Kate BurningBabe et Joe BillyBoy sont deux artistes décalés. Ils se sont rencontrés en 2009. Kate travaille comme serveuse dans un bar à Bruxelles. Alors qu’il vient de terminer son concert, Joe va prendre un verre à l’Archiduc et y croise celle qui deviendra sa compagne artistique…
Dès le début de l’Ep, on se rend compte que le duo est influencé par la musique des eighties. Joe BB prononce soit le nom de sa collègue soit le sien, et Kate nous dévoile quelques moments de leur existence, mais également certaines facettes de leur personnalité. « Egoïste » lorgne davantage vers Gainsbourg, surtout dans la manière de chanter de Joe BillyBoy. Pourtant, le tempo est plus rapide et la voix, plus grave. Néanmoins, les similitudes sont troublantes. « J’en peux plus d’être une star » affiche une palette différente du style adopté par le couple. Le refrain est très rythmé et le refrain accrocheur. Kate BurningBabe se réserve un solo sur « Lost », colorant le refrain d’une teinte électro pop insulaire. Chaque plage est un nouveau témoignage, de la capacité des deux artistes, à s’imprégner de la musique qu’ils proposent.
Et pour que votre info soit complète, sachez que le duo a reçu le concours, lors des sessions d’enregistrement, de Thierry Rombaut à la basse et d’Emma Meurice au violon ainsi qu’aux claviers.
Maïa Vidal est née à Santa Barbara, en Californie, le 20 février 1988. Elle a appris le violon à New York, où elle a monté son premier groupe Kievan Rus, un combo intégralement féminin, en compagnie duquel elle publie « Get Out of My Basement », dès 2003. Auteur, compositeur, interprète et musicienne, ce petit bout de femme s’est ensuite lancé dans une carrière solo, en 2009. « Spaces » constitue son second opus et fait suite à « God Is My Bike », paru en 2011.
Toutes les chansons de cet opus baignent au sein d’un climat paisible, visionnaire. Elles sont à la fois grisantes et émouvantes. Parfois, on a parfois l’impression d’être transporté dans un univers magique voire paradisiaque. A l’instar de « Bright », « The Big Shift » ou « Everything Was Beautiful », plages au cours desquelles sa voix devient angélique. Une voix naturellement délicate. Indolent et romantique, « Everything Was Beautiful » nous replonge dans nos rêves. L’instrumentation entretient ce charme. Le titre maître est davantage pop et dynamique. Mais hormis « Katerina », un morceau légèrement plus vivifiant, le reste des compos sont empreints de mélancolie douce et manque singulièrement de rythme. C’est d’ailleurs le principal reproche que l’on peut adresser à l’artiste.
Atmosphérique, éthérée, la musique proposée par Maïa Vidal, sur ce long playing, devrait surtout séduire les mélomanes en perpétuelle recherche d’évasion…
En concert dans le cadre des Nuits Botanique, le vendredi 3 mai 2013.
Alors que M83 goûte au plaisir de la célébrité au pays de l’oncle Sam, Nicolas Fromageau, l’un de membres fondateur du groupe (aux côtés d’Anthony Gonzalez) refait surface. Après avoir quitté M83 en 2009, il a décidé de se consacrer entièrement à son groupe, Team Ghost. A l’origine, le line up était limité à un duo. En l’occurrence Fromageau et Benoît De Villeneuve (chant, guitare, claviers), mais rapidement il va passer à un quintet. Sous ce format, le combo français va publier quelques Eps, se produire lors de festivals prestigieux et même assurer le supporting act de Crystal Castles. « Rituals » constitue leur premier elpee.
