Après le Molenzik, direction le Salon de Silly. Silly est à un jet de pierre de mon domicile. Comme la programmation est régulièrement intéressante, votre serviteur fréquente souvent les lieux. En collaboration avec l'ASBL 'Silly concerts', un spectacle gratuit est organisé dans le cadre des Fêtes de la Musique. Ladylo assure le supporting act et My TV Is Dead sert de plat de résistance.
My TV is Dead est né de la rencontre entre deux vieux renards de la scène belge : Amaury Massion aka Lylac et Joël Grignard de Monsoon. Leur collaboration remonte à 2011. Elle a donné naissance à un premier opus, intitulé « Freedomatic ». Le duo était d’ailleurs venu le présenter au Salon, cette année-là. Il vient de publier son second opus, « Gravity ». Un long playing bien accueilli par la critique musicale du plat pays.
Chez Lylac, Amaury se charge de la guitare et Thècle Joussaud (NDR : elle est de nationalité française et apporte également son concours à Oldelaf, les Fatals Picards et Syrano), le violoncelle. Un tandem qui pratique une forme de folk atmosphérique.
A l’origine, Monsoon se résume également à un duo. Soit Joël Grignard à la basse et à la gratte ainsi que Delphine Gardin au chant. Qui ont finalement recruté un claviériste (Peter Vandenberghe), un second sixcordiste (Laurent Stelleman) et un drummer (Cédric Guffens).
Ce qui frappe d’abord, c’est la voix d’Amaury. Sorte d’hybride entre Thom Yorke, Eddie Vedder et John Stargasm, elle en impose. Les musicos de My TV is Dead sont soutenus par une section rythmique, au sein de laquelle on remarque la présence de Laurent Stelleman, à la basse. Et ce dernier est préposé à la guitare chez Cocoa (NDR : qui a dit Coca ?) Un combo qui avait assuré le supporting act de Noa Moon. Bon bref là j’arrête sinon on ne va plus s’y retrouver…
Revenons à nos moutons. Le dernier elpee de My TV is Dead va être interprété dans sa quasi-intégralité. Les riffs de guitare sont incisifs mais finement ciselés. Les drums solides. Mais paradoxalement, ce sont les nappes de synthé qui fédèrent l’ensemble. « The Party In The Sky », « Hands Up », « In My Head », « What Is Wrong » et surtout « Paradise » –promesse d’une vie future au pays de cocagne– constituent des hits potentiels. Pour ne pas déconcerter le fan de la première heure, la setlist concède quelques extraits du premier opus : « Love In Stereo », « Riot love » et en finale, « Daydream ». Le public est nombreux mais exigeant. Il n'en a jamais assez pour son argent, même quand il n’a pas payé. Moralité, la formation remonte sur les planches. Et attaque « Lovers » ; une incitation à se déhancher comme sur le dancefloor. Denis semble boosté par son coca. Mais est-ce vraiment du coca ? Il entame une petite danse en compagnie de sa partenaire qui elle, ne semble ne pas avoir bu que du coca. Après tout, c'est la fête à la musique et puis on te souhaite un ‘bon anniversaire’ pour tes 30 printemps, ma jolie. Le rappel embraie par « When You Gone » ainsi que « Strange Fruit » et s’achève par « Thinking Of You ».
Bref, un excellent concert ! Désolé pour Ladylo, mais je suis arrivé à la fin de sa prestation. Ce sera pour une autre fois…
(Organisation ASBL Silly Concerts)
C'est la fin de la saison au Botanique. Votre serviteur a assisté à l'un des derniers concerts. Il y a un bon mois que le Nuits se sont achevées. Mais j’avais programmé, pour ce mois de juin, le set de Peter Matthew Bauer. L'évènement se déroule au sous-sol du Bota. Soit au Witloof Bar. Un endroit parfait pour assister aux spectacles intimistes. Et tout particulièrement acoustiques. Le public est clairsemé pour accueillir Peter. Je recense tout au plus quarante personnes. Dommage, car et artiste mérite un tout autre crédit.
Peter Bauer, c’est le bassiste du groupe américain The Walkmen. Il a publié son premier elpee solo ce 16 juin ; un disque qui s’intitule « Liberation ». Pour l'occasion, il repris son nom de baptême : Peter Matthew Bauer. A l’âge de 35 balais et après avoir milité 13 ans chez The Walkmen, il a donc décidé de tenter une aventure en solo. Peter est très marqué par la religion. Il a d’ailleurs passé son enfance chez les āshrams. Et en a d’ailleurs conservé une certaine spiritualité. Tout au long de son opus, qu’on pourrait qualifier d’autobiographique, il aborde des tas de sujets qui oscillent du yoga à la scientologie, en passant par le dieu Shiva, la ville de Philadelphie (NDR : c’est là qu’il vit !) et de Varanasi (NDR : une des plus anciennes cités habitées du monde, elle est située sur la rive gauche du Gange, en Inde.) Il s’intéresse également au biologiste et éthologiste britannique Richard Dawkin, un vulgarisateur et théoricien de l'évolution humaine.
Skyler Skyjelset assure le supporting act. Ce guitariste milite également au sein du backing group de Peter. Mais son set ne suscite guère d’intérêt. Si bien qu’après un long solo d’une bonne quinzaine de minutes, il vide les lieux sans dire un mot…
La prestation de Bauer ne sera pas très longue, non plus. Quarante-cinq minutes. C'est peu. Faut dire qu’il n’a qu’un seul album à défendre. Le line up réunit six musicos : deux préposés à la gratte électrique, un bassiste, un drummer, deux jolies choristes et Peter également à la six cordes ainsi qu’au chant.
Dès le début du set, on se rend compte que quelque chose cloche dans le mixing. En fait, il a été confié à un stagiaire. Drôle d’idée. Il a beau faire de son mieux, mais on n’entend guère la voix du leader. Elle est couverte par les retours de la section rythmique, dont le volume sonore est excessif.
