Shane Dwight est né en Californie. Depuis 2009, ce chanteur, compositeur et guitariste partage son temps entre Nashville et son ranch californien. Sa discographie est conséquente ; il a ainsi publié huit cd et 2dvd live. Paru en 2011, son dernier elpee, "A hundred white lies", avait été fort bien reçu par la critique. Il a signé un contrat chez Eclecto Groove, la branche rock du label blues californien Delta Groove. Il a conservé le même producteur, Kevin McKendree. La crème des musiciens de studio de la Music City de Nashville a participé aux sessions d’enregistrement : Doug Lancio à la guitare rythmique et Kenneth Blevins à la batterie (NDR : ce sont des membres du backing group de John Hiatt), Steve MacKey à la basse et Lynn Williams aux drums (NDR : il milite, lui auprès de celui de Delbert McClinton). Kevin McKendree, qui a longtemps soutenu McClinton, se charge des claviers.
Le titre maître ouvre l’opus. Une plage accrocheuse, caractérisée par une mélodie soul subtile. La voix de Dwight est solide et chaleureuse. Les sonorités dispensées par l’orgue Hammond de McKendree son feutrées. Une bonne rythmique communique un feeling funk à "We can do this", une piste toujours dominée par la voix, avant que Dwight ne s’autorise un billet de sortie sur sa gratte nerveuse et bien sentie. "Fool" baigne au sein d’un climat serein, presque indolent, une ballade réminiscente du Band, au cours de laquelle Shane nous réserve un solo tout en sensibilité. "Sing for me (Search for Sierra)" lorgne vers le Chicago Southside, mais sous un format contemporain. Une compo qui fleure bon le Sud. Parcouru par une mandoline et enrichie de chœurs gospel, elle exhale un charme discret et repose sur une trame mélodique ambitieuse. De sa voix accrocheuse et chargée de passion, Bekka Bramlett, la fille de Bonnie & Delaney, est venue chanter "It's gonna be beautiful", dans un climat country made in Nashville. Le style adopté tout au long de cet elpee s’avère, en général, plutôt homogène. "Devil's noose" est un blues aux accents roots americana. Directe, harmonieuse, la six cordes se fraie un chemin devant l'orgue Hammond. "Stepping stone " nous entraîne au cœur d’un Memphis blues bien saignant, une compo calquée sur le motif rythmique de "Green onions". Les changements de tempo sont parfaitement intégrés. Omniprésente, la guitare est impeccablement maîtrisée. Manifestement une des meilleurs plages du long playing. Shane a trouvé sa vitesse de croisière. Son blues est bien rythmé. Il n’a plus trop envie de changer de trajectoire. "Never before" est entraînant. La voix de Dwight est intransigeante pour aborder "I'm a bad man". Elle est aussi convaincante que celle du géant texan, Freddie King. Et la guitare laisse s’envoler de savoureux chapelets de notes, dès qu’elle en a l’opportunité, pour épouser le chant ! Ballade presque pop, "Losing ground" est tramé sur une ligne mélodique simple. Les sonorités de l’orgue sont lumineuses. Les interventions de cordes dignes de Clapton. Soutenu par un riff blues/rock, "Bad for you" concède des vocaux hip hop que traduisent les réponses animées de Lady Bekka. De bonne facture, cet elpee s’achève par "Crazy today", une piste qui baigne dans l'ambiance country/gospel de la Music City.
Parallèlement à leurs travaux d’archéologie musicale exotique, les Espagnols de Vampisoul soutiennent également des productions actuelles dont celle de très douées et mystérieuses Brésiliennes. En l’occurrence des ‘Filles Suédoises’, traduction littérale de Garotas Suecas. A quelques encablures de cet incontournable et parfois décrié ‘Mondial’, le Brésil prouve que son univers ne se limite pas au foot, aux plages, au carnaval et autres strings mais recèle également de très bons groupes qui pratiquent du rock psyché, teinté de pop et de soul 60’s ! « Feras Miticas » (les ‘Animaux Mythiques’) constitue le second album de ce quintet issu de Sao Paulo. Une formation qui ne lésine pas sur les moyens pour transfigurer ses morceaux : cordes et cuivres confectionnent des entrelacs de guitares et de voix multiples (parmi lesquelles on remarquera la présence de Paulo Miklos, chanteur des mythiques Titas et de la rappeuse Lurdez da Luz). L’elpee regorge de perles luxuriantes sous effets (« L.A. Disco ») et bénéficie même du concours de l’ex-guitariste de Gun Club et des Bad Seeds, Kid Congo Powers ! Perdues au Brésil, ces ‘Filles suédoises’ semblent s’être parfaitement intégrées afin de créer un mix parfait entre langueur tropicale et esprit rock vintage et enfumé !
Saxophoniste, Terry Hanck est âgé de 66 ans. Malgré les tempes et les cheveux gris, ce chanteur/compositeur/arrangeur/musicien est reconnu pour son immense talent de souffleur. Au sax ténor, bien sûr ! Son style est forgé dans le blues, mais un blues qu’il teinte de soul, de R&B et de rock'n'roll. Il puise ses principales influences au cœur des années 50. Né à Chicago, Terry est un passionné du blues. Il a fait le pas californien au cours des sixties. Plus tard, il milite au sein du backing band de l’ex-guitariste du Paul Butterfield Blues Band, Elvin Bishop. Début du millénaire, Hanck incite Chris ‘Kid’ Andersen à émigrer en Californie. Le Norvégien deviendra le gratteur attitré du souffleur, pendant plusieurs années. Et c’est le Kid et Hank qui produisent ce nouvel elpee. Johnny ‘Cat’ Soubrand a repris le rôle de sixcordiste au sein du Terry Hanck Band, aux côtés du drummer Butch Cousins et du bassiste Tim Wagar. Terry avait déjà publié un long playing en 2011. Intitulé "Look out!", il était paru chez Delta Groove. Le nouvel opus est sorti sur le même label. Un disque pour lequel il a reçu le concours de son backing group, mais aussi d’une belle brochette d’amis, pour la plupart des stars du blues contemporain.