« Rituals » ne manque pas de références. Elles pullulent même. A tel point, que parfois, on ne sait plus où donner de la tête. Les nappes de claviers, les rythmes électro, les guitares noise partent un peu dans tous les sens. Et difficile de trouver ses repères. Cependant, peu à peu, au fil des écoutes, on commence à discerner une certaine structure. « Away » lorgne vers My Bloody Valentine, alors que l’excellent « Things are Sometimes Tragic », en direction de Foals. Le climat est ambient et nébuleux. Il alterne entre dépressions tempétueuses (« Curtains) et apparentes accalmies, accalmies troublées par de superbes coups de tonnerre. Cependant, si la face sombre de leur musique, observée en début de parcours, se révèle fort intéressante, le côté plus enjoué manque de caractère. A l’instar du plus pop « Montreuil », balisé par des synthés. Mais dans l’ensemble cet elpee s’avère d’honnête facture.
Matthew Houck revient trois ans après publié « Here’s To Taking It Easy », les bras chargés de ce qui est probablement l’œuvre la plus aboutie et la plus fun de sa discographie. Phosphorescent élargit sa gamme et propose un disque d’Americana tranquille, celui dont on laisse les notes défiler tranquillement sous le soleil. A l’image d’un « Sun, Arise ! (An Invocation, An introduction) » dont Bon Iver serait vert de jalousie. De ce « Terror In The Canyons (The Wounded Master) », pépite du genre, ultra classieuse. D’un « Ride On/Right On » étonnamment efficace. Ou de « A Charm/A Blade », débutant comme un Fleet Foxes pour s’achever dans une explosion de trompettes et une ambiance à la Ed Sharpe & The Magnetic Zeros.
Porté par l’envoûtant single « Song For Zula », « Muchacho », sixième LP du grand barbu, réussit à retenir l’attention de bout en bout. Ce qui n’était pas nécessairement le cas auparavant. Accompagné de sa troupe de Mariachis, Phosphorescent rayonne enfin. A la bonne heure !
Phosphorescent investira la Rotonde dans le cadre des Nuits Botanique ce 9 mai (complet). Il déposera ensuite ses valises le 15/08 sur la plaine de Kiewit, dans le cadre du Pukkelpop.
Auteur, compositeur, interprète, Pascal Obispo est né à Bergerac, en France. Il sort son premier elpee, « Le long du fleuve », chez EMI, en 1990. Entre cet opus et « MillésimeS », il a publié dix nouveaux albums. Sans oublier les multiples collaborations qu’il accorde, notamment et régulièrement, à Johnny Halliday, Zazie, Natasha St-Pier ou encore Florent Pagny…
« MillésimeS » constitue le premier best-of de Pascal Obispo. Ce disque est sorti le 7 janvier 2013. Il réunit les 30 titres les plus populaires de l’artiste ; et le tout est enrichi de cinq morceaux immortalisés en ‘live’.
Entre le 7 janvier et le 24 mars, Pascal Obispo a vendu 140 000 cds. Pendant neuf semaines, « MillésimeS » est demeuré dans le ‘Top 10’ des hit-parades en France. Celles du 7 janvier au 3 février et du 11 au 24 février, il a même été au sommet des charts. En Belgique, il a également rencontré un franc succès. Durant cinq semaines, cette compile est restée en tête des ventes.
« MillésimeS » réunit de nombreux classiques du chanteur français. C’est ainsi qu’on retrouve « Lucie », le titre inspiré (ou non) de l’australopithèque répondant au nom de Lucy, découverte en 1997. La musique est soulignée par les accords de piano. Le texte est très marqué par le besoin d’aimer et de vivre à fond nos existences, ‘car on ne vit qu’une vie à la fois’. Zazie partage un duo sur « Les Meilleurs Ennemis », une compo envoûtante, caractérisée par son intensité instrumentale. Et Natasha St-Pier sur « Mourir Demain », un morceau qui suscite la réflexion, car il interroge l’individu sur l’instant où la mort frappe. Quand il portait les cheveux longs, Pascal Obispo avait gravé un single très pop intitulé « Tombé pour elle », une chanson qui avait permis à sa carrière de prendre son envol. Le timbre aigu de sa voix si caractéristique va devenir sa marque de fabrique. Le titre maître de cet opus est manifestement sa chanson la plus personnelle. Et pour cause, il l’a écrite suite à la naissance de son fils, Sean en, 2001. Cependant, la plage la plus bouleversante est probablement « Rosa ». Inspiré de l’histoire de Rosa Parks, ce récit déjà très touchant, est littéralement rendu dramatique par l’instrumentation. Quant au texte, recherché et profond, il dévoile l’aspect humain du Français.