« Lock For Someone » ouvre les hostilités, une compo qui ne figure pas sur l’elpee. Et embraie par « Fortune Tellers ». Les tonalités de cordes trempent dans un americana contemporain. Et soutiennent parfaitement la voix envoûtante, très sixties de Peter, dont le timbre me fait étrangement penser à celui de Billy McCarthy, qui milite au sein du band new-yorkais We Are Augustines. Quoique caractérisé par sa superbe mélodie, « Irish Wake in Vaanasi (For Big Pete Devlin) » devient rapidement pénible vu la qualité du son. Et « Liberation », le titre maître du long playing, ne passe pas mieux. Après « Shiva The Destroyer », le band attaque « Full Moon », un autre inédit. Malheureusement, dès que le batteur s'emballe, on n'entend plus les parties vocales. Un titre garage : « I Was Born in An Ashram ». Puissantes, les guitares s’en donnent à cœur joie. La setlist nous réserve encore « Philadelphia Raga », « Latin American Ficciones » et « Miracle Mile ». Puis un rappel quand même consacré à « You Are The Chapel ».
Le potentiel de Peter Matthew Bauer est indéniable. J'espère le revoir dans d’autres conditions. Face à un public plus nombreux et sous la houlette d’un ingé son plus professionnel. En attendant, je me consolerai à l’écoute de « Liberation », un disque qui recèle plusieurs pépites. Un petit chef d'œuvre que je me suis d’ailleurs procuré en vinyle…
(Organisation Le Botanique)
C’est le magazine Rolling Stone qui l’écrit : ‘Les ancêtres du rock'n'roll sont sortis de leur retraite californienne dorée pour entamer une dernière tournée mondiale’. Les places du concert se sont d’ailleurs écoulées en quelques minutes. Et ils reviennent fin juin à Werchter. J’ignore cependant si c’est par passion ou pour regonfler leur portefeuille. Une chose est sûre, groupe-phare des années 80, Extreme vient donc de se reformer. Et il se produisait donc ce mercredi 18 juin, à l’AB de Bruxelles.
Fondé à Boston en 1985, Extreme s’est séparé en 1996, reformé en 2007, en profitant pour publier un nouvel elpee intitulé « Saudades de Rock », l’année suivante, et pour partir en tournée mondiale. Après une longue traversée du désert, alimentée par de fréquentes rumeurs de reformation, le combo s’est enfin décidé, début 2014, à refaire surface. Et de se lancer dans une nouvelle tournée mondiale. Un périple qui se focalisera sur l’interprétation de leur album incontournable « Pornograffitti », publié en 1990. Un elpee sur lequel figure la ballade « More Than Words », c'est-à-dire leur plus gros hit.
Après avoir visité le Japon à guichets fermés, le quatuor débarquait donc à Bruxelles pour leur deuxième date européenne baptisée ‘Extreme Pornograffitti Live Tour 2014’.
La salle est en configuration Box, donc réduite à une capacité de 800 personnes. Grumpf est chargé de chauffer l’ambiance. Le public est alors clairsemé. La concurrence du Mondial explique certainement cette faible fréquentation. Les Anversois sont quand parvenus à faire grimper la température de quelques degrés, grâce à leur hard rock puissant et surtout de leur vocaliste, véritablement monté sur ressorts.
Extreme déboule sur les planches à 20h30. Tous muscles dehors, Garry Cherone arpente le podium de long en large. Il court, bondit et surtout chante. Il possède un jeu de scène comparable à celui de Steven Tyler, vocaliste d’un autre dinosaure du hard rock, Aerosmith. Les interventions de Nuno Bettencourt sont magistrales (NDR : officiellement, c’est toujours le guitariste officiel de Rihanna). Plus discret, mais efficace, Pat Badger est préposé à la basse. Et enfin, Kevin Figueiredo se révèle très appliqué pour marteler ses fûts. Le quatuor va interpréter « Pornograffitti », dans son intégralité et l’ordre des plages de l’elpee. On peut estimer l’auditoire à plus ou moins à 600 âmes. Le set s’ouvre inévitablement par « Decadence Dance ». Le rock pratiqué par Extreme est métallique, puissant et mélodique. Jusqu’au moment où deux roadies viennent installer deux sièges à l’avant du podium. Garry et Nuño attaquent alors en acoustique « More Than Words », le titre le plus notoire de la formation. Ce sera aussi le meilleur moment du concert. Tout au long de cette ‘fucking song’ (dixit Nuño) le duo entre en communion avec l’ensemble du public. Qui reprend en chœur les paroles de ce p***** de morceau. La prestation s’achève par « Hole Hearted », la dernière piste de « Pornograffitti ». Et bonne surprise, le combo nous réserve « Crazy Little Thing Called Love », une cover d'un autre monument qui a marqué l'histoire du rock, Queen.
Le concert est fini. Mais le public n’est pas rassasié et en redemande. Le band revient pour un rappel généreux, épinglant une plage de tous ses autres albums. Soit « Play With Me », « Am I Ever Gonna Change » et « Take Us Alive ». Avant que Nuño ne reprenne sa gratte acoustique lors d’un remarquable « Midnight Express ». Et enfin « Rest In Peace » et « Cupid's Dead » pour achever ce long set chargé d’intensité. Bref, un concert comme votre serviteur les aime. Manifestement, on avait administré l’Extreme onction un peu tôt au quatuor bostonien, alors qu’il n’était pas encore tout à fait mort…
(Organisation Live Nation)
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‘Les musiciens d'Alaska Gold Rush sont des chercheurs d'or qui ont troqué pelle et pioche contre guitare et batterie. Des terres pauvres du Mississippi aux déserts arides du Nouveau-Mexique, ils créent leur musique comme des villes fantômes’. Belle intro qui figure sur la bio du Bandcamp de ce duo réunissant le chanteur/guitariste Renaud Ledru et le drummer Alexandre De Bueger. Le premier possède une voix totalement atypique qui vous prend aux tripes, une superbe voix à la Peter Doherty, puissance 10, qui a probablement baigné dans le bayou. Le second est également chargé des fûts chez Crazy Lady Madrid et Electric Château. Il a aussi bossé pour David Bartholomé. Là, on est en pays connu. Une belle découverte signée Sunny Weeks Production, un petit label dynamique issu de notre plat pays. A ce jour, le tandem a publié un Ep, « Pilote Village Midnight ». Il assurait l’ouverture des 'Nuits belges' à la Rotonde, devant un public curieux et attentif. A l’issue de leur concert, Alaska Gold Rush s’est volontiers soumis au feu de nos questions.
Pourquoi avoir choisi Alaska Gold Rush comme nom de votre projet ?
