Poussières cosmiques et effondrements massifs d’étoiles mortes au programme de ce voyage intersidéral et super sidérant, proposé par Aun.
A contrario du film ‘Gravity’ qui joue sur les effets spéciaux, « Alpha Heaven » propose un séjour en apesanteur minimaliste.
Suite du très recommandable « Phantom Ghost » et lui emboîtant le pas, les onze titres ici présents placent d’office l’auditeur en orbite.
Un périple captivant dont l’épicentre se trouverait happé dans l’espace temps, quelque part du côté d’une certaine scène allemande des années 70 et qui se répercuterait alors en ondes toutes en circonvolutions révolutionnaires au travers de dimensions, connues ou inconnues.
Les instruments et les processeurs se font écho, s’entrelacent et serpentent dans la nébuleuse d’un album ouvert sur la beauté spectrale de l’infini, invitation à la navigation transcendantale.
Un album incontournable pour tout rêveur qui se respecte.
Aucune chance d’y couper, donc autant l’annoncer tout de go : Oui Birdpen, c’est Bird pour Mike Bird et Pen pour Dave Pen.
Donc, dans ce projet à deux têtes, nous avons bel et bien une partie d’Archive.
Et puisque la voix nous ramène immanquablement à la formation britannique susmentionnée, les évidents rapprochements ne manquent pas de pleuvoir tout au long de cet LP.
Le climat emprunté est d’ailleurs tout aussi menaçant mais les similitudes ont tôt fait de s’éclipser à la lumière spectrale de compositions pleines de bravoure et il faut le dire, parfois un peu boursouflées.
Le ciel est plombé et les atmosphères sont oppressantes. « Global Lows » revendique une noirceur, parfois aussi surfaite.
Le spectre d’Archive n’est pas le seul à planer.
On pourrait citer celui du Radiohead de Tom York (« Nature Regulate »), de Bono ou encore plus évanescente, celle de The Cult (« Save Destroyer ») et donc par jeu de miroir, le reflet de Jim Morrison quand s’entrouvrent certaines portes.
Et puis on pourrait ajouter Editors pour le côté lissé d’une complainte inutilement ornée de fleurs savamment fanées.
La production de Jim Spencer (Oasis, New Order, …) assure une homogénéité digne d’un bloc de l’Est, version guerre froide, voire très froide, avec une précision chirurgicale qui fatalement nuit à la véracité du propos.
Certes, on peut concevoir des albums à la fois tourmentés et propres sur eux.
Mais on ne m’enlèvera pas de l’idée que plus la couche de vernis est épaisse, plus elle dissimule les craquelures de compositions malingres.
La nature humaine analysée sous ses coutures suintantes constitue le thème de prédilection de cet opus qui, vous l’avez deviné, ne se distingue pas par son optimisme.
Mais le groupe à l’intelligence de ne pas noyer l’ensemble sous une pathos exacerbée et si les pans de lumière se font rares, on évite quand même le piège de l’enlisement.
Compromis entre une production Pop léchée et une volonté farouche d’explorer des terrains de jeux plutôt minés, Birdpen conçoit de la noirceur propre, de la tristesse sans vague, du chagrin sans crasse.
Le résultat devrait donc séduire les moins exigeants, ceux pour qui une oreille suffit à aimer ou non un album.
Pour les plus tatillons, « Global Lows » constitue un produit bien ficelé mais dont l’emballage, aussi sombre et opaque puisse-t-il être, laisse transparaître quelques faiblesses dues sans doute à un manque d’authenticité.
Céline Dion est devenue, au fil du temps, un grand nom de la chanson. Sur son nouvel album, c'est peut-être même plus ce nom que ses véritables talents qu'elle fait valoir. Afin de toucher un public le plus large possible, la chanteuse canadienne alterne titres en anglais et en français. Elle a, cette fois, choisi de s'exprimer dans la langue de Shakespeare ; et il faut avouer que « Loved Me Back To Life » concède lui aussi des airs, par moment, dramatiques. Dramatique d'ennui, de non renouveau et de musique commerciale à souhait... Pourtant, les ventes se portent plutôt bien, surtout en France. Mais où sont les surprises, les prises de risque ? Vous me rétorquerez, sans doute, pourquoi changer son fusil d'épaule quand tout roule pour le mieux ? La question est posée et selon la réponse que vous y apporterez, votre avis sur le dernier Céline Dion ne sera pas le même.
Human Song nous vient de Strasbourg. Un trio drivé par la chanteuse Jane Lake. Elle constitue même la pièce maîtresse du projet. Une chanson lui est même consacrée !
