Ce jeudi, au Cirque Royal, les organisateurs des Nuits du Botanique s’étaient lancés un challenge en programmant deux artistes islandais, Ólafur Arnalds et Valgeir Sigurðsson, ainsi qu’un songwriter insulaire, Will Samson. Le CV des deux Scandinaves est bien typiquement islandais. Normal quand on apporte régulièrement sa collaboration à Sigur Rós ou Björk. Un curriculum vitae surfait ou une notoriété méritée ? C’était la première question que l’on pouvait se poser avant ce concert ? La deuxième question pertinente était de savoir comment ils allaient se débrouiller pour transposer leur musique éthérée et contemplative, en live ?
En entrant au sein du Cirque Royal, je constate que le challenge tenté par les organisateurs, n’est pas complètement relevé. En effet, lorsque Will Samson ouvre le bal, les sièges sont bien occupés, mais pas le parterre. En fait, le public n’est manifestement pas venu pour applaudir cet artiste. M’enfin, il est à peine 20 heures, et les spectateurs devraient gonfler l’auditoire, au fil du temps…
Will Samson chante, joue de la guitare et se sert généreusement de ses pédales. Il est flanqué d’un joueur de lapsteel. Pendant une demi-heure, il va nous entraîner dans un univers proche de celui d’un Bon Iver. Sa voix est cristalline. Délicates, limpides, et mélancoliques, ses chansons sont sculptées dans un folk atmosphérique et bucolique. Il aligne des titres issus de son dernier opus, « Hello Friends, Goodbye Friends ». Et le public est ravi de la performance de ce troubadour des temps modernes…
Il est 20h50 et place à Valgeir Sigurðsson. Au départ, c’est un ingénieur du son. Il a notamment travaillé pour Björk (comme signalé ci-dessus), mais également Feist, CocoRosie ou encore Camille. Paru l’an dernier, son dernier elpee s’intitule « Architecture of Loss ». Le Scandinave s’installe derrière ses claviers. Il est soutenu par une violoniste et un violoncelliste barbu. Manifestement, les trois musicos sont des virtuoses ; mais au bout de 20 bonnes minutes, on doute de leur capacité à subjuguer les foules. D’ailleurs, les personnes debout viennent progressivement s’asseoir sur les gradins. Il n’y a même plus assez de sièges. Les morceaux sont longs et soporifiques. Les jeux de lumière inexistants. Après une heure de concert, on est soulagé de les voir débarrasser le plancher…
En compagnie d’Ólafur Arnalds, on espère enfin pouvoir se réveiller quelque peu. Une tâche qui risque d’être compliquée, vu l’état de léthargie dans lequel Sigurðsson a plongé l’auditoire. Quand on connaît le post-rock néo-classique du producteur/multi-instrumentiste, on ne doit clairement pas s’attendre à une explosion instrumentale, mais on peut toujours espérer un spectacle qui parvienne à nous transporter.
Ce soir, Arnalds est entouré d’un quatuor à cordes, soit trois violonistes et un contrebassiste. Un line up susceptible de donner de l’envergure à l’expression sonore. Vers 22h, l’Islandais s’adresse rapidement au public. Il lui demande de chanter un air, qu’il utilisera ensuite comme boucle. Il se plante ensuite derrière son piano à queue. A première vue, l’ensemble a de la gueule. Cependant, à l’instar de son compatriote, Arnalds ne s’intéresse guère au sens du spectacle. Les opportunités offertes par une salle comme le Cirque Royal, sont négligées. Difficile de croire que Woodkid s’est produit au même endroit, quelques jours plus tôt ! Il y a bien un semblant de projection, mais difficile de faire plus minimaliste. Quant au lightshow, l’un ou l’autre sport s’allumera bien lors des trop rares envolées musicales, mais pas davantage. La musique est belle, mais en ‘live’, c’est insuffisant. Dans ces conditions, autant écouter l’album sous le casque, le résultat sera plus probant.
