Pas vraiment de tête d’affiche au Grand Salon du Botanique ce mardi soir. Deux configurations à l’identique, piano (jardin) et cordes (cour) plantés au centre d’un décor sobre illuminé de lumières blanches mettant en relief les deux colonnes de pierre du salon. Un écrin douillet en configuration assise confrontant toutefois deux univers différents. Tout d’abord, celui du duo danois rigoureux de Broken Twin, entre mélancolie et colère. Ensuite, celui du duo français emmené par le charme délicieusement moqueur d’Emily Loizeau.
La chaleur anormalement élevée s’est glissée subrepticement dans toutes les salles du Botanique. 26° C au thermomètre. Température idéale pour plonger dans l’océan polaire et hautement mélancolique des deux jeunes Scandinaves. Une transition thermique rondement menée par la talentueuse chanteuse/pianiste Majke Voss Romme accompagnée de son impassible Broken Twin au violon, Nils Gröndahl.
Inconnues du grand public, ces deux jeunes femmes d’à peine 25 ans ont déjà assuré les premières parties de l’excellent groupe britannique Daughter, en 2013, et font déjà partie des rares privilégiés (premiers artistes scandinaves) à rejoindre les rangs du prestigieux label ANTI- (Beth Orton, Tom Waits, Wilco).
Et, dès les premières notes de « Sun Has Gone », en ouverture, un microclimat s’installe : froideur et spleen profond. Les deux virtuoses nous confirment très vite qu’elles ne sont pas venues à Bruxelles pour plaisanter : une voix magnifique, des compositions habitées, un univers d’une mélancolie abyssale fidèle à la musique scandinave contemporaine. Une chanteuse du crépuscule dans la lignée danoise d’Agnes Obel et de Mi & L’Au qui vire au cauchemar et à l’angoisse sur « In Dreams ». Quelques pizzicati crispants en guise d’entrée, des murmures menaçants dans un parlophone évoquant des hurlements issus d’une forêt lointaine, ce sont les rêves crispants dont se berce Majke Voss Romme.
Ensuite, la tension redescend sur « River Raining », un morceau sur lequel les deux musiciennes s’échangent les instruments. Nils passe sagement au piano et Majke prend la guitare électrique pour nous offrir un nébuleux pop-folk venu du Nord.
Hormis quelques ‘shuuut’ épars, le public est cloué par cette poésie venue d’ailleurs. Une poésie mélancolique mettant en scène deux enfants saisis d’un désespoir tranquille, perdus dans l’immensité d’un monde anxiogène.
Une sublime collection de chansons minimalistes et intimistes sans âge à découvrir sur leur premier album « May ».
Extrait : http://youtu.be/cNemKX1jF88
Changement de décor et d’atmosphère pour la nouvelle création acoustique d’Emily Loizeau. Un concert intimiste composé de 24 plages issues de ses trois albums configuré autour de son piano, sa voix pétillante, sa poésie originale, son humour noir contagieux et du stupéfiant violoncelle d’Olivier Koundouno. Un répertoire réorchestré, présenté dans un contexte de musique de chambre lui conférant une toute autre dimension. Tout un programme !
Un show complet entre rires et larmes qui voyage dans le temps et dans l’espace.
Il a suffi de trois morceaux pour que le piano cède sur « London Town ». Pas besoin de backliner, l’artisan accordeur Loizeau le répare seule en toute décontraction. Déconcertant ! S’emparant naturellement de l’incident pour entrer dans un long dialogue avec son public et se lancer dans une savoureuse improvisation pleine d’humour. Un humour irrésistible et une autodérision qui chauffe rapidement la salle. Accords et désaccords aussitôt réparés, l’artiste française se lance et relance « London Town » et « Coconut Madam ». Deux morceaux jazz blues endiablés sur un piano désaccordé qui ne sont pas sans rappeler les cafés concerts de la belle époque ou encore les music-halls des années folles.
Un spectacle qui joue avec les sentiments des spectateurs et échoue sans alerte sur la profonde tristesse de « Cet Enfant » ou, assise sur l’avant-scène, sur le folk mélancolique de « In Our Dreams », proche de l’univers de Moriarty ou Herman Düne.
Trêve de mélancolie, la chanteuse française, constamment en interaction avec son public, change de costume et se lance dans un vrai jeu d’acteur et de conteur sur la surprenante reprise de « Gigi L’Amoroso » de Dalida. Une cover qu’elle vit intensément, face à un public qui ne reste pas de marbre.
Emily Loizeau possède un talent indéniable pour composer au piano de belles chansons françaises (ou anglaises) et écrire des textes bien troussés. Exercice qu’elle illustre à la perfection en affichant une douce excentricité sur « Boby Chéri » et « Je ne sais pas choisir ». Deux titres dignes d’un grand Thomas Fersen !
Une heure trente et trois rappels plus tard, l’artiste protéiforme rend un hommage musical (« Assum Blanco »), à l’actrice-chanteuse-poétesse brésilienne Renata Rosa avec laquelle elle prépare une tournée au Brésil et clôture son spectacle par ces simples mots : ‘Je pars à l’autre bout du monde…’
Bon voyage l’artiste !