Lorsqu’un édifice repose sur une pièce bancale, il y a un gros risque : c’est que le tout s’effondre. Et comme de juste, dès les premières notes de l’elpee, la structure commence à vaciller…
En fait, la formation alsacienne tente de couvrir son expression sonore d’accents ‘dark’ voire ‘gothique’. Mais il y manque les décibels. Et puis l’ensemble paraît complètement daté. Pire encore, sur « A », un solo de gratte dégoulinant finit par nous communiquer la nausée. Heureusement, les plages balisées par le piano sont bien plus digestes. Quant au chant de la demoiselle, que l’on aime ou pas, il faut avouer qu’elle possède un bel organe. Ses envolées lyriques montent, descendent et sont très susceptibles d’impressionner. En outre, elle maîtrise parfaitement son sujet. Néanmoins, on est rapidement gavé de ses vocalises. Qui finissent même par nous taper sur les nerfs. La seule bonne nouvelle ? C’est lorsque s’achève la dernière piste du long playing…
Étonnant et déconcertant sont les deux termes qui traversent d’abord l’esprit, à l’écoute de cet album.
L’ambivalence de cultures musicales aussi éloignées que le Folk Americana et la musique traditionnelle arabe laisserait craindre le pire quand il s’agit de marier les deux sous un même dénominateur commun ; mais force est de constater que Jawhar tire admirablement bien son épingle du jeu.
La majeure partie de l’elpee est chantée en arabe, et loin d’être un obstacle, cette option ouvre de nouveaux horizons à ce qu’on a trop souvent tendance à cloisonner.
L’opus démarre comme du Sparklehorse à l’orée d’un désert, caracole au travers de dunes ensablées, de décors insolites où la langue maternelle de Jawhar Basti enveloppe de miel et de tendresse, enrobe les souvenirs d’enfance échappés et dessine les arabesques des jours à venir.
Une mosaïque chatoyante où Rock, Blues, Pop et Soufi ont appris à parler le même langage : celui de la musique universelle et intemporelle.
Quand les mots anglais s’invitent, ils sont accueillis avec chaleur et ferveur, et lorsque c’est au tour de la langue de Voltaire, (« Le Reste Est Ennui »), le ciel des mille et une nuits s’éclaire d’une poésie rédigée en lettre dorées.
Un fameux coup de pied aux conventions.
C’est un long hiver qui s’éternise, s’étend paresseusement.
A bien y regarder, il s’agit peut-être d’un doux été qui perdure.
Blotti au creux de cette indécision, la musique de ce trio caresse les nœuds logés aux creux des bois, là, dans cette forêt qui se dessine sous un ciel ouvert et dégagé.
Comme dans un rêve, toute sensation de froid ou de chaud semble superflue.
Enveloppés dans un voile cotonneux, les invités sont priés de laisser leurs chaussures couvertes de boue sur le pas d’une porte.
A l’intérieur d’un cabanon, au milieu d’une lumineuse clairière, les trois hôtes nous débarrassent de nos états mentaux (manteaux ?), ces gabardines doublées de doutes et de questionnements.
Pensent nos petits chagrins et réfléchissent à deux fois avant de nous renvoyer notre image, fatalement floue, diffuse dans un halo bienveillant.
Collection de chansons composées en solitaire pendant quatre années sabbatiques et recousues ensemble, ce premier essai est joliment troussé.
On s’y prélasse agréablement, on y traîne avec plaisir, sans songer au réveil.
Car sans doute, dès que celui-ci surgira, il nous privera de tout souvenir.
Alors, tant qu’on est sur place, on profite du moment, en regardant les vignettes oniriques qui courent sur les murs, les plafonds, et réverbèrent la lumière d’une journée sans fin.
Quatre titres, c’est un peu maigre pour se forger une idée ; mais qui suffisent parfois à plomber définitivement tout jugement.
Ici, l’impression générale reste positive après ces quatorze minutes de plongée en apnée dans les années 90.
Croisement malicieux entre Cure, Slowdive, et Swervedriver, la photo des Pale Saints accroché en bandoulière, « Dunes » ravive son quota de bons souvenirs aux mélancoliques…
Pas encore assez personnel mais néanmoins prometteur.
A noter qu’un second Ep quatre titres (« Don’t Worry Baby ») est aussi disponible.
Au rayon frais de votre étalage de Pop bien achalandée, vous avez sûrement dû remarquer une belle pièce appétissante au détour d’un festival, cet été.
Une belle présence, un charisme naturellement aguicheur, des chansons mûres et dont le bagout assurait l’enthousiasme tout autour de vous.
Mais si, souvenez vous !
Vous avez d’abord pensé assister au set d’un de ces groupes anglo-saxons injustement snobés par leur mère patrie.
Puis, saisissant quelques mots de français au passage, vous avez réalisé qu’il s’agissait d’une énième pépite de notre Royaume.