"Right now is the hour" ouvre la plaque. Une compo signée par son vieil ami Elvin Bishop. Enrobée de chœurs gospel, parcourue par les cordes de Cat Soubrand et dynamisée par le saxophone en délire du leader, cette chouette plage de pop/r&b aurait pu alimenter un jukebox de la fin des 50s. Un riff de guitare familier aborde sa reprise du "Whole lotta lovin". Terry vide ses poumons sur ce titre signé Maxwell Davis/Joe Josea et popularisé par BB King. L’orgue Farfisa de Jim Pugh libère des sonorités vintage et Kid Andersen se réserve la guitare sur "Pins and needles", une plage ludique, ensoleillée et bien rythmée. "Peace of mind" nous replonge dans l'atmosphère du Chicago Westside, époque Magic Sam. A cause de ce riff de gratte rythmique bien caractéristique. Bob Welsh siège derrière le piano et Cat nous livre un superbe envol enflammé de notes torrides. Très jazz, "T's groove" est un instrumental saturé… de groove. Jim Pugh prend la direction de Memphis et se souvient d’un certain Booker T. Ce qui explique le titre de ce morceau. "My last teardrop" baigne au cœur d’une atmosphère festive. Celle de la Louisiane. Les spectres de Guitar Slim et de Fats Domino planent. Soubrand démontre une nouvelle fois sa dextérité aux cordes. Le sax baryton de Doug James rejoint le ténor de Hanck, tout juste pour libérer ce dernier lors d’un changement de rythme dévastateur. "No gettin' over me" est un succès recueilli autrefois par Ronnie Milsap. Sur cette reprise, la voix féminine de Lisa Leu Andersen soutient celle, particulièrement soul, de Terry. On navigue alors dans un climat qui me rappelle quelque part Junior Walker & The All Stars. Seconde piste instrumentale, "Jam up" est un classique du R&B des années 50, composé à la Nouvelle Orléans par Tommy Ridgley. Une piste balisée par la basse de Tim Wagar et les ivoires de Welsh. Une belle rampe de lancement pour propulser les solos de Soubrand, James et Hanck, au firmament… Terry signe "Gotta bring it on home to you", un blues légèrement teinté de rock, plutôt cool, qui permet à nouveau la sortie de trois solistes. Mais aux six cordes. En l’occurrence, Soubrand, Kid Andersen et Miss Debbie Davies (NDR : elle participe également aux vocaux). Excellent ! Terry chante autoritairement "One horse town". Cette finale dansante, très r&b, mais aux accents funkysants, entretient une ambiance endiablée, au cours de laquelle tous les acteurs participent avec beaucoup de plaisir …
Ce « Dead Man » porte bien son titre ! Il baigne en effet dans une ambiance particulièrement poisseuse, si caractéristique de la ‘Bible Belt’ du Midwest américain, magnifiquement décrite par le film éponyme de Jim Jarmusch sorti en 1995, qui mettait en scène Johnny Depp. Toutefois une référence saute immédiatement aux oreilles, en écoutant le second opus de Harold Martinez : David Eugene Edwards. Et tout particulièrement sur « The Killers Crow ». Car, non seulement cet elpee baigne dans un ‘swamp rock’ aux ambiances sombres et aux guitares distordues (« Dead Man »), mais les compos sont traversées par une voix écorchée, à la limite de la rupture. Saturée d’émotion, elle vous prend même aux tripes, dans un registre qui rappelle manifestement celui du cow-boy aujourd’hui actif au sein de Wovenhand. Flanqué du batteur Fabien Tolosa, le Nîmois Harold Martinez s’aventure sur les terres du sud des Etats-Unis depuis ses Cévennes natales ; et malgré un manque de personnalité propre, il parvient à nous bluffer. La cérémonie consacrée à ce « Dead Man » réveille en tout cas les fantômes du 16 Horsepower ! Un bien bel album…
Planet Full of Blues est un trio originaire de la Virginie. Johnny Ray Light en est le leader, mais aussi et surtout le chanteur/guitariste. Il est soutenu par le drummer Brock Howe et le bassiste Ron Dameron. La formation avait publié un premier opus éponyme en août 2008. Johnny avoue avoir été particulièrement inspiré par le regretté Stevie Ray Vaughan. Sa voix évolue dans un registre proche de Clayton-Thomas, du Blood, Sweat & Tears! Pour concocter cet elpee, le trio a bénéficié du concours du célèbre Jim Gaines. Des sessions qui se sont déroulées au sein des studios Bessie Blue de Memphis. Le combo pratique un blues rock largement teinté de R&B et libérant beaucoup de groove.
"Big mouth" ouvre le feu dans l’esprit de Vaughan. Néanmoins, la voix est moins hargneuse et a moins de vécu ! Elle emprunte alors l’expression autoritaire de David Clayton Thomas sur "So special", dominant bien sûr son sujet. Mr Light aborde son "Mashed potatoes Gravy" de manière ludique. Les musicos sont à la recherche de la bonne bouffe. De quoi donner de l’inspiration à Johnny pour s’envoler aux cordes. Sa voix est quand même particulière. Grave, elle est parfaitement adaptée lorsque le tempo n'est pas trop vif, comme sur "Open your eyes", une plage caractérisée par un solo très éclectique. Bien ficelé, "Busboy" trempe dans le blues rock conventionnel, une piste typique de la formule trio, la guitare comblant naturellement tous les espaces vides. "I had a dream" repose sur une trame dramatique réminiscente d’un Stevie Ray Vaughan des bons jours, une plage lente, aux accords de guitare fluides. "Big bright light" baigne dans un swamp rock qui lorgne vers le Creedence Clearwater Revival, mais sous une approche plus douce. Contaminé par les tonalités texanes de la guitare, "Sunday drive" déménage littéralement. "Felt like a tourist" accélère le tempo, un tempo bien soutenu par une rythmique très rock'n'roll qui laisse échapper de bonnes vibrations. Parcouru par d’excellentes interventions à la slide, "Snake lady" véhicule des accents très southern, roadhouse même. De bonne facture, cet elpee s’achève par le convaincant "Shugrue shuffle", un instrumental qui bluese et rocke comme du bon Freddie King!
Il faudra un jour écrire une thèse sur l’influence de John Carpenter sur l’électro actuelle. Pas le cinéaste, mais le compositeur de bandes originales. Sa musique consacrée au film « Assaut » a notamment marqué au fer blanc toute une génération de gamins qui ne s’en sont toujours pas remis. Et le duo français Principles of Geometry ne déroge pas à la règle pour leur dernier L.P. « Meanstream » (NDR : jeu de mots moyen, soit dit en passant).
Nappes répétitives, basse synthétique, tout concourt à un retour vers les 80’s. On a même l’impression de regarder un vieux téléfilm sur une vhs aux images délavées. Mais pas que, heureusement. Les Parisiens hébergés chez Tigersushi, le label de Joakim, sont capables de varier les plaisirs.