Eric Ferrante
Extrait : http://youtu.be/vUUe788wnAo
(Organisation : Botanique)
Emily Loizeau + Broken Twin
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Triple affiche alléchante ce mardi soir sous le Chapiteau trônant fièrement dans les jardins du Bota… Une soirée placée sous un simple moto qui aurait pu faire un beau titre pour une production spaghetti de Sergio Leone : ‘La Découverte, La Confirmation et Le Retour…’
La Découverte : Moodoïd. Il revenait donc à cette jeune formation française, drivée par Pablo Padovani (guitariste de Melody’s Echo Chamber et fils du jazzman Jean-Paul Padovani), de fouler en premier lieu, les planches du chapiteau. Elle est venue défendre son premier Ep qui s’ouvre par l’élégant single psyché « Je Suis la Montagne ». Bien entendu, vu l’heure et la température estivale qui règne à l’extérieur, l’assistance est plus que clairsemée. Bref, il y a peu de monde pour découvrir les compositions alambiquées du quatuor parisien. Pour entretenir un certain mystère, Pablo s’est maquillé d’un masque étoilé. Mais il a surtout de la chance d’être soutenu par trois charmantes demoiselles. Clémence Lasme aux drums, et puis deux Lucie, Droga aux claviers et Antunes à la basse. Il éprouve parfois des difficultés à assurer sa voix sur les parties instrumentales, pourtant efficaces, rappelant l’univers vaporeux de Connan Mockasin, mais en plus rock et moins sensuel. Mais en y réfléchissant un peu, c’est plutôt du côté de Tame Impala qu’il faudrait aller chercher, les références. Une intéressante découverte qui me laisse toutefois un peu sur ma faim…
La Confirmation : François & The Atlas Mountains. Plus la peine de revenir sur le succès critique récolté par la bande hexagonale depuis la sortie de son second album, « Piano Ombre », il y a quelques semaines… Mais c’est un public, déjà plus conséquent, qui accueille la troupe, deux ans après leur passage, aux mêmes Nuits, dans la plus intimiste Rotonde. Dès les premières notes, le ton est donné : le set sera énergique, intense et dansant ! Le groupe puise parmi les plus belles pépites de son répertoire qu’il chante tantôt dans la langue de Shakespeare, tantôt dans celle de Molière. Outre la présence de singles en puissance (« La Vérité »), certaines compos bénéficient d’envolées ‘africanisantes’. François & The Atlas Mountains incarnerait une sorte de Vampire Weekend qui afficherait sans honte son faible pour la variété française tout en assouvissant son appétit à propager des salves indie-rock très susceptibles de virer au psychédélisme. Annoncé légèrement dépressif, François Marry semble avoir remonté la pente et manifeste beaucoup de dynamisme à côté de ses Atlas Mountains qui, eux, prouvent et confirment à nouveau leur réputation, leur talent et leur parfaite cohésion ! Une évidente confirmation qui me le laisse rêveur quant au potentiel futur du groupe…
Le Retour : Hercules & The Love Affair. Après avoir pondu un 1er elpee éponyme, en 2008, disque qui leur avait permis de percer sur la scène new-yorkaise, la bande emmenée par l’iconique Andy Butler a ensuite traversé un long passage à vide, défaillance ponctuée par la publication d’un deuxième long playing plutôt décevant. Toujours aussi fantasque, le combo yankee nous revient sous un nouveau line up resserré entre les bidouilleurs Andy Butler et Mark Pistel ainsi que les deux vocalistes Gustaph et Rouge Mary. Gustaph est néanmoins belge, et son registre est proche de celui de Jimmy Somerville. Quant à Rouge, c’est un Ch’ti (et oui…) D’origine algérienne, ce personnage charismatique possède une voix profonde. La house d’Hercules est destinée à chauffer l’ambiance. Et ses beats sont capables de remuer les spectateurs les plus stoïques. Les choristes ainsi que le très Cousteau Butler (coiffé d’un bonnet rouge) se décarcassent pour faire danser d’auditoire et se donnent les moyens pour y parvenir, malgré une certaine monotonie de ton ! Le public se trémousse et en redemande ! On se croirait transporté dans un Club berlinois plutôt qu’au beau milieu de l’austère capitale européenne. Franchement euphorisant, le set d’Hercules prône l’amour et l’ouverture à un auditoire qui n’attendait que ces messages… Il fallait bien que la foule se réchauffe avant d’affronter le déluge qui s’est abattu sur Bruxelles, dès la fin du concert ! Un retour pimpant et mouillé qui m’a littéralement lessivé, avant d’entamer la rédaction de mon article…
(Organisation Botanique)
Taï
Hercules & the Love Affair + François & The Atlas Mountains + Moodoïd
Votre serviteur est donc tombé amoureux de The ZZZ's, un trio féminin issu d'Osaka (Japon), lors de son passage remarqué dans le cadre du festival Sonic City, à Courtrai. Et apparemment, Paul-Henri Wauters, le programmateur du Botanique, qui était également sur place, a dû, lui aussi, succomber à leur charme ; car quelques mois plus tard, nous avons le bonheur de retrouver cette formation à l'affiche des Nuits.
Elles ont beau être de jolies et frêles demoiselles, elles n'en produisent pas moins une musique très puissante, violente même ; un postpunk/no wave sur le fil du rasoir, très 'noise' et expérimental, un peu comme si Einstürzende Neubauten avait reçu le renfort de Bauhaus et Thurston Moore, l’ex-leader de Sonic Youth. A propos de Thurston Moore, c'est d'ailleurs lui qui a remarqué les trois Nippones, lors d'un show à Miami et les a propulsées sur la scène alternative internationale.
Dans la magnifique salle de la Rotonde, The ZZZ's a littéralement ‘déchiré’. Au moment où elles montent sur le podium, habillées de noir, elles ressemblent à des geishas gothiques officiant dans une messe mystique intense et menaçante. A droite de la scène, arborant une longue chevelure noire, Youkary est très belle. Elle porte une basse qui a l'air plus grande qu'elle ! Mais quelle dextérité ! Dans « DNA », elle joue exclusivement des harmoniques et sa précision est redoutable. Le son est ronflant, métallique et hypnotique, surtout tout au long de « Cut It Out ». Par moments, elle pousse des cris orgasmiques dans le micro tout en ondulant très élégamment. Au centre, Lyn est une ‘batteuse’ puissante et expressive, à la technique irréprochable. Souvent, elle relève la tête pour se dégager les cheveux et élève son regard vers la haute voûte de la Rotonde.
Mais le point focal de la formation, c'est clairement Youkaku, à la guitare et aux vocaux principaux. Elle tire de sa gratte des sons vraiment hallucinants, tantôt batcave façon Daniel Ash (Bauhaus), tantôt shoegaze façon A Place To Bury Strangers, tantôt carrément 'indus', noise, façon scie sauteuse. Les voix sont principalement transformées en cris stridents ; mais parfois, la chanteuse nous réserve des moments plus calmes, où elle murmure doucement, comme dans « Suicide ».
The ZZZ's a interprété la majorité des morceaux de ses deux Ep's digitaux autoproduits : « Magnetica » et « Prescription », réunis une compile en 2013. Les deux titres phares sont incontestablement « Dystopia » et « Suicide ». Sur « Dystopia », on distingue une filiation étrange avec Savages, le groupe dirigé par Jehnny Beth. Les deux girls bands se sont d'ailleurs liés d'amitié. Une excellente prestation !
Avant The ZZZ's, nous avons pu découvrir deux formations liégeoises. D'abord, Frank Shinobi. Leur prog-noise-rock étonnant évoque Pixies, 31 Knots, The Redneck Manifesto et même Yes. Ensuite, IT IT Anita, dont le shoegaze post-nineties très puissant, à la limite du metal est également parvenu à faire revivre le fantôme de Sonic Youth. Lors de leur dernier morceau, un des guitaristes est descendu dans le public pour donner sa guitare à un fan qui a pu jouer lui même pendant quelques minutes l'accord unique (Sol majeur) de cette partie-là de la compo. Funny !
