Issu de Vancouver, ce duo réunit l’harmoniciste Shawn Hall et le gratteur Matthew Rogers. Les deux Canadiens se sont rencontrés en 2006 et ont alors découvert qu’ils partageaient de mêmes affinités musicales. Ils décident donc de s’associer, afin de pratiquer du folk et du blues. Et au fil du temps, s’intéressent au blues électrique. Ils publient "The blues can kill", un elpee autoproduit, en 2007, l’éponyme "The harpoonist and the Axe murderer", en 2008, et "Checkered past", en 2012. Shawn et Matthew signent l’ensemble de leur répertoire.
Sur ce nouvel opus, Shawn chante et souffle dans son harmonica. Matthew se réserve la guitare, la basse, les pecus au pied et circonstanciellement des claviers. Pour concocter ce long playing, ils ont reçu le concours de musiciens locaux ; et notamment l’organiste Tom Heuckendorff, une section de cuivres ainsi que des chœurs
"Black and blues" est amorcé par des accords rythmiques. Douce, contagieuse, troublante, la voix de Shawn concède des intonations quasi-enfantines. Pourtant, la structure de la composition est plutôt complexe. L'harmonica sort enfin de sa tanière. Mélodieuses, ses interventions séduisent face aux rythmes fiévreux développés par les cordes acoustiques. Une guitare à la coloration particulièrement blues introduit "Do watcha", une piste paradoxalement conventionnelle et personnelle. La voix frêle et douce envoûte, alors que guitare et harmonica tissent une trame hypnotique. "Ter for two" baigne au sein d’une ambiance funky. Matthew double guitare et basse, alors que choristes soutiennent Hill. Diligente, la rythmique épouse un format rock, tout au long de "Mama's in the backseat". Shawn y souffle parfaitement, dans un style toujours aussi singulier. "Closer to death" baigne au sein d’un climat oriental et exotique, une plage curieuse, funkysante, enrichie par les interventions de Heuckendorff à l’orgue Hammond. Imprimé sur un mid tempo, "Feel me now" concède des intonations pop. A cause de la voix. Et puis du sens mélodique. Un morceau enrichi de chœurs et de cuivres. La musique pratiquée par le duo est vraiment originale. Pas facile de lui coller une étiquette. Bien sûr la voix est douce, mais particulièrement expressive. Et puis les interventions à l’harmo sortent tout à fait de l’ordinaire. Le titre le plus singulier est certainement "Don't make 'em like they used to". En général les plages sont assez brèves. Ou plus exactement ne tirent jamais en longueur. "My paradise" trempe dans la soul. Un morceau sobre, léger, au cours duquel la voix, qui s’intègre dans les chœurs féminins, semble dans son élément. Des vocaux qui se rencontrent sur un subtil Bo Diddley beat, lors d’"In and out of love". Le duo apprécie le soul funk percussif. Invitation à se secouer, Sweat this pain" en est une belle illustration. Les vocaux trament habilement "Cry a little", une piste au cours de laquelle la guitare met le nez à la fenêtre, sur un riff qui se répète à l'infini. "In the end" adopte la cadence du galop afin de créer une ambiance boogie, que colore de country blues, l’harmonica. "Act your age" bénéficie d’excellents effets rythmiques et sonores. Dommage que le duo n’ait pas mieux exploité ce créneau. Car, finalement, leur pop explorée tout au long d’« A real fine mess » est fort semblable à celle dispensée aujourd’hui par les Black Keys. Quant à la finale, "A real fine noise", elle constitue la synthèse parfaite du style exécuté par le tandem canadien...
Texan, Eric Johnson est chanteur, guitariste et compositeur. Respecté au sein du milieu musical, il vient à peine de fêter ses 60 ans. Il se distingue d’ailleurs tant dans le rock, le blues, le jazz ou la fusion, styles qu’il affectionne. Ses influences sont particulièrement diversifiées : depuis Jimi Hendrix à Mike Bloomfield, en passant par Chet Atkins, Wes Montgomery et Django Reinhardt. Après avoir opéré ses débuts au sein d’obscures formations (NDR : Mariani, un combo de psyché/rock qui a sévi à Austin, et Electromagnets, plutôt branché sur le jazz rock), il acquiert une certaine notoriété en publiant un premier elpee solo, intitulé "Ah Via Musicom", en 1990. Depuis, il a gravé une multitude de cd et de dvd, œuvres qui ont chaque fois été couronnées de succès. En 1996, il tourne en compagnie de G3. Il y retrouve deux autres gratteurs exceptionnels, Joe Satriani et Steve Vai. "Europe Live" a été enregistré lors de son dernier périple accompli sur le Vieux Continent. Immortalisant tout particulièrement celui accordé au Melkweg d'Amsterdam, ainsi que l’un ou l’autre set prodigué en Allemagne et en France! En ‘live’, le trio est soutenu par le drummer Wayne Salzmann et le bassiste Chris Maresh.
Après une courte "Intro", histoire d’entrer dans le bain, "Zenland" ouvre véritablement l’elpee. Une compo qui nous rappelle une certaine époque de Dire Straits. Rythmiques, les accords sont assez proches de ceux dispensés par Mark Knopfler. Néanmoins, pas de doute, Johnson est un brillant guitariste. Et s’il puise son inspiration au sein d’un éventail de références plutôt large, il possède son style et sa technique. Sa dextérité lui permet de se lancer dans des structures complexes, et sa vitesse d'exécution en impose. Il vit à "Austin". C’est le titre d’une des plages de l’LP. L’une des rares chantées sur ce témoignage live ; une compo caractérisée par une ligne mélodique assez captivante. Autre plage impliquant des vocaux : "Forty mile town". Elle est préfacée par des cordes réminiscentes de Yes ; même le chant évoque Jon Anderson. John Coltrane signe "Mr P.C", un exercice de style de plus de 10’. Et tout au long de cette piste sculptée dans un jazz moderne assez complexe, laissant libre cours à l'improvisation, Johnson étale toute sa virtuosité. Ce qui n’empêche pas Maresh et Salzmann de mettre leur talent en exergue, sur leurs instruments respectifs. "Manhattan" baigne dans un océan de douceur. A contrario, "Zap" se révèle bien plus dynamique. Johnson se divertit à l’aide de ses riffs hards. Chris Maresh dévoile tout son potentiel sur la basse alors que Salzmann martyrise l’ensemble des éléments de sa batterie. "Song for life " est un intermède acoustique. Quoique nerveux, "Fat Daddy" adopte une nouvelle fois le style rythmique de Mark Knopfler, un morceau parcouru de brillantes envolées psychédéliques. Plus surprenant, Eric s’autorise un blues shuffle puissant, "Last house on the block", une piste qui adresse un clin d’œil appuyé à son regretté concitoyen, Stevie Ray Vaughan. Il nous réserve "Cliffs of Dover", un succès récolté en son temps! Boogie, "Evinride fever" est propice à d'autres exercices de haute voltige. Et cet opus ‘live’ de bonne facture, s’achève par "Sun reprise".
Le MacKenzie Blues Band nous vient du Canada. De l’Ontario, très exactement. Un combo qui a d'ailleurs décroché, en 2014, le Maple Blues Award 2014, comme ‘Best new artist’ (NDR ; il s’agit des Oscars du Blues canadien). Ce quatuor est drivé par un couple. En l’occurrence le guitariste Trevor MacKenzie et la chanteuse Tara MacKenzie. Le duo est soutenu par le bassiste Joel Dawson et le drummer Mike Weir. Le groupe avait publié un premier opus en 2012, "Black road revelation".
Etrange, mais cette œuvre s’ouvre par une brève intro a cappella, réunissant voix féminines et masculines. Une sorte de spiritual baptisé "Prelude". "Down with love" nous plonge ensuite immédiatement dans un univers plus blues rock. Sara se réserve le micro. Les différents instrumentistes mettent le nez à la fenêtre ; Rod Ramsey ou Rob McLean à l’harmo ou encore Drew McIvor à l'orgue, invités pour la circonstance. Sans oublier Trevor à la gratte. Plus enlevé "Sweet stuff" embraie. Une piste au cours de laquelle Trevor semble plus cool sur ses cordes. Les choses sérieuses ne font que commencer. Tara se livre à fond sur "Move on", un morceau plus complexe. Le lead vocal se libère totalement sur le superbe blues "Bone cage". Mike et Joel assurent le backing de leurs voix graves. Et cet échange en devient finalement hypnotique. Excellente piste, "Burned when you play with fire" baigne dans un climat dramatique. La voix de Tara, l'harmonica et les cordes acoustiques entretiennent cette ambiance, avant que Trevor ne s’autorise une sortie déjantée. Il est même particulièrement inspiré tout au long d’"On the other side" une ballade empreinte de tendresse et de charme ; même si parfois, saturé de feeling, la guitare est au bord de la rupture. Drew McIvor signe "Ain't tryin' to hide", une compo intimiste. Soul, la voix de Tara est claire et précise. Elle s’étale sur trois octaves et demie. Une faculté dont l’exercice s’assimile à un art. Les interventions d’orgue et de guitare sont parcimonieuses, mais empreintes d’une grande sensibilité et mélodieuses. "I feel the storm coming" est la plus longue plage du long playing. Elle s’étale sur plus de 8’. Un blues indolent au cours duquel la guitare de MacKenzie s’aventure dans le psychédélisme, un voyage à l’acide, réminiscent d’une certaine époque vécue par la cité magique de San Francisco. "Up! Up! Up!" se singularise par sa rythmique bien marquée et son tempo énergique, un morceau où se mêlent soul, gospel et rock et au cours duquel Tara nous invite à se secouer. Le funk dispensé tout au long de "Higher road" est tempéré. Les échanges opérés entre l'orgue Hammond et les cordes de Trevor évoquent les débuts de Santana. Mais sans les percus. Nuance qui a son importance. Tara chante d’un timbre voluptueux "Spiritual power", un excellent soul blues. Sa voix pénètre intimement dans les accords de gratte, une voix généreuse, raffinée, respectueuse et tout simplement belle, qui monte progressivement en puissance. Cet elpee s’apprécie au fil de l’écoute. Enfin, il faut épingler le graphisme de la pochette réalisée à la manière d'une bande filmée.