Le chanteur est en concert depuis mars, et devrait l’être tout au long de cette année. Il se produira dans toute la France pour promouvoir son album. Une tournée qui passera notamment par Paris, Marseille, Limoges, Biarritz avant de s’achever à Strasbourg le 21 décembre 2013.
Avant de servir de patronyme à un étonnant ‘one man band’, établi à Portland (dans l’Oregon), le Loch Lomond est avant tout une marque de Whisky écossaise… Entamée en 2003, l’expérience solo de Ritchie Young est devenue progressivement collective. D’ailleurs, en 2009, le line up comptait 9 musicos. Et Peter Broderick y a même milité. Deux ans plus tard, « Little me Will Start a Storm » avait provoqué au sein de nos organismes, cet effet revigorant propre à une savoureuse et euphorisante lampée d’alcool ! Dans la lignée de Beirut, Dark Dark Dark ou The Lost in The Trees, Young y proposait un folk richement orchestré. A cause du concours d’une multitude d’instruments à cordes ou à vent et de chœurs féminins. Des arrangements destinés à accentuer l’aspect émotionnel des compos.
« Dresses » recèle des pistes qui figuraient sur l’Ep « White Dresses » et quelques nouveaux titres, particulièrement bien torchés. Et c’est une bonne nouvelle, car la magie opère à nouveau, même si l’opus ne recèle pas de perles immédiates comme « Blue Lead Fence » ou « Tic ». En fait, il faut plus de temps pour s’imprégner des chansons de cet elpee. Car, à l’instar de Devotchka, lorsqu’il a donné une suite à sa BO de « Little Miss Sunshine » (NDR : un carton, faut-il le rappeler), ce que Loch Lomond a perdu en instantanéité, il l’a gagné en profondeur. Impeccables, « Tiny Step » et « Virgin Mountains » en sont certainement les plus belles illustrations. Soutenu par son orchestre de poche, Ritchie Young déverse délicatement, son expression sonore, dans nos tympans, à l’aide de sa voix aussi fragile que superbe.
Après 10 ans d’existence, ces esthètes américains continuent donc de nous surprendre. Ainsi, ils sont parvenus à revêtir les plages de « Dresses », de leurs plus élégants apparats…
Il est assez rare que l’ancien et le nouveau chanteur d’un groupe se retrouvent dans le même line up, et encore plus rare que les deux s’acoquinent pour en créer un nouveau. C’est pourtant ce qui s’est produit chez Unisonic, qui réunit 2 anciens frontmen de Helloween, Kai Hansen et Michael Siske. Tous deux membres de la formation de power teuton pour ce que tout le monde s’accorde à considérer comme leur âge d’or (le dyptique « Keeper Of The Seven Keys »), Unisonic aurait pu choisir la facilité et s’engouffrer dans une copie nostalgique de cette époque révolue. Heureusement, il n’en est rien. Certes, il existe des ressemblances entre les deux bands, mais Unisonic affiche un côté plus hard rock, plus carré, plus accessible aussi. Bref, le combo permet à la fois aux nostalgiques du Helloween des débuts de retrouver les sensations d’époque, mais ne se limite pas à cet aspect. En clair, le métal mélodique et catchy d’Unisonic serait tout aussi agréable s’il ne devait porter le lourd héritage des rois du power metal allemand.