(Organisation Botanique)
Philippe Blackmarquis
The ZZZ's + IT IT Anita + Frank Shinobi
Voir aussi notre section photos :
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Nous en sommes au quatrième jour des Nuits Botanique, le soleil est bien présent pour réchauffer le coeur des mélomanes. Votre serviteur se dirige donc vers la Rotonde où se produit l'événement. Deux groupes bien de chez nous sont chargés d’électriser la salle : Frank Shinobi et It It Anita. ZZZ'S constitue la tête d'affiche. Une curiosité nippone qui vaut le détour !
Le premier groupe à fouler la scène de la Rotonde est liégeois. Il s’agit de Frank Shinobi. Quatre joyeux lurons qui ne se prennent guère au sérieux ; et on le ressent évidemment sur les planches. Un album à épingler au tableau de chasse leur actif : « A Little Less More ». Il est sorti en 2010 chez Honest House. Malheureusement, le son est médiocre et ne me permet pas d'apprécier leur musique. Je fais donc l'impasse. On se revoit dans de meilleures conditions.
Le second groupe à affronter le public est It It Anita. Ce n'est pas le nom de code d'une opération d'envergure organisée par les services secrets russes, mais une autre formation liégeoise. Bourrée de talent, elle est en contact permanent avec son public. Je la découvre pour la première fois.
Michael Goffard (guitare/chant), membre du défunt Malibu Stacy et Damien Aresta (chanteur et fondateur du label Jaune/Orange) décident de se réunir pour composer quelques morceaux ensemble. Ils sont rejoints par le batteur François Casteleyn et le bassiste Christophe Malpas (ex-Terrils). Au printemps 2013, quelques titres sont enregistrés et mixés par Jason Sébastien Russo (ancien bassiste de Mercurey Rave). Les influences sont nombreuses : Pavement, Thee Oh Sees, Band Of Horses, Mogwai en passant par Beastie Boys, Sonic Youth, Grandaddy et Sparklehorse. I.I.A. pratique un rock indé qui puise ses sources dans les années 90 et vient de sortir, en vinyle collector, un Ep cinq titres hautement recommandable. Et il est éponyme.
Barbu et chevelu, Damien, le chanteur, prend le temps de descendre dans la fosse et invite un spectateur à gratter sa guitare. Damien va le nourrir d'une banane. C'est assez rock'n'roll. Et tous les photographes présents dans la salle vont immortaliser l'événement. Ici, la bonne musique est au rendez-vous et le son digne de l'institution qu'est la Rotonde. Le set est court et intense, l'énergie est présente, les riffs de guitares efficaces. La setlist aligne « Intro », « Pile Of Gold », « Tacoma », « F# », « Mountaain », « NPR » et « G-round ». Rien à dire, c'est parfait, la place est chaude pour les vedettes de la soirée : les trois mignonnes jeunes femmes du groupe japonais ZZZ'S.
Didier Deroissart
Frank Shinobi + It It Anita
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Petite soirée francophone, ce lundi soir, dans le cadre des Nuits Botanique, puisque l’Orangerie accueille Blondie Brownie, un duo féminin flambant neuf mais qui réunit des talents confirmés, et dont la musique s’inscrit dans la lignée de Stereolab ; ainsi que le plus notoire Florent Marchet, un auteur-compositeur tellement prolifique qu’il réserve certaines de ses compos à des tas d’artistes qui militent dans l’univers de la chanson française ou à des projets conceptuels. Il est, en outre, responsable de 5 albums à ce jour, dont « Bambi Galaxy », paru en janvier dernier…
Malgré une température azuréenne, le public est plutôt clairsemé lorsque Blondie Brownie monte sur l’estrade. Faut aussi avouer que les mélomanes ont aussi parfois l’envie de récupérer de leur week-end… Pour la circonstance, Catherine ‘Blondie’ Biasio et Aurélie ‘Brownie’ Muller sont soutenues par un jeune drummer. Leurs vignettes pop sont sucrées et teintées de sonorité 80’s. Mais l’emballage est tellement chargé de fausse innocence qu’on ne peut que penser à La Femme. Ou à un pastiche de Cœur de Pirate. Et finalement, le trio s’en sort bien mieux lorsqu’il muscle le son ou booste le tempo. Alors le set gagne en intensité et parvient même à surprendre ; et en particulier lorsque ‘la Blonde’ dégaine son trombone et la brune son Steel Drum, se payant même une belle reprise de Georges Michael. Cerise sur le gâteau, Antoine Wielemans, un des chanteurs de Girls in Hawaï, vient rejoindre le combo sur l’estrade afin d’interpréter une chanson empreinte de mélancolie, dans la langue de Molière. Une découverte intéressante malgré une prestation encore inégale. Blondie Brownie devrait publier un premier Ep à la rentrée…
Etonnant, la salle ne se remplit pas davantage, lorsque Florent Marchet débarque sur le podium. Et pourtant, son dernier long playing, « Bambi Galaxy », a été unanimement encensé par la critique. Cohérent par rapport à son trip rétro-futuriste, notre ami déboule sur le podium affublé d’une bien seyante combinaison argentée, tandis que ses musiciens (un batteur et deux claviéristes) portent des masques à gaz et des combinaisons que ne renieraient pas Maître Yoda dans ‘Star Wars’. On peut alors affirmer que le délire cosmique est poussé à son comble. Les sonorités électro prennent le pas sur l’instrumentation plus classique de ses 3 brillants premiers albums (« Gargilesse », « Rio Baril » et « Courchevel »). Prolixe, l’ami Marchet affabule entre ses morceaux sur des expériences hallucinées qu’auraient vécu Plastic Bertrand ou Raël auprès d’étranges petits hommes verts… Le set est majoritairement composé des titres de son dernier elpee et le climax est d’ailleurs atteint sur le single « Space Opéra » et surtout le magnifique « Bambi Galaxy » qui réalise une rencontre (NDR : du troisième type ?) entre Polnareff et Souchon ! Même ses anciens standards tels que « Tous Pareil » ou « La Famille Kinder » sont gonflés et customisés aux beats saturés. Le groupe est bien en place et le son irréprochable. Bref, cette formule devrait faire des ravages lors des festivals, cet été. Que ce soit à la basse ou derrière son piano, Florent manifeste une énergie inépuisable. Il n’hésite pas rappeler qu’il adore les Nuits du Bota. Et le répète à l’envi. Après une petite heure de concert, l’alien français revient sur les planches et prend place aux ivoires pour nous accorder une version plus intimiste de son intemporel et bouleversant « Le Terrain de Sport », ponctuée d’une dernière salve musclée et euphorisante. Mes Nuits débutent on ne peut mieux…
Taï
(Organisation Botanique)
Florent Marchet + Blondie Brownie
Mad Soul tonight at the AB! Sharon Jones est de retour sur les planches de l’Ancienne Belgique! Tout naturellement sold-out, le show intervient deux ans après son précédent passage dans la salle bruxelloise, qui avait laissé l’auditoire sur les genoux. Et une fois n’étant pas tradition, Miss Jones, accompagnée de ses éternels et mythiques Dap-Kings, a rallumé le feu au cœur de la capitale lors d’un show retransmit en direct sur YouTube.