Renaud : En fait, notre musique évoque les grands espaces de l'Ouest Américain. Nous souhaitions que le nom y fasse référence. Alaska parce qu'on le sentait bien. Mais concrètement, il n'existe pas plus de lien avec l'Alaska que le Nouveau Mexique. C'est plutôt les immenses plaines du Far West que nous voulions parcourir, à travers l’esprit…
Renaud, d’où tiens-tu ta voix ?
Renaud : On ne peut pas dire que je l’ai vraiment travaillée. Elle est naturelle. Bien sûr, inconsciemment, elle a certainement été influencée par tout ce que j’écoute. Pas mal de blues et de la musique américaine traditionnelle. C’est inévitable…
Elle est pourtant différente en live et sur disque ?
Alexandre : En live, c’est plus rock. L'énergie est plus crue. Sur disque, on accentue l’aspect intimiste de nos compos.
Actuellement, vous formez un duo batterie/guitare, format que j’apprécie tout particulièrement. Mais afin d’étoffer quelque peu votre musique, ne comptez-vous pas vous servir d’autres instruments, comme par exemple la basse ou le synthétiseur ?
Renaud : au départ, on cherche à allier mes compositions au style de batterie d'Alex. De manière inédite. Qui sorte de l’ordinaire, si tu préfères. Le concept est assez roots. On débarque, on se branche et on joue. Ajouter un autre instrument, ce n'est pas prévu. C'est le concept du duo qui est original. Il ne nous viendrait pas à l'idée de changer cette formule. Sinon nous deviendrions un groupe de rock plus classique.
Question bateau : quelles sont vos influences majeures ?
Renaud : C'est dingue, il y a des trucs que j'adore et qu'Alex déteste et vice et versa. Nous ne partageons pas du tout les mêmes influences. Mais on se rejoint finalement à travers le résultat de notre collaboration, chacun y apportant sa propre vision. Ce que j'aime particulièrement ? La musique américaine : le blues des années 20 à 30, la country, l'americana, le rock'n'roll.
Alexandre : Je préfère la scène contemporaine. La musique instrumentale et plutôt radicale qui libère de l’énergie et une certaine puissance. Du rock assez dur, également. Nos influences sont différentes, mais au sein de notre projet, elles collent plutôt bien.
Entre la formation du groupe et la sortie de l’Ep, vous avez mis la gomme…
Renaud : Nous jouions ensemble depuis à peine un an. J’ai été très longtemps impliqué dans un projet solo. Au départ, nous adaptions les chansons que j’avais écrites à cette époque. Alex milite et a milité au sein d’une multitude de groupes. Ce qui lui a permis d’acquérir une belle expérience. Effectivement, dès le début, nous avons voulu concrétiser cette nouvelle collaboration. Le plus rapidement possible. Et puis choisir une image et en soigner l’esthétique. L’illustration de la pochette de l’Ep est une invitation au voyage…
Quel est le dernier concert auquel vous avez assisté ?
Renaud : Je reviens d'un voyage touristique aux Etats-Unis. Je me suis rendu au Juke Joint Festival de Clarksdale où j'ai assisté aux prestations de LC Ulmer et Robert Belfour, des octogénaires phénoménaux qui jouent tout simplement dans la rue. Une belle expérience personnelle
Alexandre : Il y a bien longtemps que je ne suis plus allé voir un concert. Le prochain ce sera Carl Et Les Hommes Boîtes, ce soir. Un excellent groupe, par ailleurs…
Quel est le dernier album que vous avez écouté ?
Renaud : Celui du Révérend John Wilkins. Nous sommes encore aux States ! Lors de mon trip à Clarksdale, j'ai pu rencontrer ce vieux prélat yankee et discuter avec lui. Je suis tombé par hasard sur son album, je l'ai écouté et c'est vraiment de la balle…
Alexandre : Le plus récent, c'est le dernier de Warpaint, quatre filles charmantes et douées, ce qui ne gâche rien.
Quand on écoute votre Ep, on est impressionné par la maturité qui en émane…
Renaud : On vieillit. Nous jouons depuis bien longtemps. Personnellement mon parcours a commencé très tôt. Dix ans déjà que nous nous produisons en concert ou enregistrons. Nous sommes déjà de vieux croulants.
Alexandre : Il y a effectivement pas mal de temps qu’on est impliqué dans la musique chacun de notre côté. Nous n’avons plus 25 ans. Même si nous avons encore du chemin à parcourir. Mais la maturité se forge au fil de l’expérience. Il est temps.
Le bayou vous inspire ?
Renaud : Pas tellement le bayou. Peut-être pour ses alligators. Mais plutôt le delta du Mississipi. Perso, j’estime que dans toute cette région la musique est complètement dingue, principalement dans la partie Nord et dans les collines, elle est un peu ‘trance’ et aux racines africaines…
Le statut d'artiste en Belgique, n'est-il pas devenu un chômage aménagé ?
Alexandre : C'est un peu compliqué. Renauld a un job. J’en suis encore au stade des démarches ; mais il est sûr que cette situation n’est pas évidente. Peu de budget est consacré à la musique. Et surtout, vu la crise, on s'en prend surtout au secteur qui ne ramène pas trop d'argent. J'avais pensé choisir ce statut, mais c'est très compliqué, pour le moment. Je vais donc devoir abandonner l’idée et essayer de trouver un vrai boulot.
Renaud : Ce qui est dommage, c'est qu’il est de plus en plus difficile de devenir pro quand on est artiste. On considère et tout particulièrement chez le musicien, qu’il exerce un passe-temps ou un hobby.
Alexandre : Si tu souhaites défendre un projet qui tienne la route, comme certains groupes qui se produisent ce soir, tu dois répéter quatre à cinq fois par semaine. Cela doit être un fool time job. Et du coup, il ne faut pas se leurrer, car pour atteindre un niveau optimal, une longue période de développement est nécessaire. Aussi, en général, seul le milieu aisé voire fortuné, en bref qui ne doit pas travailler pour se nourrir, bénéficie de toutes ces conditions pour atteindre cet objectif…
Renaud : Tu dois avoir plusieurs cordes à ton arc. Il faut bosser à côté. Tu dois un peu moins répéter et refuser des concerts, parce que tu n’es pas disponible. Ce qui complique un peu le bazar.