Qui se cache derrière l’étrange Mobonix, autoproclamé ‘homme machine’ ? Un super héros hip-hop ou un usurpateur de bas étage ? Maurice White –aka Mobonix– est un rappeur issu de Minneapolis. Sa seule notoriété, il la doit au terrible MF DOOM, dont il est l’acolyte. Il adopte d’ailleurs un style semblable, baptisé east-coast. Particulier, adopté sans l’esprit du Wu-Tang, il est peuplé d’obscurs samples cinématographiques et de thématiques bizarroïdes… Si le flow de Mobonix ne reproduit pas la force de ses glorieux maîtres, l’homme machine nous réserve, néanmoins, quelques intéressants uppercuts tel que l’efficace « Rodeo », une piste qui divague sur le thème des hybrides hommes-robots. Les lyrics ne constituent certainement le point fort des compos ; mais de ce côté-ci de la Manche, leur importance est toute relative, surtout lorsque les beats (concoctés par DJ Kool Akiem, DJ Wesu, CX KidTronik ou Professor Ojo) sont de bonne facture… Un ‘Hubot’ (Human Robot) hip-hop d’honnête qualité!
Zoe Muth nous vient de la côte Ouest des States. Chanteuse de folk et de country, elle est surnommée l'Emmylou (Harris) de Seattle. Son premier elpee, "Zoe Muth and the Lost High Rollers", remonte à 2009. Il est suivi par "Starlight Hotel", paru en 2011. Afin de poursuivre sa carrière, elle décide de partir à Austin, au Texas. Elle y rencontre le producteur et bassiste George Reiff. Ce dernier l’invite à enregistrer au studio Finishing School, en compagnie de musiciens locaux, dont le guitariste Brad Rice.
Le timbre vocal de Zoe est cristallin. Et il colle parfaitement à ses ballades country, douces et visionnaires. A l’instar de "Little piece of history", qu’elle interprète face à la guitare jouée en picking de Rice et aux accords du piano de Sweney Tidball. Dans le même esprit, "Mama needs a Margareta" s'enfonce davantage dans le sud profond, une piste au cours de laquelle la pedal steel de Geoff Queen marque bien son territoire. Les percussions de Greg Nies stimulent le tempo de "Make me change my mind". Les sonorités électriques dispensées par la guitare de Brad Rice communiquent une tonalité rock à l’ensemble. "Annabelle" nous replonge dans la douceur. Une douceur à la fois candide et belle entretenue par les instruments à cordes, violon et violoncelle. Plus roots, "April fool" est balayé par les interventions de l’accordéon. Mais également parcouru par celles du violoncelle et d’une pedal steel. Country/rock tonique, "Too shiny" est galvanisé par des grattes bien électriques et hydraté par l'orgue de John Ginty. "Waltz of the Wayward wind" nous replonge dans la sérénité country. Une valse très lente et langoureuse bercée par la pedal steel et les ivoires. Et caressé par la pedal steel de Mike Hardwick, "What did you come back here for ?" (NDR : le morceau final) est un titre qui résume parfaitement le climat de tendresse et de beauté enveloppant cette œuvre.
L’écriture matinale de la chronique du 1er album de Nothing for Breakfast m’est d’abord apparue comme une petite punition : comment voulez-vous rédiger une telle chronique, le ventre vide ? Mais l’écoute de cet Ep –qui réunit quand même 7 plages– de ce groupe italo-américain a toutefois quelque peu rassasié mon appétit musical !
Formée en janvier 2014 par l’Américain Jonathan Shackelford (chant et guitare) –dont les parents travaillent à l’Université de Florence– la formation implique 3 musiciens locaux. En l’occurrence Samuele Cangi (guitare et chant), Francesco Cangi (basse et chœurs) et Marco Cali (batterie). Et elle est rapidement rentrée en studio, pour enregistrer ce disque. Les musiciens ont beaucoup écouté du rock et de la pop ; et ça s’entend. Les influences oscillent entre Strokes sous sédatif (« Stranger »), The Kooks (« Pretty Girl ») et un Foster The People un brin moins énergique (« Mrs Queen »). « Nothing IIII Breakfast » ne s’avère pas être d’une originalité folle et son contenu est parfois un peu trop ‘sage’, mais l’exécution et l’énergie le transforment en une bien agréable découverte estivale. Notons une étonnante reprise pop (‘popre’ ?) du « Drain You » de Nirvana ! ‘Rien à déjeuner’ peut-être... mais quelque chose à se mettre sous la dent tout de même…
Après avoir publié un opus éponyme et un live ("Songs from the road"), l’an dernier, ce super groupe de blues rock, issu de la Nouvelle Orléans, nous propose déjà son troisième elpee. Le line up implique trois chanteurs. Soit Cyril Neville, l'un des fameux frères qui symbolise si bien cette Big Easy. Puis Devon Allman, le fils de Gregg et le neveu du regretté Duane. Et enfin, Mike Zito, performer particulièrement doué. Zito et Allman se réservent les guitares. Les cinq musicos participent à l'écriture. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au studio louisianais de Dockside, à Maurice, sous la houlette de Jim Gaines. Et sa mise en forme est impeccable.
"World Blues" célèbre la fraternité sudiste. Solide, l'assisse est assurée par Yonrico Scott et Charlie Wooton. Les trois vocalistes chantent en chœur. Les guitares crachent rapidement leurs flammes ; et déjà à l’avant-plan, la slide est dévorante. Cyril signe "Rock'n'roll", une compo qui porte bien son titre. Elle déménage. Et puis la voix veloutée de Neville prélude les envols des deux grattes, toujours à l'affût! Tramé sur une rythmique syncopée et caractérisé par l’excellente intervention vocale, "Groove on" libère effectivement énormément de groove. Soutenu par la basse, "Here it is" est sculpté dans du pur funk. Zito chante d’un timbre rauque et ravagé. Zito signe la musique de "Callous", une piste qui baigne au sein d’une atmosphère quasi irrespirable. Quoique agonisante, la voix est bien maîtrisée. Les sonorités des guitares sont tourmentées, torturées, mais tellement enivrantes. Toujours issu de la plume du même Zito, "Ritual" opère un retour au southern blues, une plage qui monte irrésistiblement en puissance, avant l’explosion attendue des cordes. Devon Allman signe "Shoulda known", une jolie ballade soulignée par une voix lumineuse. Cyril chante son "Let's ride", un autre funk néo-orléanais imprimé sur un tempo lent. Le climat est dramatique. Toutes en rythme, les grattes se reconnaissent progressivement. Devon Allman se réserve le micro pour attaquer son "Trapped", encore un morceau qui monte graduellement en intensité. Des cordes acoustiques caressent "She's my lady", une ballade empreinte d’une grande douceur, au cours de laquelle tous les vocalistes reprennent le refrain en choeur. Et "Takes a village" s’inscrit dans le même cadre. Une sorte de gospel moderne dont le climat est à la fois dépouillé et riche en tonalités diverses, des variations produites par la sèche et un Resonator aux sonorités métalliques. Remarquable ! "Love and peace" clôt l’opus, une finale très caractéristique de la culture néo-orléanaise. Les percus sont bien mises en exergue, alors que toutes les voix se conjuguent pour propager ce message d'amour et de paix…
Vu l’absence de nouvelle production proposée voire projetée par U2, les fans auraient tout intérêt à se tourner vers d’excellents substituts. Et cet « Architecture » devrait plaire aux fans du mastodonte irlandais, qui attendent impatiemment un nouvel opus du quatuor irlandais. Le nom de ce groupe ? Otherdays, trio espagnol dont les membres se sont rencontrés dans une école européenne bruxelloise, en 1992 (NDR : à l’époque, il se produisaient sous le patronyme de Blindness) ! Il est beau le programme européen ‘Erasmus’ cher à Cédric Klapisch ! Cependant, pas question d’auberge espagnole ici, mais une obsession fixe : U2 ! La voix de Santiago Calvo Ramos rappelle instantanément Bono… et le sens mélodique des compos lorgne constamment vers le combo dublinois. Le procès pour plagiat n’est pas très loin (« Downtown ») ; en outre, Otherdays a parfois le mauvais goût de puiser son inspiration dans le répertoire le plus récent de U2. Qui n’est malheureusement pas le meilleur, il faut le reconnaître. A l’instar de « Sunset ». Finalement, responsable de titres soignés et très accessibles, le combo pourrait constituer un excellent groupe de covers…
Chaque année, le Brussels Summer Festival consacre une soirée aux courants musicaux sombres : New-Wave, EBM, Minimal Synth, ... Après avoir accueilli Neon Judgement et Karl Bartos l'année dernière, le directeur de la programmation, Denis Gérardy, a opté cette fois pour Tuxedomoon et Front 242. Une excellente sélection, sans grand risque en ce qui concerne Front 242 car on connaît leur capacité à électriser les foules. Par contre, pour Tuxedomoon, le choix est plus audacieux car les Californiens pratiquent une musique expérimentale, très intimiste, qui, a priori, n'a pas sa place dans un festival, disons rock-pop.