Précédé d’un DJ set dispensé en dents de scie par l’Ecossais Keb Darge, pourtant connu pour dénicher de jolies pépites rares, le concert démarre ponctuellement, comme il est de coutume à l’AB. Place à la reine de la Soul actuelle, Sharon Jones, une sacrée boule d’énergie positive. A 58 ans, la dame de fer de l’écurie Daptones Records, resplendit plus que jamais.
Les huit Dap-Kings prennent place dès 21h, suivis des deux choristes qui figurent dans la vidéo de « Stranger To My Happiness ». En guise de mise en bouche, ils vont ensemble interpréter deux sympathiques morceaux extraits du premier LP à venir de l’une des backup singers, dont je n’ai malheureusement pas saisi le nom. De quoi chauffer doucement le public avant l’arrivée de la reine de la soirée. Et quelle reine ! Vêtue d’une petite robe grise et noire à franges, elle met le public dans sa poche, à peine débarquée sur les planches. A cause de son charisme, son humour et son talent incroyables.
Chez Sharon Jones, rien n’est statique. Les franges s’envolent, la tête se secoue dans tous les sens, les jambes se démènent malgré de hauts talons… Et une humeur sans faille communiquée à toute l’assemblée, malgré la présence de touristes qui ne parviennent pas à retirer le bâton de leur derrière. Les premiers rangs, eux, sont bouillants. La chanteuse se prête même au jeu de la danse langoureuse tout au long d’un morceau, en compagnie d’un jeune homme qui se s’est habilement glissé sur scène sans qu’on ne le remballe immédiatement. Un moment qu’il ne risque pas d’oublier, le Fred.
Qu’à cela ne tienne ! Elle fait ensuite appel à quelques demoiselles du parterre qui l’accompagnent le temps d’une efficace démonstration de danse. Du côté de la set-list, le groupe se concentre essentiellement sur « Give The People What They Want », quatrième LP paru en janvier dernier. Les envolées de cuivres se suivent et font mouche à chaque note, rehaussant ces arrangements Funk et Soul vintage, que Sharon Jones sublime de sa voix gospel. Un sans-faute pour cette grande dame qui luttait encore contre un cancer des voies biliaires, moins d’un an auparavant. Ce soir, il fallait être mort ou apathique pour ne pas avoir la moindre gouttelette de sueur qui perlait au milieu du front.
Les prochains rendez-vous belges de Sharon Jones et ses Dap-Kings sont prévus pour le 31 octobre au Vooruit de Gand, et le 6 novembre au Het Depot de Leuven. Deux options, aucune excuse !
(Organisation : Live Nation)
Les Nuits Bota battent leur plein ! Il a fallu opérer des choix en cette troisième journée qui accueille George Ezra au Grand Salon, Cat Power au Cirque Royal, Arc Iris à la Rotonde et White Denim à l’Orangerie. Mais difficile de résister à l’appel des Australiens de Jagwar Ma qui venaient présenter leur irrésistible « Howlin’ », sous le Chapiteau du festival.
Pas d'urgence ce soir. C’est qu’il fait 21° dehors ! Complètement allergique à la pop insipide de Jamaica, je pénètre dans le chapiteau sur les coups de 22h30. Soit à l'instant même où la lumière s'éteint. Il reste pas mal de place, le concert n'est pas complet. La tente éphémère est tout de même bien remplie, et le parterre à l'air particulièrement motivé. Tant mieux, c'est exactement ce que Jagwar Ma est en droit d’attendre de son public. Parce que, Jagwar Ma, ce sont deux mecs australiens qui ont compris exactement comment faire bouger une foule.
Le duo (trio pour le ‘live’) est au rendez-vous pile à l’heure. Les gars avaient déjà fait leurs preuves sur une scène belge, en l’occurrence celle de l’AB, il y a un peu plus d’un an lorsqu’ils accompagnaient Foals pour leur tournée européenne. Une performance qui n’avait pas laissé indifférent les fans du quintet, puisque plutôt bien acclamée.
Sur l’estrade, pas de batterie. Jono Ma se charge de l'intro de « What Love », derrière son dispositif de DJ. Son binôme et interprète, Gabriel Winterfield, prend place derrière son micro, aux côtés de leur bassiste live, Jack Freeman. Une heure durant, les trois gaillards vont enchaîner les morceaux de l’excellent « Howlin’ ». Des versions revues et corrigées pour la scène, comme ce « Come Save Me », titre rock’n’roll aux accents psyché qui bifurque dans ses dernières minutes vers un véritable hymne dancefloor, rallié à un « Exercise », un peu plus faiblard. Les singles « Man I Need » et « The Throw » finissent par dégourdir les jambes d’un public chauffé à blanc. « Four », l’un des morceaux les plus electro de la bande, et le spasmodique « Let Her Go » achèvent le boulot.
Au bout de 45 minutes, Winterfield annonce la fin des festivités, clamant ‘We only have one album guys !’ devant la déception manifeste du parterre. C’est donc en omettant les deux ballades de leur premier LP que les trois musiciens effectuent un rappel sur un « That Loneliness » brillamment allongé de quelques beats bien placés. Une petite heure directe et efficace.
A revoir cet été au festival de Dour, le 19 juillet prochain !
(Organisation Botanique)
Jagwar Ma
Ce n'est probablement plus un secret pour personne, les Nuits Botanique sont des événements qui attirent la foule, une foule d’aficionados mais aussi de curieux en tout genres. Autant dire qu'en ce vendredi où le soleil avait décidé de remontrer le bout de son nez, un monde fou semblait s'être donné rendez-vous dans les différentes salles du Bota ainsi que sous le chapiteau.
En arrivant au jardin bruxellois, je suis surpris par la présence de 4 policiers postés à l’entrée, et dont le nombre va s’avérer bien plus important dans son enceinte... La manifestation aurait-elle un caractère si dangereux pour nécessiter un tel déploiement des forces de l'ordre? Ou bien n'est-ce là que l'habituel genre de parades dont nous sommes gratifiés en période de cirque pré-éléctoral? A moins qu'il ne s'agisse simplement du délire sécuritaire et répressif dont semble souffrir la capitale depuis déjà quelque temps...