Finalement, la révélation nous est venue de Will Samson. Non seulement ce songwriter est bourré de talent, mais il le démontre sur les planches. Tout en publiant de bons disques. Car si les disques des deux Islandais sont visionnaires, atmosphériques et lyriques, leur transposition en ‘live’ est d’un ennui mortel. Il existe une énorme différence entre composer pour des artistes de la trempe de Sigur Rós ou de Björk (NDR : voire mettre en forme leurs œuvres), et se produire devant un public. L’aspect visuel a également son importance. La native de Reykjavik et la bande à Jónsi connaissent toute l’importance du visuel. De quoi regretter le déplacement ce soir. Du moins, c’est mon cas…
Béber
Ólafur Arnalds & strings + Valgeir Sigurðsson + Will Samson
(Organisation Botanique)
Une délégation américaine avait été conviée ce jeudi soir à la Rotonde pour défendre les couleurs de l’indie rock made in USA. Humeurs folk-rock à tous les étages représentées par les New-Yorkais (Brooklyn) de Woods et le talentueux songwriter issu d’Alabama, Matthew Houck. Une Rotonde archicomble. Public nombreux brûlant d’étancher sa soif de nouveaux crus sonores, de se griser aux réverbérations originales de « Muchacho », le dernier album de Phosphorescent.
Vous l’avez de suite compris, les ultra-productifs musiciens de Woods (sept albums en sept ans !) servaient tout juste ici d’apéricube. Un apéritif certes de qualité et long de 50 minutes : le tout récent « Bend Beyond ». Mené par la voix falsetto de Jeremy Earl, le quatuor de Brooklyn va nous balancer un folk-rock nostalgique des seventies, mais en y ajoutant une vigueur suffisante pour annoncer le retour attendu de Matthew Houck. Un concert de bonne facture et rassurant qui jure cependant par son manque d’originalité. Rares, en effet, sont les artistes dont la productivité intensive rime avec talent créatif. Le plus souvent, talent et temps s’assonancent et se conjuguent.
Phosphorescent livre au public un univers où se croisent et s’enchevêtrent les paradoxes. Il est des œuvres singulières qui ne peuvent voir le jour que grâce aux ombres projetées par mille contradictions, mille douleurs qui se sont tues. Telle est la source inépuisable de la beauté de cet opus. D’emblée, Matthew Houck brouille les pistes. Folk alternatif, alt-country, rock sous influence seventies ? Il nous laisse perplexes, nous mystifie. Inutile de le définir, de lui coller un style. Il n’est pas là où on l’attend. Écoutons simplement et laissons-nous guider par sa musique. Une seule constante se dégage de ce flou artistique : un chant troublant et poignant, des mélopées plaintives et doloristes qui nous bouleversent et subliment l’espace subtil de ses plus belles chansons. La voix plaintive (légèrement nasillarde), rauque et friable du chanteur s’est déniché un écrin de résonances sur mesure. Mise en valeur comme jamais, sa troublante singularité recouvre ici toute sa force suggestive, sa puissance émotive, ses envols nostalgiques et sa mélancolie.
Muchacho présente des morceaux impeccables et quelquefois magiques. Il distille splendeur et beauté à des doses enivrantes, presque létales. Il invoque le soleil par des lamentations obscures et funèbres, irradie tristesse et mélancolie, trace les sentiers d’un cœur à la dérive qui sait bien que l’amour est un feu qui dévaste, comme cet anneau de feu qu’on porte autour du doigt. Qu’il est aussi chose légère, futile. Frivolité désabusée.
Deux mélodies jumelles ouvrent et ferment le concert, nous accueillent et nous congédient. Un prologue, « Sun, Arise! (An Invocation, An Introduction) » et « Sun’s Arising (A Koan, An Exit) » en guise d’épilogue. Ces deux morceaux périphériques, chantés sur un ton psalmodique et lancinant, et comme sortis du fond des âges ou d’un futur antérieur improbable, évoquent des incantations nocturnes aux harmonies limpides d’une beauté vénéneuse conçue pour envoûter dès la première écoute et vous happer mortellement vers les récifs. Entre gospel et new age, c’est la voix même atemporelle et ténébreuse des sirènes qui nous effleure et nous étreint.