Dès 19 heures, c'est à une formation bruxelloise, Guilt Monkey, que revient la tâche de chauffer l’ambiance. Emmené par le chanteur/guitariste Brin Addison, ce ‘power trio’ propose un rock grunge inspiré par les 90’s. Pensez à Nirvana, Pearl Jam et autre Soundgarden. La musique est plaisante et les musicos compétents ; mais le problème, c'est qu'on ne perçoit pas bien l'identité propre de la formation. Un titre comme “World On A Thread”, par exemple, fait beaucoup trop penser au “Black Hole Sun” de Soundgarden. En tout cas, le concert se déroule dans l'indifférence générale et après un (trop) long rappel, le band quitte le podium. Pour être franc, on aurait préféré qu’un groupe régional plus en phase avec le genre 'sombre', comme par exemple Organic ou Luminance, donne le coup d’envoi...
Mais il est maintenant temps pour Tuxedomoon de monter sur le podium. Et Tuxedomoon, c'est du lourd, du très lourd. Formé en 1977, à San Francisco, il s'est taillé une place enviable sur la scène musicale, tout d'abord comme pionniers du post punk et de la new-wave. Leur single “No Tears” remonte à 1978. Un classique du genre qui a influencé nombre d'artistes (dont un certain Brendan Perry de Dead Can Dance). Dans les années 80, ils se sont exilés en Europe, s’établissant même un bon bout de temps à Bruxelles, et ont étendu la palette de leur son en créant une forme d'art-rock hybride foncièrement originale. La décrire relèverait de la gageure. Il faut imaginer une ambiance jazzy, cinématique, basée sur des lignes de basse très new-wave et une rythmique minimaliste et obsédante, au-dessus desquels viennent se graver des voix et d'envoûtantes arabesques de saxophone, de trompette ou de violon. Un peu comme si Velvet Underground se payait un improbable bœuf en compagnie de Chet Baker, Roxy Music, Frank Zappa et Death In June.
C'est précisément par un titre parfaitement représentatif de cette ambiance filmique que la formation entame son show. “Torreador del Amor” est tiré de leur dernier opus, “Pink Narcissus”, où l'on retrouve la musique qu'ils ont composée comme bande sonore pour la projection du film éponyme à Paris, en 2011. On est immédiatement plongé dans un univers riche et empreint de nostalgie ; le tout sublimé par la projection d'images de ce long métrage étonnant, qui, pour rappel, met en scène les pérégrinations d'un jeune prostitué homosexuel.
Sur l’estrade, on retrouve, pour notre plus grande satisfaction, les trois membres fondateurs : Blaine L. Reininger, Steven Brown et Peter Principle. Si Principle se concentre exclusivement sur sa basse Epiphone Gibson SG, les deux autres se révèlent, par contre, d'étonnants multi-instrumentistes. Steven Brown alterne les voix, le piano ainsi que le saxophone et Blaine L. Reiniger chante et joue du violon ou de la guitare. Le trio est complété par Luc Van Lieshout, qui a rejoint le line up en 1983. Il souffle dans sa trompette ou dans son harmonica et se charge des machines. Sans oublier Bruce Geduldig, qui mixe les images vidéo et interprète le rôle de savant fou en tenue blanche...
La musique magique produite par le combo génère une ambiance très étrange, quasi surréaliste, sur le Mont des Arts. La foule est maintenant compacte. Un dénominateur commun : sa couleur sombre. En parlant de couleurs, les touches de guitare et de saxo dispensées tout au long de “Muchos Colores” semblent extraites d'un film de David Lynch. Plus rythmé, “Everything You Want” est marqué par des beats électroniques et la voix très 'devo-esque' de Steven Brown. Retour ensuite à l'ambient grâce à “Cagli Five-0”, issu de Cabin In The Sky (2004), où dominent de lents arpèges de piano et une trompette assourdie.
Vient ensuite un des chefs-d'oeuvre de Tuxedomoon: “In The Name Of Talent (Italian Western Two)”, paru en 1981 sur “Desire”. Ici à nouveau, on retrouve ce style unique de no-wave avantgardiste, caractérisée par une rythmique hypnotique et la voix cinglante.
Bref, ce concert a été magique. Seul bémol, la sono était bien trop faiblarde ; mais dans l'ensemble, le spectacle est une belle réussite.
Evidemment, la toute grosse majorité du public est venue pour applaudir Front 242, le groupe ‘culte’ belge qui peut s'enorgueillir d'avoir créé un style musical à lui tout seul : l'EBM ou Electronic Body Music, dans les années 80. L'EBM a été imaginée en combinant la musique électronique des Cabaret Voltaire, Suicide et autre Kraftwerk à une rythmique et des voix très énergiques (d'où le terme ‘Body’) et une imagerie pseudo-militaire, traitée au second degré (ce que bon nombre de détracteurs n’ont jamais compris, malheureusement). On se souvient de leur hit “Headhunter”, qui passait en boucle sur MTV, et surtout de la superbe vidéo qu’Anton Corbijn lui avait consacrée.
Au moment où ils vont monter sur la scène du BSF, on fait le voeu qu'ils ne rencontrent pas les problèmes techniques qui les ont forcés à interrompre leur show, au festival Amphi à Cologne, le mois dernier. Heureusement, il ne souffrira d’aucune anicroche ; et dès les premières notes de “Moldavia”, Jean-Luc De Meyer et Richard ‘23’ Jonckheere déboulent sur les planches pour prendre d'assaut une foule conquise d'avance. Ils sont soutenus par Patrick Codenys (claviers) et Tim Kroker (batterie), tandis que Daniel Bressanutti se charge du mix dans la tente de contrôle. Ils portent tous les costumes de scène spécialement dessinés pour eux par notre amie Valeria Pesci.
C’est devenu un rituel, les shows de Front 242 se limitent à leurs plus grands hits, vu qu'ils ne proposent plus d'enregistrements nouveaux depuis “Pulse” (2003). En 2013, la rumeur avait laissé espérer la sortie d’un nouvel opus. En fait, un long playing était bien en cours d'élaboration ; mais finalement le projet a avorté, les musicos estimant que les démos ne répondaient pas à leurs exigences (très élevées) de qualité.
Mais revenons au BSF, où “Body To Body”, “No Shuffle” et “Don't Crash” provoquent des réactions enthousiastes du public. Le groupe dédie ensuite “7Rain” à Phil Baheux, de Channel Zero, disparu il y a juste un an et “Take One” à Annik Honoré, qui nous a quittés le 3 juillet dernier, et dont le sourire éclatant nous manque tant.
Après deux morceaux un peu plus calmes, “Triple X Girlfriend” et “Quite Unusual”, Front remet le turbo et clôture par une salve de titres imparables comme “U-Men”, “Headhunter”, “Kunkhadafi” et “Welcome To Paradise”. Les fans ne manquent pas de hurler pour rappeler leurs idoles, qui reviennent pour un ultime et très technoïde “Punish Your Machine”.
En un mot comme en cent, Front 242 reste une formation incontournable sur les planches libérant une énergie hautement communicative. A chaque fois, c'est comme si on revoyait des anciens amis, d'autant que ce sont en plus des gars vraiment sympas quand on les rencontre.
En conclusion, on peut décréter que la soirée était agréablement équilibrée ; amorcée par un aspect intellectuel et très 'arty', elle a ensuite permis un défoulement jubilatoire. En quittant le Mont des Arts, on ne peut s'empêcher de chantonner: ‘One you lock the target, Two you bait the line, Three you slowly spread the net and Four you catch the Man...’
Setlist : Moldavia – Body to body – No Shuffle – 7rain – Together – Take One – Don’t Crash – Triple X Girlfriend – Quite Unusual – U-men – Commando Mix – Im Rhythmus Bleiben – Headhunter – Funkhadafi – Welcome To Paradise
Rappel : Punish Your Machine
Philippe Blackmarquis
Guilt Monkey + Tuxedo Moon + Front 242 (Place des Palais)
Programmé en 2014, du 8 au 17 août, le B.S.F. se déroule sur trois sites : la Place des Palais (les quatre premiers jours) au Mont des Arts ainsi qu’au Magic Mirrors, installé Place des Musées, toute la durée du festival. Le Magic Mirrors est une sorte de chapiteau à l’ancienne construit à l’aide de bois, toile et vitraux, au sein duquel l’acoustique est impeccable. Un endroit idéal pour les concerts intimistes. On peut y accueillir entre 350 à 400 personnes. Ce mardi 12 août, se déroule, pour la quatrième fois, une soirée baptisée ‘A la Française’, organisée par le département francophone d’Universal Music Belgium.
Cinq artistes de la structure bruxelloise de développement artistique Art Rythme Ethique Music sont donc à l’affiche, dont Pablo Andres, Inki et les Meridians ainsi que Cléo. Mais également Jali, venu présenter cinq nouvelles chansons de son second album qui devrait paraître début 2015. Sans oublier en tête d'affiche, la révélation de l’année 2014, Antoine Chance.