Bref laissons ces considérations de côté pour nous concentrer sur le sujet de cette chronique, en l’occurrence, la prestation de James Holden à l'Orangerie. Vu le sold out affiché au moins une bonne semaine avant la date prévue, je ne suis pas surpris de rencontrer une foule déjà bien compacte seulement 5 minutes après le début du concert, et choisis de rester en bordure, là où on ne se marche pas trop sur les pieds et l'angle de vision est correct. Si je craignais d'être un peu loin pour réellement apprécier la performance, finalement mes appréhensions ont été rapidement balayées, grâce au son qui ne manque pas de présence mais aussi à la dynamique insufflée au set d'Holden par le batteur présent à ses côtés.
Ce dernier ne se contente pas de soutenir les ondes électroniques envoyées par le jeune producteur en vogue mais y insuffle un swing qui ajoute un supplément de groove à ses compositions. Des compos où l'électronica flirte avec la kosmische musik grâce à un synthé modulaire dont la pureté sonore ravit les oreilles les plus exigeantes et peu sensibles à celles de l'éternel laptop qui pourtant fait également partie du matériel présent ce soir sur les planches. C'est cette volonté de mêler les éléments qui enrichit la substance que produit le jeune talent anglais et lui offre sans doute un accès plus large que celui réservé habituellement aux musiciens de cette sphère. Qu'il s'agisse de matériel ou d'influences musicales d'ailleurs, celles-ci brassant aussi bien une électronique abstraite, parfois mélancolique et souvent soucieuse des détails que des mouvements plus rythmiques amenant à la transe. Une transe aux saveurs psychédéliques comme lors du final (avant rappel) qui s'apparente à une véritable gigue electro tribale venue couronner un concert très dansant où les morceaux plus ambient ont toutefois été écartés. En bonus on aura droit à un morceau electro/disco kraut du meilleur effet lui aussi, même si la vraie montée venait juste de se produire auparavant, clôturant une soirée très réussie et fort attendue.
(Organisation Botanique)
James Holden
Cent ans de solitude et onze ans d’absence ne sont pas venus à bout du souffle de l’une des plus belles voix, de l’une des plus belles plumes de la scène rock française. Si la musique avait oublié Bertrand Cantat, ne fût-ce qu’un instant, le public avait résolument répondu présent ce jeudi 15 mai, à l’Ancienne Belgique de Bruxelles. Et quel accueil !
Quelques minutes à peine ont d’ailleurs suffi pour fermer tous les guichets de l’Hexagone et de Belgique.
Sans doute, certains s’attendaient-ils à un événement peuplé de quadras nostalgiques à la recherche du temps perdu. D’autres, à de nouveaux horizons sis au-delà du vide orienté vers une autre lumière, loin des rivages ‘sombres’ de Noir Désir, qui auraient définitivement brûlé les dernières pages du groupe culte français, grillé ses dernières cartouches. Par bonheur, Bertrand Cantat et Pascal Humbert ont réussi magistralement à garder le cap, à se frayer une voie médiane, louvoyant entre passé et futur pour s’ouvrir vers un Détroit plus que présent. Un voyage au bout de la nuit ? Pas vraiment.
Un rendez-vous avec le temps traversé par une électricité spasmodique. Rarement une telle ferveur n’a saisi l’auditoire francophone de l’AB. Aux côtés de Bertand Cantat (Chant, Guitare) et Pascal Humbert (Basse, Contrebasse), militent Nico Boyer (Guitare), Bruno Green, alias ‘le Professeur’, (Claviers, Guitare) et Guillaume Perron (Batterie). Et cette équipe s’est vraisemblablement rendue coupable de l’un des meilleurs concerts de musique française, en cette année 2014. Rien de moins.
Certainement sensible à la critique de ses premières représentations, le ‘jeune’ groupe français ne cesse de revisiter ses concerts, de changer de formule, de trouver l’équilibre. Tant dans le répertoire que l’orchestration. Et vu le résultat atteint ce jeudi soir, le public bruxellois a certainement dû assister à la fin d’un ‘tour de chauffe’.
17 titres d’une set list qui sillonne habilement entre « Horizons » et le répertoire de Noir Désir totalement réorchestré. Entre l’envie furieuse de réécouter les anciens titres réinventés et de découvrir les nouveaux sur scène. Aucune concession, pas de prétexte au racolage nostalgique. Juste un nouveau Cantat qui préfère chanter sans lyrisme excessif ni grandiloquence, privilégiant une justesse émotionnelle déchirante.
Le frisson est constamment palpable dans la salle, il vibre derrière chaque mot, chaque note, chaque morceau. Il lézarde les âmes. Une pureté émotionnelle qui, cette fois, ne se cache pas derrière des violons. Ce soir, Détroit a décidé de sortir les guitares électriques et de laisser les cordes au vestiaire. Le temps d’un instant.
Hagard, cheveux ébouriffés et habillé de noir, Cantat monte sur les planches accompagné de son complice Pascal Humbert et de ses trois nouveaux camarades de jeu. Le chanteur est accueilli par une longue salve d'applaudissements ponctuée de ‘On t’aime’. Figé au centre de l’estrade, tel un enfant perdu dans la foule, il répond par quelques sourires, quelques gestes mêlés de mercis étouffés. Symboliquement, c'est sur Pascal Humbert que sont braqués les projecteurs pour les deux premières chansons de la soirée.
« Ma Muse » et « Horizon » en ouverture. L’atmosphère devient subitement troublante, suffocante. Une chape de béton scelle un public désormais muet. La tête rivée au ciel, les yeux fermés, comme absent, Bertrand Cantat revient sur l’indicible d’une voix bouleversante : ‘Qui de mon cœur ou de ma tête va // Imploser comme une étoile // Quel débris ou quel morceau de moi // D'abord te rejoindra.’ Pas question d’oublier !
« Des Visages des figures » vient ensuite atténuer l’intensité de l’émotion. Et nous rappeler, qu’outre une voix magnifique, intacte, l’artiste français est un grand parolier.
Dès les premières notes de « A ton étoile », le ton général change radicalement. Le leader de Détroit reprend progressivement confiance et retrouve les automatismes de l'homme de scène qu'il était du temps de Noir Dez, tourbillonnant avec sa guitare. Loin des polémiques et des controverses, les interprétations de Cantat et Humbert sont habitées d’une musicalité exceptionnelle. Le diable au corps, le chanteur se libère, crache, vomit ses émotions et enchaîne les tubes. Les riffs s’enragent, la batterie cogne et le public exulte. Un incendie volontaire largement maîtrisé par nos cinq pompiers-pyromanes.
