L’espace réservé par la programmation des Nuits Botanique aux musiques alternatives et expérimentales n’a pas fait défaut ce samedi soir au Cirque Royal. Ainsi, sous les projecteurs du Cirque, le producteur allemand Sascha Ring alias Apparat –l’un des piliers du milieu électro berlinois– y présentait son dernier projet « Krieg und Frieden (Music for Theatre) », la bande-son surprenante de la récente pièce de théâtre de Sebastian Hartmann inspirée par le chef-d’œuvre de Tolstoï, Guerre et Paix. Une soirée sono-visuelle à laquelle étaient également conviées les nouvelles « Images Du Futur » de l’excellent groupe canadien Suuns qui nous livrait son nouveau matériau sonore sorti le 5 mars dernier, sous le label Secretly Canadian. Autre invité de marque, le trois-pièces français Aufgang dont l’électro-baroque-expérimental peu conventionnel conjugue ingénieusement musique classique et électronique pour des shows généralement explosifs.
Il fallait, comme il se doit, une ambiance feutrée, une scène plongée dans l’obscurité et un décor dépouillé pour accueillir les mélodies alambiquées des Canadiens de Suuns. Sans détour, le quatuor de Montréal nous plonge dans les profondeurs viscérales de sa dernière exploration. Hormis les manœuvres dynamiques de « Powers of Ten », les morceaux se veulent globalement moins rageurs, moins bruts, moins immédiats que par le passé. Les orages magnétiques de « Bambi » sont sous contrôle et laissent moins de place à l’improvisation.
Ne prenez pas peur. Les morceaux restent néanmoins toujours infectés par cet esprit sombre, vicieux et contrarié. Ils sont simplement plus travaillés, mieux calculés, plus pensés. Une maîtrise live que l’on peut distinctement entendre sur « 2020 », « Mirror Mirror » ou « Sunspot ».
Les Montréalais pyromanes continuent férocement à jouer avec nos nerfs et enchainent les chansons branlantes et psychotropes, minimales et obsédantes. Chantés la mâchoire crispée, les murmures mélodieux et angoissés de Ben Shemie plongent l’auditoire dans un monde parallèle et intriguant. Un concert cathartique aux couleurs du monde contemporain instable dont il est le reflet. Chansons du désordre qui illustrent leur engagement physique et intellectuel lors des manifestations qui se sont déroulées l’année dernière à Montréal. Une musique qui s’inscrit résolument dans son époque. Le résultat final est profond de sens, d’équilibre et de déséquilibre, tant dans l’écriture et le son que dans la vision créatrice. Des « Images Du Futur » écrites dans ‘le climat enthousiaste et excité, d’espoir et de frustration’ d’un Québec au bord de la crise de nerfs.
Partisans actifs aux manifestations des étudiants québécois en 2012 et survivants d’une tournée interminable consécutive à la sortie de « Zeroes QC », accomplie en 2011, Ben Shemie et Joe Jarmush semblent pourtant, par moments, manquer de souffle sur scène. En effet, certains titres comme « Minor Work » enthousiasment moins et montrent quelques signes de lassitude. Petits détails pour une grande prestation de Suuns sur les planches du Cirque Royal.
La suite du programme risque de surprendre davantage, d’assommer ou de passionner. C’est selon. Quoi qu’il en soit, l’expérience inédite d’Apparat reste impressionnante.
C’est après s’être évadé d’une vieille usine berlinoise abandonnée où il a enregistré les dix pistes de « Krieg und Frieden » durant plus de quatre semaines, en compagnie d’un orchestre de 30 musiciens, que Sascha Ring décide d’arpenter les routes pour exposer son nouveau projet atypique sur les scènes internationales.
Une exclusivité dénichée par les programmateurs des Nuits Botanique censée ravir les oreilles des amoureux de musique expérimentale avant qu’elle ne tombe entre les mains des plus gros festivals européens (Brighton, ‘Primavera Sound de Barcelone’, etc.)