Renaud, tu es le seul à composer ?
Renaud : Oui, les paroles, la musique ainsi que les mélodies. En général, je débarque avec un morceau terminé. Puis nous le retravaillons ensemble. Et au final, il ne va plus du tout ressembler à la mouture originale. Alex y met vraiment sa touche personnelle. On construit le morceau, on le déconstruit, puis on le reconstruit. C'est ainsi que nous fonctionnons…
Dans l’univers du blues/roots, Roland Van Campenhout et Steven De Bruyn sont des artistes belges que Renaud apprécie ?
Renaud : Oui, Roland je connais. Je crois qu’ils ont enregistré un album ensemble (NDLR : « Fortune Cookie », auquel Tony Gyselinck a également participé). Roland, j'aime bien. Je l'ai vu plusieurs fois en concert. Il a une superbe voix. Ses albums acoustiques sont vraiment géniaux. Ils me parlent vraiment. Je l’apprécie un peu moins en live, il joue parfois en freestyle, des morceaux qui peuvent parfois durer 15 minutes. Je suis moins fan de ses solos de guitare.
Vous avez prévu une tournée des festivals à votre agenda ?
Renaud : Pour être très honnête, tout ce qui est booking est un peu bricolage maison. Donc c'est super ! Nous avons dégotté, ici en novembre, une première partie au Botanique. Nous avons été contactés pour participer aux Nuits Belges. C’est vraiment génial. On s’est produit lors de quelques chouettes concerts. Petit à petit, l’agenda prend forme. On joue au Verdur Rock fin juin et au Massif festival en septembre. Il n'y a pas une grosse tournée de prévue. On essaye, petit à petit, de grignoter des dates…
Ce n'est pas la première fois que vous jouez à la Rotonde ?
Renaud : Non, c'est la deuxième fois.
Alexandre : En tout cas au Botanique, c'est la salle qui nous convient le mieux. Et l’endroit que je préfère quand j’assiste à un concert. Il est à la fois intimiste et convivial. En outre, les artistes et le public sont très proches, tout au long du spectacle…
La dix-huitième édition de la Nuit du Blues s’est déroulée sur le site de Rockerill, à Marcinelle. Les éditions précédentes étaient hébergées sur l’Esplanade Solvay, pour l’instant en réfection. Un peu d'histoire. En 1832, le forgeron Puissant Agimont s'associe à l'industriel Thomas Bonehill. Ils vont créer, sur le site de 'La Providence' à Marcinelle, une usine sidérurgique qui donnera ses lettres de noblesse à la région de Charleroi. Détruite totalement pendant la guerre 1914-1918, elle est reconstruite à la fin du conflit. L'activité va se développer et prospérer jusqu'à l'absorption par le groupe Cockerill-Sambre. Ce sera le début du déclin industriel qui a marqué les années 80. Début 2005, un collectif d'artistes et d'amis sauvent la friche industrielle. Une nouvelle vie commence pour ‘Les Forges de la Providence’, rebaptisées ‘Rockerill’. Une salle de concert d'une capacité de 250 personnes est aménagée au sous-sol. Une coopérative de ferronnerie, des ateliers d'artistes et le label Rockerill Records s’y établissent. En 2011, Rockerill rejoint Le Club Plasma et signe un contrat programme avec la Fédération Wallonie-Bruxelles. La culture revit à Marcinelle. Le lieu devient incontournable dans la région de Charleroi.
La grande Scène est installée dans les Forges. Un espace restauration est aménagé dans le hall d’entrée de la Providence ; il est baptisé ‘La Cathédrale’. La seconde salle est implantée au sous-sol. Il s’agit du Rockerill.
Petit contretemps, la Liégeoise Jéraldine Jonet a déclaré forfait. Il faut donc patienter jusque 16 heures avant que le premier groupe ne monte sur un podium. Il s’agit de Chess Revival. Et sur la Grande Scène. Le présentateur déclare que le blues du Bayou profond et le site des Forges sont en parfaite communion. Il n’y manque que les marais et ses alligators.
La formation bruxelloise est née en 2013. Drivée par Julien (chant, guitare et harmonica) elle implique également Sam (guitare et chant), Marco (drums), Alex (piano) ainsi que Pierre (basse). Vu leur patronyme, Muddy Waters, Howlin Wolf, Willie Dixon et Little Walter, des bluesmen notoires qui ont écrit les plus belles pages du label Chess Records de Chicago, ont certainement marqué l’esprit du quintet. « Garbage Man », ouvre le set. Une cover de Muddy Waters qui macère bien dans le bayou. Les cordes de gratte sont voluptueuses, la voix est lancinante et l’harmonica accrocheur. Le spectre de Peter Green hante « I Loved Another Woman ». Une autre adaptation, le « Dust My Broom » du band teuton Boozoo Bajou. Etonnant, n’est ce pas ? Signé par le Bobby Blues Band, « I Don’t Want No Woman » lorgne vers la soul de Memphis. Idéal pour la voix crooneuse à souhait. « Ain’t Nobody’s Business » est une compo écrite par les pianistes Porter Grainger et Everett Robbins, deux ex-collaborateurs de Bessie Smith. Composée en 1922, elle avait également été reprise par l’Impératrice du blues, six ans plus tard. Julien est un passionné de blues, il est respectueux des classiques qu’il interprète ; mais, tout comme ses acolytes, il s’attache à y apporter une touche personnelle. Une bien belle prestation pour entamer ce festival auquel j’assiste pour la première fois.
