompiers à la rescousse. C'est également la première fois que j’assiste à un concert de ce groupe, dans le cadre d’un festival. Leur grimage est de couleur blanche, afin d’accentuer l’aspect sombre de leur black metal. Malgré deux opus gravés par la suite, soit « In Sorte Diaboli » en 2007 et « Abrahadabra » en 2010, le band puise essentiellement sa setlist dans l’elpee « Death Cult Armageddon », qui remonte à 2003. Pas moins de six plages de cet album lui sont réservées : « Allegiance », « Progenies Of The Gredt Apocalypse », « Lepers Among Us », « Vredesbyrd », « Cataclysm Children » et « Eradication Instincts Defined ». Une œuvre qui présage la fin du monde. Et elle commence peut-être sur la plaine de Lokeren. La carrure du vocaliste, Stian Thoresen aka Shagrath est impressionnante. On dirait que sa voix émane d'outre-tombe. Alias Galder, Thomas Rune Andersen (NDR : le guitariste !) a le regard qui tue (NDR : je parie que dans la vie de tous les jours, ce gars est sympathique). Le claviériste a également de la taille. Son physique me fait penser à celui de Rammstein. Le combo a des planches et son show va vraiment impressionner l’auditoire. Il concède un morceau d’« Abrahadabra » (NDR : le long playing que votre serviteur apprécie le plus !), « Dimmu Borgir ». Le concert s’achève par « Mourning Palace », un extrait de leur troisième LP, « Enthrone Darkness Triumphant », sorti en 1997. Mon premier coup de cœur pour la journée !
Fondé en 1991, Down a décroché un album de platine, aux States, en 1995. Puis le combo s’est montré plus que discret, s’autorisant même deux longues pauses. Ce qui explique pourquoi, à ce jour, le band ne compte que trois elpees à son actif. Une formation yankee formée par l’ex-Pantera Philip Anselmo. Préposé à la six cordes, il est toujours soutenu par Pepper Keenan, à la seconde gratte et Jimmy Bower aux drums. La musique de Down est puissante. Les riffs de guitare sont accablants, gras et huileux. Les drums sont incisifs et plutôt rock’n’roll. La voix est gutturale. Elle est cependant imbibée de bourbon. Philip harangue la foule en arpentant l’estrade de gauche à droite ou de droite à gauche. Un set idéal pour chauffer la tête d’affiche.
Motörhead a multiplié les annulations au cours des derniers mois. A tel point qu’on se demandait si finalement, il allait bien se produire, aux Lokerse Feesten. Leur dernier opus, « Aftershock » est paru l’an dernier. Et la bande à Lemmy est quand même venue plaider sa cause.
Nouveau changement de matos et la formation insulaire peut monter sur les planches. Elle débarque même quelques minutes avant l’horaire officiel. ‘Hello, We Are Motörhead!’ lance Lemmy à la foule. Agé de 69 balais, le vieux rocker a rencontré quelques sérieux problèmes de santé, au cours des derniers mois. Faut dire que son addiction au sexe, aux drogues et à l’alcool devait inévitablement déboucher sur une impasse. Il s’agit de la seule date accordée par Motörhead sur le sol belge.
Drivé par le chanteur/bassiste Lemmy Kilmister, Motörhead maintient le cap depuis le début des 70’s. Au sein du trio, Phil Campbell se consacre à la guitare et Mikke Dee, aux drums. Trempée dans le whiskey, la voix de Lemmy constitue toujours une référence pour quatre générations de métalleux. Et un concert du trio est totalement dévastateur. Perso, à moins d’être totalement sourd, impossible de l’encaisser sans boules-Quiès. A l’avant-scène, la muraille d’amplis ‘Marshall’ crache le feu. Ou les décibels, si vous préférez. Motörhead ne fait pas dans la dentelle. J’imagine alors une danseuse gambader sans tutu ni ballerines…
Le set s’ouvre par trois pistes, issue d’« Overkill », un long playing paru en 1979 : « Damage Case », « Stay Clean » et « Metropolis ». La puissance est déjà au rendez-vous. La setlist embraie par « Over The Top », un extrait de « Bomber ». Puis par « The Chase Is Better Than The Catch », une piste qui figure sur « Ace Of Spades ». « Rock It » rocke sec. Pourtant, les solos épiques concédés par Lemmy ne sont pas vraiment convaincants. Ils sont même, à la limite, faiblards. Heureusement Phil et Mikkey compensent ce coup de mou. Et parviennent même à dynamiter l’ensemble. Un seul extrait du nouvel album « Aftershock » est interprété. En l’occurrence, le très blues « Lost Woman Blues ». Dommage que la setlist fasse abstraction des autres compos du nouvel LP. Le papy semble fatigué et s’être endormi sur ses lauriers, en ne proposant que d'anciens standards qui ont fait sa gloire. « Doctor Rock » nous réserve un solo de guitare, qu’assure de main de maître Mikkey, en forme olympique. Du tracklisting j’épinglerai encore « Just 'Cos You Got The Power », « Going To Brazil » et Killed By Dead », mais surtout la fin de parcours « Aces Of Spades » et « Overkill », au cours duquel Motörhead, termine sa prestation en force.