Votre serviteur avait un bon pressentiment : la soirée allait nous réserver d’excellentes surprises. En arrivant vers 18h00, je constate qu’une longue file d’attente s’est formée avant de pouvoir pénétrer dans l’enceinte. 30 minutes plus tard, les portes du Magic Mirrors s’ouvrent. Je me dégotte une place assise, et constate que le chapiteau se remplit très rapidement. Si bien que bon nombre de spectateurs devront rester à l’extérieur et regarder les concerts sur un écran géant, mais surtout se farcir une sonorisation pourrave. De quoi faire beaucoup de mécontents qui avaient acheté leur place et n’ont pu obtenir le moindre remboursement…
La première partie de la soirée va permettre aux artistes de la structure de développement bruxelloise @A.R.E Music (à laquelle appartiennent Jali et Veence Hanao) de défiler pendant 1h30. Et tout d’abord Pablo Andres. Déguisé en agent Verhaegen, le ketje brusselleer a pour mission de dérider zygomatiques.
Mais le premier musico à monter sur les planches, c’est Inki. Né en Belgique, il est d’origine rwandaise. Ses parents sont musiciens et chanteurs. Son avenir était donc tout tracé… Armé d’une sèche, il interprète trois chansons : « Temps perdu », « Musique pour ne pas penser » et « Vue sur mer ». Il a une belle voix. Ses textes tiennent bien la route. Mais difficile de donner un avis sur une prestation de 10 minutes. Il serait intéressant de le revoir, lors d’un set un peu plus long. En supporting act d'un spectacle de Jali, par exemple, l’an prochain
The Meridians est un quatuor qui réunit Benoît Leclercq (guitare, synthétiseur, voix), Quentin Joris (drums), Julien Joris (basse et voix) ainsi que Maxime Honhon (guitare et voix). Au départ, leurs chansons étaient écrites dans la langue de Shakespeare. Désormais, elles le seront dans celle de Molière. Ce soir, le line up est réduit à un duo. Soit Benoît et Julien. Et le concert sera ‘unplugged’. J'avais découvert ce groupe, au Botanique, en première partie de The Boxer Rebellion, en 2011 ; et leur prestation m’avait procuré de bonnes sensations. « Héréditaire », « En visant la lune » et « Je me défile » constituent certainement les meilleurs titres de leur nouveau répertoire, au sein duquel figurent également « Si un jour », « J'avance », « Le verre de trop » et « La fin du monde ». Lors d’un set acoustique, on voit immédiatement ce qu’un artiste a dans le ventre. Et le tandem se débrouille plutôt bien, même si j’aimerais revoir le combo au complet, et en version électrique.
Cléo possède une voix soul chaude et puissante. Elle chante en français, bien sûr, et est flanquée de deux musicos, dont un la sèche et l’autre à la gratte électrique ainsi qu’aux claviers. Elle interprète son inévitable « Lady L », un titre issu de la plume de Jali. Et va nous dispenser un show particulièrement bien balancé. Une chouette découverte.
Mais c’est Jali qui va constituer la bonne surprise. Ce jeune Rwandais vit en Belgique depuis l'âge de 2 ans. J’avais eu l’occasion d’assister à son spectacle, deux ans plus tôt, au Magic Mirrors de Tour et Taxis, quelques mois avant la sortie de son premier album « Des jours et des lunes », devenu depuis disque d’or. Il s’était produit en acoustique. Puis dans le cadre de l’un ou l’autre festival. Et j’avoue qu’au fil du temps, j’apprécie de plus en plus cet artiste. Jali nous invite dans son univers visionnaire (« Espagnola », « Un jour ou l’autre ») où on peut y trouver la joie de vivre et une bonne humeur qu’il parvient à communiquer à son auditoire, malgré le drame vécu dans son beau pays aux Mille Collines…
Jali est venu nous présenter en exclusivité 5 nouvelles chansons de son second album, dont la sortie est prévue pour début 2015. Il nous confesse que ce concert constitue pour lui un test ; et espère que le public va réagir positivement à travers des sourires. Il ajoute que son nouvel opus comporte plus que cinq chansons. Il nous réserve donc « Ma génération », « Echappe » et le plus rock et électrique « Pars ». Puis « Dis le moi », une petite perle qui pourrait récolter un gros succès, et « Une idée ». Plus paisibles, cependant, ces deux compos s’inscrivent dans l’esprit du premier elpee. Bref, si une partie de la foule aurait souhaité entendre des plages issues de son premier opus, il faut reconnaître que les toutes fraîches on convaincu, même les plus sceptiques.
Place ensuite à la tête d’affiche : Antoine Chance. Il est sympa, souriant, bien dans sa peau et content de ce qui lui arrive : le succès. Le fils de Philippe Geluck (NDR : oui le créateur du Chat !) chante et s’accompagne à la guitare (électrique ou sèche) ou aux synthés. Il est soutenu par Yannick Dupont aux drums et Geoffrey Hautvas à la basse. Ce dernier est également le leader d'Electric Château et le nouveau guitariste des Vismets. Et bonne nouvelle pour l’acoustique, on retrouve derrière les manettes, Benoît, l'ingé-son de Puggy.
Antoine nous rappelle que l’an dernier, il assurait la première partie de la programmation ; et exprime toute sa satisfaction d’être passé en tête d’affiche. Il entame le concert par « Rejoins-moi » et « Elle danse », puis embraie par « Fou », le titre maître de son premier elpee, mais surtout la chanson qui est devenue un énorme succès. Et c'est évidemment, cette compo que le public attend et reprend en choeur. Antoine surfe sur l’ambiance qu’il vient de créer et attaque « Raté d'un rien » ainsi que « Bye Bye ». Puis nous balance une nouvelle compo, « Qu'est-ce qu’il nous faut ». L’auditoire apprécie. Et espère que le nouvel elpee ne paraîtra pas dans dix ans…
Antoine alterne entre six cordes acoustique, électrique et claviers ; ce n’est pas un homme-orchestre. Il n’oublie pas « La nuit a ses défauts », un des titres que je préfère. Geoffrey aime raconter des histoires drôles. A la demande d'Antoine, Geoffrey s'exécute pour le bonheur du public. La setlist aligne ensuite "Sur l'asphalte » et une autre nouveauté, « Les hommes s'abîment ». La cohésion du groupe est parfaite. Pour aborder la cover de Christophe, « Succès fou », Antoine siège derrière les claviers. Et sa cover tient parfaitement la route. « Qui sait » adresse un clin d’oeil à David Bowie. Le concert s’achève par « Parader en enfer ». Antoine nous confesse qu’il s’agira du second single extrait du futur long playing. En espérant que le disque suive le même chemin que « Fou ». D’ailleurs, lors du rappel, Antoine revient en solitaire, armé de sa sèche, et nous dispense une version très souple de son tube. Avant de terminer sa prestation en apothéose, par un troisième inédit intitulé « Comme la pierre ». Antoine se produira dans 15 jours, à Scene sur Sambre…
(Organisation : Brussels Summer Festival)
Didier Deroissart
Pabo Andres + Inki + The Meridians + Cléo + Jali + Antoine Chance (Place Des Musées - Magic Mirrors)
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Nous sommes le vendredi 18 juillet. Votre serviteur à rendez-vous avec Charlotte Maison et David Baboulis, du duo electro/pop Soldout, à la cafétéria de l'Hôtel Radisson Blu Palace de Spa. Ce soir la formation se produit aux Francos. Sur la scène Ice Watch. L’entretien se déroule à l’intérieur de l’immeuble. C’est une bonne idée, car dehors, c’est la canicule. Le groupe a publié, ce 7 mai, un nouvel album. Une bande originale de long métrage intitulée « PuppyLove ». Un sujet intéressant pour entamer notre conversation…
Charlotte : C'est la première fois que nous nous chargeons de toute la musique d'un film. Certaines de nos chansons avaient servi de bande sonore pour un documentaire. Mais il est vrai que se charger de l’intégralité de cette tache n’est pas banal. Nous étions vraiment très heureux que la réalisatrice ait pensé à nous pour accomplir ce projet. C'était aussi un challenge, car elle souhaitait que nous réservions aux morceaux, des scripts très différents. Elle avait des idées sur chaque titre et imaginait déjà le contexte au sein duquel ils allaient évoluer. Un bel exercice de style, pour nous.
Comment la collaboration est-elle née entre vous et la réalisatrice, Delphine Lehericey ?
David : En fait, Delphine est venue nous voir après un concert. Le scénario était encore en chantier. Mais elle avait déjà l’intention de nous impliquer. Et quand elle a exposé son projet, nous avons immédiatement accroché.
Charlotte : On a d’abord pris connaissance du canevas. Le tournage du film ne s’était d’ailleurs pas encore déroulé. En fait, elle voulait que les acteurs puissent écouter la musique, avant de passer sur le plateau. Et incorporer la musique au moment de filmer les scènes.
David : Notre job était terminé avant le premier tour de manivelle.
Vous aviez signé une compo pour un documentaire réservé à Andy Warhol, si mes souvenirs sont exacts ?
Charlotte : Deux! Mais également à un autre documentaire consacré au styliste belge Jean-Paul Lespagnard.
On en revient à Andy Warhol, c’est une référence pour vous ?
Charlotte : On s’est imprégné de son œuvre en consultant les bouquins qui le concernaient ; des livres que les cinéastes nous avaient apportés. Je pense que cet artiste majeur avait un style très personnel. Il exerçait une forme de magnétisme dans son entourage. Et il a très vite évolué. Il était conscient que sa création collait parfaitement à son époque.