Puisant dans le funk blanc de Prince période « Controversy » ainsi que certaines ambiances chez Air, ils évitent de susciter un sentiment de lassitude. Et si le début de l’album est en plein trip Miami Vice, à partir de « Dogod », le retour vers des sonorités plus contemporaines, préserve également de toute sensation monotone.
Le concours des Alessi Brothers aux vocaux, chanteurs méconnus qui ont sévi de 1977 à 1984, soit en pleine période paillettes Bee Gees, réservant même une chanson intitulée « Savin' the Day » pour la bande originale du film « Ghostbusters », avant de se reformer début du millénaire, permet des échappées cosmic disco qui emportent l’adhésion.
Un album à la production très française, caractérisée par cette touche de nostalgie adolescente qui crée une zone de confort ou l’on peut s’installer agréablement...
Ce quartet canadien est né en juillet 1998. Raoul Bhaneja, à la fois musicien et acteur, en est le fondateur. A l’époque, il vivait alors à Ottawa. Le Big Time, basé depuis à Toronto, s'est forgé une solide réputation au pays du sirop d'érable. Le combo a publié cinq elpees à ce jour : "Big time blues" en 2000, "Cold outside" en 2004 et "You my people" en 2009, pour lesquels le combo avait reçu le concours des Californiens Junior Watson et Mark Hummel, ainsi que "Blue Midnight" en 2010, destiné à rendre un hommage ‘live’ à la légende de Chicago, Little Walter Jacobs. Sans oublier, bien sûr, ce nouvel opus, "Hollywood Boulevard".
Les sessions se sont déroulées entre Toronto, au Canada, et Burbank, en Californie. Le band y a concocté une excellente tranche d'American roots, farcie de blues, de jazz, de rock'n'roll et de west coast swing. Raoul se réserve le chant et l'harmonica. Son Big Time réunit le guitariste Darren Gallen, le drummer Tom Bona et le bassiste Terry Wilkins. De nombreux invités prestigieux, pour la plupart californiens, sont venus participer aux sessions d’enregistrement. Nous sommes donc sur le parterre étoilé de Hollywood Boulevard, à Los Angeles!
"Nothin' gonna take me down" ouvre les hostilités. Raoul est au vocaux. Il est soutenu par des musicos qui prévilégient une musique minimaliste, mais d'une efficacité redoutable. Soit le noyau actuel du backing band de Mavis Staples ; en l’occurrence Rick Holmstrom aux cordes, Jeff Turmes à la basse et Stephen Hodges à la batterie. Instrumental, "Hollywood Boulevard" réalise une rencontre hypothétique entre Slim Harpo et Ramsey Lewis. Fred Kaplan brille au piano. L'incomparable Junior Watson attaque les cordes dans l'esprit de Slim Harpo. La voix de Raoul libère énormément de feeling tout au long du "Someday" de Bobby Bland, un superbe blues lent, balayé par les cuivres et la guitare de Franck ‘Paris Slim’ Goldwasser. Larry Taylor et Richard Innes (NDR : souvenez-vous du Hollywood Fats Band !) constitue la section rythmique rêvée pour baliser le Chicago shuffle "High roller". Caractérisé par ses sonorités primaires, l’instrumental "Amphetamine" permet à Raoul de se mettre en exergue. Et s’y révèle brillant, proche même de Little Walter ou de George Smith, alors que Rick Holmstrom lui donne la réplique. "Get out of my life woman" est issu de la plume d'Allen Toussaint. De quoi s’autoriser une petite halte à la Nouvelle Orléans. Les Canadiens tirent manifestement leur épingle du jeu : Darren Gallen aux cordes, Tyler Yarema au piano et Mark Mariash aux percussions. Encore un instrumental, "Left Coast Fred", du West Coast jump saturé de swing. Raoul est au cœur des marais louisianais pour chanter "Why am I treated so bad", une compo qui figure au répertoire des Staple Singers. Holstrom y réverbère des sonorités de cordes surprenantes. La voix de Bhaneja est chargée de passion quand il chante "Tired". Et les tonalités de son harmonica chromatique semblent alors si familières à George Smith. "Spoken for" est un excellent jump à la Watson. Le long playing nous réserve une dernière piste instrumentale, "Curtis charm" ; et elle nous permet de savourer un remarquable duo entre harmonicistes, en l’occurrence Raoul et son ami Curtis Salgado. "In the shadow of the pine" clôt cet opus d’excellente facture. Empreint de quiétude, ce titre baigne dans un climat louisianais. Et il met en exergue les interventions à l'accordéon de Johnny Sansone et au violon d'un autre pote canadien, John Showman. Un disque que je vous recommande vivement !
Malgré son patronyme, cette formation n’est ni yankee, ni insulaire, mais italienne. Elle est née en 2010, lorsque le chanteur/guitariste Andy McFarlane (ex-Hormonauts) et son vieil ami Peppe Degregoriis (ex-batteur de Little Victor and the Boomers) on décider de s'associer. Ils sont bientôt rejoints par Nicolo Fiori à la basse ainsi que Guy Portoghese au saxophone et à l'harmonica. L’année suivante, le combo grave "Tora! Tora! Tora!", un disque qui agrège rhythm & blues, swing et soul. Malheureusement, Portoghese décède en octobre 2012. Il a cependant depuis été remplacé par Eugenio Pritelli, un chanteur/guitariste issu du groupe de psychobilly, The Horrible Porno Stuntmen.
"All kinds of people" constitue donc leur second opus. Plus immédiat, il est censé remettre au goût du jour l’héritage laissé par Screamin' Jay Hawkins et Howlin' Wolf!