Ce n'est pas le meilleur concert de Lemmy auquel j’ai pu assister, à ce jour. Manifestement, il a pris un coup de vieux. Tout comme son rock'n'roll. Malgré tout le respect que je lui accorde, il serait peut-être temps qu’il prenne sa retraite. Il a quand même presque 70 balais ! Sincèrement, sa santé m’inquiète. Et vu le caractère du personnage, je le vois mal boire de l’eau. Satisfait de l’avoir revu, mais à moins d’un changement radical de comportement, il est ‘mal barre’…
Within Temptation clôt la soirée. Je fais l’impasse sur ce set qui s’adresse surtout aux adolescentes boutonneuses qui ont eu la permission de minuit... Il est temps de rentrer au bercail. Après une telle soirée, on pourrait croiser une louve garou…
(Organisation : Lokerse Feesten)
Voir aussi notre section photos ici
Le Micro Festival, c’est un îlot atypique perdu quelque part dans un océan où tout se ressemble.
Un point minuscule qui grandit chaque année et brille d’une lumière différente au milieu d’une nuit surchargée de néons criards.
Le Micro Festival, c’est le chemin boisé où il fait bon respirer quand la plupart du temps on cherche son souffle au milieu de ces grandes autoroutes musicales, immenses artères tentaculaires qu’on emprunte, quoiqu’il arrive, toute l’année.
Quelques heures de sommeil éparpillées sous les étoiles et me revoici, toujours affligé de mes deux entités céphaliques à l’entrée de la cour abritant le Micro Festival.
Quelques minutes passées à saluer ceux que l’on connaît et c’est déjà l’heure des Portugais de Paus.
Entre vraies bonnes excuses et fausses joies anticipées nous n'avons, mes deux têtes et moi, hélas, pas eu l'occasion d'assister au set de Fùgù Mango qu'on nous décrit pour l’heure comme sympathique, estival, teinté de funk et d’afrobeat (ou d’affreux beats, je ne sais ce que je devais comprendre ?)
A vrai dire, je passe aussi à côté du set des Gantois d’Alpha Whale.
Ce qui dans un premier temps me chagrine (car je les ai vus il y a peu de temps à l’Escalier et ils m’ont vraiment bien plu) et ensuite me console (puisque je les ai vus il y a peu de temps et qu’ils m’ont vraiment bien plu).
Vu que ces surfers de la vague Psyché devraient faire encore parler d’eux, dans un futur proche, je me promets d’être présent à notre prochain rendez-vous.
Et donc, c’est l'heure des Portugais de Paus.
Forts d'un excellent deuxième album sorti tout récemment ("Clarão") qui sera d'ailleurs parcouru quasiment en intégralité, le quatuor emmené par ses deux batteurs va nous offrir un set assez ébouriffant.
L'africanité presque permanente des compositions, plus évidente encore que sur l’elpee, évoque les Foals de la première heure mais aussi la transe de Konono n°1 (la guitare sonnant parfois comme un likembé).
Mais on peut aussi songer à Battles pour les rythmiques et les sons stridents du clavier. Les noms de Caribou et Raptures seront aussi quelques fois évoqués dans les conversations d'après concert. C'est en tout cas une petite gifle que nous assène les Lusitaniens.
Entêtants, obsédants, hautement psychédéliques, les morceaux s'enchaînent avec une efficacité remarquable. "Bandeira Branca" confirme par exemple son statut de tube en puissance et "Corta Vazas" nous transporte en Afrique pendant quelques minutes. On regrettera toutefois que ce concert n'ait pas été programmé plus tard. Face à un public plus échauffé, la fête n'en aurait été que plus belle.
Le temps pour la foule d'apprivoiser cette musique aux informations multiples et le concert s'achève déjà dans une sorte de samba-rock déjantée, laissant pêle-mêle des corps parcourus de spasmes orgasmiques et d’autres complètement révulsés.
Suite au retard des UV Race coincés dans un embouteillage (et plus dans une bouteille à mon avis), ce sont les Night Beats qui vont prendre le relais.
Après un début un peu timide où il enchaîne de courts morceaux garage assez classiques, le groupe prend ses marques et se lâche un peu. La prestation manque tout de même un rien de folie que tente pourtant d'apporter le chanteur/guitariste Danny Lee Blackwell, à travers quelques effets de pédales.
Ses soli sont sympa mais peut-être un peu redondants.
Moment amusant et un peu pathétique lorsque le bassiste (qui arbore à l’occasion une très jolie chemise admirablement assortie à la laideur de sa tignasse) se lance dans la foule pour s'écraser quelques mètres plus loin comme un bouse, les quatre fers en l'air.
Le festivalier liégeois manquerait apparemment de force dans les bras.
Je reste un peu mitigé sur la prestation des trois Texans mais mon avis semble être une exception. La plupart des personnes friandes (c'est très laid ce mot au féminin) de ce style musical semblent, elles, satisfaites.
Le concert est monté en puissance et au final leur a apporté ce qu'ils cherchaient.
Un taulier du garage liégeois me confie qu'il a adoré le chanteur et que la fin du concert lui a fait penser aux Black Lips et même aux Posies. Il ne partage manifestement pas mon impression générale. Car le son n’est pas assez ‘sale’. Il serait même plutôt tendre. Je lui concède que j'attendais peut-être de l'originalité là où il n’y en avait pas ; et que "Real Change" est quand même un putain de bon morceau.
Tout le monde ayant trouvé son bonheur, place aux suivants.
Des suivants qui vont quant à eux réellement diviser les opinions, à commencer par le mien.
Meilleur concert du festival pour certains. Immonde et grotesque pour d'autres, les commentaires abondent dans un sens comme dans l’autre, sans nuance dans les propos.
En toute objectivité et en prenant le recul nécessaire (minimum six mètres), on assiste en effet à une blague potache qui peut irriter ou amuser selon l’humeur du moment.
UV Race, puisque c’est d’eux dont il s’agit, ne réinventent rien en substance ; et c’est un euphémisme.
On assiste dès lors à une parodie de l’école des fans où Mark E Smith (The Fall) serait le parrain médusé par la prestation pour le moins saugrenue d’un gamin obèse, atteint d’une forte propension à l’exhibitionnisme.