Grand nom de la scène musicale berlinoise, créateur de dreamscapes, Sascha Ring aka Apparat aime tisser des textures et peindre des paysages sonores étourdissants. Il a le talent pour conjuguer son et image et se plaît à créer des univers multiformes capables d’explorer les sens et les émotions. La création d’une bande-son pour le théâtre n’est d’ailleurs pas un exercice qui lui est totalement étranger. Au cinéma, il s’était déjà livré à ce type d’exercice expérimental lors du dernier long-métrage de Jacques Audiard (« De rouille et d’os ») ou encore pour la série Breaking Bad.
Les planches du Cirque Royal tombaient comme une évidence pour faire place aux frasques audiovisuelles du génie allemand. Un écran géant comme seul décor et cinq artistes sur le podium. Côté jardin, trois musiciens. Côté cour, deux magiciens de l’image aux techniques peu conventionnelles. Tandis que le jardin se lance dans des airs de cordes (violon, violoncelle) lugubres voilés de couches de musique électronique, les deux vidéastes projettent en direct des images en totale synchronisation avec le son. Une technique particulière qui consiste à passer des filtres (ou autre matériau) avec une dextérité impressionnante sous un faisceau lumineux à une vitesse proportionnelle au rythme de la musique. Un fond d’écran qui s’anime de taches noires et d’éléments figuratifs abstraits à la vitesse du son. Plus les couches électroniques se superposent, plus les cordes montent crescendo et plus l’écran s’anime jusqu’au bourdonnement final et anxiogène de « Blank Page » où l’image s’efface. C’est que lumière et son s’allient et se consolent, se taisent ou bien s’éteignent, signant, dans cet accord obscur, la fin de ce voyage en terre inconnue.
Bref, un phénomène inexplicable. Plus facile à saisir au cœur battant de la présence, à éprouver en cet instant de grâce fugitif que nous offre la scène. Les mots nous font défaut pour le décrire. Seul le silence fait sens et transmet le vrai son.
Eric Ferrante
Apparat + Suuns + Aufgang
(Organisation Botanique)
Quoiqu’expérimentales, les trois formations qui vont se succéder ce soir, au Grand Mix de Tourcoing, jouissent toutes d’une certaine notoriété sur la scène indie. En l’occurrence Valleys, PVT et Suuns. Valleys et Suuns sont des groupes issus de Montréal. Le premier est un trio qui a publié l’album « Are You Going To Stand There And Talk Weird All Night ? », fin avril. Le second, un quatuor, dont l’elpee « Images du futur » est paru en mars. Quant à PVT, c’est un autre trio, mais australien. Il a gravé « Homosapien », en février dernier. Et tous sont venus défendre leur dernier opus.
Valleys ouvre le bal vers 20h30. Il est réduit à un duo. Soit un guitariste chevelu et une claviériste. Le public est plus que clairsemé. Le couple nous propose une musique éthérée oscillant entre dream-pop et shoegaze. A la croisée des chemins de The Beach House et de The XX, si vous préférez. De quoi tenir normalement un public en haleine. Le set dure une demi-heure. Malgré l’indifférence manifestée par l’auditoire, le duo canadien, n’a pas à rougir de sa prestation.
Après une brève pause, au cours de laquelle les spectateurs ont à peine le temps de prendre l’air et se déshydrater, PVT monte sur l’estrade. Il est près de 21h00. Cette fois, l’assistance semble plus intéressée et s’approche du podium, afin de ne rien manquer du concert. Faut dire que le trio aussie, répondant autrefois au nom de Pivot, a déjà pondu quatre elpees. Et que son dernier marque un changement radical de style, davantage orienté électro-pop. Après avoir transité par le post rock et l’électro-math-rock, on peut affirmer que le band est en constante évolution. Le drummer s’installe derrière ses fûts, le bidouilleur, ses machines, et le bassiste, son clavier, au centre de la scène.
Le set va durer une bonne heure. Un laps de temps au cours duquel PVT va enchaîner les morceaux de main de maître, en retranscrivant parfaitement les sonorités dispensées sur sib dernier long playing. La voix de Richard Pike est impeccable. Instrumentalement, la prestation est tout simplement remarquable. Et les jeux de lumières sont judicieusement utilisés pour rendre le show plus vivant. Ravi, le public savoure ces moments, d’autant plus que le combo a le bon goût d’intégrer des titres issus de leurs derniers elpees, dans leur tracklisting. A l’instar, de l’excellent « Windows », certainement le clou du spectacle.