Ensuite, tombe « Song for Zula », un joyau resplendissant issu des sédiments de l’âme country classique, mais innovant et futuriste. Cela fluctue, on ne sait trop… puis, ça y est : nous lâchons prise. L’envoûtement nous cerne de toutes parts, devient plus prégnant, plus intense. Six minutes de grâce et d'émotion. Un lamento sans cesse réitéré. Musique paradoxale et singulière délicatement orchestrée autour de la voix au pouvoir hautement émotionnel de Houck, où les synthétiseurs, la pedal steel guitar et quelques violons s’étreignent et se s’entremêlent pour charmer nos oreilles de sublimes accords.
La dissonance vient des paroles. Matthew Houck se livre à un véritable exercice de style paradoxal de haute voltige. Sérieusement affecté par un chagrin d'amour récent, il tord le cou aux mirages sentimentaux et rogne les ailes narquoisement aux amours transcendantes. Il paraphrase le mythique « Ring of Fire »: ‘Some say love is a burning thing that it makes a fiery ring’, mais à cet éclat flamboyant de l’amour qui brûle et dévaste, succède un frivole ‘Oh but I know love as a fading thing – just as fickle as a feather in a stream’. Au fond, rien n’est plus profond que le superficiel. Tout dandy qui se respecte le sait d’instinct et le proclame sans ciller. La musique sublime du morceau en témoigne. Car tout art véritable nous apprend qu’il n’est pas de belle surface sans une redoutable profondeur. Tragédie de l’inconséquence ? Peut-être. Mais sublimée jusqu’à l’incandescence d’être sans adjectifs. Du reste, cette chanson est d’une facture remarquable. Un seuil que l’on ne se lasse pas de franchir, qui nous retient mille fois avant de nous laisser aller plus loin pour découvrir d’autres gemmes peut-être plus discrètes mais non dénuées de beauté.
« Ride On/ Right On » et « A Charm/ A Blade » s’illustrent par leur verve enjouée et l’entrain tout en conférant couleur et profondeur à cette œuvre brillante. « Terror in the Canyons (The Wounded Master)” est une autre fichue merveille. Un piano émouvant. Des paroles inspirées. ‘Il fut un jour un fauve et une cage, un acteur qui saignait et puis la scène qui s’entrouvrait comme en abîme. Cela aurait pu durer l’éternité entière ou quelques brefs instants…’ « Muchacho's Tune », valse malingre bercée par un ensemble mariachi du troisième type, nous convie à communier avec une promesse de rédemption en affichant une élégance aussi brutale que franche. Valse étrange aux paroles magiques qui débouche sur un autre sommet vertigineux et étourdissant, « A New Anhedonia », une ballade soul hantée, rappelant Bon Iver. J’évoquais les paradoxes et les contradictions de cet LP ; parlons à présent d’avers et de revers : « The Quotidian Beast » pourrait bien être le côté pile ou face (chacun choisira) de ce météorique morceau de ciel qu’est « Song for Zula ». Une chanson majeure qui, pendant plus de 7 minutes, nous hypnotise et nous séduit. Avant que le soleil ne surgisse tout à fait, il nous reste un arrêt de plus, « Down to Go », autre preuve, s’il en faut, que nous sommes en présence de l’un des plus beaux crus dont on puisse s’enivrer en ces temps difficiles et plutôt déprimés. Bref, entre espoir et tristesse, ruines et construction, le concert tâtonne dans le clair-obscur de paradoxes foudroyants et capte souvent la lumière. D’emblée, Matthew Houck nous livre les pièces maîtresses de son sixième et certainement meilleur long playing.
Ce jeudi, dans la salle de la Rotonde, le public est conquis. Le concert le comble au-delà même de ses attentes. Tout contribue à le griser. Les claviers fous de Scott Stapleton et la puissance des drums de Christopher Marine qui accélèrent le rythme. L’originalité hors pair de Matthew Houck qui réinvente le genre folk-rock, alt-country (NDR : l’elpee a été produit par John Agnello). A l’instar de « Song for Zula » où l’originalité se fait chair sonore. L’orchestration est parfaite autour de la voix de Houck. Et elle raconte précisément de belles histoires. Elle réverbère toute la charge d’émotion afin de communier intensément avec sa présence vocale… Tout est en place, rien ne déborde. Un concert où il fait bon vivre. Cette ivresse tranquille exclut tout débordement et vous situe au centre de la présence phosphorescente, en vous gardant juste vivants.