Direction sous-sol. Place aux régionaux de l'étape, Dixons Plan. Les Carolos sont déterminés à rendre hommage à l'oeuvre de Willie Dixon. Un grand du Chicago Blues de l'après-guerre. Pourtant, la prestation sera fortement colorée de rock'n'roll. Imposant, le bassiste attire immédiatement la sympathie. Et puis, il est impressionnant sur son instrument. Il est cependant bien épaulé par le guitariste/chanteur Enzo Catalano. Le line up est complété par le drummer José Carrasco et Billy Boy à l'harmonica. Ce n’est pas la première fois que votre serviteur assiste à un de leurs concerts. Je les avais découverts chez Francis Delvaux au Blues Café. Le public commence à affluer. Et il faut déjà subtilement jouer des coudes pour atteindre les premiers rangs…
Retour vers la grande scène, pour le concert de Dr Albert Flipout's One Can Band feat Mickey Pantelous. Un homme-orchestre de nationalité britannique ! Il a enfilé une salopette. Manifestement de bonne humeur, il met de l’ambiance dans la salle. Une excellente initiative de programmer ce type de ‘one man show’ lors d’un festival. C’est d’ailleurs une formule que le Roots & Roses de Lessines cale systématiquement dans sa programmation…
Fred Lani est un habitué des lieux. Et pour la circonstance il est bien sûr flanqué de ses Healers. Apparemment il est en très grande forme. Et pourtant, il a failli faire faux bond. Car s’il est bien un virtuose de la guitare, il ne l’est pas dans le bricolage. En général, une foreuse est destinée à percer un mur ou un matériau, pas un doigt. Et pourtant… Trêve de plaisanterie, malgré ce petit contretemps, notre Panda Blues n’a rien perdu de son énergie.
Un petit rappel. L'année 1977 vient de débuter. Au cœur des sombres vallées boisées et vallonnées du Namurois vient de naître un nouveau messie du blues au sein de la famille Lani. Musiciens, ses parents lui donnent pour prénom : Fréderic. Originaire des sombres bayous de la Louisiane, le patriarche va inculquer, dès le début, à son rejeton, les bases de cette musique intemporelle. Dans son parc, le petit n'a pas de hochet pour se faire les dents. Juste une guitare Gibson miniature. Il va pouvoir mordre dans les cordes. Pour toute berceuse, on lui passe du Jimi Hendrix, Rory Gallagher, Johnny Winter ou Stevie Ray Vaughan. Pas étonnant qu’il chope le virus du blues. Et d’afficher les gènes caractéristiques de son paternel dès l'âge de 17 ans : une calvitie naissance, des lunettes et une guitare entre les mains. Le gamin a une voix calée. En compagnie de son père, il monte les Healers. Il assure les supporting act de Bon Jovi à Werchter, devant 35 000 personnes. Et de Fred & The Healers, on commence à en parler de plus en plus...
Après une parenthèse de 8 longues années (malgré un come back en 2010, pour fêter le 15ème anniversaire du Spirit of 66), Fred remonte les Healers. Mais sous un nouveau line up. Aux fûts, un petit nerveux : Nico Sand. A la basse, une force tranquille : Cédric Cornet. Ce dernier ne quitte plus sa belle chemise aux motifs de roses et têtes de mort. Nous sommes donc en 2013, et notre talentueux gratteur a pris de la bouteille et un léger embonpoint. Frédéric aime la bonne chère. Faut croire que Madame Lani est un fin cordon bleu… Le cinquième opus du combo « Hammerbeatmatic », est paru en mai dernier. Dans 25 pays. Sous la forme du cd, vinyle et téléchargement payant.
Le set s’ouvre par « Like A Leaf » suivi de « Doyle The Hunter », deux plages issues du nouvel elpee. Deux bons blues bien crasseux. « Doyle The Hunter » nous entraîne dans le lourd et aussi dans le passé. Fred Hendrix est à la guitare et au chant. Il vous en met pleins les oreilles. Nico est aux anges, il a le sourire aux lèvres. Ce qui ne l’empêche pas de marteler ses fûts comme un malade. Pas le temps de souffler, le trio nous expédie un blues rock pur et dur, « Thickfreakness », une cover des Black Keys. Et la version balance pas mal. Histoire de ne pas trop perturber les fans de la première heure, la formation concède « Stayin' Out » et « How You Do This ». « Dreams » affiche un profil plus cool. Ce qui permet à Fred de démontrer toute sa maîtrise et sa technique sur les cordes et de rivaliser avec ses maîtres. « Roots And Roses » rend hommage au chouette festival du même nom. Faut dire qu’il y a toujours eu une grande histoire d'amour entre Fred et le Centre Culturel de Lessines. La superbe reprise du « All Your Love » d'Otis Rush est un classique dans la setlist du combo. Mr. Lani nous y réserve un bel exercice de style sur sa six cordes. Nico n’oublie pas de nous accorder un petit solo de batterie. Le temps de remonter en puissance avant d’aborder « Burning », puis de revenir au calme à travers « Avd ». Mais dès « A Man For A Day », extrait du dernier long playing, Fred invite tout le public à se rapprocher du podium et à jumper. L'espace est restreint. Suis pas du style à escalader la foule pour rejoindre les autres sardines. Encore que ce sont peut-être des poissons volants. Ou alors des kangourous. On se croirait en Australie. Ca saute de partout ! Et le concert de s’achever par « Lovers Boogie » et le très puissant « Messing With The Kid ». Fred & The Healers sont peut-être occupés de monter sur le tremplin de la gloire. Une chose est sûre, le groupe est devenu tout à fait exportable. En outre, il est parvenu à chauffer à blanc une salle avant de vivre le set des vétérans Dr Feelgood. Le trio se produira dans le cadre du Brussels Summer Festival le 10/08/2014, aux Francos de Spa le 19/07/2014. Et le 31/08/2014 au Beau Vélo de Ravel en première partie de son idole Chantal Goya. ‘Pandi Panda’ vous connaissez ?
Dr Feelgood est une formation insulaire formée en 1971. Décédé en 1994, le chanteur en était une figure emblématique. Au cours de son existence, le combo a enregistré de nombreux changements de line up. Leur patronyme vient de l'argot anglo-saxon qui désigne notamment un médecin prescrivant de l’héroïne. Mais pour ce set on retourne dans la boîte à sardines. Sauf qu’elles sont cuites et archi-cuites. Une cuisson qui va durer 75 bonnes minutes. Au fourneau ? Robert Kane. Au chant et à l'harmonica. Et puis Steve Walwyn à la six cordes. Et leur rhythm'n'blues circa 70’s va faire mouche ! L’énergie dispensée par le combo est particulièrement électrique. Dr Feelgood est venu défendre son dernier opus, « All Through The City », paru quand même il y a deux ans. Ce qui ne les empêche pas d’insérer dans leur setlist des titres standard comme « I Can Tell », « Who Do You Love », « Baby Jane » ou « Give Me One More Shot », soit les meilleurs morceaux de leur répertoire. Kevin Morris est toujours aussi fêlé derrière ses drums. Il balise le tempo de ses interventions caverneuses et métronomiques. Il est bien épaulé par PH Mitchell à la basse. Un concert qui, inévitablement, ravit de nombreux sexagénaires et quinquagénaires, mais également des jeunes mélomanes, qui découvrent ainsi des précurseurs de la punk attitude.