Avant d’assister à la prestation de Suuns, la soirée est de toute manière, déjà réussie. Leur premier long playing, « Zeroes QC », était paru, en 2010. Après avoir sorti un vinyle intitulé « Bambi b/w Red Song », l’année suivante, il vient donc de publier son nouvel opus. Et cet « Images du futur » a fait l’unanimité auprès de la presse spécialisée. Leur set débute à 22h précises. Le quatuor canadien a la pression sur les épaules, vu la prestation de PVT ; même si les deux groupes ne s’expriment pas dans le même registre. Psyché/rock, la musique de Suuns est de forme plus classique. Le jeu de scène est plus dépouillé que celui de PVT. L’expression sonore est dense, intense, mais le band maîtrise assez bien son sujet, même ses nouvelles compos. Le concert tient la route, mais personnellement j’éprouve des difficultés à me libérer de la claque prise, une heure plus tôt. En fait, il aurait peut-être été judicieux d’inverser l’ordre de passage des deux derniers groupes. Néanmoins, les 90 minutes pendant lesquelles le chanteur, Ben Shemie, se trémoussera sur les planches, va passer assez vite. Une belle preuve que le set n’était certainement pas ennuyeux. Suuns achève sa prestation par une reprise ; en l’occurrence « Le Goudron » de Brigitte Fontaine. Parfait pour clôturer une affiche réussie, programmant des formations aux profils différents, mais finalement complémentaires…
(Organisation Grand Mix)
Quoiqu’expérimentales, les trois formations qui vont se succéder ce soir, au Grand Mix de Tourcoing, jouissent toutes d’une certaine notoriété sur la scène indie. En l’occurrence Valleys, PVT et Suuns. Valleys et Suuns sont des groupes issus de Montréal. Le premier est un trio qui a publié l’album « Are You Going To Stand There And Talk Weird All Night ? », fin avril. Le second, un quatuor, dont l’elpee « Images du futur » est paru en mars. Quant à PVT, c’est un autre trio, mais australien. Il a gravé « Homosapien », en février dernier. Et tous sont venus défendre leur dernier opus.
Valleys ouvre le bal vers 20h30. Il est réduit à un duo. Soit un guitariste chevelu et une claviériste. Le public est plus que clairsemé. Le couple nous propose une musique éthérée oscillant entre dream-pop et shoegaze. A la croisée des chemins de The Beach House et de The XX, si vous préférez. De quoi tenir normalement un public en haleine. Le set dure une demi-heure. Malgré l’indifférence manifestée par l’auditoire, le duo canadien, n’a pas à rougir de sa prestation.
Après une brève pause, au cours de laquelle les spectateurs ont à peine le temps de prendre l’air et se déshydrater, PVT monte sur l’estrade. Il est près de 21h00. Cette fois, l’assistance semble plus intéressée et s’approche du podium, afin de ne rien manquer du concert. Faut dire que le trio aussie, répondant autrefois au nom de Pivot, a déjà pondu quatre elpees. Et que son dernier marque un changement radical de style, davantage orienté électro-pop. Après avoir transité par le post rock et l’électro-math-rock, on peut affirmer que le band est en constante évolution. Le drummer s’installe derrière ses fûts, le bidouilleur, ses machines, et le bassiste, son clavier, au centre de la scène.
Le set va durer une bonne heure. Un laps de temps au cours duquel PVT va enchaîner les morceaux de main de maître, en retranscrivant parfaitement les sonorités dispensées sur sib dernier long playing. La voix de Richard Pike est impeccable. Instrumentalement, la prestation est tout simplement remarquable. Et les jeux de lumières sont judicieusement utilisés pour rendre le show plus vivant. Ravi, le public savoure ces moments, d’autant plus que le combo a le bon goût d’intégrer des titres issus de leurs derniers elpees, dans leur tracklisting. A l’instar, de l’excellent « Windows », certainement le clou du spectacle.
