Pilod est un projet né de la rencontre entre trois Louvanistes : Frédéric Baervoets, Valerie Stoens et Christophe Vandewoude. Et il faut reconnaître qu’en deux années, le trio n’a pas perdu de temps, car il vient déjà de publier son premier LP. A première écoute, on se rend compte que la formation est influencée par le rock indie issu des 90’s ; et tout particulièrement par Reiziger et Car Crash, respectivement groupe belge et français.
Structurellement, la musique de Pilod repose sur des riffs de guitare linéaires et monocordes. Mais au contact des interventions de la basse et du chant de Frédéric Baervoets, l’expression sonore prend une toute autre amplitude. Une voix bouleversante susceptible de vous communiquer le spleen. Les compos de « Sunny Forecast » sont d’ailleurs empreintes d’une grande mélancolie. L’émotion y est constamment palpable. Ce qui n’empêche pas certaines d’entre elles de libérer énormément d’intensité. A l’instar de « Read My Lips », une piste caractérisée par ses crescendos parfaitement maîtrisés ou de l’hypnotique « The Arrival Song ».
Franchement, ce long playing aurait mérité de figurer dans mon Top 5 des albums made in Belgium, tant il m’a plu. Un bémol ? L’artwork de l’album. On ne peut pas dire que cette photo immortalisant la mer du Nord soit particulièrement excitante. Une faute de goût qu’on leur pardonnera volontiers, vu la qualité de l’opus…
Alors que le pays émerge peu à peu d’une longue guerre civile, née du conflit entre diverses factions de narcotrafiquants, le monde occidental commence à découvrir qu’il abritait une scène florissante. La Colombie recèle manifestement de belles pépites musicales ! Après nous avoir permis de vivre les folles expérimentations de Los Piranas, Vampisoul nous invite à pénétrer dans le monde merveilleux... d’Abelardo Carbono !
Né à Ciénaga, en 1948, le jeune Sud-américain se découvre une passion pour la guitare dès l’âge de 9 ans ; mais lorsque ses parents déménagent à Baranquilla, il se résigne à embrasser une carrière beaucoup moins rock’n’roll. Et pour cause, il devient policier. Pas vraiment heureux de son sort, et en particulier des fonctions répressives de son job, il décide rapidement de monter sur pied un groupe, en compagnie de ses frères Jabeth (basse) et Abel (guitare)… Au menu : la Champeta ; une pop tour à tour illuminée de guitares tropicales (« Carolina »), galvanisée par une ligne de basse caoutchouteuse (« Muevela »), contaminée par le psyché occidental, stimulée par les rythmes africains (Fela n’est pas loin…), pigmentée de références caribéennes (Vallenato ou Cumbia) ou encore enveloppée de chœurs ‘narco-trafiqués’ (« La Negra Kulengue »).
Pendant de nombreuses années, ce représentant de l’ordre s’est escrimé à défendre son projet artistique. En fréquentant les studios, se produisant en concert et multipliant les collaborations. Sans pour autant rencontrer le succès mérité. Mais la récompense est au bout de l’effort, car le talent d’Abelardo Carbono vient enfin de dépasser les frontières. Inconnu jusqu’alors ce ‘guitar-hero’ pourrait bien suivre le parcours d’un certain Tom Zé…
Inutile de tourner autour du pot.
Pour concocter son dernier album (NDR : qui a bien failli être son dernier tout court, vu ses problèmes de santé), l’icône d’un certain dandysme Pop made in France a frappé fort… Et juste.
Comme souvent serait-on tenté d’ajouter.
Relevant le pari fou d’être encore plus audacieux et de prendre certains risques, là où d’autres se contenteraient de l’évidence, le fringuant cinquantenaire s’entoure à nouveau de partenaires de charme et de choc pour un opus qui se révèle en clair et en obscur.
Un subtil équilibre entre les contrastes de l’existence qui joue de la lumière comme des ombres.