Très remuant et dansant "Mai Tai" s’ouvre dans le jump, le jive et le swing. Des voix féminines soutiennent celle d'Andy. Le travail rythmique opéré par Nicolo et Peppe est particulièrement soigné. Psychobilly, la guitare peut faire son entrée. "Who he?" est davantage rockabilly. La voix est excellente. Spasmodique, un piano s’immisce dans l’ensemble toujours bien balisé par la basse et la batterie. Quoique toujours bien rythmé, "Out of this bow" reste dans le rythme, mais le blues s’y infiltre, notamment grâce à l’harmo qui soutient les vocaux. Bien plus blues encore, "Wreck" incite à la nonchalance. Nous sommes entraînés dans ces marais louisianais où peut apparaître à tout instant la silhouette d'un alligator. Une angoisse finit par nous envahir. Un sentiment dramatique bien rendu les accents réverbérés de la guitare. Nos Kamikazes semblent avoir pris un immense plaisir à reprendre un hit qui a alimenté les juke-boxes, au tout début des 60s, "The Wanderer" de Dion Di. Imprimé sur un tempo rapide, "Bank notes" est sculpté dans un rockabilly susceptible de rappeler les débuts du King. Et on macère toujours dans le rock'n'roll nerveux tout au long de "Physique". La voix adopte un profil rockabilly sur "Two fiftyone", un morceau néanmoins judicieusement contaminé par le blues. Toujours à cause de cet harmonica qui s’autorise un billet de sortie et malgré la présence d’une guitare aux accents métalliques. Rock'n'roll à l'italienne, "Tutti I Venerdi" est interprété dans la langue de Verdi. Adriano Celentano n'est pas loin sur ce morceau caractérisé par ses accords de gratte rageurs. Et, au micro, on retrouve la voix de feu Guy Portoghese. Les miracles de la technologie ! Une seule ballade, "Start again", une chanson reprise en chœur par les musiciens. Blues immédiat et primaire, "All kinds of people" libère énormément de groove. Et à cet instant, on décèle les vibrations que produisaient autrefois la légende Howlin' Wolf ! La finale nous plonge dans le monde sauvage des animaux. Ce "Kamikaze jive" évolue pourtant sur le rythme soutenu du rockabilly et du jive, et permet même aux cordes de McFarlane et Pritelli d’entrer en transe…
Ian Siegal est sans aucun doute l'un des meilleurs bluesmen insulaires. Agé de 42 balais, ce chanteur/guitariste/compositeur truste, chaque année, les récompenses des British Blues Awards, depuis 2010. Il se produit régulièrement en compagnie d’un groupe ; mais il lui arrive de se produire en solo, armé de sa seule guitare et de sa voix. Et ce "Man & Guitar", enregistré par la BBC au célèbre Royal Albert Hall de Londres, en octobre dernier, dans le cadre du London Bluesfest, immortalise un tel exercice du style. La setlist est constituée de compos personnelles et de traditionnels du blues.
Ian est assis. Solitaire devant l’auditoire de l'imposant Royal Albert Hall. Sa voix ravagée et rocailleuse nous guide, tandis qu'il gratte nerveusement ses cordes. Il ouvre le set par "The Silver spurs", un morceau qui figurait sur son elpee "The dust", paru en 2008. Le bottleneck bien accroché au doigt, il le fait glisser le long des cordes communiquant au son ce caractère métallique si caractéristique. Il interprète "Mary don't you weep", un negro spiritual qui remonte avant la guerre civile des USA. Pete Seeger, Aretha Franklin et Bruce Springsteen l’ont autrefois également inclus dans leur répertoire. Siegal possède un don unique à se servir du bottleneck. Et il le démontre une nouvelle fois sur "Mortal coil shuffle", un blues bien ancré dans ses racines. Il rend ensuite hommage à l'un de ses maîtres, Charlie Patton. Considéré comme le père du ‘Delta blues’, il avait enregistré son "Pony blues", en juin 1929. Un bail ! Ian injecte toute sa rage dans la voix pour adapter ce titre d'un autre siècle. "I am the train" est imprimé sur un tempo hypnotique, proche de celui du chemin de fer. "T' ain't nobody's business" est un autre très ancien blues. Il a été composé par le pianiste Porter Grainger, vers 1921. Depuis, il a été repris à maintes reprises par des tas d’artistes devenus légendaires, dont Bessie Smith, Alberta Hunter, Billie Holiday, Dinah Washington, Sam Cooke et, avec pas mal de bonheur, Freddie King. Taj Mahal en avait également réalisé un arrangement personnel ; et c’est celui-ci que Siegal a choisi d’adapter, lors d’une version à la performance vocale impressionnante. Mais le meilleur titre exécuté lors de ce concert est incontestablement son "Falling on down again". Il attaque encore le "Preachin' blues" de Robert Johnson, un medley composé de chants traditionnels. Puis "Live so God can use you", un gospel d'une autre époque, également repris par Muddy Waters. Et embraie par le "You got to move" de Fred McDowell. En fin de parcours, il nous réserve la cover du "Gallo del Cielo" de Tom Russell, et une composition ancestrale, "Hard times". Ecrite en 1854 par Stephen Foster, elle a figuré au répertoire de Bob Dylan et Johnny Cash.
« In today already walks tomorrow » n’est pas vraiment un nouvel Ep de Sleepmakeswaves. En fait, il était déjà sorti dès 2008 en Australie, mais ne sera officiellement distribué sur le Vieux Continent, via le label insulaire Monotreme (65daysofstatic, Barzin, M+A, …), que dans quelques semaines. Le quatuor australien (NDR : il est issu de Syndney) s’est forgé une notoriété en se produisant ‘live’, bénéficiant notamment des tournées comme supporting act pour des groupes-phares comme Mono, Russian Circles ou encore 65daysofstatic. Et plus récemment, la formation a participé au Dunk !, festival post-rock par excellence.
A l’instar de leurs précédents essais, les Kangourous érigent des paysages sonores à la fois majestueux et accidentés. Et « I will write peace on your wings and you will fly over the world » ainsi que « One day you will teach me to let go of my fears » en sont certainement les plus belles illustrations. Lyrique, leur post-rock est balisé par des claviers ainsi que des violons, et traversé d’éclairs chargés d’électricité. De longues envolées atmosphériques leur permettent, en outre, de poser les ambiances. On pense notamment aux Japonais de Mono (d’ailleurs comme eux, ils affectionnent les titres à rallonge !) ou, dans une moindre mesure, à Sigur Rós.
Les 37 minutes de post-rock figurant sur ce « In today already walks tomorrow » sont d’excellente facture. Malheureusement, comme c’est souvent le cas pour une majorité de groupes qui pratiquent ce style, l’originalité n’est pas au rendez-vous…
Une soirée psychédélique était bien calée au Vaartkapoen (Vk*) de Molenbeek, ce jeudi 28 mai, en compagnie de Moaning Cities et de Radio Moscow. Pas étonnant que les mélomanes se soient déplacés en nombre. Chargée de promesses, la première formation est issue de Bruxelles. Originalité, à l’instar de The Narcotic Daffodils, le line up implique un musicien qui joue du sitar. Pas courant sur la scène belge. Le quintet assure la première partie du combo étasunien Radio Moscow. Un trio réunissant de jeunes chevelus. Qui ce soir va être confronté à de multiples problèmes d’alimentation en électricité. Mais ‘it was rock'n'roll time'.