S’il n’est pas question de finesse, il faut reconnaître que ces Australiens affichent un sacré capital sympathie, qui au-delà du premier degré, génère un plaisir communicatif.
Bref j’ai adoré (cerveau gauche) et détesté (cerveau droit).
La polémique lancée devait rebondir et rebondir encore et encore.
N’épargnant pas au passage les BRNS qui suivaient dans la foulée.
Le groupe suscitant lui, un conflit intergénérationnel.
La plupart des gens de moins de 30 ans à qui je posais la question par la suite (je n’en connaissais que deux) vantaient ces sonorités super cool et ce chanteur/batteur formidable, alors que les plus vieux (j’en connaissais deux cents) squattaient le bar, dégoisant cette musique hype formatée et donc sans originalité, petit condensé de tout ce qui marche depuis cinq ans en indie-pop.
L’effet de surprise ne joue plus. Je dois les avoir vus au moins à 77 reprises (c’était en deux mille douze) ; aussi, il m’est impossible de trancher dans ce dilemme épineux qui au final n’intéresse pas grand monde.
On soulignera néanmoins l’enthousiasme inébranlable d’un public de moins en moins exigeant au fil des heures.
Quelques bières ingurgitées sur fond de DJ Black Slip (Hé ! On est là pour se marrer, non ?) et place aux tauliers du beach goth, j’ai nommé The Growlers.
Ici encore, pas d'unanimité.
Trop mous, insupportables voir prétentieux pour certains, délicieusement cool pour d'autres. On concédera en effet que le concert a dû laisser les amateurs de violence et de danse débridée sur leur faim.
On a en effet eu droit à une succession de ballades psyché/surf au tempo assez lent, exécutées nonchalamment par un groupe qui compte avant tout sur le charisme de son chanteur Brooks Nielsen.
Vu son look (il semble tout droit sorti d'un feuilleton américain issu des seventies), il focalise en effet toute l'attention, multipliant les poses et les pas de danse. On en oublierait presque qu'il est accompagné. Et pourtant la formation a un don pour nous transporter au cœur des sixties, en Californie, afin de vivre un bal psychédélique (auquel participera également cette petite fille de dix ans qui finira juchée sur son dos).
Les amateurs (souvent aMATEUSES) ondulent langoureusement et se laissent emporter par la voix nasillarde de Brooks. Sans doute aurait-il été plus pertinent de programmer ce set un peu plus tôt dans la soirée. Beaucoup de festivaliers auraient sans doute aimé un concert plus bondissant à cette heure mais pour les amateurs de pop, la sucrerie était idéale.
Et puis, après tout, pour remuer, il restait quand même la prestation de The Belgians à se mettre sous la dent dure.
Poussant la ‘potacherie’ dans ses derniers retranchements, The Experimental Tropic Blues Band présente son show (chaud ?) loufoque et gras à souhait (autant au niveau de l’humour que du son).
Bénéficiant d’un montage vidéo caricatural dépeignant notre mère patrie sous ses aspects les plus grotesques, glorieux ou tragiques, le tout mixé sans ménagement, le trio local assène le coup de grâce pour certains et électrifie les derniers soubresauts des autres.
Et quand la machine vidéo vient à s’enrayer, le groupe démontre sa dextérité à éviter l’enlisement.
Une prestation à prendre bien sûr au cinquième, sixième voire dernier degré.
Enfin, il est temps pour tous de se débarrasser des quelques jetons de couleurs qui servent de tickets boissons (à cette heure avancée, plus de bouffe) dans un laps de temps court (fermeture du bar dans une heure et demie).
Et de tirer les conclusions qui s’imposent sur cette cinquième mouture du Micro Festival.
Soit une réussite totale pour un public toujours plus nombreux (deux mille têtes de pipes réunies dans un cadre agréablement décoré et prévu pour un confort optimal), où la musique n’est pas nécessairement la motivation de tous.
Justement, artistiquement parlant, il manquait peut-être un concert vraiment marquant.
Mais les programmateurs n'ont à rougir d'aucun choix.
L’affiche était une nouvelle fois variée et aventureuse.
On aimerait d’ailleurs que ce succès puisse attirer un peu plus de curieux dans les concerts JauneOrange en dehors de cette délicieuse ambiance de pains/saucisses.
Une réflexion qu’on se fait chaque année...
(Organisation : JauneOrange)
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Le Micro Festival, c’est un îlot atypique perdu quelque part dans un océan où tout se ressemble.
Un point minuscule qui grandit chaque année et brille d’une lumière différente au milieu d’une nuit surchargée de néons criards.
Le Micro Festival, c’est le chemin boisé où il fait bon respirer quand la plupart du temps on cherche son souffle au milieu de ces grandes autoroutes musicales, immenses artères tentaculaires qu’on emprunte, quoiqu’il arrive, toute l’année.
Inscrit dans un contre-courant et fier de sa singularité, le festival imaginé par le label JauneOrange ouvrait ses portes pour la cinquième année consécutive à un public décidément de plus en plus nombreux.
L’Espace Nord 251 (il s’agit du nom du domaine sur lequel le site est implanté depuis 2010 et non des coordonnées géographiques pour votre GPS) a été réaménagé et un nouveau chapiteau y est dressé (on y gagne, puisque les pilonnes disgracieux, plantés au milieu du public, on disparu). Tout est en place sur le coup de dix-huit heures trente, ce premier vendredi aoûtien, pour accueillir votre serviteur bicéphale et les quelques 1 999 autres amis, potes et connaissances Facebook que comptera cette année la cinquième édition de ces noces ardentes.