David : Il parvenait à jouer sur l'image. Et dans son art, il était aussi très complet.
Pourquoi avoir repris « It's A Sin » des Pet Shop Boy, sur votre dernier elpee ?
Charlotte : Il faut poser la question à Delphine, si tu souhaites connaître la raison profonde.
David : Elle voulait cette reprise. Au départ, nous n'étions pas vraiment emballés. Mais en élaborant cette version, on s’est rendu compte qu’elle passait très bien.
Qui se charge de l’écriture de la musique et des lyrics ?
Charlotte : En fait, nos deux fonctions sont plutôt distinctes, au sein du groupe. David se charge surtout de tout ce qui concerne le son. L’instrumentation, et en particulier les synthés ainsi que les rythmes. Perso, je me consacre au vocaux, à leur aspect mélodique, mais également aux lyrics. David accorde une grande importance à la technique. Ou plus exactement à la technologie. Il a accompli ses premières armes sur Atari. Particulièrement patient, il adore les mélodies pop. Nous sommes très complémentaires et n’hésitons pas à nous intéresser à ce que les autres ne sont pas parvenus, malgré leurs moyens, à imposer…
Comment situez-vous « Puppy Love » dans le processus d’évolution de votre musique ?
Charlotte : C'est une étape dans notre développement. Le public s’est davantage intéressé au concept et les medias se sont posé plus de questions. Cet intérêt plus marqué est la conséquence de ce support qu’a constitué la musique de film. On a aussi démontré que nous étions capables de nous adapter et également de nous renouveler. Certains titres sont plus rock. Finalement cette expérience a été particulièrement enrichissante.
Charlotte, tu as reçu une formation dite classique. Qu’est-ce qui t’as poussé à t’orienter vers la musique électronique ?
Charlotte : Le déclic c’est produit après avoir rencontré David. Auparavant, je composais et interprétais des chansons à la guitare, en m’entourant de musiciens de jazz. David baigne dans la musique électronique depuis très longtemps. Personnellement, j’en écoutais un peu, mais j’ignorais son fonctionnement.
Comment vous êtes-vous rencontrés ?
David : C’est un ami commun qui nous a présentés.
Charlotte : Et il a eu le bon feeling en permettant cette rencontre.
Quel est votre le concert le plus récent qui vous a le plus marqués ?
David : Un concert que nous avons accordé au Mexique. Nous avions pourtant éprouvé de gros problèmes techniques. Et pourtant, l’ambiance était incroyable. On n’est pas prêt de l’oublier !
Charlotte : On a été confrontés à des tas d’imprévus. Le son, le matos, la table de mixage, rien ne fonctionnait normalement. Et on dû se battre pour corriger le tir. Nous étions d’illustres inconnus pour les spectateurs, et pourtant leur réaction a été autant spontanée qu’enthousiaste. C'était vraiment génial ! Et j’ignore si la foule réagit toujours ainsi au Mexique. En tout cas, elle était à fond…
Vous accordez une grande importance à vos prestations scéniques ?
David : La scène est très importante pour tous les musiciens. Quand tu t’enfermes dans un studio, au bout d’un certain temps, tu commences à te faire chier. En tournée, tu as l’opportunité de rencontrer du monde, et notamment tes fans. De leur parler, de les écouter, d’avoir un contact direct avec eux…
Charlotte : Aujourd'hui, pour être reconnu, on doit tourner. C’est la meilleure manière de toucher le public. Il se souvient alors de nous. Il y a tellement d’artistes et de groupes aujourd’hui…
Charlotte, tu portes constamment des lunettes fumées. C’est pour le look ?
Charlotte : Oui (rires), elles appartiennent à mon look. Et puis sur les planches, j'aime fermer longuement les yeux. En fait, le public finirait par trouver cette attitude bizarre. Mais elle me permet, en même temps, d’ajouter un élément rock à l'ambiance électro, tout en dissimulant mon regard. En vérité, je suis plutôt timide…
Quels sont vos albums de chevet ?
Charlotte : « Is This Desire » de PJ Harvey. Ce disque constitue un tournant dans l’évolution de mes goûts musicaux…
Denis : « Violator » de Depeche Mode et « X » de Klaus Schulze.
Est-ce que vous remixez des titres d'autres artistes ?
David : Oui. Mais, c’est plutôt rare. L’exercice de style est totalement différent de la composition.
Charlotte : Là, on vient quand même de réaliser le remix d’un morceau des Girls In Hawaii. Il devrait bientôt sortir…
Quel bonheur de voir des artistes issus de la nouvelle génération puiser leurs inspiration dans les 70’s et les 80’s afin de remettre cette époque au goût du jour, tout en créant un concept totalement neuf. A l'instar de Gesaffelstein, Led Er Est et autres KVB, David-Alexandre Parquier (aka DA), celui qui se cache derrière le projet bruxellois Luminance, propose une musique rappelant clairement la new wave. Pensez à Depeche Mode, John Foxx ou OMD. Après avoir publié un premier Ep intitulé ‘The Light Is Ours’, distribué sous forme de cassette en 2013 et diffusé via Internet, DA a mis le turbo cette année en présentant pas moins de 3 sorties : un nouvel Ep (‘Icons & Dead Fears’), un 7” (‘Obsession/Viper Smile’), que votre serviteur considère pour l’instant comme le single de l'année, et un split Ep que partage Acapulco City Hunters (‘The Cold Rush’). L'occasion était donc idéale de rencontrer ce musicien très prometteur… en sirotant une bonne bière à la terrasse du Plattesteen...
Les premiers souvenirs musicaux de DA remontent à son enfance vécue à Paris. Il était alors fasciné par le ‘Carmina Burana’ de Carl Orff. « J'étais très réceptif à cette œuvre ; mais aussi emporté par sa puissance, un véritable mastodonte pour un gamin de 5-6 ans ».
Et il n’en a que six lorsqu’il entre au Conservatoire, pour y apprendre à jouer de la contrebasse, formation qu'il honorera jusqu'à son terme. Huit années plus tard, il découvre des musiques plus obscures, et notamment Marilyn Manson. Il s’intéresse d’abord à la basse, puis se tourne vers la guitare et les synthés.
A 18 printemps, il découvre Soror Dolorosa, un groupe français de rock gothique ; et à travers lui, un nouveau pan de la musique 'dark' : le postpunk, la new wave et l'EBM. Son premier projet, très orienté 'black metal', il le baptise Taliesin. Une allusion au ‘Book of Taliesyn’ de Deep Purple ? « Non, le mot 'Taliesin' se réfère à un dieu barde dans la mythologie celte. Je n’ai découvert l'album de Deep Purple que plus tard, et je le considère aujourd’hui comme un de mes préférés... » Après avoir réalisé quelques démos, le combo se sépare (NDR : en octobre prochain, il renaîtra de ses cendres, afin d’accorder un concert unique à la Flèche d'Or de Paris...)
En 2009, DA débarque à Bruxelles et approfondit son intérêt pour la musique des années 80. Il est alors âgé de 20 ans. Les grosses productions 'mainstream', il les connaît déjà depuis pas mal de temps : Sandra, Kim Wilde, Dead Or Alive et l'italo-disco en général. Mais il s'intéresse surtout et de plus en plus à la new wave 'synthétique', que ce soit OMD, Human League, Depeche Mode, etc. Il apprécie moins la Minimal Synth (aussi appelée Minimal Wave, en référence au label new-yorkais). « Je déteste les bidouillages électroniques sans âme. J'apprécie lorsqu’il il y a du relief, de l'émotion, et des moments où tout explose. J'aime emprunter les codes de cette musique mais pour les transformer en quelque chose de dynamique, de foisonnant. »
De même, DA avoue ne pas être un fétichiste des synthés 'vintage'. « Ce qui m'intéresse, c'est le son, peu importe qu'il ait été produit par un clavier vintage ou par un 'plug-in' sur ordi. Je joue pas mal sur mes claviers pour rechercher des idées, mais lorsque je passe à la production, c'est principalement sur l'ordinateur. Encore une fois, je ne suis pas fan du bidouillage. Je préfère les sonorités simples ; mais le plus important, c'est la composition : il faut qu'elle puisse se suffire à elle-même. Comme dans les premiers albums d'OMD... »
Mais venons-en aux productions de Luminance. Le premier Ep, ‘The Light Is Ours’, a tout d'abord été mis en ligne sur Soundcloud et distribué sur une cassette autoproduite. Ensuite, le label texan d’Austin, Young Cubs, en a gravé 300 exemplaires. Enfin, DA vient de le publier sur un vinyle limité à 200 spécimens, à nouveau en autoproduction... Le contenu de cet essai, on le connaît bien maintenant : ce sont 6 perles de musique Synth-Pop éthérée, des plages très accessibles, mais en même temps extrêmement riches en textures sonores. Dans la chanson ‘Les Loups’, DA enrichit même le cadre électronique de sa musique en intégrant des éléments plus organiques, comme la guitare.
Le second Extended Play, ‘Icons & Dead Fears’ est paru il y a quelques mois, mais il est déjà épuisé. Il s’inscrit dans la même lignée mais marque aussi une évolution vers des sons plus bruts, intégrant de légères touches d’EBM voire de Krautrock. « 'Walk' constitue, pour l’instant, le titre le plus représentatif de Luminance », précise DA. On perçoit également l’influence d'Agent Side Grinder, dans ‘R / W / M’, une formation suédoise que DA apprécie au plus haut point.