Fondé en automne 2011, Moaning puise essentiellement ses racines dans le blues et le psychédélisme né entre les années 60 et 70, et tout particulièrement chez les Doors, le Velvet Underground, 13th Floor Elevator et Silver Apples. Woodstock, c’est leur Nirvana. Mais leurs références sont également contemporaines, et peuvent s’inscrire dans l’esprit de Black Rebel Motorcycle Club, The Black Angels, Dead Meadow, Goat, Wooden Ships, Night Beats, Conershop ou Tape Impala. Et si les guitares rock’n’roll sont souvent puissantes, adoptant même parfois un ton stoner, ce sont les interventions du sitar qui font vraiment la différence. Aux commandes du navire, le chanteur/guitariste Valérian Meunier. Le line up est complété par la chanteuse/bassiste Juliette Meunier (NDR : sa frangine !), le drummer Grégory Noël et deux sixcordistes, en l’occurrence Bertrand Gascard ainsi que Timothée Sinagra. C’est ce dernier qui est également préposé au sitar. Il écoute beaucoup de musique orientale. Il a appris à jouer de cet instrument en Inde. C’est un grand maître qui l’a initié lors d’un séjour de plusieurs semaines.
Leur premier Ep est paru en septembre 2012. Et il est éponyme. Limité à 300 exemplaires sous la forme du vinyle, il est actuellement épuisé. Le single « Jjah Ming Dee » est sorti en avril 2012. Il a également fait l’objet d’un clip. En août 2013, le quintet enregistre son premier long playing. Intitulé « Pathways Through The Sail », il est bien accueilli par la critique musicale. Il a même été présenté le 15 février 2014, lors d'une release party ‘sold ou’t à la Rotonde du Botanique.
Les artistes montent sur les planches du Vk*. Les trois guitaristes sont alignés en front d’estrade. Le drummer campe juste derrière Valérian. Juliette s’est installée, en retrait, à droite. Et ses interventions appliquées sont vrombissantes. Grégory frappe frénétiquement ses fûts. Tim se met à l'aise et retire chaussures et chaussettes. Peu courant ! Valérian chante dans un micro classique ou un cornet de téléphone trafiqué.
« Breat And Games » nous plonge immédiatement dans les sixties et les seventies. « Jah Ming Dee » est un titre qui ne figure pas sur l'album. C’est une plus ancienne compo, et elle nous invite à prendre le chemin de l’Orient. Mais un petit détour par Woodstock s’impose via « House For Sail ». La seconde étape du voyage s’intitule « Breat And Games » et elle interpelle l’auditoire. Un duel oppose le drumming et la ligne de basse. « Witches And Dames » monte en puissance. Tim, yogi dans l'âme, s'accroupit. Et on se délecte des sonorités qui émanent de son sitar sur « Shipbreaker ». Le concorde atterrit au Taj Mahal après un « Peaking Slow ». Le voyage est terminé, « Panic In The Dark » nous ramène à Molenbeek. « Please To Loose » nous renvoie une dernière fois vers les seventies. Le set s’achève en beauté par « Vandal In The Run », une nouvelle composition. Les spectateurs sont enchantés par le set et en redemandent. D’ailleurs, à l’issue de la soirée, pas mal de spectateurs vont acheter leur album, au stand merchandising. Et perso, je pense que Moaning Cities a le potentiel pour s’exporter. C’est en tout cas, tout le mal qu’on leur souhaite…
Place maintenant à la tête d’affiche. Les musicos se chargent de débarrasser et d’installer le matériel eux-mêmes. Radio Moscow est un groupe de rock/blues psychédélique américain formé en 2004, dans l'état d'Iowa. Parker Griggs en est le guitariste, le chanteur et le principal compositeur. Avant de se lancer dans cette nouvelle aventure, il sévissait chez Duck and Cover, comme lyriciste et drummer. Et quand il quitte le bateau, c’est pour monter un projet qu’il baptise Garbage Composal. Que le bassiste, Serana Andersen, viendra rejoindre plus tard. Avant de changer de patronyme, pour adopter celui de Radio Moscow. Le duo travaille d’arrache pied, et se produit en ‘live’ sans batteur. Pour pallier cette lacune, Parker pré-enregistre les parties de drums et les amplifie lors des concerts. Et lorsque le tandem tourne dans le Colorado, il n’a toujours pas dégoté la pièce manquante. Dan Auerbach, le leader des Black Keys les remarque et leur propose de produire le second album et de le sortir sur leur label Alive/Bomb Records. Malheureusement, Parker ne parvient pas à conserver suffisamment longtemps le moindre drummer pour mener à bien sa barque, et la proposition tombe provisoirement à l’eau. Et quand il peut enfin entrer en studio, le bassiste Luke McDuff qu’il venait de recruter le laisse tomber, pour retourner aux études. Finalement, le premier elpee est mis en boîte en 2007. Zach Anderson se charge alors de la basse et Paul Marrone des drums. Le trio part alors en tournée de 2009 à 2010. Mais au bout du périple, Paul Marrone décide de mettre la clef sous le paillasson afin de se focaliser sur son side-project baptisé Cosmic Wheels. Il cède alors la place à Cory Berry qui avait suppléé Keith Rich pendant quelques mois. Radio Moscow publie « Brain Cycles » en 2009, « The Great Escape Of Leslie Magnafuzz » en 2011 et « 3 And 3 Quarter » en 2012. En attendant la sortie du dernier opus intitulé « Magical Dirt », prévue pour le 17 juin, et passé en revue ce soir, le combo avait gravé un Ep en 2013, « Rancho Tehama ».
Ce soir, le line up de Radio Moscow réunit Parker, le bassiste Anthony Meier et –surprise– Paul Marrone aux drums. Apparemment, ce dernier revient participer régulièrement aux tournées du groupe. La setlist revisite d’abord « Brain Cycles » alignant « Broke Down », « I Just Don't Know », « The Escape », « Brain Cycles » et « Hold On Me ». Les riffs dispensés par Parker sont précis et harmonieux. La ligne de basse est ronflante, dans l’esprit de Chas Chandler, à l’époque du Jimi Hendrix Experience. Le trio nous réserve quelques titres de leur prochain long playing. Caractérisé par ses envolées de guitare psychédéliques, « Death Of A Queen » est magistral. Mais à partir de « Before It Burns », un sérieux problème technique va handicaper le bon déroulement du set. Six pannes de courant ! Le batteur va bien tenter de meubler ces interruptions de solos habiles et kilométriques. Mais l’ambiance retombe d’un cran. Le set reprend par « Before It Burns ». Cependant, au cours de « 250 Miles », Parker pète une corde de sa gratte et doit la remplacer. Heureusement, les musicos sont persévérants et talentueux. La monté en puissance est de plus en plus perceptible. La foule commence à s’exciter et même à pogoter. On aura même droit à du crowdsurfing. Vu l’animation qui règne devant l’estrade, et le concert qui prend une forme plus métallique, votre serviteur bat en retraite, et s’installe derrière la table de mixage, placée au milieu de la salle. Mais l’histoire n’est pas terminée, car si le concert a pu se poursuivre, il a quand même été à nouveau perturbé, par de nouvelles coupures de courant…
(Organisation Vk* Concerts)
Une soirée psychédélique était bien calée au Vaartkapoen (Vk*) de Molenbeek, ce jeudi 28 mai, en compagnie de Moaning Cities et de Radio Moscow. Pas étonnant que les mélomanes se soient déplacés en nombre. Chargée de promesses, la première formation est issue de Bruxelles. Originalité, à l’instar de The Narcotic Daffodils, le line up implique un musicien qui joue du sitar. Pas courant sur la scène belge. Le quintet assure la première partie du combo étasunien Radio Moscow. Un trio réunissant de jeunes chevelus. Qui ce soir va être confronté à de multiples problèmes d’alimentation en électricité. Mais ‘it was rock'n'roll time'.