Une foule qui serpente la rue Vivegnis, ici, à flanc de coteaux, par une belle fin d’après-midi ensoleillée.
Doublement représenté, Musiczine couvre l’intégralité des festivités, allant jusqu’à fusionner ces deux chroniqueurs en un seul être hybride mais néanmoins investi de toutes ses facultés de réflexion.
Ainsi, pas de point de vue double (si ce n’est à une heure avancée où l’alcool impose son diktat sur nos organismes émoussés qui ne nous permet plus de retranscrire nos ressentis), mais un compte-rendu conjugué à la première personne, au travers d’une identité duale.
Mon cortex droit fourmille déjà, alors que le gauche salive à l’idée d’une première rasade de nectar du Dieu Bacchus.
La programmation musicale assurée par Jarby McCoy indique déjà la couleur tandis que le tableau familier s’esquisse sous mes quatre yeux.
Manet et Ionesco, tous deux, main dans la main, redessinant le ‘déjeuner sur l’herbe’ à l’ombre d’un ‘théâtre de l’absurde’. Le décor est planté.
Délicieusement différent.
Les premiers soubresauts sonores résonnent bientôt.
Les trois coups sont frappés.
It It Anita donne la mesure.
Brisées comme un mille feuilles, les structures du quatuor liégeois volent en éclat (un bien bel éclat) et cimentent autour d’elles un mur sonore érigé comme un monument célébrant les glorieuses heures des nineties.
De Nirvana à Sonic Youth comme apostolat, It It Anita nous ferait prendre ces messies pour des lanternes.
C’est une excellente entrée en matière, pleine de fougue, incendiaire, tachée de foutre, et menée de main de maître, dans l’esprit des seigneurs de la Noise.
Mais le danger guette au détour d’une programmation forcément diversifiée ou le bon goût de certains se heurte inévitablement à la moue sceptique des autres.
Ainsi en va-t-il de même pour votre serviteur affligé d’un double pédoncule cérébral.
Suite à l’intermède musical concédé par Barako Bahamas (dont le seul patronyme est tout un programme), Quintron and Miss Pussycat invente en direct l'Euro-Country Lo-Fi.
Fatalement alourdie d’une intro longue et indigeste, proposée sous forme de cours de cuisine psychotropique et animée par d’amusantes marionnettes, la prestation du duo scinde déjà les avis des convives présents sur place.
Pour ma part, mes deux têtes décident de concert que la blague n’est pas à la hauteur de mes attentes, et si les sons multi-affectés des orgues barbares (NDR : de Barbarie ?) dispensés par Robert Rolston et les maracas de sa chère et tendre moitié à la caboche passablement fêlée m’amusent le temps de l’un ou l’autre morceau, il ne me faut pas longtemps pour sortir au grand air humer les parfums estivaux d’une soirée chaude et seulement en devenir.
Quelques temps plus tard, Cosme prend la directive du DJ floor, amenant subtilement l’introduction d’un trublion haut en couleur.
Derrière le pseudonyme Larry Gus, se cache Panagiotis Melidis, responsable d’un délicieux album, publié chez DFA, l'année passée.
Sur le podium, on comprend pourquoi le label de James Murphy a craqué pour le psychédélisme polyrythmique du Grec.
Le garçon sait mouiller le maillot pour attirer la foule dans son monde protéiforme.
Sautant de sa batterie rudimentaire à son rac d'effets, quand il n'improvise pas une danse digne des meilleurs chamans, Panagiotis semble possédé par sa musique ; et sa folie conquiert progressivement une foule au départ un peu interloquée par ses gesticulations épileptiques.
Certes, la posture tient plus du MC que de la rock star. Mais le flow est remplacé par des cris samplés et mis en boucle, sur lesquels il pose des beats lourds, tour à tour hip hop, techno, breakbeat ou ethniques.
Le début est un peu chaotique et fait craindre le pire. Les effets sur la voix ne sont pas toujours harmonieux et on comprend que certains soient rebutés par ses cris stridents. Mais petit à petit, Larry Gus nous emmène sur son tapis volant.
Un groove disco emporte la foule qui commence à se déhancher suivi d'un morceau à la rythmique breakbeat infernale. Mais l'attention du public est détournée par le premier passage d’un drôle de crocodile gonflable surmonté d’une demoiselle tout aussi gonflée.
Larry se lance alors dans deux morceaux plus complexes presque free-jazz, un style qui le passionne. C'est pourtant le moment le plus intéressant du concert. Celui qui est le plus proche des productions de son opus, en tout cas.
Les incursions jazzy sont d'ailleurs nombreuses durant tout le concert, sorte d'intermèdes cérébraux inoculés au milieu du déluge rythmique. Ce qui nuit sans doute à la dynamique ; mais c’est ce qui fait sans doute la véritable originalité de cet artiste.
Le final donne à la foule l'occasion de sautiller.
Un dernier morceau (de l'electro salsa?) conclut dans la joie le set le plus varié de cette première soirée.
Ceux qui sont restés attentifs ne le regrettent pas mais on peut comprendre les autres qui ont fui, rebutés par les incantations étranges du sorcier grec.
Ainsi, sollicités par la prestation dudit Gus, les séances de bisous bisous et les tentatives délicates de transport de pyramides de gobelets réutilisables pleins, mes sens se trouvent quelque peu distraits alors que Nissenenmondai entame son set et divise mon esprit.
Les avis d’autrui seront tout autant partagés après leur show.
Certaines personnes ont vraiment apprécié la transe technoïde de ce trio à la mouture pourtant rock (basse/batterie/guitare) ; mais beaucoup ont rapidement décroché.