Un set terriblement plus dynamique et électrique que celui des concerts précédents qui change de configuration lors du premier rappel. Un rappel sur lequel Pascal Humbert échange sa basse contre une contrebasse et vient souffler sur les braises à l’aide du violon de Catherine Graindorge et du violoncelle d’Anne Lisa pour interpréter « Droit dans le soleil » et quatre autres titres.
Après deux heures de concert, les cinq musiciens viennent frontstage, guitare à la main, pour un final furieux en communion totale avec le public sur « Le vent nous portera » et « Comme elle vient ». Un vacarme étourdissant produit par un auditoire braillant sans accalmie : ‘Comme elle vient vient // Encore et encore // Comme elle vient // Encore et encore…’ sur lequel Bertrand Cantat a eu juste le temps de lancer un ‘Bruxelles, je t’aime’ avant de disparaître en backstage.
Un très grand concert sans démesure, plein de sobriété et riche en émotion.
Nietzsche suggérait ‘qu’il n’est pas de belle surface sans une redoutable profondeur’ (Naissance de la Tragédie), Cantat nous apprend qu’on ne crée pas de chant sublime sans un gouffre de souffrance sous-jacent.
Notez également qu’après ce concert accordé dans une AB archi-comble, Détroit a décidé d’offrir à son public belge une troisième et dernière date à l’Ancienne Belgique, le mercredi 8 octobre 2014.
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La setlist:
Ma muse – Horizon – Des visages des figures – A ton étoile – Le creux de ta main – Lazy – Le fleuve – Lolita nie en bloc – Ange de désolation – Null & void
Rappel 1
Droit dans le soleil – Glimmer in your eyes – Sa majesté – Fin de siècle – Tostaky
Rappel 2
Le vent nous portera – Comme elle vient
(Organisation Live Nation)
Guère notoire sur le Vieux Continent, le Sam Roberts Band jouit d’une grosse popularité au sein de son pays. Pour preuve, la formation a déjà décroché plusieurs prix, depuis sa création, en 2000. « Lo-Fantasy » constitue son sixième album et le deuxième depuis que le groupe a décidé de poursuivre l’aventure sous ce patronyme. Malgré la présence du backing group, les elpees précédents étaient parus sous le nom de Sam Roberts. Enfin, quoique québécois, les musicos se sont établis à Montréal.
En publiant « Lo-Fantasy », le combo canadien a voulu se frotter à l’électro-rock. Résultat des courses, la musique de cet opus est assez accessible et se boit comme du petit lait. L’énergie est communicative et les mélodies accrochent dès la première écoute. Bref, l’opus possède toutes les caractéristiques requises pour enflammer de grands stades.
Néanmoins, après avoir écouté les onze plages, on n’a vraiment l’impression de ne pas en avoir retenu grand-chose.
Tomorrow We Sail est originaire de Leeds. La formation compte sept musiciens en son sein et « For Those who Caught the Sun in Flight » constitue son deuxième album. Depuis 2009, les Anglais s’évertuent à affiner leur post-rock. Leur musique intègre tous les éléments classiques du style : des guitares cristallines et des crescendo maîtrisés (NDR : malheureusement trop rares…) Cependant, deux violons, un piano et des vocaux viennent étoffer l’ensemble. Néo-classique leur post-rock lorgne alors surtout vers Mono.
« For Those who Caught the Sun in Flight » aurait pu se révéler intéressant, s’il n’y avait ces voix. Celle du chanteur est maniérée. Et comme ni les chœurs féminins, ni les harmonies vocales ne parviennent à contrebalancer ces envolées lyriques, on décroche assez rapidement pour ne plus retenir que cet aspect de l’œuvre. Qui à cause de ces paramètres, ne pourrait même pas servir de musique de fond…
Fondé en 2009, The 1984 est un quatuor bruxellois. Il réunit le chanteur Nicholas Brynin, le guitariste Nicolas Claus, le bassiste Gregory Paternoster et le drummer Gary Divito. A ses débuts la formation avait publié un Ep intitulé "The nightmare before". Et dans la foulée, gravé un album baptisé "Room 101", un disque enregistré au sein des studios Sainte-Marthe, à Paris. Depuis, elle tourne inlassablement en Belgique et s’est même produite lors de la finale du Hard Rock Cafe ainsi qu’au festival rock de Durbuy. Ce "Self made" constituerait le premier volet d'une trilogie annoncée. Il est découpé en cinq pistes.
"The key" ouvre la plaque. Le son est particulièrement musclé. Les musiciens sont bien soudés. La guitare se fond parfaitement dans la puissance de feu attisée par la section rythmique. "Dark passenger" est imprimé sur un tempo frénétique. Les arrangements sont assez complexes, mais bien structurés. Les changements de rythme fréquents. Pas de hurlement vocal. Les musicos maîtrisent impeccablement leurs instruments et on distingue clairement les interventions bien balancées de basse et de guitare. "Lonely bones" est une compo très homogène. Elle baigne au sein d’une atmosphère très stoner, sans doute un peu lourde, mais se singularise par ses accès de cordes bien ciblés et la voix lugubre, quoique distincte de Nicholas. Qui reçoit le concours de ses partenaires, aux backing vocaux, sur le plus élaboré "Compromosis". Des cordes acoustiques empreintes de douceur et de mélancolie ouvrent "Open wounds", une plage qui monte progressivement en puissance, se magnifiant au fil des superbes arrangements… Une voie que The 1984 aurait tout intérêt à approfondir…
Matt Andersen est canadien, du New Brunswick très exactement. Auteur/compositeur/chanteur/guitariste, il a entamé sa carrière en 2002. Au cours des dernières années, il a publié "Second time around" en 2007, "Something in between" en 2008, "Piggyback" et "Live at Phoenix Theatre" en 2009 et "Coal Mining blues" en 2011. Sans oublier, au cours de ce même exercice, "Push Record", en duo avec Mike Stevens, et "Spirit of Christmas", un album de Noël. Janvier 2010, il avait remporté le réputé International Blues Challenge de Memphis!