Le résultat est à la fois sobre et maniéré, flirtant dangereusement mais habilement avec la gravité, sans sombrer dans l’excès alors qu’à tout moment il lui fait les yeux doux.
En ouverture, “Le Baiser Du Destin” marie d’emblée groove sensuel et cordes fiévreuses, tandis que la voix immuable de Daho glisse comme une larme sur une peau de chagrin, se moquant du temps, apprivoisant le passé et se faufilant dans l’avenir.
Le ton est donné. Détachez vos ceintures, tombez le veston.
Et laissez vous embarquer sur un air de Disco, qui tout au long de ce superbe cru, cuvée deux mille treize, va imprimer sa patte (d’éph’)...
À pas de velours sur les traces d’un clavecin, “L’Homme Qui Marche” emboîte le pas. Dans son sillage, tout en circonvolutions érotiques, se dessinent l’ombre de John Barry et les volutes de fumées âcres des cendres abandonnées par Serge Gainsbourg.
L’opus entier semble imprégné de ses ambiances cinématographiques dessinées à grands coups d’éclats baroques par le recours aux cordes.
Les titres sont tour à tour clins d’oeil à la somme d’une vie, tantôt appels du pied à l’ivresse de l’abandon.
L’artiste affiche donc une belle santé sur ce treizième long playing, sans doute l’un des plus réussis de sa carrière.
L’écriture est soignée, élégante et colle parfaitement à une musique composée par un réel complice déniché en la personne de Jean-Louis Piérot.
Des ambiances de film tout droit sortis des sixties mais dépoussiérées et ornées de feuilles d’or.
Et quand Etienne se fait plaisir, comme tout bon hédoniste, il nous convie à partager son bonheur.
Les invités triés sur le volet ne sont pas ici pour faire de la figuration.
Outre l’opportunité de côtoyer la muse Debbie Harry et l’illustre Nile Rogers (Chic alors!), Daho a également reçu le concours d’Yan Wagner et Au Revoir Simone (“Les Chansons De l’innocence Retrouvée”), mais encore de Dominique A (“En Surface”).
Daho s’amuse comme il l’a toujours fait, ignore les suiveurs révérencieux et va de l’avant avec la simplicité qui le caractérise depuis les années quatre-vingt qui l’ont vu éclore sur la scène française.
Oui, encore une fois, Daho fait de la Pop.
Ou plutôt se sert de la Pop comme d’une fleur à son fusil.
Parce que la Pop est le vecteur de son langage, parce qu’il en maîtrise les codes et sait user de ses artifices pour illustrer son univers comme personne d’autre n’est capable de le faire.
Et comme lui, sa musique ne prend pas une ride.
Etablis à Montréal, Marie Davidson et Pierre Guérineau forment un couple qui est responsable, depuis 2010, d’une musique électronique très novatrice, sublimée par une prose déclamée ou chantée. Essaie Pas, leur duo, et Marie Davidson, le projet solo de Marie, ont accordé deux prestations magiques dans le cadre de la ‘release party’ consacrée au nouvel elpee d'Essaie Pas, ‘Nuit De Noce’. Nous étions présents lors de celle qui s’est déroulée le 21 novembre dernier au London Calling de Bruxelles. Nous en avons profité pour discuter en compagnie des deux musiciens. Le lien vers la vidéo de l'interview figure au bas de la page.
Essaie Pas est un patronyme qui intrigue. "En fait, c'est la traduction de 'Don't Try', l'épitaphe gravé sur la tombe de Charles Bukowski", précise Marie. "Sa perception est négative ; mais en fait, elle signifie 'Just do it! Have no fear!'." Un message d'encouragement adressé à tous les artistes! Pour définir la musique d'Essaie Pas et de Marie Davidson, il faut s'imaginer la bande-son électronique d'un film imaginaire des années '70, inspirée par les soundtracks de John Carpenter (surtout la plage légendaire "Assault On Precinct 13"). Au-dessus des séquences et des boîtes à rythmes, éclosent des couleurs ambient, kraut, psyche, minimal, italo-disco et même du blues. Pour couronner le tout, il y a la voix de Marie, à la fois sensuelle et ingénue, qui clame ou chante des textes poétiques écrits dans la langue de Molière ou de Shakespeare. Un discours sobre, humble, violent et tellement sensible à la fois. Malgré le côté froid des synthétiseurs, on sent dans chacun des titres une pulsation humaine, presque physique.