Avant de succomber totalement à l’évidente maîtrise de ces jeunes gens sans plus vous soucier de leurs origines.
Et bien Montevideo, qui n’en est pas à ses débuts, est à présent doté d’une très réussie carte de visite, façonnée sous la forme d’un album dix titres de classe folle.
Entre sonorités de claviers et séquenceurs eighties (OMD, Eurythmics), clin d’œil appuyé à la vague Madchester (le très Happy Mondays et simplement intitulé « Madchester »), Dancefloor (« Horses ») et élégance Brit Pop (partout), « Personal Space » s’approprie les genres et les restitue dans une dimension qui lui est propre et surtout particulièrement convaincante.
Si je devais paraphraser Magritte, à qui l’illustration de la pochette emprunte son esthétique, j’ajouterais : ‘Ceci n’est pas de la Pop’.
C’est stipulé dans la bio : « Our Nature » est une collection de chansons Pop Catchy sur fond de textes empreints d’une certaine dramaturgie.
En résumé, les textes veulent se démarquer et la musique entend accrocher directement l’oreille du mélomane.
Et si Savoir Adore ne manque pas de savoir-faire dans ce registre, cet ensemble de charmantes vignettes très travaillées manque cruellement de relief.
En effet, au final, aucun titre ne tire réellement son épingle du jeu.
Un brin intellectuellement factice, la musique de Savoir Adore reste agréable mais sans plus.
Le duo de voix est sympathique (on pense parfois à Echobelly) et les compositions sont assez efficaces pour toute radio formatée.
Pour le reste, « Our Nature » reste un album dispensable.
Celui là, je m’étais bien gardé de vous en parler.
Et pour cause.
Relégué dans mon esprit au titre d’album abscons (faux souvenir d’une écoute manifestement jamais réalisée) et perpétuellement placé à la base de ma colonne de disques à écouter, j’étais passé totalement à côté...
Arrive le grand jour où finalement je me décide à repasser la galette, et… Ô ! Surprise !
Circonspect, j’assiste à ma totale abdication en moins de trois minutes trente-six, soit le temps pour le premier morceau (« Into The Shade ») de faire voler en éclats mes réserves injustement nées de souvenirs tronqués.
Donc, résumons : Shiny Darkly est un combo réunissant trois jeunes danois qui a jeté son dévolu sur le Rock & Roll version blouson de cuir à la MC 5, lunettes de soleil rivées sur le nez, façon Crocodiles, et carburant à l’huile de moteur aux effluves Black Rebel Motorcycle Club. Passé quelques trips hallucinogènes chez leurs frangins de Psyched Ills, ils se sont mis en tête de pondre quelques ritournelles obsédantes, nonchalamment enduites de cambouis dans un Garage et délicieusement matinées de second degré (un titre comme « Draculala » ne laisse planer aucun doute sur la question).
La cadence est spectrale, hypnotique, mais pas délestée de mélodies mordantes comme le baiser d’un vampire éternellement juvénile.
La réverb’ place le spectre sonore dans la lignée de The Horrors, les lignes de basse dans les sillons de Spectrum et le glacis noir et blanc destiné à faire briller l’ensemble évoque les productions de Sacred Bones Records.
Mais loin d’être une somme de références, ce ‘six titres’ se révèle bien plus contrasté qu’il n’y paraît et m’oblige à faire amende honorable.
Un réel plaisir dans ces circonstances.
Shiny Darkly : l’histoire d’un disque négligé qui d’un rugissement de trique a réussi à prendre en otage mes burnes.
Difficile de dénicher un véritable fil conducteur dans la discographie de Sébastien Tellier, le fantasque barbu français qui prend un malin plaisir à constamment brouiller les pistes… Après avoir opéré un magnifique exercice de style disco-électro-pop sur « Sexuality », en 2008, le producteur dingo s’était quelque peu égaré dans ses délires ‘mystico-mélalo’, en publiant un « My God is Blue » beaucoup moins inspiré, et à prendre au second (voire davantage…) degré...
Bonne nouvelle, « Confection » nous dévoile une excellente récolte musicale. L’artiste en est revenu à une forme instrumentale particulièrement efficace. Empreintes de sensualité, de romantisme et de charme, ses compos transpirent même une classe folle. Seul le magnifique (cette basse !) « Amour Naissant » inclut des vocaux. Cinématographique, cette œuvre nous replonge, pour notre plus grand plaisir, à la belle époque de « La Ritournelle » et de « Politics ». Lors des sessions d’enregistrement, Tellier a reçu le concours de Tony Allen (batteur de Fela Kuti) et de Rob (le claviériste de Phoenix). Sans oublier le grand manitou Zdar à la production. Et incontestablement, la mise en forme est parfaite. Entre ballades pop interprétées au piano dans l’esprit de Gainsbourg (« Coco ») et morceaux à la fois curieux et intéressants (« Hypnose »), Tellier nous gâte de sucreries rétro, comme s’il avait voulu illustrer un film décadent, langoureusement fantasmé.