Matt possède un timbre vocal aussi graveleux et ravagé que celui de Joe Cocker. Et c’est manifeste dès "I lost my way", la plage qui ouvre l’elpee. Pour ce r&b de toute bonne facture, il est soutenu par d’excellents musicos, et notamment une armée de cuivres et de chœurs. Tout au long de l’opus, on remarque que lors de la mise en forme, Steve Berlin (Los Lobos/ex-Blasters) est venu ajouter son grain de sel… Caractérisé par sa superbe mélodie, "My last day" est une ballade lente, colorée par l'orgue Hammond de Ross Billard, une piste que chante Andersen comme un Cocker juvénile… La tendresse envahit "So easy", une autre ballade country transcendée par les interventions cristallines de la pedal steel que se réserve un autre Canadien issu de Vancouver, Paul Rigby. Le titre maître baigne dans le r&b, une piste légère qu’illustre parfaitement la plume reproduite sur la pochette ; et pourtant, on ne peut pas dire que la corpulence d'Andersen soit un argument de poids (?!?!) pour refléter cette subtilité. Son partenaire habituel et ami, Mike Stevens (NDR : un spécialiste du bluegrass) vient apporter son concours à l’harmonica. La six cordes sort enfin de sa réserve sur "Alberta Gold", un titre imprimé sur une rythmique sobrement rock. Il était temps! "Let's go to bed" reconduit un peu la formule utilisée pour "So easy" : l’intimité et la tendresse. Sentiments que traduit parfaitement la pedal steel. Andersen libère le max de sensibilité sur les compos les plus paisibles. Il élève pourtant la voix sur "The fight", un combat valeureux et convaincant. Sans aucun doute, la plage qui m’a botté le plus. Délicatement country, "Drift away" opère un retour à la country. Un peu de rythme qui anime "City of dreams" suffit pour libérer les cordes acoustiques et amplifiées. "Between the lines" est empreint d’une douceur extrême. Paisible, la voix se laisse cajoler par les interventions limpides de l’orgue et de la guitare, échangeant des baisers, des roses et du chocolat…
Issu de San Antonio, ce Texan est déjà considéré comme un vétéran, sur la scène blues et americana. En 1993 il s’établit cependant à New York. Il y fonde The Healers, et fait ses débuts en proposant un blues au son plutôt hard, publiant alors "Neal Black and the Healers" et "Black Power", deux albums parus en Europe sur le label français Dixiefrog. La voix de Neal est graveleuse, usée par les excès de la vie qu’il a menée à la manière d’un autre Texan, décédé en 2011, Calvin Russell. Au fil du temps, son répertoire est devenu plus roots. Avant de s’installer en France, en 2004, où il jouit d’une certaine popularité, il est retourné au Texas, pendant quelques années, et a même vécu au Mexique. Et belle preuve de confiance du label, Dixiefrog a toujours continué à distribuer ses albums !
Ses Healers sont yankees. En l’occurrence le claviériste Lattrell, le bassiste Kris Jefferson (NDR : des anciens membres de Popa Chubby) et le drummer Dave Bowler. Soit ses compagnons habituels pour la route. Il a également reçu le concours de quelques invités, dont Pascal ‘Bako’ Mikaelian, à l'harmonica, et Randy H, à la guitare acoustique rythmique. Enregistré dans son pays d’adoption, cet elpee a été mis en forme par Black en personne !
Dès "Jesus & Johnny Walker", il aborde un thème équivoque. Jesus et Johnny Walker ne feraient-ils pas bon ménage pour rendre l’homme meilleur ? Guidée par l'harmonica de Bako et une guitare largement amplifiée, cette compo se traîne au fil de la voix paresseuse, désabusée. "Hangman's tree" constitue certainement une des meilleurs plages de l’elpee. La slide et l’harmo se liguent pour marquer à la trace ce blues lancé au galop. Une compo qui relate la mésaventure d’un homme pendu sans avoir été jugé, accusé à tort par sa propre copine d'avoir tué son frère pour le voler. Lattrell se charge des cordes acoustiques, de la mandoline et de l’accordéon tout au long de "The peace of darkness", une ballade country roots traduisant un sentiment de paix que procurent les ténèbres nocturnes lorsqu’un amour vient de s’éteindre… Piano et cordes dynamisent "Mama's baby", un boogie au cours duquel la voix éprouve d’énormes difficultés à se libérer de sa paresse naturelle. Superbe blues lent, "The same colour" est empreint de tristesse désabusée, cette même couleur née dans la souffrance et le blues! Les interventions instrumentales de Mike Lattrell et Neal sont totalement bouleversantes. Sculptée dans le roots/rock, "The road back home" est une plage qui traite de la solitude de l'ancien combattant quand il continue à vivre désespérément seul. Et par esprit de contradiction, la partie de cordes semble allègre, lumineuse et dynamique.
"Before daylight" est une autre ballade roots. Harmonica et slide y brille de mille feux. Le désespoir hante la voix tout au long de "Goin' down the road" ; et dans le même esprit antagoniques, la mandoline et la guitare construisent de superbes lignes musicales. "American dream" confirme que le rêve américain n'est guère plus qu'un mirage. L’occasion rêvée pour Bako de se libérer à l’harmo. "Dead by now" achève cet opus au cours duquel la véritable joie n’a guère le loisir de se manifester…
Bad Brad, c'est le projet de Brad Stivers, un chanteur/guitariste originaire du Wisconsin. Agé de 23 ans seulement, il s’est établi du côté de Denver, dans le Colorado. Bad avait représenté la Société de blues du Colorado à l'International Blues Challenge de Memphis, en 2011.
Les Fat Cats se résument à un duo. Soit le frère de Brad, Alec, à la batterie et Nick ‘Cottonseed’ Clark, à l’harmonica. Le team avait publié "Eyes on the prize", l'année dernière ! Les Fat Cats, c'est avant tout un groupe de planches et ce n'est donc pas une surprise si cet elpee a été immortalisé ‘live’ au studio Colorado Sound.