Formé en 1978, Saga a subi en 35 ans plus de changements de line-up que n’importe quel autre groupe. Les légendes du rock progressif canadien nous proposent leur 20ème album (!!!) et enregistrent le retour de leur chanteur mythique Michael Sadler, remplacé en 2008 par Rob Moratti. Moins technique et envolée que celle de son successeur (ou prédécesseur, c’est selon…), la voix de Sadler colle toutefois mieux aux compos du band, question d’habitude sans doute. L’opus se veut dans la continuité de sa période de gloire, à savoir un mélange de progressif et de rock FM, qui tente quelques timides incursions dans le métal sans vraiment y croire (« Spin In Again »). Malheureusement, il ne décolle jamais, les compos se ressemblent toutes un peu, et manquent cruellement de pêche. En outre, quand on est canadien et qu’on se consacre au rock progressif, on a beau compter 20 elpees à son actif, on est forcément toujours un peu dans l’ombre des géants de Rush (« Six Feet Under »). Les fans seront sans doute ravis de voir revenir le vocaliste qui a fait le succès du groupe, mais le résultat reste poussif et lasse très vite...
Andy Poxon est un très jeune chanteur/guitariste. Il n’a que 18 ans et a fondé son AP Band en 2009. Ce qui ne l’a pas empêché de se forger une solide réputation dans l'est des Etats-Unis. Soit dans le Maryland, le Delaware, en Virginie et autour de Washington DC. Sur scène, Andy est épaulé par Russ Wasson à la basse et de Mike O'Donnell à la batterie.
Il a publié un premier elpee en 2010, "Red roots", un disque qui n’est pas passé inaperçu. En juin 2012, il a signé chez Eller Soul. Il a pu ainsi enregistrer son nouvel opus sous la houlette d’un seigneur de blues, Mr Duke Robillard (NDR : ce dernier a également rédigé les commentaires du booklet). Andy a une tête de poupon. Sa chevelure est abondante. Crépue. D’un roux vif. Lors des sessions d’enregistrement, il n’a pas reçu le concours de ses partenaires habituels, mais de musicos expérimentés, en l’occurrence, le Duke Robillard au grand complet et la section de cuivres de Roomful of Blues. Excusez du peu ! Poxon est également compositeur. Ce qui explique pourquoi il est respecté par ses pairs. Il signe d’ailleurs l'intégralité de ce "Tomorrow'.
"Too bad" ouvre les hostilités. De bonne facture, ce blues rocke. La voix est loin d’être juvénile. Il est soutenu par les ivoires de Bruce Bears et la section de cuivres. La six cordes est très active et déménage constamment. Tout est cependant parfaitement en place. Rien n’est précipité. Il aborde "You lied" en toute décontraction. La sortie de cordes est largement inspirée par le Duke. Il est vrai que de ce dernier a apporté sa gratte, et on ne sait pas toujours qui se réserve les cordes. Concis et direct, "College boy" est sculpté dans du pur rock'n'roll. Alimenté par des chœurs féminins et parcouru par le sax de Mark Earley, "Why" est une ballade R&B. Tout au long de "Don't come home", Andy affiche une maturité étonnante. Une compo teintée de jazz et de swing. Les interventions de guitare sont parcimonieuses. Le titre maître est un blues fin de soirée. Une plage étonnante pour un musicien qui n’a pas encore l’âge adulte. D’autant que caressée par la trompette de Doug Woolverton, un disciple de Miles Davis, elle est propice à l'étreinte des couples sur la piste de danse. Andy chante d'une voix nonchalante "All by myself". Les cordes sont en permanence sur le qui-vive tout au long de ce swing nerveux. Plus classique, "You don't love me" est un blues abordé à la mode néo-orléanaise. A cause de ces rythmes syncopés, versatiles. Et des interventions de piano caractéristiques. La guitare se révèle néanmoins percutante. Blues cool, "Please come home" est hanté par Ray Charles. Les ivoires de Bears talonnent les vocaux. Andy démontre à nouveau toute son expérience sur "Fooling blues". Et pour cause, il s’autorise une sortie très rock'n'roll que n'aurait pas renié Alvin Lee sur ce boogie blues balisé par une solide section rythmique et dynamisé par un piano débridé. Longue ballade blues rock, "Carol Anne" réverbère des accents contemporains. Le son de la guitare est superbe. Une surprise, la présence de Frankie Biandino à la steel guitar pour la ballade country "One more time". Et en finale on assiste à un duo entre Poxon et Robillard. Un échange de cordes qui sublime littéralement "Jammin' at Lakewest". Manifestement, Andy est un grand espoir dans l’univers du blues…
C’est en 2007, qu’Annie Lewandowski a lancé son projet Powerdove. Pas une néophyte, quand même, puisqu’elle a quand même côtoyé Jamie Stewart (Xiu Xiu) et joué au sein de The Curtains et Emma Zung. Sa nouvelle aventure, elle la mène d’abord en solitaire. Elle engage ensuite une section rythmique, réunissant Alex Vittum aux drums et Jason Hoopes à la basse.