Mais la 'bombe' incontestable de cet Ep est née de sa rencontre avec Nathalia Bruno, l'ex-chanteuse de Phosphor (aujourd'hui chez Leave The Planet et M!R!M). Pour la plage ‘Obsession’. Elle marie à la perfection l'univers sonore de DA et l'émotion sombre et gothique suscitée par la voix de Nathalia Bruno. Une pure merveille... qui a d'ailleurs éveillé l’intérêt de Weyrd Son Records, le perspicace label bruxellois. Il a ainsi décidé de publier ‘Obsession’, sous la forme d'un superbe vinyle 7 pouces.
On épinglera également la sortie d’une cassette 'split' partagée entre Luminance et Acapulco City Hunters, intitulée ‘The Cold Rush’, éditée sur le label gantois Wool-E Tapes Records. Les cinq titres de Luminance y figurent, « Plus EBM, plus 'rentre dedans' », indique DA.
Quand on demande à DA quels sont les thèmes abordés dans ses compos, il distingue deux périodes. Tout au long du premier Ep, il a clairement privilégié la nostalgie et la glorification du passé. « J'ai toujours été passionné par les grandes mythologies et les civilisations anciennes ; et, plus récemment, par les années 50, 60, 70 et 80. L’histoire, comme les rêves d'ailleurs, constituent un refuge par rapport à l’indifférence manifestée par la société contemporaine ; mais aussi un terrain de découverte de mes origines, des fondements de l'existence. »
Sur le second Ep, DA a décidé de poser un pied dans le présent. « J'ai dû apprendre à vivre dans le monde actuel, par instinct de survie. Sur ce disque, je me montre donc un peu plus critique par rapport à la civilisation moderne en la confrontant au passé et en essayant de panser mes blessures grâce à la matière onirique.»
Et quid des projets pour l'avenir ? « Je travaille déjà sur un nouvel enregistrement de Luminance, qui sera sans doute un elpee. Il devrait sortir, d’ici la fin de l'année. Ce sera un retour aux sonorités plus organiques. Donc moins brutes et moins squelettiques. Plus proches du premier Ep. Revenir aux paysages sonores brumeux, aux atmosphères profondes, marécageuses, épiques... Je n'y peux rien : mon coeur reste irrésistiblement attaché aux musiques éthérées, qui offrent un espace pour rêver... »
Pour écouter et acheter les albums de Luminance :
EP « The Light Is Ours » : http://luminannce.bandcamp.com/album/the-light-is-ours
EP « Icons And Dead Fears » : http://luminannce.bandcamp.com/album/icons-dead-fears
7'' « Obsession / Viper Smile » : http://weyrdsonrecords.bandcamp.com/album/obsession-viper-smile-7
Split EP « The Cold Rush » avec Acapulco City Hunters : http://luminannce.bandcamp.com/album/the-cold-rush-luminance-acapulco-city-hunters-split
Luminance logo by Anaïs Mims
Nous en sommes déjà au troisième jour du festival et on se prépare à une nouvelle soirée passionnante sur la Place des Palais. Pour l'instant, les grands vainqueurs sont Suede et Patti Smith : tous deux ont éclaboussé le festival de leur énergie et surtout leur intégrité…
Ce soir, je débarque trop tard pour assister au set de la formation danoise Go Go Berlin mais juste à temps pour découvrir sur scène la nouvelle sensation venue d'Albion.
Il a gagné le concours X-Factor outre-Manche. Je m'attendais donc au pire ; mais en fait, j'ai été agréablement surpris par James Arthur. Le jeune chanteur 'dégage' un max! Tatoué sur les bras, il affiche un look de rocker. Sa casquette vissée à l'envers lui donne un look plus 'moderne', plus hip-hop. Et puis, il affiche un petit côté beau gosse à la Gary Barlow. Mais ce qui frappe, c'est sa voix : chaude, profonde, aussi à l'aise dans les hurlements que dans les notes très aigues. Son pop/rock à l’anglaise est de toute bonne facture. On pense tour à tour à Joe Cocker, Robbie Williams ou encore Ed Sheeran. Il passe aisément du rock endiablé (“Lie Down”, “Emergency”) à la ballade sentimentale (“Suicide”, “Recovery”). La Place des Palais n'est pas encore remplie, mais le chanteur peut compter sur sa horde de jeunes fans, qui crient et chantent toutes les chansons qu’elle connaît par coeur. Comme on s'y attendait, ce sont ses deux plus grands hits, “You're Nobody 'til Somebody Loves You” (caractérisé par une allusion à “Cry Me A River” en milieu de parcours) et “Impossible” (une reprise d'un titre de Shontelle), qui clôturent joliment le show. Cette musique n'est pas ma tasse de thé (anglais), mais il faut reconnaître qu'on a assisté à une prestation en tous points convaincante.
Dans la foulée, on installe sur le podium une table de DJ et des ballons NRJ. De l’électro dégoulinante et agressive envahit alors la Place. Quelle faute de goût, surtout dans un festival organisé par le service public!! Heureusement, cette farce ne dure qu'un quart d'heure et l'infâme Disk-Jacquette se retire pour laisser la place à la formation suivante : Arsenal. Issu du Nord du pays ce duo jouit d’une belle notoriété. Il y a 10 ans, John Roan (chant et guitare) et Hendrik Willemyns (claviers) avaient créé la surprise en proposant une musique electro-rock aux influences exotiques. Après avoir fréquenté pratiquement tous les festivals de l'été 2014 (Werchter, Suikerrock, Lokerse Feesten, Cactus,...), ils débarquent à Bruxelles pour présenter leur dernier opus: “Furu”, devant une foule maintenant bien compacte.
C'est précisément par un titre extrait de “Furu” que débute le concert : “Termul”. Lydmor, la chanteuse 'guest' qui figure sur l'enregistrement studio, est bel et bien présente, pour mon plus grand bonheur. Mystérieuse et envoûtante, elle est vêtue d’une minirobe noire et d’un grand châle noir et blanc. La Danoise (elle vient des Iles Féroé) évoque Björk évidemment, mais aussi Nina Persson (Cardigans) et Natasha Khan (Bat For Lashes). Un grand moment! Lydmor reviendra plus tard sur le podium pour chanter “Evaporate”. Une artiste à découvrir!
Au cours de son show, Arsenal enchaîne une série de chansons électro-rock assez variées, rehaussées d'influences brésiliennes (“Saudade“) ou asiatiques. L'ambiance est estivale, colorée, multiculturelle ; et on remarque aux côtés de John Roan une chanteuse de couleur particulièrement efficace : Léonie Gysel. Plus tard, au moment où on commence à se lasser du format, Arsenal relance la machine en proposant une salve finale de hits, dont le plus marquant est sans conteste “Melvin”. Le rythme irrésistible et le refrain “Turn It Up...” font mouche et la foule toute entière chante et danse. Petit bémol : Arsenal prolonge le morceau un peu trop longtemps et y introduit une inutile allusion à “Shout” de Tears For Fears. Le concert se termine par “Lotuk”, issu de l'album éponyme. En conclusion : une bonne prestation, surtout marquée par la découverte de Lydmor ; en ce qui me concerne en tout cas...
Le temps de boire une bonne bière et on passe au plat de résistance de la soirée : Texas. Emmené par la jolie Sharleen Spiteri, la formation écossaise est née en 1989 et s'est taillé, au fil du temps, une bien belle réputation scénique. Le choix du patronyme ‘Texas’ constitue un hommage au film “Paris, Texas”, de Wim Wenders. Et il y a un peu de la musique originale du film, composée par Ry Cooder, dans les premières notes dispensées à la slide guitar par Ally McErlaine, qui résonnent en ce début de concert. Tout le monde reconnaît bien évidemment l'intro de “I Don't Want A Lover”, leur fabuleux hit qui remonte à 1989. Une belle manière de rentrer dans le vif du sujet. Sharleen Spiteri apparaît sur le podium, souriante et rayonnante comme d'habitude. Elle porte une marinière aux rayures blanches et noires ainsi qu'un pantalon gris : un look tout en simplicité et en discrétion. Le public lui réserve un accueil triomphal, qui provoque même une réaction d'étonnement chez elle, qui a dû pourtant en voir, des publics enthousiastes!
Sharleen Spiteri est très en forme et après “Halo” et “Detroit City”, tiré de son dernier opus “The Conversation”, elle enchaîne “Once In A Lifetime”, qui provoque à nouveau une très belle réaction du public. Le pop-rock de Texas est agrémenté de touches de blues et de soul, un cocktail reconnaissable entre mille. Entre les morceaux, elle adresse toujours quelques mots dans un anglais glaswégien parfois difficile à comprendre. Elle a cette capacité de générer la sympathie et de mettre tout le monde dans sa poche. Quand elle ne joue pas de la guitare, elle arpente continuellement l’estrade. Sa présence est vraiment remarquable.
En introduisant “So Called Friend”, elle remarque avec plaisir la présence de nombreux jeunes dans les premiers rangs. “Black Eyed Boy” et “Summer Son” amorcent l’assaut final. La pression monte progressivement jusqu'au paroxystique “Say What You Want”. La formation se retire dans un vacarme assourdissant, le public réclamant un rappel...