Enfin, Matthew Houck, l’air un peu désabusé, revient seul sur l’estrade pour accorder deux rappels. La salle entière est silencieuse, les mouches mêmes suspendent leur vol, pour écouter…
Hypnotique !
Eric Ferrante
Phosphorescent + Woods
(Organisation Botanique)
‘Je suis alternatif, mais pas confidentiel’, nous confie Lescop dans les loges du Botanique après le concert qu'il vient d’accorder dans le cadre des Nuits Botanique. ‘Je n'aime pas le côté élitiste de certains dans le monde de la musique underground. Les grands groupes qui ont compté, comme Einstürzende Neubauten, Joy Division, New Order ou même Indochine, on les a vus à la TV. Ils se sont inscrits dans une culture populaire qui proposait des filtres pour emmener les gens vers autre chose.’ Ce pari, rendre populaire une musique plus alternative, Lescop, de son vrai nom Matthieu Peudupin, est clairement occupé de le gagner. Sa ‘pop wave’ minimale, qu’il chante dans la langue de Molière, évolue entre Daho, Taxi Girl, Indochine et Joy Division. Teintée d'éléments 'dark', elle rencontre un beau succès. Le hit lumineux « La Forêt » et l'album éponyme ont révélé au grand public un artiste talentueux et discret.
Il s’agit déjà du troisième concert de Lescop, au Botanique, en un an. En mai 2012, il assurait la première partie du regretté Daniel Darc ; et en novembre, il nous avait gratifié d’un set archi-sold-out, au sein de l’intimiste La Rotonde. A cette occasion, il avait promis qu'il reviendrait pour un show plus long au sein d’une salle plus grande. C’est chose faite.
L’Orangerie est comble lorsque le band monte sur scène et c'est l'hypnotique « Paris s'endort » qui ouvre efficacement le bal. Classieux et discret, Lescop s’est planté au milieu du podium. Comme d’habitude, il est vêtu d'un simple polo, d'un jean et de chaussures Converse. Sur l’estrade, il est flanqué à nouveau de Cédric Leroux (ex-Phoebe Killdeer) à la guitare (NDR : physiquement, on dirait qu’il est né d’un croisement entre Prince, Fred Chichin et Phil Lynott). Il affiche une grande maîtrise sur sa gratte, en exécutant des mouvements saccadés et épileptiques. A droite, on retrouve Antoine de Saint-Antoine, l'acolyte des débuts dans le groupe Asyl. Il est préposé à la basse et aux chœurs. Par rapport au concert de La Rotonde, le line up compte deux musiciens supplémentaires. Multi-instrumentiste et co-compositeur des musiques du premier opus, Gaël Etienne se charge principalement des claviers ; mais le changement le plus notoire nous vient de la présence d’un batteur. Ce qui donne beaucoup plus de pêche au son en ‘live’.
La formation poursuit son voyage au cœur des villes, via « Ljubljana » et « Los Angeles ». Entre les deux chansons, Lescop salue le public et prétend –non sans une pointe d’humour– qu'il se souvient de tous ceux qui étaient présents lors de ses précédents concerts. « Le Mal, Mon Ange » séduit par sa rythmique hypnotique mais on regrette évidemment l'absence de la voix féminine, assurée sur l'elpee par Dorothée De Koon. D'une façon générale, Lescop a nettement gagné en aisance par rapport aux concerts précédents. Derrière son micro, concentré et les yeux fermés, il ressemble à Ian Curtis. Ses mouvements ne manquent pas d’aisance. Il les anime d'élégants déhanchements légèrement androgynes. Pourtant, il avoue lui-même, en interview, qu'il ressent toujours le trac sur scène et qu'il a recours à l'hypnose pour se préparer. Enchainement parfait, place à « Hypnose », une compo qui traite de cette pratique, suivi d'un « Marlène » aux accents très postpunk.