L’intro est plutôt primaire. "Take a walk with me" manifeste une agressivité naturelle rappelant Hound Dog Taylor. Pas de fioritures, l’impact est direct. La voix brute, la guitare omniprésente. Nick Clark est venu souffler sur "Leghound". Cet harmoniciste talentueux rappelle Sonny Boy Williamson II. Brad ne desserre pas l'étreinte. Le kid de Denver met le feu à "Ego trip", un boogie endiablé. Le jeu des questions et réponses s'installe entre la guitare et l'harmonica. "Take it easy" est attaqué en formule trio. Pour la circonstance, c’est la six cordes qui tire son épingle du jeu. Sans grande subtilité mais avec fluidité et efficacité. "Going to the country" cavale au grand galop. La voix est bien maîtrisée. Une compo parfaitement équilibrée. La guitare concède des accents métalliques à "Headin' out". La voix est nasillarde. L'harmonica s’adapte parfaitement à l'ensemble. Une plage qui me fait penser aux punchers de Los Angeles, et tout particulièrement au regretté Lester Butler ainsi qu’aux Mama's Boys de Johnny Mastro. Le tempo ralentit enfin pour céder le relais au blues lent espéré. Brad vit ce blues. Il force son chant dans une atmosphère volontairement dépouillée. L'harmo de Clark est bien présent et en gémissant, la guitare concède des accents tragiques. "Lucky man" opère un changement de trajectoire et nous entraîne en Louisiane. Percussions syncopées et interventions de slide parcimonieuses caractérisent ce blues inspiré du gospel. Une rythmique dont le profil semble emprunté à Jimmy Reed canalise "Runnin' me down", une piste imprimée sur un tempo nonchalant, caractéristique du swamp blues, au cours de laquelle l'harmonica pousse des cris stridents. "See my way" s’attarde en Louisiane, mais plus près du pays cajun, une compo légèrement zydeco, propice à insérer tout naturellement dans le décor, un accordéon, en l’occurrence celui de l'invité Dwight Carrier. "Man on the move" opère un retour au blues rock, un shuffle à la texane, sans concession, hanté par le souvenir de Stevie Ray Vaughan. "Train down south" est bien implanté dans le Sud. La voix est aussi caverneuse que celle d'Omar Dykes, alors que la guitare devient incontrôlable. Le long playing s’achève par "UMA", un instrumental sculpté dans un surf bien métallique…
Stijn Cole a-t-il rêvé de réincarner un crooner américain, lorsqu’il a décidé de se rebaptiser classieusement, Stan Lee Cole ? En 2013, il était pourtant parvenu à séduire la Flandre, en publiant « Devil’s Ringtone », son premier album, mais surtout son single « Separated », une chanson qui lui avait permis de remporter le concours ISC (International Songwriting Competition), présidé par des pointures telles que Tom Waits, Nas, Suzanne Vega et Frank Black ! C’est dire la pression exercée sur l’artiste belge ; à l’heure de sa seconde escouade…
Le succès de « Separated » a également chatouillé les oreilles Jo Bogaert, qui avait décroché un hit en compagnie de Tectotronic, au cours des 90’s, « Pump Up the Jam », et est devenu aujourd’hui le producteur de Gabriel Rios ainsi que de Vive la Fête. Jo a donc demandé à Stijn/Stan d’écrire une vingtaine de ballades dont on retrouve aujourd’hui la crème sur « That’s Why We Weep »… Une voix de velours assez proche de celle de Daan soutenue par une instrumentation bien balancée mais souvent minimaliste : un piano, quelques légers effets électro, un trombone, de discrètes nappes de synthé… et le tour et joué ! Stan Lee Cole parvient à transcender ses compos, lorsqu’il adopte un profil proche de Daniël Stuyven. A l’instar de « All These Thing » ou encore « That’s Why We Weep » ; mais devient franchement aussi ennuyeux qu’un Ozark Henry contemporain, quand il aborde les mollassons et sirupeux « I Think It’s Gonna Rain » ou le très FM « Easy ». A défaut de découvrir un univers singulier, ce « That’s Why We Weep » m’a permis d’apprécier une voix…
Le First Class Blues band est manifestement une des meilleures formations de blues allemande. A l’instar de son patronyme, c’est même un combo de première classe. Sa naissance remonte à 1991. A l’époque, il avait publié deux elpees chez Acoustic. Le line up implique trois musiciens teutons : Christian Rannenberg (Blues Company), un pianiste comme il en existe peu sur notre continent, Thomas Feldman, qui double au saxophone et à l'harmonica, et enfin, Jan Hirte, à la guitare. Le trio est soutenu par deux musicos noirs. Des Américains expatriés qui constituent la section rythmique : Kevin DuVernay à la basse, et Tommie Harris (ex-Luther Allison Band) à la batterie. Tous les cinq participent aux vocaux ! Jan Hirte est partagé entre différents projets. Il drive son Blue Ribbon et milite au sein du backing band de Guitar Crusher, les Mellowtones. Crusher est un bluesman noir âgé de 83 ans, vivant depuis très longtemps en Allemagne.
L'instrumental "Gasoline walk" pose immédiatement l’album sur rails, une compo qui permet à Feldman, Rannenberg et Hirte, de s’illustrer successivement. Tommie Harris chante "I kicked the habit", un superbe blues signé par le Texan Peppermint Harris. Il y livre toute son âme. Parfait aux cordes, Hirte adopte le style de BB King, mais gratte à la manière du regretté Mike Bloomfield, l'un des premiers sixcordistes blancs à émerger dès les sixties. Il emprunte ensuite celui de Jimmy Reed sur son "Help youself", une piste au cours de laquelle Feldman chante et souffle brillamment dans son harmonica, pendant que Rannenberg balise le tout de ses ivoires magiques. Direction La Nouvelle Orléans pour "Lady luck", une compo écrite par Lloyd Price. Un R&B classieux rehaussé par les interventions habiles de Christian au piano. Nous sommes toujours en Louisiane, mais du côté du pays cajun, pour profiter du "Zydeco boogaloo", un instrumental signé Clifton Chenier, au cours duquel guitare, piano et sax ténor prennent leur envol… "I need you" est un morceau attachant composé par Tommie Harris qui aurait pu alimenter les juke-boxes de la fin des fifties ! C'est au tour de Rannenberg de se distinguer, tout d’abord lors de l’instrumental intitulé "Slidin' boogie", une plage caractérisée par un échange entre le piano et la slide de Jan Hirte. Puis sur "Me and the blues", un blues de Chicago, qu’il chante tout en jouant à la manière de Sunnyland Slim voire d’Otis Spann, au cœur du Southside, alors que Feldman souffle comme Little Walter, à moins que ce ne soit James Cotton. Superbe ! Harris a empoigné le micro pour interpréter "You're gonna get the blues", dans une ambiance festive propre aux quartiers chauds de New Orleans. Hirte chante à son tour le "Breakin' up somebody's home" d'Al Jackson Jr. (NDR : c’est le batteur de Booker T & the MGs). Rannenberg est passé à l'orgue Hammond et invite une guitare bien sentie tout au long de ce Memphis blues. Christian se réserve les vocaux sur le "Lipstick traces" de Naomi Neville ou plus exactement Allen Toussaint, l'un des plus grands artistes de R&B issus de New Orléans! Cet album est une véritable propagande pour le blues pratiqué outre-Atlantique et il s'achève par "Tuff", un instrumental qui rend hommage à Ace Cannon, un brillant saxophoniste issu de Memphis, qui avait notamment participé aux célèbres sessions de Sun Records. Une dernière opportunité offerte à Feldman et Rannenberg de tirer leur épingle du jeu.
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