A Montréal, Marie a été très tôt baignée dans la musique. Elle a d’abord suivi des cours de violon classique, qu'elle a abandonné à 16 ans pour se consacrer à l'exploration intuitive de la musique électronique. "Je me considère comme une autodidacte. Je ne maîtrise pas la théorie donc, je tâtonne beaucoup, en pratiquant le 'trial and error’, par essais et erreurs." Pierre ajoute : "Ce qui est bien avec cette méthode, c'est qu'on tombe parfois sur des surprises, des sons ou des séquences qu'on n'imaginait pas au départ." Pierre, quant à lui, est d'origine bretonne mais vit à Montréal depuis 8 ans.
Le duo vient de publier le premier opus d'Essaie Pas, ‘Nuit de Noce’. Il bénéficie d'une double édition, l'une via le label français Malditos et l'autre, l’écurie franco-belge Teenage Menopause, à laquelle nous devons les albums brûlots de Scorpion Violente (voir leur interview ici), Jessica 93 et Catholic Spray. ‘Nuit de Noce’ compile des titres parus auparavant sur cassettes, plus une nouvelle compo: ‘Devotion’. "Pour la première fois, c'est Pierre qui assure les parties vocales sur ce titre", souligne Marie. "Et l'ambiance est ici plus sale, plus 'noisy'. La tension est permanente, un peu comme dans la musique d'Ike Yard, le groupe new-yorkais de no-wave." Mais votre serviteur est frappé par la ressemblance qui existe entre ce titre et le "Bite of God" du duo français Die Form ; une similitude tout à fait fortuite vu que ni Marie ni Pierre ne connaissait Die Form avant que je ne leur en parle. Correspondances...
Précisément, parlons des influences : en écoutant Essaie Pas, on ne peut s'empêcher de penser à Suicide. "Oui, on adore Suicide, surtout le côté hypnotique et minimal, mais je ne dirais pas qu’il s’agit d’une influence majeure", rectifie Marie. "A la maison, j'écoute plutôt de l'ambient ou du kraut, comme Klaus Schulze ou alors de la musique classique. Par exemple, Scelsi, Nono, Ligeti, Ravel, Debussy, Messiaen et Terry Reiley. Les B.O. de films également ; John Carpenter bien sûr, mais aussi italiens du genre ‘Giallo’ comme ceux de Dario Argento, par exemple." Et Pierre d’ajouter : "J'aime aussi le blues et l'italo-disco de Georgio Moroder".
L'actualité du projet solo de Marie Davidson, c'est le single ‘Je ne t'aime pas’, publié récemment sur Bandcamp et transcendé par une superbe vidéo diffusée sur YouTube. C'est, à mon avis, le titre qui possède le plus de potentiel. Il libère en effet une atmosphère fiévreuse, dominée par la voix fragile et touchante de Marie, mais affiche aussi un côté 'french pop', 'nouvelle vague' très attachant. Un morceau très prometteur qui figurera sur le premier LP vinyle de Marie Davidson, ‘Perte d'Identité’, à paraître en février prochain chez Weyrd Son Records. Ce jeune label belge dirigé par Michael Thiel, le fils du légendaire Micky Mike (Snowy Red), confirme ainsi qu'il a très bon goût!
"L'album est prêt", précise Marie. "Nous travaillons déjà sur le prochain! Il continuera dans la même direction musicale mais proposera des titres plus longs et baignera au sein d’une ambiance encore plus cinématique. Comme des ‘fake soundtracks’ d'un film imaginaire..."