Votre serviteur n’a pas assisté au set de Shaggy Dogs. Pas que j’aime ou n’aime pas ce combo français. Mais vu la fatigue, je préfère faire l'impasse et rentrer au bercail. Le festival est réussi et a communiqué de bonnes vibrations. J’ai eu ma dose. L'organisation était parfaite. On peut compter sur Didier, l'année prochaine…
(Organisation : Nuit du Blues de Charleroi)
Originaire de Morristown, dans le New Jersey, Trophy Scars n’est pas né à la bonne époque. Et pourtant, la formation est apparue, il y a un peu plus de 10 ans. En outre, elle a beau remuer ciel et terre, le constat est toujours identique. Pourquoi un label aussi perspicace que Monotreme (Barzin, 65daysofstatic, Sleepmakeswaves, …) a accepté de distribuer un disque aussi ringard que cet « Holy vacants » ? Leur 10ème elpee, quand même. Et de nous inviter –forcément– à découvrir la musique d’un quintet, dont aurait préféré ne pas connaître l’existence ?
Au cours des 80’s, Trophy Scars aurait fait un tabac. Nous somme en 2014, et le décalage est énorme. D’autant plus que les 12 pistes de cet elpee sont de la même trempe, oscillant entre titres ‘trash’ et ballades niaises, soulignées –sans surprise– par des accords de piano. Les interventions de guitare sont calquées sur celles de Slash. La voix évoque (sans plus) celle de Greg Dulli ; mais quand il se met à hurler, on se demande s’il n’a pas avalé une boule de poils, et on craint même qu’à la fin du morceau, il finisse par rendre l’âme…
Pour enregistrer son nouvel album, Tom Van Laere a de nouveau enregistré aux States. A Hoboken, près de New York, très exactement. Et sous la houlette de John Agnello. Un producteur notoire qui bosse ou a bossé régulièrement pour Sonic Youth, Dinosaur Jr, Kurt Vile, et bien d’autres, dont Cell, un quartet qui avait publié deux elpees épatants au tout début des 90’s.
Lors des sessions, l’Anversois a bénéficié du concours de quelques grosses pointures. Dont le drummer du défunt Sonic Youth, Steve Shelley, des guitaristes Jeff Bailey (Phosphorescent) et J Mascis (Dinousaur Jr), ainsi que de David Mansfield, à la mandoline et surtout à la pedal steel, un musicien qui a milité, au cours des 70’s au sein du backing group de Bob Dylan.
A l’écoute de cet opus, on ressent la patte d’Agnello. Le son est chaud. Typiquement américain. Un climat qu’on retrouve également dans la musique de Lloyd Cole (NDR : il est pourtant britannique, mais vit aux States depuis plus d’un quart de siècle). Tom possède une voix rauque parfaitement adaptée à ce type de répertoire, une voix qu’il ponctue épisodiquement d’interventions à l’harmonica.
Enrichi de cuivres et caractérisé par ses arrangements luxuriants, l’hymnique « Nothing else to do » évoque plutôt Ryan Adams. Bien balancé, « Walking wounded » lorgne vers Chuck Prophett (NDR : deux artistes bien yankees !) Un titre au cours duquel on a envie de danser ou tout au moins de taper du pied. J Mascis vient donner un bon coup de gratte sur « Finding my way back to you ». Et particulièrement offensif, « No one here » nous communique irrémédiablement la bougeotte. Vous avez sans doute déjà entendu le single « Breaking away », sur l’une ou l’autre station radiophonique, une compo contagieuse dont les cordes de guitare tintinnabulantes évoquent The Church.
Mansfield dispense ses interventions à la pedal steel sur les pistes les plus alanguies. A l’instar de « The land of lack » ou du mid tempo « Don’t want to feel good today ». Autre piste mid tempo, « Making love in 2014 » est parcourue de sonorités de guitare bringuebalantes ; un morceau dont la mélodie semble ficelée à la manière de feu John Lennon. Conjuguant bossa nova et country & western, « In spring » constitue la plage la plus ensoleillée du long playing. A contrario, « Sad old light » l’achève sur un ton plus ténébreux ; une plage crépusculaire, presque martiale, rythmée par le glas d’une cloche et enveloppée de chœurs. Enfin, on épinglera encore l’émouvant « The poet’s words », une compo caractérisée par la participation d’une section de cordes ainsi que d’une harpiste ; puis l’étonnant « Do you duty », un morceau discrètement épicé de swing qui lorgne subrepticement vers la Nouvelle Orléans…
Son meilleur album à ce jour. Il figurera certainement parmi mon Top made in Belgium pour 2014. Si pas davantage…
C’est ce qu’on appelle avoir le sens du timing ! Anavantou est en effet le résultat de la rencontre entre savoir-faire brésilien et noir-jaune-rouge. Ou plus précisément entre la formation belge Turdus Philomelos (projet de l’accordéoniste Julien de Borman) et les cariocas de Membrana (drivés par le chanteur Nino Karvan). Aux premières heures de cet évènement dont on frise déjà presque l’overdose, la formule ne peut que s’avérer fructueuse. Cet Ep nous propose 5 morceaux hauts en couleurs qui revisitent le forró brésilien –musique rythmique du Nordeste– à l’aide d’une multitude de courants musicaux, tels que le ska, le reggae et le swing, mais surtout issus d’Europe de l’Est, comme le Klezmer. La tradition européenne et la technique brésilienne : c’est certain, cette équipe sera championne du monde !
Marre de la Coupe du Monde et envie de musique ? Rendez-vous le 28 juin à Gand au Festival Copacabana ou à Esperanzah le dimanche 3 août pour découvrir l’univers d’Anavantou !