Texas revient sur les planches pour interpréter le nouveau titre “The Conversation”, qui ma foi, passe plutôt bien la rampe. Très peu d'artistes peuvent se targuer de pouvoir toujours composer des hits, 25 ans après avoir débuté leur carrière! Texas embraie par “Inner Smile”, une compo caractérisée par ses accents soul. Lorsque la formation quitte à nouveau l’estrade, on imagine que leur prestation est définitivement close. Mais pas du tout, car le public parvient à obtenir un second rappel. Pour une superbe version du “River Deep, Mountain High” d'Ike & Tina Turner, clôturant définitivement ce remarquable concert !
A plus de 46 ans, Sharleen Spiteri tient toujours une forme d'enfer! Fatigués après trois soirées de festival, nous zappons la soirée Electro-City qui se déroule au Mont des Arts et nous rentrons nous ressourcer en prévision des jours suivants...
Setlist (tbc): I Don't Want a Lover, Halo, Detroit City, Once in a Lifetime, If This Isn't Real, When We Are Together, Big World, Dry Your Eyes, In Demand, So Called Friend, Summer Son, Black Eyed Boy, Say What You Want
Rappel: The Conversation, Inner Smile
2e rappel: River Deep Mountain High (reprise de Ike & Tina Turner)
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Les Lokerse feesten avaient donc décidé de consacrer la dernière journée –essentiellement– à la musique jamaïcaine. A l’affiche on retrouvait ainsi The Wailers, backing group du mythique et défunt Bob Marley et Sean Paul, roi du dancefloor et véritable machine à hits. Mais également un petit bout de femme à l’organe vocal digne d’une grande diva du rock’n’roll. En l’occurrence Jessie J.. Anglaise, elle a également composé des chansons pour d’autres artistes, comme Rihanna, Justin Timberlake, Alicia Keys ou encore Miley Cyrus. Pour cette ultime date, la Groote Kaai est pleine à craquer.
Le line up actuel des Wailers réunit Aston 'Family Man' Barrett à la basse, Aston ' Family Man' Barrett Jr aux claviers, Keith Sterling aux synthétiseurs, Drummy Zeb aux drums, Audley Chisholm à guitare rythmique, Dwayne Anglin aux vocaux et Cagée Victory aux choeurs. The Wailers est une formation qui a accompagné Robert Marley jusqu’en 1980, soit un peu moins d’un an avant sa mort. Au cours de ce concert, d’une durée d’un peu plus de 150 minutes, les deux rappels compris, elle va nous réserver les tubes intemporels du grand Bob. Le temps est à l'automne. Il ne pleut pas, mais il ne fait pas très chaud. Et la petite laine est de rigueur.
Dès que les musicos montent sur l’estrade, ils se figent devant leur instrument. Et si Cagée, la choriste, se trémousse durant tout le show, seul Dwayne arpente le podium de long en large. Le set s’ouvre par l’obscur « Cobra Style ». Mais la suite sera constituée d’une succession de hits intemporels tels que « Is This love », « No Woman No Cry », « Could You Be Loved », « Three Little Birds », « Buffalo Soldier », « Get Up Stand Up », « Stir it Up » (cover de Johnny Nash), « One Love », « I Shot The Sheriff », « Waiting In Vain », « Rock The Boat » et en final, « Jammin' ».
Lors du rappel, Dwayne nous réserve une adaptation magistrale de « Redemption Song » à la guitare acoustique, avant que le reste du band ne revienne sur les planches pour attaquer « Exodus ». Les aficionados ont manifestement apprécié le concert. Leur rappelant de bons souvenirs, tout en leur inoculant l’un ou l’autre frisson. Perso, le spectacle m’a paru une peu trop tiré en longueur. D’abord parce que la majorité des musiciens sont demeurés statiques et n’ont jamais donné l’impression de vouloir communiquer avec le public. Dwayne constituant la seule exception qui confirme la règle. Derrière un micro, Damian, Stephen, Julian ou Ky-Mani Marley sont capables de dynamiter un show à eux seuls tout en interprétant les chansons du père Marley avec conviction et respect. Franchement, j’ai déjà eu l’occasion d’assister à un set des Wailers, et il était bien plus dynamique.
Place ensuite à ce fameux intermède assuré par Jessica Ellen Cornish alias Jessie J.. Auteur-compositeur-interprète insulaire, elle a publié son premier single, « Do It Like A Dude », en novembre 2010, un titre qui a atteint la 2ème place des charts au Royaume-Uni. Et le deuxième, « Price Tag », lui permet de déjà décrocher son premier numéro 1. Jessie compte deux albums à son actif : « Who You Are » sorti en 2011 et « Alive » paru l'année dernière.
Telle une furie, Jessie J. déboule sur l’estrade et entame son spectacle par un « Sexy Lady », plutôt torride. Elle est sensuelle. Très jolie. Et on n’a d’yeux que pour elle. (NDR : 20 ans de moins…) Dès ce premier titre, son public est en poche. Elle occupe toute l’estrade. Elle est à gauche, à droite, devant, derrière. Partout quoi. Et sa voix me fait parfois penser à celle de Katy Perry. Elle embraie par « Domino ». Juste avant d'attaquer le morceau suivant, elle clame : 'It's not my party. It's your party', en s'adressant au public. Le dancefloor est ouvert pour 70 minutes sans la moindre seconde de pause. Elle aborde ensuite « Calling All Hearts/Treasure ». Excellent, le guitariste possède une technique digne de Nile Rodgers. Le funk est dans la place. Si vous n'avez pas le bas des reins qui se dandine, vous n'avez rien compris à la musique. Jessie introduit chaque chanson par quelques mots. Elle encense ses musicos, mais également ses deux choristes exceptionnelles. « Sweet Talker » et « Nobody's Perfect », sont deux morceaux plus classieux, mais toujours aussi dansants. Tout comme le plus voluptueux « Wild ». L’électro commence à prendre l’ascendant. Et « LaserLight » en est une belle illustration. Le nouvel opus paraîtra en octobre. Elle nous en concède « Keep Us Together ». Mais la diva est également capable de conjuguer douceur et raffinement. « Conquer The World/Wonderwall/ You Don't Really Know Me/White Room » est un medley au cours duquel la sèche et les deux choristes tirent leur épingle du jeu. « Who You Are » évoque une Whitney Houston de la grande époque. Elle ferme les yeux afin de mieux se plonger dans la chanson. Sa voix est tellement chargée d’intensité, qu’elle en triture le micro. « Alive » opère un retour dans un climat dancefloor. Un titre de circonstance, au cours duquel Jessie en profite pour raviver la flamme. L’auditoire est en transe. Elle nous réserve encore une autre nouvelle compo intitulée « Ain't Been Done ». Et deux extraits du premier album, « Do It Like A Dude » et le hit mondial « Brice Tag ». Vu la prestation accordée je ne serais pas étonné que Jessie devienne rapidement une star. Et figure à l’affiche des plus grands festivals. Mon coup de cœur pour cette soirée !
D'origine anglo-portugaise, Sean Paul Ryan Francis Henriques est né le 8 janvier 1973, à Kingston, en Jamaïque. Il a choisi pour nom de scène Sean Paul. Réservée au dancehall, sa musique s’inspire naturellement du reggae. Au cours de sa carrière, il a publié six long playings : « Stage One » (2000), « Dutty Rock » (2002), « The Trinity » (2005), « Imperial Blaze » (2009), « Tomahawk Technique » (2011) et « Full Frequency » (2014). À ce jour, il en vendu plus de 10 millions de disques à travers le monde.
Mais c’est également un showman. Sur les planches, il est épaulé par un MC pour chauffer le public, mais également le seconder au chant. Quant aux deux danseuses, elles sont destinées à faire grimper la température sur le dancefloor. Et croyez-moi, elles possèdent toutes les aptitudes nécessaires pour y parvenir.
Lorsque le show s’ouvre, on est bombardé par un light show monumental, des fumigènes multicolores et une pluie de confettis. Sean peut alors monter sur l’estrade. La setlist aligne « So Fine », « Get Busy » et « Give It Up To Me ». Ainsi que « Got 2 Luv U », issu de l’elpee « Tomahawk Technique ». C’est d’ailleurs l’opus que votre serviteur préfère. Cet artiste est constamment sur les chardons ardents et a bien intégré l’art de la communication. Auprès de son public, notamment. Il lui demande constamment de jumper, de lever les bras ou d'applaudir. Il vise d’abord le public féminin, qui semble ravi de cette attention qu’il lui porte. Le guitariste et le bassiste épaulent parfaitement Sean ; ce qui ne les empêche pas de se montrer extrêmement mobiles sur les planches. Les interventions du drummer son convaincantes. Le line up implique deux claviéristes, un rôle que le leader estime prépondérant au sein de son line up. La selist ne s’autorise aucun temps mort. « How Deep In Your Love », « Baby Boy », « Like Glue » et « We Be Burnin' » se succèdent. On a encore droit à un autre extrait de « Tomahawk Technique », « Hold On », puis deux de « Dutty Rock », « I'm Still In love With You » et « Punkie ». Mais également du nouveau long playing, « Good Feeling ». Derrière le batteur, des images défilent sur un écran. Le nom de Sean Paul revient systématiquement, comme si c'était la première fois qu’il se produisait en ‘live’. Sous un déluge de lumières et de feux d’artifice, « Body » clôt la partie officielle du concert. Comme en début de parcours. Sans oublier les confettis. La fête est finie, mais Sean Paul adore en remettre une couche. Il a enfilé un nouveau t-shirt pour achever définitivement son show, par « She Doesn't Mind » et « Temperature ». Contrat rempli. Rendez-vous en 2015, pour la 41ème édition…
(Organisation : Lokerse Feesten)
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La 13ème édition du Brussels Summer Festival a démarré en force ce vendredi 8 août. Plus de 11 000 spectateurs avaient rallié la Place des Palais pour participer un festival qui rythmera pendant 10 jours l'été bruxellois. Eclectique et riche, l’affiche bénéficie d’un cadre historique unique –c’est-à-dire le coeur de la capitale européenne– et surtout d’un prix extrêmement démocratique (50 € pour le pass de 10 jours).