Regardez la vidéo de l'interview là
Découvrez le clip de "Je ne t'aime pas" ici
Album "Nuit de Noce": http://teenagemenopause.bandcamp.com/album/nuit-de-noce
Weyrd Son Records: http://weyrdsonrecords.com
Facebook Weyrd Son Records : https://facebook.com/WeyrdSonRecords
(Photo 'live' par Xavier Marquis)
Matthew E. White nous vient de Richmond, en Virginie, et constitue certainement une des révélations les plus improbables de l’année 2013. Et il a décidé de nous offrir, une petite sucrerie folk-soul pour la clôturer en beauté. Judicieusement intitulé, « Outer Face », cet Ep nous dévoile une nouvelle facette de son immense talent. Un écrin dépouillé pour une voix de velours dans un corps de fan de métal… Si les arrangements des 5 morceaux sont moins luxuriants, ils sont néanmoins appuyés par des chœurs féminins (Pinson Chanselle et Cameron Ralston) et parcourus par une ligne de basse au groove imparable. Des compos davantage minimalistes, mais tout aussi intenses. Le plus bel exemple ? « Hot Hot Hot ». On n’avait rien écouté d’aussi soyeux depuis Lambchop…
« Dying Breed Reborn », le premier album du groupe, sorti il y a trois ans, était déjà très prometteur. Il a permis à la Belgique de découvrir Shaun V. Caster, guitariste et frontman talentueux, devenu une des nouvelles valeurs sûres du genre ; en atteste son travail dans Length Of Time et Resistance. C’est dire si ce deuxième essai était attendu de pied ferme par la fanbase grandissante du groupe. N’y allons pas par quatre chemins, l’attente en valait largement la peine !! « I, Against » recèle absolument tous les ingrédients qu’on attend d’une production metal moderne. Bien composé, parfaitement interprété, bénéficiant d’une production soignée aux petits oignons (mention particulière au Noise Factory, le studio qui devient tout doucement LA référence belge pour le métal, de la même manière qu’Hautregard l’était il y a vingt ans), l’elpee est une pépite comme on en déniche rarement.
Shaun V. Caster est parvenu à s’entourer d’un line up ahurissant de talent, et délivre un album riche, varié, qui va puiser dans différents registres du métal extrême (du death au thrash en passant par le hardcore, le metalcore et j’en passe), et tombe toujours juste, avec finesse et bon goût, à l’instar des deux interludes musicaux destinés à aérer le tracklisting. Soulignons aussi le travail remarquable opéré sur les voix. La puissance et la rage de Bruno sont ainsi tempérées par les lignes originales de chant clair inspirées de Shaun (« My Own Disease »), sans pour autant perdre en puissance et en efficacité, les deux mots qui résument le mieux cet opus.
Il n’y a plus à douter qu’Age Of Torment est dorénavant prêt à rejoindre la cour des grands du métal. Espérons que la promo suive et que la formation puisse percer hors de ses frontières ; c’est tout le mal qu’on leur souhaite.
Genre défouloir par excellence, le punk rock permet aisément de passer outre l’originalité et le niveau technique de ses musiciens pour se concentrer sur l’énergie brute et le plaisir simple que procure l’écoute d’un album de ce type. De ce point de vue, Burning Lady remplit parfaitement le cahier des charges. Les compos sont catchy à mort, tout en évitant d’accumuler les clichés et les écueils du genre. En outre, le groupe bénéficie d’une production limpide et agréable à l’oreille, et un niveau technique qui leur permet de garder l’attention de l’auditeur sans se répéter. N’hésitant pas à sortir des sentiers battus, il s’aventure aisément en dehors de son jardin et les passages folk, ska, reggae ou franchement rock’n’roll constituent autant de respirations qui rendent « Until The Walls Fall » très agréable à écouter. La cerise sur le gâteau, c’est sa chanteuse, qui démontre que le groupe porte bien son nom : elle est en feu ! Maîtrisant parfaitement ce mélange de rage et de nonchalance propre au style, elle illumine le long playing de sa présence, et contribue à le transformer en un des meilleurs de l’année, dans l’univers du punk rock.