Fondé en automne 2011, Moaning puise essentiellement ses racines dans le blues et le psychédélisme né entre les années 60 et 70, et tout particulièrement chez les Doors, le Velvet Underground, 13th Floor Elevator et Silver Apples. Woodstock, c’est leur Nirvana. Mais leurs références sont également contemporaines, et peuvent s’inscrire dans l’esprit de Black Rebel Motorcycle Club, The Black Angels, Dead Meadow, Goat, Wooden Ships, Night Beats, Conershop ou Tape Impala. Et si les guitares rock’n’roll sont souvent puissantes, adoptant même parfois un ton stoner, ce sont les interventions du sitar qui font vraiment la différence. Aux commandes du navire, le chanteur/guitariste Valérian Meunier. Le line up est complété par la chanteuse/bassiste Juliette Meunier (NDR : sa frangine !), le drummer Grégory Noël et deux sixcordistes, en l’occurrence Bertrand Gascard ainsi que Timothée Sinagra. C’est ce dernier qui est également préposé au sitar. Il écoute beaucoup de musique orientale. Il a appris à jouer de cet instrument en Inde. C’est un grand maître qui l’a initié lors d’un séjour de plusieurs semaines.
Leur premier Ep est paru en septembre 2012. Et il est éponyme. Limité à 300 exemplaires sous la forme du vinyle, il est actuellement épuisé. Le single « Jjah Ming Dee » est sorti en avril 2012. Il a également fait l’objet d’un clip. En août 2013, le quintet enregistre son premier long playing. Intitulé « Pathways Through The Sail », il est bien accueilli par la critique musicale. Il a même été présenté le 15 février 2014, lors d'une release party ‘sold ou’t à la Rotonde du Botanique.
Les artistes montent sur les planches du Vk*. Les trois guitaristes sont alignés en front d’estrade. Le drummer campe juste derrière Valérian. Juliette s’est installée, en retrait, à droite. Et ses interventions appliquées sont vrombissantes. Grégory frappe frénétiquement ses fûts. Tim se met à l'aise et retire chaussures et chaussettes. Peu courant ! Valérian chante dans un micro classique ou un cornet de téléphone trafiqué.
« Breat And Games » nous plonge immédiatement dans les sixties et les seventies. « Jah Ming Dee » est un titre qui ne figure pas sur l'album. C’est une plus ancienne compo, et elle nous invite à prendre le chemin de l’Orient. Mais un petit détour par Woodstock s’impose via « House For Sail ». La seconde étape du voyage s’intitule « Breat And Games » et elle interpelle l’auditoire. Un duel oppose le drumming et la ligne de basse. « Witches And Dames » monte en puissance. Tim, yogi dans l'âme, s'accroupit. Et on se délecte des sonorités qui émanent de son sitar sur « Shipbreaker ». Le concorde atterrit au Taj Mahal après un « Peaking Slow ». Le voyage est terminé, « Panic In The Dark » nous ramène à Molenbeek. « Please To Loose » nous renvoie une dernière fois vers les seventies. Le set s’achève en beauté par « Vandal In The Run », une nouvelle composition. Les spectateurs sont enchantés par le set et en redemandent. D’ailleurs, à l’issue de la soirée, pas mal de spectateurs vont acheter leur album, au stand merchandising. Et perso, je pense que Moaning Cities a le potentiel pour s’exporter. C’est en tout cas, tout le mal qu’on leur souhaite…
Place maintenant à la tête d’affiche. Les musicos se chargent de débarrasser et d’installer le matériel eux-mêmes. Radio Moscow est un groupe de rock/blues psychédélique américain formé en 2004, dans l'état d'Iowa. Parker Griggs en est le guitariste, le chanteur et le principal compositeur. Avant de se lancer dans cette nouvelle aventure, il sévissait chez Duck and Cover, comme lyriciste et drummer. Et quand il quitte le bateau, c’est pour monter un projet qu’il baptise Garbage Composal. Que le bassiste, Serana Andersen, viendra rejoindre plus tard. Avant de changer de patronyme, pour adopter celui de Radio Moscow. Le duo travaille d’arrache pied, et se produit en ‘live’ sans batteur. Pour pallier cette lacune, Parker pré-enregistre les parties de drums et les amplifie lors des concerts. Et lorsque le tandem tourne dans le Colorado, il n’a toujours pas dégoté la pièce manquante. Dan Auerbach, le leader des Black Keys les remarque et leur propose de produire le second album et de le sortir sur leur label Alive/Bomb Records. Malheureusement, Parker ne parvient pas à conserver suffisamment longtemps le moindre drummer pour mener à bien sa barque, et la proposition tombe provisoirement à l’eau. Et quand il peut enfin entrer en studio, le bassiste Luke McDuff qu’il venait de recruter le laisse tomber, pour retourner aux études. Finalement, le premier elpee est mis en boîte en 2007. Zach Anderson se charge alors de la basse et Paul Marrone des drums. Le trio part alors en tournée de 2009 à 2010. Mais au bout du périple, Paul Marrone décide de mettre la clef sous le paillasson afin de se focaliser sur son side-project baptisé Cosmic Wheels. Il cède alors la place à Cory Berry qui avait suppléé Keith Rich pendant quelques mois. Radio Moscow publie « Brain Cycles » en 2009, « The Great Escape Of Leslie Magnafuzz » en 2011 et « 3 And 3 Quarter » en 2012. En attendant la sortie du dernier opus intitulé « Magical Dirt », prévue pour le 17 juin, et passé en revue ce soir, le combo avait gravé un Ep en 2013, « Rancho Tehama ».