Il est vrai que les compositions répétitives des Nippones exigent une attention soutenue, ce qui n'est pas toujours facile quand on connaît la moitié des festivaliers présents.
On retiendra la frénésie de l'incroyable drummeuse, repliée sur ses fûts, comme montée sur ressorts et les adorables chaussures vernies de la guitariste.
Pour le reste, évitant de justesse la lobotomie du cervelet gauche, je regagne mes pénates afin d’être frais et dispos dès le lendemain.
(Organisation : JauneOrange)
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Tommy Castro est devenu une référence incontournable dans l’univers du blues et du R&B. Ce chanteur/guitariste californien accomplit une carrière exemplaire depuis une bonne vingtaine d'années. Il est surtout plébiscité pour ses aptitudes vocales. Une voix soul, qu’il puise dans le southern soul de Memphis. Il a même été comparé à Otis Redding. Il compte déjà plus d'une douzaine d'albums à son actif, dont six ont été publiés par le label californien Blind Pig. En 2009, il signe chez Alligator. Il lui réserve "Hard believer", la même année. Il aura fallu attendre un break de cinq années pour saluer son 2ème opus qui sort sur le label chicagoan. Il ne faut cependant pas oublier qu’en 2011 il avait gravé "Tommy Castro presents : Legendary R&B Revue Live!".
Les sessions d’enregistrement de « The devil you know » se sont déroulées en Californie, à Sausalito et San Rafael. Il a reçu le concours de son backing band, qu’il drive depuis 2012, les Pain Killers ; en l’occurrence le bassiste Randy McDonald, le drummer Byron Cage et le claviériste James Pace (un ex-Ana Popovic Band). Il a également bénéficié de la participation de nombreux et prestigieux invités. Le tracklisting est découpé en 13 pistes, soit neuf compositions personnelles et quatre reprises.
Une armée de guitares attaque "The devil you know", une plage qui macère dans le Mississippi blues. La voix de Tommy est puissante et savoureuse. Saturée, sa six cordes talonne le chant! L'orgue de Jim Pugh ouvre "Second mind", un morceau caractérisé par ses débordements de percussions syncopées. Les Pain Killers soignent ce funk participatif tandis que les cordes deviennent audacieuses. "I'm tired" est une des meilleures compositions issues de la plume de Chris Youlden, remarquable vocaliste qui a sévi chez Savoy Brown de 1967 à 1970. Castro chante d’ailleurs dans un registre assez proche. Ce titre figurait sur l'elpee "A step further, paru en 1969. Et c'est Joe Bonamassa qui reprend sans complexe le rôle de Kim Simmonds. La nouvelle version n’est guère surprenante, mais elle est bien restituée. Plutôt exploratoire, "Center of attention" consomme du R&B qui rocke. "The whale have swallowed me" est un blues composé par JB Lenoir. La cover ne manque pas de charme. La slide part en dérapage contrôlé. Tasha Taylor (NDR : c’est la fille de feu Johnnie Taylor, un chanteur et acteur texan qui a l’instar d’Isaac Hayes et The Staple Singers a marqué l’histoire de la scène Stax) lui donne la réplique vocale. Pour aborder le puissant "When I cross the Mississippi", Tommy est épaulé par le chanteur/guitariste Tab Benoit, le gratteur Mark Karan et l’organiste Mike Finnigan. Castro adapte le "Mojo Hannah" d'Andre Williams, à la sauce louisianaise. Pour la circonstance, il a reçu le concours d’une invitée de charme, en l’occurrence Marcia Ball qui se consacre au piano et au chant. Pace siège derrière l'orgue Hammond, les Homes Brothers assurent les backing vocaux et Magic Dick (J. Geils Band) souffle dans son harmo, tout au long de "Two steps forward", un blues traditionnel, largement amplifié, au cours duquel le rythme s'emballe dans un gospel nerveux. Malgré la présence de cette ribambelle de ‘guests’, Tommy parvient à tirer son épingle du jeu sur ses cordes. Et c’est une véritable prouesse. Sur "She wanted to give it to me", ses interventions se révèlent même bien plus agressives que de coutume. La voix de Castro est vraiment impressionnante tout au long de "Keep on smilin'", un superbe R&B signé Wet Willie. C’est également la meilleure plage de l’opus. Tommy ne relâche pas l'étreinte. Il entame un duel vocal face à la ravissante Samantha Fish, tout au long "Medicine woman", une piste dont le cadre est balisé par les ivoires de Pace! Le long playing bénéficie de deux bonus tracks. Les deux titres parus en single. Soit les dansants "That's all I got" et "Greedy". Un excellent album!
« No me Quejo de mi Estrella » constitue avant tout une faveur accordée par Jonathan Richman à ses fans hispaniques. C’est également une sorte de ‘best of’ de son œuvre accomplie depuis le début des années 2000. L’ex-Modern Lovers a en effet sélectionné personnellement 16 titres qu’il a composés au cours des 15 dernières années. Un recueil qui reflète parfaitement le style adopté aujourd’hui par le troubadour américain, un conteur drôle et désenchanté à la fois (« You Can Have a Cellphone That’s Ok But Not Me »). Evidemment, certaines de ses chansons adoptent un profil davantage latino. Flamenco même. A l’instar de l’inaugural « La Guitarra Flamenca Negra » et « La Fiesta Es Para Todos ». Les deux versions de « When We Refuse to Suffer » (I et II) sont particulièrement représentatives d’une expression sonore mélancolique empreinte d’une touchante simplicité… Cette compilation constitue une belle porte d’entrée pour pénétrer dans l’univers de cet artiste attachant…
En 1991, Yossi Sassi co-fonde et produit Orphaned Land, groupe d’origine israélienne considéré comme un pionnier de ce que les musiciens appellent eux-mêmes le 'Jewish Muslim Métal' ou encore le 'Middle East Progressive Métal'. Mouvement mariant le death métal aux chants traditionnels du Moyen-Orient et aux sonorités orientales, le groupe prône la coexistence pacifique entre juifs et musulmans. Reconnu comme artiste complet, Sassi joue de 17 guitares et instruments différents, représente diverses marques de grands luthiers et crée même ses propres instruments comme la 'Bouzoukitara'. Cet instrument est une conception particulière mêlant les sons du bouzouki des Balkans à ceux de la guitare électrique.