Avant d’assister à la prestation de Suuns, la soirée est de toute manière, déjà réussie. Leur premier long playing, « Zeroes QC », était paru, en 2010. Après avoir sorti un vinyle intitulé « Bambi b/w Red Song », l’année suivante, il vient donc de publier son nouvel opus. Et cet « Images du futur » a fait l’unanimité auprès de la presse spécialisée. Leur set débute à 22h précises. Le quatuor canadien a la pression sur les épaules, vu la prestation de PVT ; même si les deux groupes ne s’expriment pas dans le même registre. Psyché/rock, la musique de Suuns est de forme plus classique. Le jeu de scène est plus dépouillé que celui de PVT. L’expression sonore est dense, intense, mais le band maîtrise assez bien son sujet, même ses nouvelles compos. Le concert tient la route, mais personnellement j’éprouve des difficultés à me libérer de la claque prise, une heure plus tôt. En fait, il aurait peut-être été judicieux d’inverser l’ordre de passage des deux derniers groupes. Néanmoins, les 90 minutes pendant lesquelles le chanteur, Ben Shemie, se trémoussera sur les planches, va passer assez vite. Une belle preuve que le set n’était certainement pas ennuyeux. Suuns achève sa prestation par une reprise ; en l’occurrence « Le Goudron » de Brigitte Fontaine. Parfait pour clôturer une affiche réussie, programmant des formations aux profils différents, mais finalement complémentaires…
(Organisation Grand Mix)
Tété est né au Sénégal, en 1975. En wolof, son nom signifie ‘le guide’. Il assimile les fondements de la musique dès l’âge de 9 ans. Il suit des cours de solfège et apprend à jouer du violon. Vers seize ans, il opte pour la guitare, et commence à écumer les bars et des rues. Les études et différentes expériences musicales vont le conduire à Paris. Et en 2000, il est repéré par le label Epic, qui le signe. Ce qui lui permettra de publier son premier elpee, « Préambule », la même année. « Nu là-bas » constitue son septième opus.
« Nu là-bas » est peuplé de plages aux rythmes dansants. Des morceaux allègres au cours desquels Tété s’accompagne, en général, de la six cordes. Il entame les hostilités par le titre maître. Une piste bien enlevée. Tété aime les voyages et déclare ‘imaginez vous et moi contre le monde, abandonnés sur la plage au fil de l’onde’. « Marie Laveau » est une piste au message davantage culturel, dans le sens le plus ethnique du terme. Tété y raconte l’histoire d’une femme créole libre, considérée comme une prêtresse vaudou. Elle était détestée, mais en même temps elle fascinait. A cause de son art à exercer la magie. La voix de l’artiste est plus posée, plus sombre, plus mystique, comme s’il voulait transmettre ce sentiment étrange de l’histoire, auprès du mélomane. Un simple sifflotement parcourt « Cadeau », lui conférant une touche plus atypique. Pourtant, l’aspect dansant est toujours bien préservé ; et puis c’est la voix de Tété qui fait le charme à la compo. « A Cour ou Jardin » révèle une autre dimension du talent de Tété. Ses bouts de phrases, il les chante d’un timbre plus aigu. Ce qui rend le climat plus mélancolique. « Les Ruisseaux de la colère » clôt le disque. Un air de violon balaie la piste. Tété tente d’y dompter les ruisseaux de la misère à l’aide d’une mélodie plus guillerette, tout en se référant au choix artistique qu’il pose tout au long de ce long playing…
L’Islande est peuplée de plus ou moins 300 000 habitants. Un pays dont la notoriété repose essentiellement sur ses volcans, ses geysers et ses pêcheurs. Et pourtant, il compte certainement le plus haut ratio de musiciens par habitants. Sigur Rós, Björk, GusGus, Múm et Mugison sont certainement les plus célèbres. Sindri Mar Sigfusson est moins connu mais tout aussi talentueux. C’est le leader de Seabear, et le troisième opus de son projet solo, Sin Fang, est vraiment digne d’intérêt. Son titre ? « Flowers ».
Les plages de cet elpee fleurissent à travers un électro-folk résolument optimiste, un univers sonore remarquablement mis en forme par Alex Somers. C’est également ce personnage qui a transcendé les plus belles œuvres de Jonsi et Sigur Rós. Paradoxalement, les orchestrations sont complexes et discrètes. Cuivres, cloches et cordes soulignent les fragiles constructions électro, apportant même une certaine chaleur à des morceaux comme « Young Boys » ou « Everything Alright ». Véritable album printanier, « Flowers » trempe dans une ‘Sunshine Pop’ qui serait taxée d’uniforme, si elle n’était pas aussi accessible…
Amateurs de Dream-Pop-Shoegaze très susceptible de voltiger dans les volutes ouatées qui s’élèvent de flots où baignent de voluptueuses sirènes aux chants irrésistibles, ce disque devrait vous plaire.