Ouf ! Le ténébreux artwork de la pochette ne correspond pas du tout au contenu de cet opus. Je craignais devoir déguster du métal dégoulinant voire indigeste ; et surprise, j’ai été secoué par une étonnante décharge de riffs oscillant entre rock heavy (« Chiwawa »), grunge (« Gone Again ») et stoner (« Down the Road »). Blister est une formation belge. Issue de Bruxelles, très exactement. J’avoue qu’il est peut-être un peu tard pour revenir sur une sortie datant de mai 2012 ; mais vu la qualité des 7 plages de cet Ep, ce retour en arrière est tout à fait justifié. Je vous invite d’ailleurs à jeter une oreille attentive à ces riffs blanc bleu belges chauffés à blanc !
Derrière Jaromil Sabor se cache un jeune auteur/compositeur/interprète répondant au nom de Loïk Maille. Fin des années 2000, ce Bordelais militait chez The Artyfacts. Et déjà sa musique sortait des sentiers battus. En 2012, il publie un album solo, une œuvre atypique baptisée « Marmalade Sculpture ». Atypique à cause de ses arrangements très personnels, arrangements que l’artiste a le bon goût de reproduire sur son second elpee, « La Santa Roja ».
Le disque s’ouvre par « Diamond Mind », une plage lumineuse abordée dans l’esprit du « Sgt Pepper’s » des Fab Four. « Midnigh Cats » et « Silly Miss Lizzy » baignent dans une pop réminiscente des 60’s. « Silly Miss Lizzy » est enrichi de cuivres majestueux. Savoureux mais brefs, « Blourk » et « The Sun Don't Shine On My Corvette » émargent au garage/rock. Les accords de gratte et la voix semblent même hantés par Ty Segall. Un zeste de thérémine (John Spencer ?) introduit « Darrell Standing (I Know What You Mean) ». Loïk serait-il musicien ou expérimentateur sonore ? La question mérite d’être posée. Chaque compo ressemble à un test en laboratoire. Il a ainsi recours à des instruments pour enfants sur « They Told Me Kafka Slept Here », un choix judicieux qui se lie parfaitement aux interventions sauvages de la guitare et aux inflexions vocales particulières de Loïk. « Let A Smile Be Your Umbrella » concède des accords de gratte surf. Un glockenspiel à la précision métronomique parcourt divinement « Alfredo's Ballad » et « Light Of Other Days ». Et « Romainville » constitue la cerise sur le gâteau. C’est également la plage finale. Si vous aimez les albums éclectiques, vous ne serez pas déçus. Perso, grand amateur de vin et tout particulièrement de bordeaux, cet opus me fait penser à un grand cru ; en l’occurrence le Petrus. A consommer avec ou sans modération, suivant votre constitution…
Moaning Cities est une formation bruxelloise fondée en 2011. Depuis 2013, elle tourne énormément et a notamment assuré le supporting act de Holy Wars ainsi que des Warlocks. Cet été, le groupe se produira au Dour festival. Où il partagera l’affiche en compagnie de Phoenix, Blonde Redhead, Connan Mockasin ou encore Breton, le dimanche 20 juillet…
Ce quintet est un cas particulier sur la scène musicale belge. A cause de son style, qu’on pourrait qualifier de blues-rock psychédélique. Et après avoir écouté « Pathways through the sail », il faut reconnaître qu’il a parfaitement bien assimilé les codes du genre.
Lorsqu’on écoute pour la toute première fois cet opus, on pense immédiatement aux Doors. A cause de la voix de Valérian Meunier qui rappelle celle de Jim Morrisson. Puis des influences manifestement orientales. D’ailleurs, au sein du line up figure un joueur de sitar. « Easter » et « Shipbreakers » sont même très susceptibles de nous plonger dans l’univers des contes des Mille et Une Nuits. Pourtant, le combo vit avec son temps et n’hésite pas à se servir de guitares bien grasses ou de la reverb’, dans l’esprit de Black Rebel Motorcycle Club, The Black Angels ou encore The Warlocks. Et en final de l’elpee, on a même droit à un titre acoustique.
En publiant « Pathways through the sail », Moaning Cities vient de frapper un grand coup, une œuvre magistralement produite qui devrait leur ouvrir les portes de l’exportation…
Room 204 réunit les sixcordistes Mric Chaslerie (Papaye) et Nicolas Cueille (Seal of Quality) ainsi que le drummer Pierre-Antoine Parois (Papier Tigre). Le trio est signé sur label français Kythibong (Fordamage, Electric Electric, Papaye, Pneu, …) Aussi, avant même d’écouter ce disque, on sait pertinemment à quoi s’attendre : un math-rock énergique et des titres qui ne durent pas plus de deux minutes.
Et manifestement, on ne peut pas dire que le trio soit innovateur, se contentant d’explorer une veine prévisible. Outre l’énergie jouissive procurée par les premières écoutes de cet elpee, il faut bien reconnaître que le concept commence tout doucement à se mordre la queue. Une carence en créativité que les artistes tentent de compenser en attribuant des titres loufoques à leurs compos.
Finalement, « Maximum Végétation » va achever son parcours, une fois cette chronique rédigée, casé dans une colonne de disques, quelque part entre Pneu, Papaye et Chevreuil ; ce qui n’est déjà pas si mal !
Sweet Jane, c’est le titre d’une chanson du Velvet Underground, que feu Lou Reed avait transformée en tube. C’est également le patronyme choisi par Christel Mignolet, une artiste belge prometteuse issue du Brabant Wallon. Elle entame sa carrière en 1996 et signe ses propres compositions. Son premier album, « Little Bird », paraît en 1999. Il est bien reçu par la critique musicale. Christel a été marquée par la scène insulaire ; d’ailleurs sa voix est aussi tourmentée et envoûtante que celle de PJ Harvey. C’est après avoir assuré le supporting act, à l'Ancienne Belgique, de pointures comme Calexico, Echo And The Bunnymen ou Sophia, qu’elle acquiert une certaine expérience. En 2003, elle publie un deuxième opus, « Full Moon ». Puis, c’est le calme plat. Pas d’inquiétude, elle n’est pas tombée en état de léthargie, mais se consacre à l’écriture, des compos qui vont alimenter son troisième long playing, « Time Away ».
Et l’artiste est venue défendre ce nouvel essai dans le cadre d’une release party, au Witloof Bar du Botanique, ce 18 avril 2014. Votre serviteur était présent pour l'évènement.