Un Ep et un album plus tard, l’Américaine (elle est née dans le Minnesota) décide d’enregistrer son second opus. Outre ses fidèles collaborateurs, pour concocter ce disque, elle a reçu le concours du Français Thomas Bonvallet, alias L’Ocelle Mare. Et à l’instar du précédent elpee, on retrouve derrière les manettes John Dietrich, tête pensante des déjantés Deerhoof.
L’opus débute par un larsen en mode continu, sur lequel l’Américaine vient peu à peu poser la voix. Et on entre ainsi au cœur de son folk déstructuré et minimaliste très caractéristique. La suite est aussi expérimentale. Des percus ? Oui, mais pour la plupart exécutés à l’aide de claquements de mains. Progressivement, la voix se charge de lyrisme. Elle domine même parfois le sujet. Certaines plages épousent une forme plus spasmodique (« Love Walked In » ou encore « California »). Mais de là à dire que c’est de la pop, il y a un pas que je n’oserai franchir. Les tempos varient au fil des morceaux. Et puis Powerdove prend un malin plaisir à utiliser des instruments insolites.
Bref, « Do you burn? » est un album original. Un œuvre dont elle seule pouvait accoucher. Et on accueille son nouveau bébé, les bras grands ouverts…
Puisque l’album nous y invite en plage d’ouverture (« Begin By The End »), entamons donc cette chronique par sa conclusion : « Freefall » est un disque agréable mais pas essentiel. Poli et qui se tient bien comme il faut, tel un gendre idéal à présenter à la famille le dimanche après-midi mais avec qui on s’ennuie un brin le reste de la semaine.
On est séduit par certains traits et en même temps, cette beauté superficielle lasse rapidement.
Alors, oui, il y a bien de temps à autre une petite lueur qui brille dans la voix et un léger pétillement dans les arrangements soignés, principalement sur « Soft Craking ». Mais l’enthousiasme retombe vite quand la musique se dénude et laisse apparaître les défauts d’un corps ni beau, ni laid.
Les textes sont à l’image de la musique. Assez communs. Et de s’interroger sur la pertinence d’en avoir traduit le contenu dans le livret intérieur.
Finalement, c’est la pochette (un sculptural corps féminin emprisonné dans un globe) qui illustre le mieux Naked In A Sphere.
Après avoir goûté aux douceurs sucrées du concert de La Femme, au Grand Mix à Tourcoing mercredi dernier, votre serviteur est confronté aux saillies hormonales des mâles de The Men…
Formé à New-York en 2008, le band pratiquait, à ses débuts, un punk-noise aux tendances hardcore. Depuis, il a bien tempéré ses ardeurs et même rencontré un succès relatif, lors de la sortie d’« Open Your Heart », l’an dernier. Si les accents noise n’ont pas été gommés, les Etasuniens préfèrent insuffler un max d’énergie dans leur expression sonore. Mais susceptible d’émarger au folk. A cause des interventions d’harmonica et de sèche. Un peu comme si le combo cherchait le chaînon manquant entre Neil Young (« Open the Door ») et Fugazi (« Without a Face »). Les guitares sont bavardes et rappellent parfois l’excellent Dinosaur Jr (« Freaky »).
L’opus démarre en douceur, mais s’achève par une plage remarquable intitulée « SuperMoon ». Le mélomane est alors emporté comme dans un maelstrom irrésistible, pendant plus de 8 minutes.