Car cet elpee possède un aspect transcendent certain et assurément hypnotique.
En fait, telle une vague multicolore, « In the Light » ondule sur elle-même et vient sans cesse rouler à nos oreilles, reflétant constamment les scintillantes écumes miroitant à sa surface.
Combinant habilement boucles éthérées et montées en puissance, le combo de Brooklyn se sert de cet axe rotatoire pour répandre une lumière blanche diffuse qui devrait leur permettre d’allumer leur étoile au milieu de la vaste constellation des groupes Psyché du moment.
Et si leur écho a tardé avant de nous atteindre, reste à s’accrocher à ces six titres jusqu’à ce que pointe la silhouette d’un album, là bas sur l’horizon.
Lemaitre est le patronyme choisi par duo norvégien réunissant Ulrick Denizou Lund et Ketil Jansen. Mêlant électro et dance, il propose une musique plutôt personnelle, caractérisée par la profondeur du rythme.
L’an dernier, le tandem avait publié ses deux premiers essais. Des disques intitulés « Relativity 1 et 2 ». Partagé en 4 pistes, le nouvel Ep a été baptisé, je vous laisse deviner, « Relativity 3 » ! Pas très original, comme titre. Mais qu’importe, en 3 années d’existence, le combo est parvenu à publier trois Eps, un elpee (« The Friendly Sound »), quelques singles et remixes, particulièrement percutants
On appréciera d'ailleurs leur sens du ‘buzz’ qui leur a permis –par erreur ou non, on ne le saura probablement jamais– de publier ce nouveau disque, une semaine avant la sortie prévue. De quoi prendre tous leurs fans par surprise !
Mais venons-en à cet Ep. Dont le sens mélodique et le chant sont particulièrement soignés. Tout en préservant la richesse des sonorités. Le rythme imprimé est irrésistible. De l’électro nerveuse, mais pas agressive. Manifestement, la paire puise ses références chez Daft Punk. Et ce n’est certainement pas une tare. Au contraire. D’ailleurs, les 4 pistes sont extrêmement agréables à écouter
Bien sûr, les mauvaises langues souligneront le manque d’originalité. Pas tout à fait faux ! N’empêche, le résultat obtenu est probant et ne manque pas de charme. En transformant son troisième essai, le duo démontre qu’il maîtrise parfaitement son sujet. Malgré leur jeune âge, les Norvégiens se comportent comme des pros,
Une critique quand même : l’Ep est trop court ! On attend déjà impatiemment la suite…
Il y a deux ans une vague de violence et de fureur inondait nos conduits auditifs pour y meurtrir nos tympans. Les auteurs de ce méfait ? Quatre ados issus du Danemark. Lors de la sortie de « New Brigade », ils n’ont pas 20 ans, mais bien de sacrées bonnes idées. Leur style ? Un punk/noise frénétique sur lequel vient se poser une voix ténébreuse, proche de feu Ian Curtis…
Deux années plus tard, le combo a gagné en maturité. Ce qui ne l’empêche pas de continuer à pratiquer une musique sauvage. Et sur les planches, les musicos sont particulièrement déchaînés. Il suffit de feuilleter le booklet pour s’en convaincre.
« You’re Nothing » s’inscrit dans la droite lignée du précédent elpee. Le chant oscille entre désinvolture et rage. Difficile d’imaginer le chanteur, les cordes vocales saines et sauves, en fin de set. Les guitares sont bien métalliques, crades et violentes. Les douze morceaux de l’opus ne dépassent pas les trois minutes et y concentrent une énergie punk aussi puissante que dévastatrice. Si vous avez apprécié « New Brigade », vous adorerez « You’re Nothing ». Il est de la même trempe. Une œuvre particulièrement jouissive et propice au défoulement. Et pourtant, le spectre de Curtis (Joy Division) y plane encore et toujours…
Guillaume Galiana est né en 1974. Auteur-compositeur-interprète, il a notamment effectué les premières parties de Francis Cabrel, d’Emily Loizeau et de Juliette. Ce qui lui a sans doute permis d’acquérir une certaine notoriété. « Super 8 » est paru le 21 novembre 2011. Un disque au cours duquel il accompagne son chant d’une guitare acoustique pour véhiculer des textes qui abordent les moments les plus marquants de son enfance.