En 2012, il se lance dans l’aventure, Melting Clocks, son premier galop, dans lequel il décline la routine quotidienne au travers d’une chaleur apaisante et mélange les genres. Il nous incite à ne plus rêver nos vies mais à vivre nos rêves. Pour lui, la musique est un mode de réalisation personnelle universel. Il croit en sa capacité à rassembler les gens au-delà des différences culturelles et des conflits.
Aujourd’hui, il a définitivement quitté Orphaned Land pour se consacrer aux rencontres à travers le monde et diffuser ses idées et ses expériences. « Desert Butterflies » a été enregistré sur trois continents, un disque pour lequel Sassi a reçu la collaboration de Marty Friedman (ex-Megadeth), Ron ‘Bumble foot’ Thal (Guns’n’Roses), Mariangela Demurtas (Tristania, Moonspell) et bien d’autres. Derrière onze titres oscillant d’est en ouest, du nord au sud, il continue à propager ses idées unificatrices. Nous sommes tous, quelles que soient nos conditions de vie et de naissance, des créatures capables d’adaptation et d’évolution. Nés au stade larvaire, nous construisons nos cocons de certitudes. Il nous invite à franchir ce cap pour devenir papillons et réaliser nos rêves contre vents et marées. Sous ce concept, il nous propose un ensemble de compositions techniques. Si des accroches hispaniques, latines, japonisantes ou des inspirations métal sont bien présentes, la rythmique est fortement orientale. Peu de chants à travers ce voyage, juste une musicalité qui laisse libre cours à l’interprétation personnelle des sentiments exprimés dans les titres. Si vous vous sentez l’âme d’un globe-trotter alter mondialiste, si vous rêvez d’un parcours philosophique initiatique, si vous avez besoin de soleil et de réconfort, je vous souhaite bon voyage en compagnie de cet album !
Troisième album du trio d'Oakland, "Dreams in The Rat House" perpétue les atmosphères rétro des deux premiers opus. La bande à Shannon Shaw (parallèlement bassiste au sein de Hunx and His Punx) nous offre en effet, à travers sa fusion d'early rock, de rockabilly, de surf, de beat music et de garage, un voyage à travers les fifties et le début des sixties. On y croise de tout jeunes Beatles, les Shangri-Las ou encore Buddy Holly dans une grande messe doo-wop où les onomatopées sont fatalement à la fête. Les ‘Heyheyhey’, ‘Yayaya’, ‘hohoho’ et autres ‘ouwahouh’ se succèdent en effet tout au long d'un album rafraîchissant mais finalement assez répétitif. Et même si les singles ("Rip Vanwinkel", "Ozma") figurent en début de parcours, j'ai plutôt préféré sa deuxième face. Le surf de "The Rabbits Nose", les roulements de batterie de "Hundsortails" ou les élégantes harmonies de la ballade "Unlearn". Signalons enfin l'atroce pochette, kitsch à souhait, totalement en adéquation avec le look des membres du groupe tout droit sorti d'un film de John Waters. Bref, un disque sympathique de doux dingues pour amateurs de vintage un peu décalé qui mérite les acclamations mais peut-être pas la standing ovation.
Formation insulaire, Spring Offensive nous vient d'Oxford. Elle s’était produite en première partie de To Kill A King, ce 2 février dernier, au club de l’AB. Et y revient ce 26 octobre. Inutile de dire que votre serviteur sera encore au poste, pour assister à leur prestation. D’autant qu’en ‘live’, le quintet est plutôt généreux. Nouvelle sensation britannique dans l’univers du pop/rock indie, elle avait publié un Ep acoustique intitulé « Between Me & You », en 2009.
Paru en single, « Young Animal Hearts » prélude la sortie de leur premier elpee. C’est également le titre du long playing. Qui clôt le tracklisting. Une compo hypnotique, mais également empreinte de douceur. Et le premier elpee s’inscrit dans le même esprit. Si le timbre de Lucas Whitworth est caractéristique, il est constamment souligné de backing vocals. Et toutes ces voix se conjuguent régulièrement en harmonie. A l’instar de la plage atmosphérique et envoûtante, « Not Drowning But Waving ». Le chant domine à nouveau « Bodylifting », mais le recours aux percus est particulièrement judicieux. L’opus recèle de nombreuses plages ensoleillées, sucrées et délicates. Dont « Hengelo », « Cut The Root », « River », « Carrier », « Something Unkind », « 52 Miles » et « Speak ». Mais aussi et surtout « No Assets », un hit potentiel. Pourtant, ce n’est qu’au fil de l’écoute qu’on se rend compte de la richesse des compos. Elles regorgent même de subtilités, mais plusieurs écoutes sont nécessaires avant de pouvoir les déceler….
Agé de 29 ans, Selwyn Birchwood est issu de Tampa, en Floride. Un jeune guitariste de blues, qui a remporté l'International Blues Challenge de Memphis. En compagnie de son groupe. Il reconnaît pour influence majeure Buddy Guy. Il excelle également à la lap steel, dont il a tout appris auprès de Sonny Rhodes, un des plus grands spécialistes sur cet instrument. Le Texan l’avait même intégré au sein de son backing group, pendant 4 ans.