Poursuivant son aventure solitaire en compagnie d’invités triés sur le volet, le Danois Anders Trentemøller donne enfin une suite à « Into The Great Wide Yonder », paru en deux mille dix.
Et puisqu’il est question de comparaison, j’affiche d’emblée toute ma déception.
L’unité semble s’être effritée, et s’il n’est pas question d’un album raté, « Lost » ne possède ni la grâce, ni l’intemporalité du précédent opus.
Il recèle de très bons morceaux, garde une certaine cohérence dans l’ensemble, mais souffre d’un défaut majeur : il s’efface trop souvent derrière ses invités.
Du coup, la liste exhaustive de ceux-ci confère à l’ensemble une impression de patchwork, sorte de grande fresque rapiécée.
Allant jusqu’à donner cette impression que Trentemøller passe de rôle d’hôte de marque à invité de luxe.
Bref, la majeure partie des titres ressemble davantage à des remixes qu’à des compositions originales.
Et si les univers ici présents ne sont certes pas incompatibles (de Low à Blonde Redhead en passant par Lower Dens), l’homogénéité générale s’effiloche au fil du parcours.
Trentemøller signe donc une très jolie compilation de réinterprétations personnelles du répertoire de ces groupes qu’on imagine très facilement trônant fièrement dans sa collection.
En se faisant plaisir, l’artiste nous gratifie quand même de bons moments.
Mais j’attendais nettement plus de la suite à ce monument que restera son précédent LP.
« Lost » constitue donc à mes yeux une jolie vitrine à contempler sans désir exacerbé.
Comme son titre l’indique, « Nocturnes & other songs Op .2 » constitue le deuxième opus de ce songwriter alsacien. Il fait suite à « 14 Ballads Op.1 ». Peu d’infos circulent au sujet de cet artiste. A tel point qu’on se demande s’il n’est pas sorti directement de sa tanière pour nous conter ses histoires de cœur. Ecorchée et frémissante, sa voix est bien mise en valeur par une instrumentation à la fois variée (lap-steel, guitare acoustique, violoncelle, …), subtile et discrète. L’univers de The Wooden Wolf est à la fois mélancolique et boisé. Si certains morceaux peuvent paraître plus longs comme « Something in the Ground » ou « Black Velvet » qui dépassent tous les deux les 7 minutes, le Français a le bon goût d’enrichir ses compos folk de refrains pop ; ce qui les rend d’autant plus efficace. Certaines plages flirtent tout simplement avec la perfection. Et tout particulièrement « Palace of Sin », « When your Body Takes », « Only Someone Burning » ou encore « Your Drinking Shoulders ».
Cet opus est hanté par les spectres d’illustres folk singers, tels Will Oldham (NDR : il est encore vivant !) ou Elliott Smith voire Jason Molina (NDR : eux sont passés dans l’autre monde). D’ailleurs, Alex Keiling rend hommage à ce dernier sur l’ultime plage de l’opus, « Molina’s Blues ». La classe !
Bien que fondé en 2006, ce groupe danois n’est guère notoire chez nous. Si à l’origine, le line up de Men Among Animals comptait cinq musicos, le quintet est aujourd’hui réduit à un trio. « Buried handsome » constitue son troisième elpee. Un disque enregistré en une semaine. Difficile de croire que le band soit parvenu à un tel résultat, en si peu de temps, vu le soin apporté au sens mélodique et aux arrangements.
Une œuvre au cours de laquelle, la formation démontre qu’elle est capable de se frotter à une multitude de styles tout en demeurant créative. Et de les maîtriser à la perfection. Chaque compo baigne au sein d’une couleur et d’une atmosphère différentes. Et lorsque le chanteur vit profondément les lyrics de sa chanson, (« Breathe When You’re Dead »), on pense immédiatement à Detachment Kit voire à The Antlers. Mais si l’elpee recèle des plages qui trempent dans la pop sucrée (« Kathy »), il nous réserve également de l’indie-rock réminiscent de Menomena (« Common in a Special Way »), du folk (« They Build a Colony ») et même de l’électro (« Neighborhood »). Un feu d’artifice d’humeurs et de genres ! Mais surtout un véritable régal pour les oreilles. A recommander si vous appréciez 31 Knots, Menomena (NDR : of course !) ou encore Maps & Atlases…
Nederlands 
Français 