« Chère Anna » est une lettre qu’il adresse à son épouse. Guillo explique qu’il se sent bien auprès d’elle, confessant ‘Je suis chez vous, comme chez les miens’. En chuchotant, il accentue davantage la passion qu’il éprouve pour sa femme. « Si j’étais Marty McFly » adresse un petit clin d’œil à l’acteur Marty McFly ou plus exactement aux différents épisodes de ‘Retour vers le futur’. Il nous confie ce qu’il ferait s’il avait l’opportunité de voyager dans le temps. Et notamment se regarder naître ou aller revoir son grand-père, pour l’entendre parler. « Les premières fois » permet à l’artiste de revenir sur les petits instants de la vie, qui l’ont marqué. Il retrace le parcours de son existence depuis sa naissance à aujourd’hui, en y évoquant ce que chaque être humain a dû ressentir. A l’instar de la première frayeur, du premier cri, de l’angoisse du tout premier cauchemar, de la première bulle de malabar. Empreinte de douceur, « Fais-moi danser » adopte le profil d’un slow. Une compo dont la mélancolie est accentuée par l’intervention d’un harmonica. La plage la plus longue est également le titre maître. Elle est également plus rythmée, plus enlevée, également. Caractérisé par son refrain accrocheur, elle s’intègre pourtant bien à l’ensemble de l’opus…
Qui est Alice Guerlot Kourouklis ?
Son nom est bien singulier pour une musique loin d’être singulière…
Cette fascinante Nantaise exilée à Paris se veut avant tout illustratrice sonore, et son premier album se regarde les yeux grands ouverts vers l’intérieur, là où les rêves et les sourires et les pleurs d’enfants s’éparpillent en flocons légers dans la sphère du souvenir.
Dessinant ses paysages escarpés en dix-huit actes, l’artiste prend le risque de la longueur mais prouve au final que ce travail de longue haleine ne l’a pas essoufflée.
Travaillant principalement à la conception de bandes son pour l’Art visuel, l’album est directement influencé par cette approche, mais ne souffre pas de cette mise en forme.
Evitant le piège de l’anecdotique, AGK propose un recueil de pièces dont l’assemblage, tel un minutieux puzzle, dessine peu à peu les contours de son propre monde. Et dont chaque morceau guide nos pas, nos sens, jusqu’au crépuscule étoilé de « Celesting », dernière plage en suspens, qui tournoie au dessus de nos têtes comme un module enchanté.
« 334 Distance » est gorgé de sonorités, de subtilités, de finesses et invite à l’abandon. Un vrai plaisir solitaire qui se découvre au milieu d’un cercle de fées…
A l’origine, Dear Reader réunissait Darryl Torr et Cherilyn MacNeil. Le premier est parti, laissant tout l’espace à la Sud-africaine, qui s’est établie à Berlin. Et après avoir écouté cet opus, on se rend compte que ce départ est plutôt heureux. Ou si vous préférez, il n’y avait pas de place pour deux personnes au sein de ce projet. « Rivonia » constitue le 4ème elpee de Dear River. Débordant d’idées, MacNeil y construit son propre univers sonore. Un univers coloré et fantastique, peuplé de farfadets et de créatures en tout genre. « Man of the Book » en est certainement la plus belle illustration.
Pour enregistrer cet elpee, la Berlinoise d’adoption a reçu le concours de toute une série de collaborateurs. Idéal pour développer son lyrisme. Les musicos se relaient naturellement. Piano, cuivres, violon et autres instruments débarquent à tour de rôle, sans jamais se marcher sur les pieds. Toute une structure qui permet à Cherilyn de poser sa voix légèrement nasillarde, un peu comme Joanna Newsom. Une voix constamment enrobée de chœurs. A cappella, « Victory » illustre parfaitement cette synergie. Parfois les plages frisent la grandiloquence, mais sans jamais tomber dans le mauvais goût.