Birchwood a fondé son propre band en 2010. Il avait déjà publié deux albums autoproduits : "FL Boy", en 2011 et "Road worn", en 2013. Les sessions d’enregistrement de ce nouvel opus se sont déroulées, chez lui en Floride. Le saxophoniste Regi Oliver, le bassiste Donald ‘Huff’ Wright et le drummer Curtis Nutall sont au poste. Selwyn signe l’intégralité de son répertoire.
"Addicted" nous plonge profondément dans le blues cher à Buddy Guy. La voix de Selwyn est aussi graveleuse que celle des doyens. De quoi forcer le respect. "Don"t call no ambulance" réverbère des sonorités du Mississippi blues. La guitare reste bien rivée au chant, prête à bondir dès que l’occasion se présente. Une opportunité qui ne tarde guère. Caractérisée par ses accents métalliques, la plage évoque les fameux boogie de John Lee Hooker! Changement de tempo et de style pour "Walking in the lion's den", une ballade blues roots que chante Selwyn d’un timbre très grave ; une piste légèrement teintée de jazz par les interventions de Regi à la flûte et au saxophone. "The river turned red" est un funk/blues dominé par les éclats de slide ; et c’est un invité de prestige, Joe Louis Walker, qui se la réserve. "Love me again" est un blues lent que chante Birchwood d’un timbre soul, spectral, alors que les accords de gratte sont parcimonieux et empreints d’une grande sensibilité. Armé de son bottleneck, il empoigne sa slide pour attaquer "Tell me why". Il libère d’abord des riffs épais et puissants, avant de s’autoriser quelques expérimentations sonores parfaitement maîtrisées. Notre homme est un adepte de la guitare slide. Il aime caresser voluptueusement son doigt d'acier tout au long des cordes, comme sur le paisible "Overworked and underpaid". Un piste au cours de laquelle il se réserve le micro, alors que RJ Harman (NDR : ne pas confondre avec le Californien James Harman!) souffle dans l’harmo. Agé à peine de 24 balais, ce jeune Floridien puise son influence majeure chez Jason Ricci. "Brown paper bag", c’est le blues lent attendu. Plus de 9 minutes de bonheur ! Selwyn y injecte toute sa sensibilité, sa passion. Et manifestement, ce feeling, il parvient à le pousser à son paroxysme, lorsqu’il se montre parcimonieux aux cordes. Une sobriété qu’il enrobe de douceur. Il y communique ainsi son mal de vivre. Une compo au cours de laquelle Dash Dixon, le claviériste de Black Honkeys, un collectif funk issu d'Orlando, siège derrière l'orgue Hammond! Changement radical de style pour "Queen of hearts", un R&B funky, généreux, soutenu par la section rythmique porteuse et l'arsenal de saxophones dont dispose Mr Oliver. Birchwood s’autorise un envol contaminé par le jazz sur "Falling from the sky", un r&b plutôt cool. Hoodoo stew" achève l’elpee. Le bottleneck et les interventions du saxophone baryton de Regi colorent ce Delta blues imprimé sur un mid tempo.
Dirty Deep, c’est le projet de Victor Sbrovazzo, un Alsacien qui avait déjà gravé un Ep en 2010, et un album intitulé "Back to the Roots", en 2012. Et il vient de publier son second opus, baptisé « Shotgun Wedding ».
En fait de projet, il s’agit plutôt d’un homme-orchestre, puisqu’il cumule le chant, la guitare, l’harmonica et le stompbox. Ce bluesman reconnaît pour influences majeures, des légendes comme John Lee Hooker, Sonny Boy Williamson et Son House. Bien que solitaire, l’artiste est régulièrement épaulé par le drummer, Geoffroy Sourp. Alors, serions nous en présence de nouveaux Left Lane Cruiser ou Black Keys ? Ben le duo Dan Auerbach/Patrick Carney semble avoir gommé la plupart des ses références blues, sur disque. La comparaison me semble dès lors, plus que légère. A contrario, la piste Left Lane Cruiser me semble plus adéquate.