Lors des sessions d’enregistrement de ce « Time Away », elle a reçu le concours de musiciens belges. Et notamment le multi-instrumentiste Sacha Toorop (ex-Zop Hopop, Axelle Red, Dominique A), le bassiste/guitariste Calo Marotta (Jeronimo, Showstar), le guitariste Geoffrey Burton (Daan, Alain Bashung) ainsi que Pieter- Jan Desmet (PJDS), préposé aux backing vocals.
Le premier single issu de cet LP, « Point Zero » a également fait l’objet d’un clip vidéo ; et je vous le recommande. A cause de ces interventions de violon lancinantes qui portent la voix languissante de Christel. Un avant-goût du style folk/pop/rock ‘classique’ adopté par Sweet Jane. Quoique plus rock yankee, « Lost » baigne au sein d’une même atmosphère, même si les cordes de guitare tendres et gémissantes suppléent les sonorités produites par l’archet. Un titre qui s’étale sur plus de cinq minutes. Des grattes susceptibles de s’emballer, mais auxquelles la voix de Christel sert de réconfort…
Sculptés dans le folk, « Take A Ride » et « Why Did You » nous replongent dans la mélancolie folk. « How am I Gonna Get out Of This » nous rappelle que Christel voue une grande admiration à Polley Jean Harvey, même si pour la circonstance, la voix me fait parfois penser à celle de Soho (Coffee Or Not). Plus country, « Blend » nous invite à un petit périple à travers les plaines du Far West alors que « Trouble On Your Name » émarge davantage à l’americana. Le long playing nous réserve deux ballades voluptueuses : « All Around You » et « Hoisted The Mainsail ». Et s’achève par « Hold On », une plage harmonieuse empreinte de douceur…
C'est dans le cadre d'un involontaire triptyque psychédélique que s'inscrivait, ce samedi, le showcase du label Rocket Recordings. Involontaire, car cette affiche résultait des hasards de la programmation du Magasin 4 qui proposait deux jours plus tôt Spectrum/WoodenShjips et le lendemain Mugstar. Une agréable alternative au psych lab d'Eindhoven pour ceux qui n'aiment pas trop les festivals ou n'ont pas les moyens d'y assister ; d'autant plus qu'une partie des groupes cités et que l'on citera plus loin y figuraient également.
Mais revenons à l'objet de ce compte-rendu ; à savoir la présentation de 4 artistes du label, dont Gnod, invité à clôturer la soirée. En arrivant devant les portes du Magasin 4, on apprend qu’une des trois formations a déclaré forfait, Teeth of the Sea, pour cause de van défectueux. Il faudra donc s’armer de patience avant de découvrir la première à monter sur les planches : Lay Lamas. Pas grand monde à ce moment-là pour écouter les Italiens qui tentent d'installer une ambiance un peu primitive/chamanique/bucolique (biffez la mention inutile) à l'aide d'une batterie au départ très basique qui souvent se contente de marquer le temps, d'une guitare pas excessivement bavarde mais parfaitement adaptée au genre, une basse assez groovy et quelques sonorités diverses assez proches de bruits issus de la nature (l'ambiance bucolique évoquée ci-dessus). Petit à petit, la sauce prend et le jeu s'étoffe mais quand débarque une voix plutôt pop, je m'accommode assez mal de son timbre... Moment à partir duquel je vais décrocher de leur set... Un set malgré tout relativement honnête pour un hors d’oeuvre qui s’est déroulé devant un bien maigre public.
Anthroprophh va constituer la véritable énigme de la soirée. Véritable référence pour les amateurs de psyché fuzz, Paul Allen, le guitariste de The Heads, y milite. Le trio passe, en effet, sans transition aucune entre morceaux ‘climatiques’ et véritables concours de solos pour batteries et guitares, des compétitions dignes de dinosaures du rock qui mériteraient davantage leur place sur les ondes de Classic 21 ou la scène du Spirit of 66 qu'au Magasin 4... On a eu beau chercher et on cherche toujours le fil rouge entre l'excellente pièce rituelle installée par une batterie tribale et des drones de cordes organiques, un peu sales, et le morceau qui a suivi, typiquement classic voire hard rock. Progressivement, lassé par ces digressions incessantes, l'attention se dissipe et on commence à attendre ce qui vraisemblablement devrait être le clou de la soirée : à savoir les fabuleux Gnod.
Pour les avoir vus à plusieurs reprises, je peux vous garantir que ces Mancuniens nous réservent toujours des surprises. On ne sait jamais sous quel line up ils vont se produire ni quel genre de performance ils vont livrer : techno post indus, psyche zen ou plus heavy voire encore drones extatiques... Bref, la gamme dans laquelle ils s'expriment est assez vaste et le résultat souvent heureux. Comme ce soir d'ailleurs où ils nous embarquent directement dans un trip kraut motorik et aérien illuminé par un superbe sax (une première en ce qui me concerne). La magie s'installe directement et l'attention du petit nombre d'aficionados réunis dans le club bruxellois est bien focalisée. On passe alors à du plus lourd dans la frappe de batterie au sein d’un climat hyper répétitif n'offrant que la fuite ou l'hypnose. En choisissant la seconde solution, on boira jusqu'à la dernière goutte le breuvage... Je glisse alors ironiquement à l’oreille d’un des programmateurs de la salle : 'Et maintenant c'est fini!' ; et, effectivement, le groupe s'arrête et salue l'audience perplexe et espérant au moins se voir accorder un rappel. Mais il n'en sera rien. La formation a apparemment jugé que le charme était rompu après ces deux compos très longues certes mais qui n’ont offert au final qu'un live de 40 min maximum! Ce qui ne peut évidemment que laisser un goût de trop peu compte tenu de 3 remarques. Primo, seuls 3 des 4 groupes prévus se sont produits. Secundo, le dernier passage de Gnod en ces murs avait été écourté non pas par leur faute mais à cause d'un quidam qui avait trop abusé de substances et trouvé judicieux de balancer sa bière sur leur matos. Tertio, le band occupait la tête d'affiche, tout simplement. Il me semble quand même qu'en tenant compte de ces paramètres, les spationautes auraient pu nous emmener encore visiter un p'tit bout de galaxie en plus... non? Reste à compter sur leur prochain passage pour nous débarrasser de ce léger sentiment de frustration.
(Organisation Rocket Recordings + Magasin 4)
Gnod + Lay Lamas + Anthroprophh
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