Le nouvel opus de Cut Copy est un cadeau idéal à offrir pour les fêtes de fin d’année. Et il nous vient d’Australie ! De Melbourne, très exactement. Si vous comptez terminer 2013 sur une bonne note, ce « Free Your Mind » devrait vous satisfaire. Rien de tel pour retrouver la forme, avant de passer une bonne dernière soirée. Comme le titre de leur quatrième LP le suggère, pour apprécier pleinement ce disque, il suffit de vous libérer l’esprit. De vous laisser envahir par la musique, si vous préférez. Pas question ici de réfléchir ou d’analyser…
Au fil des tournées, le quatuor s’est forgé une belle expérience pour chauffer les salles. Par pour rien qu’il a assuré les premières parties de Franz Ferdinand, Bloc Party ou Daft Punk. En fait, la synthpop de Cut Copy est essentiellement destinée aux dance-floors. Vintage, elle est manifestement influencée par la house insulaire des 80’s. Les nappes de claviers se superposent, se frottent, avant que Dan Whitford ne vienne poser la voix sur l’ensemble. L’invitation à danser est claire. Impossible de ne pas battre du pied en écoutant cette musique. Guère novatrice, il est vrai, mais idéale pour se défouler.
Pour votre info, sachez que la mise en forme a été réalisée par Dave Fridmann, devenu notamment célèbre pour avoir produit les albums de Mercury Rev, Flaming Lips, MGMT et Tame Impala.
Il faut avouer que les deux premiers albums de MGMT m’avaient laissé quelque peu perplexe. Pas qu’ils étaient de mauvaise facture. Au contraire. Mais vu la signature aussi rapide du band chez un label major, j’étais sceptique quant à la suite de leur parcours artistique. Je me suis planté, mea culpa. Et de nombreux confrères continuent de tirer sur le pianiste, car ils n’ont probablement toujours pas compris leur démarche. Il est vrai qu’elle n’est vraiment pas facile à appréhender. Car leur troisième elpee est un petit chef-d’œuvre. Et le producteur, Dave Fridmann, n’est certainement pas étranger à cette réussite. Il avait déjà mis en forme le deuxième elpee du duo new-yorkais, « Oracular Spectacular », mais c’est surtout le producteur attitré de Mercury Rev (NDR : au sein duquel il a d’ailleurs sévi comme bassiste, jusqu’en 2001) ainsi que des Flaming Lips. Notamment. Sa patte est donc incontestablement présente tout au long du nouvel elpee de MGMT. Et tout particulièrement sur le morceau final, « A orphan of fortune », une plage majestueuse, crépusculaire, digne de la bande à Jonathan Donahue ou de Wayne Coyne. Ce qui n’est pas pour me déplaire. Et si le duo se sert allègrement de l’électro, c’est très souvent dans l’esprit d’Animal Collective. Voire même d’of Montreal. A l’instar de « A good sadness », une compo luxuriante sculptée dans un disco singulier, qui ouvre une forme de trilogie cosmique. Le presque dub « Astro-Mancy » lui emboîtant le pas et l’atmosphérique « I love you too, death » achevant l’exercice de style, une piste au cours de laquelle les vocaux en apesanteur sont bien mis en exergue, avant qu’ils ne se fondent dans une expression sonore qui prend alors crescendo de l’amplitude et de la richesse, sans avoir –ou presque– recours aux percus.