Périple agréable, multicolore, « Rivonia » est une œuvre qui ressource. Une aventure que l’on se plairait volontiers à recommencer. Certains songwriters feraient bien de s’inspirer de la créativité de Dear Reader…
« I Awake » constitue le quatrième album studio de Sarah Blasko. Un douze titres dont l’auteure-compositrice-interprète australienne a voulu assurer toute la production. Douze mélodies (trop) soignées qui ont traversé les mers avant d’atterrir dans nos bacs. Pensé en Australie, écrit dans un chalet solitaire à Brighton, enregistré aux Atlantic Studios de Stockholm et parachevé à Sofia en compagnie des 52 musiciens du Nouvel Orchestre Symphonique de Bulgarie, cet album nous livre un voyage introspectif, à la fois mièvre et insipide, sillonné de mélodies d’une triste banalité. Alors qu’une certaine presse anglo-saxonne s’affole et que Blasko elle-même qualifie son dernier opus de ‘géant’, le géant aux pieds d’argile s’écroule rapidement dès la première écoute. Morceaux faciles sans réelle créativité. Musique pop symphonique mille fois entendue.
Seuls le martellement des toms, les vagues de cordes et les paroles insistantes du refrain du morceau d’ouverture où la chanteuse s’écrie ‘I’m going out’ (NDR : un moment de lucidité ?!) allument un faible et fugitif espoir d’échapper aux nuits noires de Sarah.
Ou en plus synthétique : une belle voix et un bel orchestre. Point. Fermez la parenthèse.
Pourtant, pour concocter « I Awake », Sarah Blasko n’a rien laissé au hasard. Enregistrée aux Atlantic Studios de Stockholm, cette galette hautement soporifique devrait faire le bonheur de tout insomniaque. Stratégie machiavélique de l’artiste ? Peut-être. Car les vertus exceptionnelles du produit ne devraient pas passer inaperçues auprès des membres de la prestigieuse Académie royale des Sciences de Suède lors de la désignation du prochain prix Nobel de médecine. Selon la rumeur, ce puissant somnifère, dont l’innocuité est absolue et avérée, aurait été découvert par les éminents spécialistes du comité lors de l’écoute de « Here » et « Illusory Light ». Plus efficace que l’Assommoir de Zola ou l’Ennui de Moravia, « I Awake » de Blasko pourrait se voir également récompensé du Nobel de littérature. Affaire à suivre.
« I awake », un album narcoleptique qui aurait pu rester encore quelques années dans un sommeil profond.
Nicolas V.O. est de nationalité belge. Quoique pop, son album est surtout caractérisé par des textes engagés. Il s’intitule « Dans l’air » et est découpé en treize morceaux.
C’est le titre maître qui ouvre l’opus. Une plage dont les couplets sont caractérisés par ses rimes en ‘ère’. L’artiste a déniché un max de mots terminant par cette syllabe, pour cette chanson engagée. Il y dénonce notamment les carences du pouvoir politique au sein d’une société de plus en plus individualiste et carriériste. « Des miettes », c’est ce qu’il restera, pour Nicolas, de sa vie. Il s’interroge d’ailleurs sur le sens de son existence. ‘Une poussière dans l’univers. Quelques miettes sur la table’. Car l’artiste s’intéresse fortement au temps qui passe…
« Du Silence » est encore une compo qui traite du pouvoir. Nicolas V.O. vilipende le monde au sein duquel nous vivons, un monde piloté par des machines. Et cette situation finit par l’énerver, conférant un sens plus conséquent au titre qu’il a choisi pour la chanson. Sur « Les Vices », Nicolas V.O. ne cherche pas midi à quatorze heures. Il affirme son intention de vivre sa vie comme il l’entend, à travers ses émotions, en profitant de ses succès et en essuyant ses échecs, afin de ne pas rester là comme un con. « Tout va bien » est un titre contradictoire. En fait, l’artiste raconte l’inverse de ce qu’il pense réellement. Il affirme que tout va bien, alors que l’humanité se transforme et se détruit progressivement. Il dénonce même un principe fondamental. Celui des droits de l’Homme. Mais pas pour tout le monde’. « C’est la vie » achève l’opus. Caractérisé par la présence d’une guitare électrique, il est plus rock, plus rythmé. Quant aux lyrics, ils s’adressent à sa maman. Ils rappellent les moments privilégiés vécus entre elle et son fils. Une phrase symbolique ? ‘De ton ventre à maintenant, il y a eu des moments’. Une voix enfantine se charge du final. Accentuant ce sentiment que les souvenirs vécus en compagnie de ceux qu’on aime restent toujours dans les cœurs…
Une rencontre improvisée sur le parvis de l’AB.