C’est d’ailleurs cet aspect immédiat, primaire et nerveux qu’on retrouve sur l'ouverture, "Bottleneck". Et tout au long de son ‘one man show’, on peut dire que l’artiste se débrouille plutôt bien. Sa voix est authentique, brute, mais généreuse. Gouailleur, son bottleneck glisse sur de frêles percussions. Sa voix gémissante hante le Delta blues traditionnel, "Low down". Bien tranchées, les interventions à l’harmo s'évadent face au bottleneck qui s’affirme. Malgré le chant plus paisible, "Junky green truck" est imprimé sur un tempo boogie primaire. Et cette plage déménage littéralement. "Middle of nowhere" est un excellent blues lent. Face à une instrumentation dépouillée, réduite à quelques éclats d’harmo et de sobres interventions à la slide, la voix se dégage naturellement. Mais au bout de 3 minutes, Geoffroy débarque et vient siéger derrières les fûts. A partir de cet instant, la compo monte en puissance. La rage au cœur, Victor dévoile toutes les privations endurées. Sa voix et son harmonica se libèrent. Il émane de ce titre un sentiment de douleur bouleversante. Un morceau vraiment convaincant. "Midnight bus" adopte un tout autre profil. Si l’inspiration de base reste le blues originel, le rôle plus conséquent des percussions et le chant rap volontairement nerveux de Mr E, communiquent une dimension hip hop à cette plage. On retrouve le riff caractéristique à la slide d'Elmore James voire de J.B Hutto sur "Let it ride", une piste très amplifiée, imprimée sur un tempo nerveux. L’attaque est franche. Et telle une houle, l’harmo accomplit un mouvement de va-et-vient, dans un style urbain et électrique, proche de celui du Chicago d'après guerre. A contrario, "Til the day I die" est plus rural, classique. La voix de Victor est tourmentée et son accompagnement très respectueux du prewar blues. "John the Revelator" est un titre traditionnel. De nombreux bluesmen l’ont adapté, et tout particulièrement Son House. Et Dirty Deep a eu l’excellente initiative de transformer cette authentique work song, stimulée de percussions primaires et enrobée de chœurs, en boogie étourdissant. Dépouillée, "Release me" est une folk song empreinte de sérénité. "What the hell" embraie dans cette atmosphère paisible, jusqu’au retour de la slide bien amplifiée. "She's the devil inside" opère un retour aux racines du blues. Les percus alimentent ce rythme échevelé, alors que la slide n’hésite pas à déborder du cadre qui lui a été tracé. Et l’elpee de s’achever comme il avait commencé, par une plage aux sonorités primaires, intitulée "When the sun copes deep". Surprenant autant qu’impressionnant ! A suivre de très près…
Errorhead, c'est le projet du guitariste allemand, Marcus Nepomuc Deml. Il est cependant né à Prague, en 1967. En 1986, il part en Californie pour y suivre les cours du ‘Guitar Institute of Technology’ de Los Angeles. Son diplôme en poche, il y devient professeur agréé. Il revient néanmoins, en Allemagne, dès 1993.
Au cours de sa carrière, il a participé à de multiples sessions d’enregistrement pour d'autres artistes. Son aventure Errorhead, il l’a entamée en 1998. Depuis, il a publié quelques cd et dvd, tant en ‘live’ qu’en studio. En 2005, ce virtuose de la six cordes, a reçu le ‘Guitar Hero Award’ du magazine Guitar Player, un trophée qui lui a été remis par Steve Lukhater et Joe Satriani.
Pour concocter cet « Evolution », il a reçu le concours de son ami Frank Itt, à la basse. Les deux artistes se partagent la production. Le drummer Zacky Tsoukas et le chanteur Karsten Stiers complètement le line up.
Dès "Scream people like us", on est plongé dans une musique particulièrement technique. Pourtant, sur ce rock/blues, Stiers chante à la manière d’un hard rocker. Plus pop que rock, "Hideaway" est une plage plutôt bien ficelée. Empreinte de douceur et convaincante, la voix s’appuie sur une jolie ligne mélodique. Les sonorités de cordes sont majestueuses, de toute grande classe. Karsten est capable de moduler sa voix, en fonction des compos. Et elle s’adapte parfaitement à "One good reason", une piste sculptée dans un excellent funk, au cours de laquelle Marcus se réserve un envol vaporeux. Indolent, tendre, "Tell me" intègre parfaitement un solo qui explore différents axes, afin de monter en puissance. A l’instar de Satriani et Vai, Marcus Deml mérite amplement son statut de virtuose. Remarquables instrumentaux, "Resurrection" et "Purple Lord" en sont certainement les plus beaux témoignages. Pétillant, "Thieves & Poets" est morceau de pop hard rock qui accroche instantanément l’oreille. Tout aussi agréable à écouter, "Where did our love go?" est légèrement teinté de blues. Un climat qu’on retrouve sur "Someone", une composition complexe, mais qui ne maque pas de charme. Et finalement, elle aurait pu figurer sur un long playing du Led Zep –mais dans son second cycle– si l’attaque avait été plus saignante et agressive. "Get off my back" synthétise la diversité de styles sondés par Errorhead. Un hard rock dont les accents pop sont singulièrement raffinés. Cet elpee s’achève par "The mighty tube", un instrumental paisible…
Attachez vos ceintures, vous allez décoller pour une destination inconnue ; mais c'est loin, c'est sûr ! Le ciel est mauve, zébré de noir avec des taches malsaines qui volent entre deux satellites en caoutchouc pilotés par des escargots. Vous entrez dans la sphère psychédélique d'Holy Mountain. Le trio écossais s'est inspiré du film éponyme d'Alejandro Jodorowski sorti en 1973. Le screenplay ? Alors, un type qui ressemble à Jésus. Il lutte contre les péchés de ce monde représentés par des puissants symbolisant chacun un astre planétaire, tous visant à travers cette quête initiatique à l'obtention de l'immortalité. Oui, je sais, la description sent un peu le champignon... Revenons les pieds sur terre, quoique... Ancient Astronauts constitue le second elpee du groupe. C'est un délire expérimental old-school de guitares vintage fouettées à tour de bras, de basses et de batteries lourdes désynchronisées au fur et à mesure que l'on progresse dans les morceaux. Mais c'est une très bonne expérience, comme si Hendrix, Waters et Morrison avaient décidé de faire la tournée des distilleries ensemble au pays des Highlands en prenant Manson (Charles, pas l'autre...) comme guide. Ils planent bien haut mais laissent leur colère prendre le dessus pour nous emmener dans des rythmes effrénés entourés de voix geignardes hantées par le vaudou. Les compos virent souvent au stoner, surtout quand elles abandonnent les moments planants pour de grands riffs diaboliques.
Holy Mountain nous offre un bon moment de son massif. Ancien Astronauts pourrait être une véritable rampe de lancement pour ce groupe qui revient au néolithique de la guitare, co-piloté par Paul Savage qui a déjà produit certaines œuvres de Franz Ferdinand et Mogwai.
A souligner le graphisme de la pochette qui vous laisse méditer entre géoglyphes de Nazca, troisième dimension et Lovecraft.
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