Ce soir, le line up de Radio Moscow réunit Parker, le bassiste Anthony Meier et –surprise– Paul Marrone aux drums. Apparemment, ce dernier revient participer régulièrement aux tournées du groupe. La setlist revisite d’abord « Brain Cycles » alignant « Broke Down », « I Just Don't Know », « The Escape », « Brain Cycles » et « Hold On Me ». Les riffs dispensés par Parker sont précis et harmonieux. La ligne de basse est ronflante, dans l’esprit de Chas Chandler, à l’époque du Jimi Hendrix Experience. Le trio nous réserve quelques titres de leur prochain long playing. Caractérisé par ses envolées de guitare psychédéliques, « Death Of A Queen » est magistral. Mais à partir de « Before It Burns », un sérieux problème technique va handicaper le bon déroulement du set. Six pannes de courant ! Le batteur va bien tenter de meubler ces interruptions de solos habiles et kilométriques. Mais l’ambiance retombe d’un cran. Le set reprend par « Before It Burns ». Cependant, au cours de « 250 Miles », Parker pète une corde de sa gratte et doit la remplacer. Heureusement, les musicos sont persévérants et talentueux. La monté en puissance est de plus en plus perceptible. La foule commence à s’exciter et même à pogoter. On aura même droit à du crowdsurfing. Vu l’animation qui règne devant l’estrade, et le concert qui prend une forme plus métallique, votre serviteur bat en retraite, et s’installe derrière la table de mixage, placée au milieu de la salle. Mais l’histoire n’est pas terminée, car si le concert a pu se poursuivre, il a quand même été à nouveau perturbé, par de nouvelles coupures de courant…
Setlist de Radio Moscow :
Broke Down
Death Of A Queen
I Just Don’t Know
The Escape
Before It Burns
250 Miles
Brain Cycles
Hold On Me
These Days
Mistreating Queen
No Time
Rancho Tehama Airport
Rappel :
Intro
No Good Woman.
(Organisation Vk* Concerts)
Les Nuits Botaniques 2014 se sont refermées ce mardi soir lors d’un concert atypique, accordé dans le cadre solennel de la cathédrale des Saints Michel et Gudule. Une co-production Botanique / Manège.mons / Musiques Nouvelles qui traduit la volonté des initiateurs du projet, Paul-Henri Wauters (Botanique) et Jean-Paul Dessy (Musique Nouvelles), de permettre la rencontre entre artistes issus de traditions musicales extrêmement différentes, du baroque à l’électro.
Un imposant podium a été installé à l'avant de l'hôtel, en plein centre de la cathédrale ; et quand résonnent les premières voix du plain-chant de la Schola grégorienne du Sablon, on est plongé dans un univers magique. Le très sombre et majestueux « Andante » du ‘Deuxième quatuor, en do mineur’ (1896) de Sergei Rachmaninov, permet d'apprécier la remarquable finesse de l'Ensemble Musiques Nouvelles, que dirige avec maestria Jean-Paul Dessy.
Pour suivre, l’intermezzo ‘ambient’, bénéficie de la complicité de deux invités de marque issus d'Islande. Sygtriggur Baldursson, percussionniste multi-instrumentiste, fondateur des Sugarcubes en compagnie de Björk, joue à l’aide d’un archet sur des sortes de gongs bols ; et son complice Kippi Kaninus bidouille des sons étranges sur son laptop. Tout en douceur, l'orchestre entame ensuite « Mother of God, Here I stand », très belle pièce pour cordes du compositeur britannique Sir John Kenneth Tavener, malheureusement décédé l'an dernier.
On sursaute ensuite quand retentissent les premières notes de la Toccata en ré mineur pour orgue de Jean-Sébastien Bach, interprétée ici par Xavier Deprez. On lève la tête car, dans la cathédrale, l'orgue est accroché à la paroi de l'église, au-dessus de la nef. Après un nouvel a capella (« Victimae Paschali Laudes »), l'orgue se joint à l'orchestre pour le concerto op. 40 d'Henryk Görecki. La musique est ici tourmentée, répétitive et hypnotique, comme une valse virevoltante et dissonante.
Autre temps fort : la composition de Jean-Paul Dessy, « Vertiges pour orchestre à cordes » (2012), une oeuvre d'une finesse étonnante, qui se construit au travers de sonorités subtiles, riches en harmoniques et en harmonies. Dans un enchaînement parfait, la pièce se mue en écrin pour l'étrange chant diphonique de Tulegur Gangzi, nomade bluesman venu de la Mongolie intérieure.
La dernière partie du concert est illuminée par le charisme et la voix de Mélanie de Biasio, jazzwoman carolo-bruxelloise à la voix grave et sensuelle. Mystérieuse, vêtue d'une blouse blanche, elle campe sur un petit podium à l'arrière de l'orchestre et en accomplissant des gestes lents et majestueux de ses mains, elle interprète en douceur « No Deal », suivi de « The Flow », sur des arrangements superbes de Stéphane Collin. On a des frissons sur la peau et la gorge serrée devant tant de beauté. Après « Denis », une composition pour orgue, baryton et choeur de Stéphane Collin, Mélanie revient pour un dernier « All My Love » à vous couper le souffle. La douce mélopée bluesy se marie aux chants de Tulegur Gangzi et aux pulsations montantes des violons pour s’achever de façon surprenante sur trois sons de cloche. S'en suit un silence recueilli, jusqu'à ce que Jean-Paul Dessy laisse retomber les bras. Un final époustouflant, qui déclenche un tonnerre d'applaudissements. Les musiciens devront revenir saluer plus de cinq fois le public, vu la ferveur des acclamations. Regardez ce final en vidéo ici
De retour sur terre, on a bien conscience d'avoir assisté à un spectacle exceptionnel, non seulement parce qu'il s'agit d'une création unique mais aussi parce qu'il transcende les frontières entre les musiques. Bien sûr, on est resté dans un environnement musical très ‘classique’ ; et on aurait apprécié un peu plus d'audace pour intégrer des musiques plus récentes, plus alternatives.