Les aficionados originels reprocheront sans doute à The Men d’avoir perdu son esprit frondeur. Les autres devraient apprécier leur capacité à élargir leur champ de vision, sans pour autant se compromettre…
Nick Hemming (ex-She Talks to Angels) et Christian Hardy se sont rencontrés à Londres en 2006. Ils fondent alors The Leisure Society. Depuis, la formation s’est forgé une sacrée notoriété. Après avoir publié deux albums, elle compte parmi ses admirateurs, des personnages aussi prestigieux que Mr Brian Eno ou encore Ray Davies (The Kinks). Peu d’artistes ou de groupes peuvent se targuer, de compter parmi leurs fans, de telles célébrités…
« Alone Aboard the Ark » est un digne successeur de l’elpee précédent, gravé en 2011. Il est même dans la droite lignée. The Leisure Society nous y propose ce qu’il fait de mieux : du folk/rock au sens mélodique contagieux et rare. En fait, il réutilise tout simplement les recettes simples mais tellement efficaces du rock insulaire des sixties. Pensez aux Beatles et aux Kinks. The Leisure Society n’invente rien, mais ce qu’il réalise, il le fait avec brio. A contrario de l’opus précédent, « Alone Aboard the Ark » ne recèle pas de tube. Enfin, à première écoute. Peut-être quand même « Fight for Everyone ». Mais, pas d’inquiétude à avoir, on écoute l’œuvre d’une seule traite, et en bout de course, on appuie de nouveau sur la touche ‘play’.
Un disque idéal pour sonoriser vos barbecues d’été. Et même de printemps. Enfin, si le soleil daigne montrer le bout de son nez. D’autant plus que le combo se produira, dans le cadre des Nuits Botanique, sous le Chapiteau, en compagnie de Connan Mockasin et Wave Machines. Grande soirée en perspective !
Les Nimmo Brothers réunissaient Alan et Stevie, deux frères glaswégiens. Les deux frangins écossais ont voulu mener leur propre barque, sans jamais réussir à se départir du style de leur duo. Alan a donc décidé de monter sa formation qu'il a baptisé King King, soit le titre de l'album mythique des Red Devils de Lester Butler. Mais manifestement le style n'est pas vraiment similaire. La formation a publié un premier opus intitulé "Take my hand", en 2011.
Alan, tout comme son frère d'ailleurs, a toujours été des adeptes du regretté Stevie Ray Vaughan, mais sous une forme moins puriste et certainement plus mélodique. "More than I can take" adopte ce profil. Lorsqu’il dispense un solo, Alan est un expert pour faire monter l’intensité dramatique, sans jamais déborder de sa ligne de conduite. Ballade, "Taken what's mine" adopte un format semblable. L’attaque rythmique bénéficie cependant de la complicité de Bennet Holland, à l'orgue Hammond. Et Alan entretient ce climat sur une autre ballade sympathique, "A long history of love". Pour la circonstance, il injecte un maximum de sensibilité dans sa Stratocaster, un peu comme Eric Clapton, et la montée en puissance de son intervention est tout en retenue, parfaitement maîtrisée. King King reprend le "Jealousy" de Frankie Miller. La voix est profonde, généreuse, expressive, à nouveau dramatique. Les notes émanent du cœur et de l'âme. "What am I supposed to do" baigne dans un climat de douceur de vivre. Holland double à l'orgue et au piano électrique. Une atmosphère qui permet à la voix d'Alan de prendre toute sa dimension soul. Les percussions de Wayne Proctor ouvrent "One more time around". Sous une véritable chape de plomb, cette compo est découpée par un riff reminiscent de Free, une formation légendaire, qui a brillé de mille feux à la fin des sixties, en plein british blues boom. Et l’envol des cordes est écrasé par le jeu des pédales. Nimmo reprend d’ailleurs un titre de Free, "Heavy load" (NDR : plage qui figure sur "Fire and water", paru en 1970). Et la version est excellente. La voix d’Alan est même très proche de celle de son idole, Paul Rogers! On pourrait même facilement se tromper. Mais si Alan appréciait beaucoup le regretté Paul Kossoff, il avait surtout énormément d’admiration pour Peter Green et Eric Clapton.
Nederlands 
Français 