Le long playing s’ouvre par « Alien days », un titre de prog pop, qui aurait pu naître d’un débat parlementaire entre les anges et les démons, au sein de votre âme. Nonobstant ses synthés, « Cool song n° 2 » nous renvoie au « More » du Floyd. Cette profondeur des percussions reflète parfaitement cette impression. Les drums sont à nouveau floydiens tout au long de « Mystery disease », alors que les vocaux nous renvoient à Wire et la structure de la compo aux Doves. « Your life is a lie » constitue certainement la composition la plus contagieuse de cet LP. Et pourtant, on ne distingue ni couplet ni refrain. Du grand art ! Un clin d’œil au Beach Boys ? « Plenty of girls in the sea ». Un peu de soleil et des filles en bord de mer. Sur la plage, si vous préférez ? Encore que si la compo semble plutôt hantée par le spectre de Brian Wilson (NDR : ces voix !), le tempo emprunte carrément au glam de Garry Glitter. Une cover ? « Introspection » de Faine Jade, un ensemble garage obscur issu de sixties. Une chouette reprise susceptible de vous inciter à fureter au sein des compiles Pebbles et Nuggets. En publiant ce disque éponyme, Benjamin Goldwasser, Andrew VanWyngarden et Dave Fridmann on réussi un véritable tour de force. A ce titre, ils méritent qu’on leur tire notre chapeau.
En achetant le cd ou le vinyle, un code secret vous permettra de télécharger une vidéo réalisée sous influence, un clip multicolore qui propose un périple complètement décalé d’un drôle d’insecte déambulant au sein d’un univers imaginaire. Et ce au son des 10 pistes de l’opus. De quoi donner une dimension encore plus hallucinée aux compos…
Ses parents étaient sri lankais. Elle est pourtant née à Londres et s’est finalement établie à Berlin. Une artiste au parcours atypique, puisque après avoir milité chez le groupe de trip hop Jachoozi, au cours des 90’s, elle s’est reconvertie en DJ.
A l’instar de son premier elpee, « Everlast » est à la fois complexe et multi facettes. Une œuvre découpée en douze pistes particulièrement originales. Difficile de relever des références au sein de son électro/folk à la fois minimaliste et bidouillé. On y retrouve quand même des traces de trip hop et puis des influences afro, pourtant parfaitement intégrées. Il y a du piano, des machines et de guitares acoustiques. Et puis, trahissant des accents soul, la voix de Perera semble parfois hantée. Ce qui explique sans doute pourquoi cet opus baigne dans une forme de mysticisme.
Pour enregistrer cet elpee, Perera a bénéficié de la participation de quelques collaborateurs. Gonjasufi est crédité sur « Giddy ». Chanteur africain, Aremu pose sa voix sur « Ebora ». Et le musicien allemand Springingput apporte son concours à « Shady ».
Difficile de classer le projet Tarana dans un style de musique bien précis. Le duo va puiser ses influences au sein du jazz, de la world music et des BO de Bollywood, puis les enrobe de sonorités électroniques. Et le résultat est plutôt séduisant.
Tarana est né de la rencontre entre le percussionniste indien Ravish Momin et le tromboniste américain Rick Parker. Momin est le leader du Trio Tarana (à ne pas confondre donc), un band acclamé pour sa relecture de différentes traditions musicales asiatiques (japonaises, afghanes, indiennes...)
Sa virtuosité lui a permis d'accompagner sur scène différents jazzmen mais aussi Shakira lors de certaines apparitions télévisées de la Latina. Il a également apporté sa collaboration à Alap Momin, aka The Oktopus, le génial producteur de Dälek. Bref, un CV plutôt éclectique.
Un adjectif qui colle également parfaitement à Parker puisque le jeune jazzman new-yorkais participe à pas moins de dix projets. Il a, entre autres, sorti deux elpees en compagnie de son quintet, le Rick Parker Collective et est également le leader du quartet 4Limones. Il est également impliqué dans les aventures de différentes formations rock, electronica ou expérimentales quand il ne revisite pas l'oeuvre de Bartok au sein du trio Little Worlds.