En tout cas, tous les musiciens ont ici tenté de rapprocher leurs répertoires au-delà de leur univers habituel. Entre contemplation et exubérance, ils ont entamé un dialogue pour créer une musique inédite. Concert liturgique, multiple et incantatoire, Sonic Cathedral nous a permis de vivre un superbe voyage sonore, doublé d’un florilège musical mystique…
Philippe Blackmarquis
Sonic Cathedral 2014
Programme :
• Répons des ténèbres « Velum templi »
• « Andante » du Deuxième quatuor, en do mineur (1896) de Sergei Rachmaninov (version pour orchestre à cordes)
• Mother of God, Here I stand, de John Tavener (2003)
• Toccata en ré mineur BWV 565 pour orgue (1703-1707), de Jean-Sébastien Bach
• Victimae Paschali Laudes
• Concerto pour clavecin, version pour orgue et orchestre à cordes, op.40 (1980) de Henryk Górecki
• Organum Gloria
• Vertiges pour orchestre à cordes (2012) de Jean-Paul Dessy
• Chants de Tulegur Gangzi
• No Deal & The Flow (arrangements de Stéphane Collin) par Mélanie de Biasio
• Denis, pour orgue, cor, baryton et chœur (2014) de Stéphane Collin en hommage à Denis Simándy (corniste dédicataire).
• With all my love de Mélanie de Biasio (arrangements de Stéphane Collin)
(Organisation : Botanique / Manège.mons / Musiques Nouvelles)
Si Ásgeir Trausti Einarsson, petit elfe timide n’est pas encore notoire sur nos terres, il est quand même parvenu à réunir pas mal de monde, ce soir, sous le chapiteau des Nuits.
Vu sa voix d’ange et son joli minois, il n’est pas étonnant d’y rencontrer une assistance majoritairement féminine.
Mais ce détail peut s’avérer réducteur ; car, outre son charme discret, l’Islandais est capable de puiser un peu de la magie de ses contrées, qu’il se ferait un plaisir de partager avec nous ce soir.
Premières parties assez anecdotiques.
La jolie mais si commune voix de Denai Moore (rien à voir avec la demi-actrice !), n’a suscité qu’un intérêt plus que mitigé (quelques encouragements polis), tandis que la fougue Cockney du jeune Niall Gavin et de ses sbires, évacuée sous le patronyme de Only Real, a sans doute entraîné un regain d’attention, mais n’est néanmoins pas parvenue à électriser l’atmosphère.
Qu’importe, Ásgeir va, lui, s’en charger.
Découvert pour ma part au détour d’un reportage sur Arte, j’étais curieux d’assister en ‘live’ à la transposition de ses deux très beaux albums mêlant electronica et Folk des grands Fjörds.
Deux faux opus en vérité, puisque « In The Silence », le deuxième, est en fait une réinterprétation de « Dýrð í dauðaþögn », le premier, chanté dans sa langue natale.
Un idiome qui est principalement mis en avant lors de ses concerts. Et pour cause, le jeune homme est manifestement plus à l’aise dans sa langue natale que dans celle de Shakespeare.
Des compositions down tempo distillées comme des contes énigmatiques, au coin d’un feu, sous une aurore boréale, et qui virevoltent autour du jeune chanteur et de ses camarades venus du Nord pour nous.
Un show délicatement exécuté, sur la pointe des pieds, en accord parfait avec l’image que je m’en faisais, et dont l’éclat, loin d’être aveuglant, dégage néanmoins une subtile lueur, comme celle de milliers de chandelles frémissant au cœur d’espaces féeriques…
On épinglera bien entendu sa version subtile du « Heart Shaped Box » de Nirvana, une reprise régulièrement interprétée par celui que certains surnomment déjà le ‘Bon Iver des terres de glaces’
Nul doute qu’à son retour, Ásgeir se sera forgé un nom dans les flammes et la neige.
Akim Serar
(Organisation : Botanique)
Denai Moore + Only Real + Ásgeir
Découverte : Victoria + Jean.
Ce duo originaire de Stockholm est né de la relation entre la chanteuse Victoria et le guitariste Jean. Le couple est soutenu à la batterie par la charmante chanteuse du défunt groupe belge, Miele. Un trio qui a convaincu le parterre de la Rotonde, ce dimanche 25 avril.
Cette formation transpire la conviction et la puissance grâce au son massif de la guitare et une compréhension parfaite entre les musiciens, malgré leur jeunesse.
Le lyrisme, le charme animal et la sensibilité de la superbe rousse Victoria rend, en outre, cette performance captivante.
Cerise sur le gâteau, lors de ce périple sonore naviguant quelque part entre l’univers de PJ Harvey (pour le côté brutal), de Feist (pour la présence scénique et les nuances) et de Janis Joplin (pour la conviction et l’aspect farouche et revendicateur), la belle Victoria décuple l’efficacité et la puissance de ses compositions en y ajoutant des percussions inattendues et tribales.
En tout cas, Victoria + Jean s’est avéré une très bonne surprise, et voir une fille aussi ‘burnée’ qui évolue dans un style bien loin des niaiseries habituelles devrait plaire aux habitués des Nuits Botanique.
Un projet tout frais qui ne manque ni de rage ni de potentiel. Et il pourrait aller très loin.
Confirmation : Wars On Drugs
C’est enfin venu le moment de monter sur l’estrade pour l’un des groupes les plus attendus ce dimanche soir aux Nuits Botanique.
Dès le premier morceau du set, Wars On Drugs parvient à emporter le public, très nombreux par ailleurs, dans son univers, grâce au superbe « An Ocean In Between The Waves », un monde dans lequel la voix évoque Tom Petty et le Michael Stipe du début de R.E.M.
A la deuxième chanson, le chanteur parvient à obtenir une très bonne communication avec le public via quelques traits d’humour subtils.
Après avoir enchaîné quelques morceaux énergiques, agrémentés de solo de guitares bien sentis, précis et énergiques, rappelant les Waterboys, la formation nous emmène vers des ambiances plus posées et planantes rappelant les meilleurs moments de Pink Floyd, et notamment lors de l’interprétation du nouveau single « Red Eyes ».
De toute évidence, il appert que le chanteur-guitariste Adam Granduciel est la tête pensante du band. Il est parvenu à s’entourer d’excellents musiciens entièrement dévoués à sa cause ; et le line up affiche une cohésion parfaite.
Le plus impressionnant d’entre eux est certainement le batteur Patrick Berkery $ qui enchaîne passages nuancés et puissants tout au long d’une dynamique maîtrisée.
Le concert alterne ensuite titres paisibles (dont certains évoquent parfois Daniel Lanois) et morceaux plus puissants, susceptibles d’enivrer une audience réceptive à un show convaincant! Bref le set de ces Philadelphiens a largement tenu ses promesses.
Seul bémol, le côté hautain et antipathique de l’équipe technique qui m’a forcé à quitter la salle manu militari, alors que je leur demandai simplement la setlsit du soir.
François François
(Organisation Botanique)
Victoria + Jean et War On Drugs
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