La volonté du 'BSF' de proposer un patchwork inédit de genres est démontrée par la programmation de la première soirée. C'est The Feather, le projet belge de Thomas Medard, le chanteur de Dan San (NDR : dont la chevelure argentée est très abondante), qui a l'honneur d'ouvrir les hostilités dès 18h. La foule n'est pas encore compacte mais la formation se taille un beau succès d'estime en proposant un rock indie aux accents folk. Derrière Thomas Medard, un groupe complet se charge des guitares, batterie, claviers, vibraphone et percussions. On pense à Midlake, Fleet Foxes ou encore Crosby, Stills & Nash. C'est beau, sensible, joliment ciselé. Après les Ardentes, les Francos, Dour et le BSF, The Feather s'embarquera pour le Canada : un groupe belge à suivre!
Dès 19h, la toute grosse foule attend la sensation lilloise : Skip The Use. Soyons clairs : la Place des Palais offre vraiment ses avantages et ses inconvénients. Le cadre est superbe pour un concert ; mais lorsque l'on entasse 11 000 personnes dans un long couloir, que la sonorisation est d'une qualité moyenne et les écrans cruellement petits, on ne peut pas parler de confort. En outre, les files sont interminables aux ‘ticket shops’ et aux bars à bière. Enfin, ne nous plaignons pas, car l'ambiance et la bonne humeur sont au rendez-vous ; et les gars de Skip The Use ont décidé de casser la baraque! Leur patronyme se traduit par ‘Changer les habitudes’ et c'est vrai qu'ils ont quelque chose de nouveau, de rafraîchissant, ces voisins du Nord de la France. Mat Bastard, le 'frontman' du groupe et ses acolytes, Yann Stefani à la guitare, Jay Jimenez à la basse, Lio aux claviers et Manamax à la batterie, libèrent une superbe énergie sur les planches.
Musicalement, ils mélangent funk, rock, metal, disco, reggae, ska et brit-pop. Notamment. Une sorte de fourre-tout ou d'hydre à 10 têtes, si vous préférez, évoquant tout à tour Rage Against The Machine (auxquels ils rendent hommage en reprenant “Killing In The Name Of...” en plein milieu de leur titre “You Are”), Bloc Party, Madness voire encore Blur. Le concert file à 100 à l'heure grâce à des titres puissants comme “30 Years”, “Nameless World” et “Give Me Your Life”. Mat Bastard se fend même d'une imitation de Brian Johnson, d'AC/DC. En général, on a quand même l’impression qu’il en fait parfois un peu trop. Plus tard, leur hit “Ghost” récolte évidemment un énorme succès. L'ombre de Gorillaz plane sur l’estrade... A la fin, la compo vire complètement électro et c'est la folie chez les fans. “The Bastard Song”, devenu un classique, clôture tout naturellement leur prestation, et Mat Bastard adresse au beau milieu du morceau, un clin d'oeil à “Quand La Musique Est Bonne”, de JJ Goldman... En conclusion : un concert qui, malgré un côté un peu foutraque et très démagogue, aura quand même méchamment réussi à faire bouger la foule.
Setlist : 30 Years, Nameless World, Give Me Your Life, The Story of Gods and Men, Gone Away, People In The Shadow, Birds Are Born To Fly, You Are, Ghost, Être Heureux, Bullet, Bastard Song.
Changement radical d'ambiance et d'époque et place à Patti Smith, une des légendes vivantes du rock. En 1975, son album “Horses” avait provoqué une petite révolution, grâce à un rock poétique, exécuté dans la tradition des Doors et de Joni Mitchell, mais doté d'une énergie et d'une philosophie 100% punk. Elle en a publié 10 autres depuis. Aujourd'hui, à 67 ans, elle peut se targuer d'avoir inspiré plusieurs générations de musiciens. Après avoir assisté à son set, accordé dans le cadre du Sinners Day, en 2011, je me réjouissais de la revoir en ‘live’ ; et je n’ai pas été déçu. Quelle grande dame ! Tour à tour illuminée, rageuse, sensuelle mais toujours touchante.
‘I'm glad to be back in Brussels!’: Patti Smith fait d'emblée référence au concert qu'elle avait accordé en 1976, au Cirque Royal. Coiffée d'un bonnet et portant un jean trop large, elle nous hypnotise à nouveau de sa voix grave. Que ce soit “Dancing Barefoot” ou le titre reggae “Redondo Beach”, les chansons sont ralenties comme pour en sublimer la beauté. En intro de “In My Blakean Year”, elle improvise des paroles qui se réfèrent à ce fameux show de 1976, accompli à Bruxelles. Très sympa !
Elle n’oublie évidemment pas “Because The Night”, son plus grand hit, co-composé par Bruce Springsteen, qui déclenche le plus de réactions et marque le passage à la partie la plus musclée du concert. La maîtresse de cérémonie a tombé le manteau, mais également le bonnet ; et maintenant, ça va déchirer! Même les jeunes, qui sont là juste pour boire un coup, tendent l'oreille et confessent : ‘Ouais, je connais cette chanson : Because The Night Belongs To Lovers...!’ “Banga”, extrait de son dernier elpee, maintient la pression. Patti Smith y hurle comme un loup et après une déclamation poétique (‘spoken word’ en anglais), elle enchaîne directement par un “People Have The Power” intense et bouleversant.
‘Jesus Died For Somebody's Sins But Not Mine...’: ces paroles, qui figurent sur sa fabuleuse reprise de “Gloria” (des Them), avaient marqué mon âme d'adolescent, il y a, disons, un certain nombre d'années... Des frissons me parcourent l'échine en écoutant à nouveau cette compo, qui n'a pas pris une seule ride. On est au septième ciel et après un nouveau 'spoken word' étourdissant, Patti Smith entame le tour de force final de tous ses concerts: “Rock'n’Roll Nigger”. Toute la rage de cette activiste se déverse sur scène. Elle éructe ‘Outside of society, that’s where I want to be!’ et ne manque pas de faire une allusion à Edward Snowden. La fin de la chanson est violente et la chanteuse pète une corde de sa guitare. En 2011, elle avait cassé sa corde avec ses dents lors d’un rituel impressionnant. Ici, la finale et plus courte mais tout aussi puissante. La grande prêtresse se retire en criant ‘Bruxelles, je t'aime!’. Nous aussi, on t'aime...
Setlist: Dancing Barefoot, Redondo Beach, April Fool, My Blakean Year, Beneath the Southern Cross, Ain't It Strange, Pissing in a River, Because the Night (Dedicated to Fred "Sonic" Smith), Banga, People Have the Power, Gloria (Them cover), Rock N Roll Nigger
Lourde tâche pour Mathieu Chedid, alias -M-, que de se produire après une prestation aussi consistante. Conformément à nos craintes, le contraste sera malheureusement très cruel pour le chanteur et guitariste français. Ses gros riffs de guitare sonnent trop 'cliché'. Son look faussement 'glam' fait pacotille et nous sommes restés assez insensibles à sa voix et à ses compos. Mais l'homme est une bête de scène et son énergie est très communicative. De plus, il manie très bien les changements de dynamique qui font rebondir un concert en permanence. Le set part un peu dans tous les sens, au risque de virer au n'importe quoi, par moments.
Après quelques titres, dont “Mon Ego”, “Onde Sensuelle”, “Océan” et “A Tes Souhaits”, -M- annonce une énorme surprise... et voilà-t-y pas que Saule déboule sur le podium... Les musicos attaquent alors des extraits de “Little Wing” de Jimi Hendrix et d’“Immigrant Song” de Led Zeppelin, avant de se lancer dans une reprise de “Lucille” assez catastrophique. La séquence karaoké se poursuit par des extraits de MC Hammer, Van Halen, White Stripes et Rage Against The Machine (encore!)...
Mathieu Chedid parvient heureusement à enrayer l'overdose et le final du concert est beaucoup plus intéressant. “Je Dis Aime”, et surtout le très funky “Machistador”, font mouche et le public est aux anges. Après une courte interruption, -M- revient pour interpréter le japonisant “Machine” et le tropical “Bahia”.
En conclusion, une prestation M...itigée de Mathieu Chédid, épinglant quelques très bons moments, libérant parfois une très bonne énergie mais affichant un côté 'gimmick' vraiment horripilant...
Une partie du public s'est ensuite déplacée vers le Mont des Arts pour continuer la fête sur de la musique électro (NDR : Rodriguez Jr devait être aux manettes à ce moment-là) ; mais la pluie m'a vite découragé de rester plus longtemps. C'est donc la tête encore baignée dans la musique sensuelle et poétique de Patti Smith que je suis rentré... Car le festival ne fait que commencer!!
Les tickets pour le BSF sont en vente sur www.bsf.be , www.yetix.be , www.ticketnet.be ou en exclusivité dans les magasins FNAC.
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