On ne s'étonnera donc pas que leur collaboration débouche sur un melting-pot musical. Ils nous proposent ici leurs deux premiers morceaux. Une excellente reprise d'AR Rahman qui plonge les mélodies bollywoodiennes de ce grand compositeur indien dans un tourbillon de sonorités électroniques portées par des tambours aux rythmiques quasi hip-hop. La deuxième plage démarre en mode jazz ethnique. Les notes de trombone se mêlent à des mélopées féminines hypnotiques. Puis le morceau accélère avant de nous entraîner dans un tunnel psychédélique aux effets électroniques. On saluera la production des deux compères, audacieuse, un peu expérimentale mais pas du tout hermétique. Et on a hâte d'écouter le premier elpee de Tarana qui devrait faire parler de lui, si Momin et Parker parviennent à conserver cette qualité et cette originalité sur la longueur.
Réunissez un Suédois, un Anglais et une Japonaise. Plongez-les dans un bain glacé, puis saupoudrez le tout, mais très légèrement de spleen bien senti (surtout pas trop racoleur).
Agitez et laissez reposer. Après émulsion, vous devriez obtenir un condensé vivifiant de fraîcheur Pop aux relents New Wave.
Certes, la recette est connue et n’est pas toujours automatiquement savoureuse…
Ici, le savoir-faire du trio lie parfaitement la sauce, et le résultat est frais, sans le moindre grumeau.
Ces amoureux synthétiques revisitent donc une certaine histoire de la musique (la guerre froide version mancunienne en tête) et dépassent vite les clichés du style pour distiller un son bien personnel.
Ainsi, plutôt que de s’enfermer dans un genre éculé, ces trois Parisiens d’adoption affichent une liberté de ton qui leur permet d’afficher, tout au long de ce long playing, quelques brillantes références qu’on n’attendait pas rencontrer, même accidentellement (The Kills, The XX, These New Puritans…)
Recette heureuse et digeste qui confirme l’idée reçue que c’est dans les vielles casseroles que se mitonnent les meilleurs plats.
Malgré sa tête de Suédois, Tom Odell est bien originaire du sud de l’Angleterre. De Chichester, pour être précis. Buzz instantané pour ce jeune singer-songwriter dont le troisième single, « Another Love », a tout simplement cartonné. « Long Way Down », son premier LP, s’inscrit dans la même optique que ce morceau qui, du coup, a éclipsé les quatre autres singles du bonhomme. Une graine de ‘one-hit-wonder’ ? Quoi qu’il en soit, « Long Way Down » s’adresse aux vrais amoureux des ballades piano-voix ou aux fans de pop à la prod’ très léchée mais tout autant standardisée. La voix du sieur Odell a une cible très claire : le cœur de ces dames. Rien d’autre. Du joli travail en soi, mais tellement répétitif qu’il en devient rapidement casse-bonbons si l’on n’adhère pas entièrement à ses mélopées radiophoniques.
Burning House propose d’entrer dans une maison en feu… Proposition musicale dangereuse donc ! L’habitation serait-elle la proie des flammes à cause du frottement des semelles en caoutchouc des baskets sur le dance-floor, lors d’une soirée endiablée ? Une hypothèse envisageable à l’écoute de cet album qui rappelle le meilleur de Blackalicious. Pas étonnant, quand on sait que le beatmaker, Chief Xcel, est à l’origine de ce projet en compagnie de l’omniprésent Hervé Salters (aka General Elektriks).
Réalisé entre Berlin, Paris et San Francisco, cet elpee part dans tous les sens. Entre bombe hédoniste (« Post Party Stress Disorder »), vignette funkysante (« Turn Off the Robot ») ou sucrerie soul légèrement jazzy (« Frozen Conversation »), les beats hip-hop de Chief Xcel côtoient les claviers fous de RV Salters mais aussi d’étonnantes interventions de cuivres (« Daydream Mama ») et parfois, quelques chœurs euphorisants (« Whispers in Your Headphone »).
La maison brûle, mais vu les composants hétéroclites de sa structure, elle devrait prendre du temps avant de se consumer complètement… pour le plus grand plaisir de nos oreilles…
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