Un échange de bons procédés.
Une noire chevelure tombant sur le brun d’une veste en cuir, une ombre noire qui s’avance vers elle.
Un soleil radieux à ses côtés.
Des sourires de contentement et nos pas qui pénètrent dans l’antre.
Merci SophieSophie, car sans toi, je n’aurais apprécié qu’à moitié ce qui suit.
Et ce serait bien dommage…
C’est au trot que je saisis les Horses par les rennes.
Les animaux semblent calmes.
Ils sont jeunes. Très jeunes. Et affichent déjà pas mal de maturité.
Ce qui dans notre paysage musical n’est vraiment plus incompatible, du reste.
Charmant sans être incisifs, je les trouve plutôt agréables.
Me laisse bercer par la mélancolie contenue qui s’échappe de leurs mélopées.
Puis dans un élan fugace, les montures s’emballent subitement et partent au galop sous un tonnerre d’applaudissements.
C’est qu’effectivement, quand les Horses se la jouent sauvage, il est difficile de rester insensible à ce type d’envolées où mélancolie et désespoirs s’unissent dans une montée fulgurante.
Une recette certes éculée, mais qui fonctionne toujours quand elle est pertinemment appliquée.
Petit bémol : vu la banalité du nom de scène, il sera bien difficile de les distinguer dans la masse des chevaux fous et ils seraient bien avisés, au moins, d’ajouter un adjectif devant celui de leur canasson.
Dans l’interlude permettant au staff technique de s’affairer, je distingue difficilement quelques rides dans l’assistance, au milieu de tous ces visages prépubères.
Des filles, des filles, des filles.
L’aura de Max Colombie n’est donc pas une histoire qu’on lit aux enfants.
Si Pierre criait au loup intempestivement, Oscar l’a depuis longtemps apprivoisé de sa voix capable de percer les mystères bleutés des amours ombragées.
Ainsi, presque sur la pointe des pieds (à pas de loups, bien sûr !), aussi naturellement qu’une brise d’été se posant sur une nuque dorée, la musique d’Oscar And The Wolf se déploie magistralement dans l’air confiné de l’AB Club, qui soudain prend des allures de chapelle.
La gravité solennelle de quelques notes éparses enveloppant cet organe vocal et ce n’est plus de musique mais d’ensorcellement dont il est question.
Alors que les nouvelles compositions offrent de nouvelles pistes à suivre, pistes suavement sinueuses et tortueuses, les extraits de « Summer Skin », la seule trace réellement tangible d’une discographie encore balbutiante, amarrent nos cœurs qui chavirent dans un port d’oubli et d’abandon où l’on revient inlassablement une fois goûté ce fruit vénéneux.
« Ribbons », « Orange Sky », « All We Want », comme autant de potales où viennent se nicher les rêves et illusions d’une jeunesse éternelle.
C’est sans artifice que le groupe se livre, sans ambages.
Avec un naturel frondeur et déconcertant.
Sans attacher d’importance aux choses futiles, en se concentrant sur l’essence de sa musique, tournoyant autour de l’incroyable voix de son chanteur charismatique qui malgré un look improbable, capturerait un lion à mains nues, ce groupe est l’un des trésors les mieux gardés de notre si excitant vivier, et son album à paraître va sans doute les positionner un peu plus près de la place qu’ils méritent. A savoir le firmament.
Au final, les onze titres joués ce soir n’ont rien dévoilé que je ne savais déjà.
Je le crie haut et fort, à qui veut l’entendre : 'Au loup !!!!!!!!'
(Organisation : AB)
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