La musique, très filmique, de Lescop est influencée par le cinéma, surtout les réalisateurs Jean-Pierre Melville, Fassbinder et Schlöndorff. « La Nuit Américaine » en est une preuve évidente, même s'il nous précisera plus tard qu'il n'avait pas encore vu le film de Truffaut, quand il l'a écrite. Etonnant! La chanson est très bien accueillie et on sent que le concert arrive à son premier paroxysme. Au milieu du morceau, le groupe s'arrête et construit une progression en intensité typiquement electro, qui débouche sur un final tout en puissance. Regardez ce superbe moment ici
Pas le temps de souffler et il embraie par le hit, « La Forêt » ! Le public acclame chaleureusement les premières notes de basse et le rythme minimal de batterie. Lescop campe en front de scène et son interprétation est impeccable. Nous dansons en remuant la tête, comme ensorcelés par cette mélodie envoûtante. Dans les passages instrumentaux, les musiciens se déchaînent et Cedric Leroux nous gratifie d'un superbe solo, exécuté sur sa guitare rouge écarlate. Pour voir ou revoir cette interprétation de la « La Forêt », c’est ici.
Après le frénétique « Un Rêve », Lescop poursuit par « Le Vent », un morceau consacré aux ‘souvenirs brûlants’. Il la dédie à Daniel Darc, ‘le mec qui m'a donné envie d'écrire’, confiera-t-il plus tard lors de notre entretien. Le moment est touchant et clôture idéalement la première partie du concert.
Une courte pause et le combo revient sur le podium, pour aborder le très calme « Tu m'écrivais souvent », le premier morceau issu de la plume de Lescop. Un inédit, qui sera inclus sur la réédition du premier long playing, prévue pour l'automne. « Slow Disco » évoque quelque peu « La Forêt », mais en plus lent. Et enfin, le set atteint son second paroxysme : « Tokyo, La Nuit ». L’intro est d’abord lancinante, lourde, quasi métallique, avant l’explosion de guitares. Et puis, cette rythmique est vraiment infernale. Gaël Etienne a abandonné ses claviers et il a rejoint le bord de l’estrade, armé de sa guitare. Le public est aux anges et chante le refrain en levant les bras au ciel. Lescop est impérial. Il les lève aussi en faisant le signe ‘V’ ; et, à cet instant, on se demande s’il n’a pas l’intention de sauter dans la fosse, comme il l’avait fait à la Rotonde. Mais non, il reste sur les planches. Tel un chef d'orchestre, il marque les dernières mesures de ce morceau d'exception et vide les lieux après avoir remercié un public conquis. Regardez la vidéo de ce moment unique: https://www.youtube.com/watch?v=qffQM5WxyCo
Un concert en tout points parfait, que votre serviteur eu la chance de pouvoir prolonger en compagnie de mes amis Vincent et Valéria dans les loges, pour une mémorable interview de Lescop, suivie d'une nouvelle hallucinante escapade avec le groupe dans ‘Bruxelles, La Nuit’...
Setlist: Paris s'endort, Ljubljana, Los Angeles, Le Mal Mon Ange, Hypnose, Marlène, La Nuit Américaine, La Forêt, Un Rêve, Le Vent. Rappels: Tu m'Ecrivais Souvent, Slow Disco, Tokyo La Nuit.
En première partie de Lescop, nous avons pu découvrir deux ‘supporting acts' français. Tout d’abord, Superpoze, un jeune beatmaker caennais transformé en homme-orchestre. Seul aux claviers et au contrôleur MPC d'Akai, il a proposé une musique instrumentale electro, dans l’esprit des labels Ninja Tune ou Warp. Ensuite, Yan Wagner et sa troupe ont dispensé un set electropop/new-wave, mais aux accents un peu trop 'house/dance' à mon goût.
Philippe Blackmarquis
Lescop
(Organisation : Botanique)
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Vous ne connaissez pas SX ?Dommage ! Issu de Courtrai, ce groupe emmené par Benjamin Desmet et Stefanie Callebaut est un des plus grands espoirs belges, dans le domaine de la musique pop-rock alternative. Révélés en 2011, lors d’un concours organisé par Studio Brussel (Vibe On Air) et par un superbe premier titre, « Black Video », ces petits génies ont publié l'année dernière un premier album intitulé « Arche ». Une pure merveille ! Après avoir accordé de nombreux concerts, en Belgique et à l'étranger, en première partie de dEUS –excusez du peu !–, ils reviennent à l'AB en tête d'affiche. Une consécration fulgurante, même si c'est l'AB Box, la salle sans les étages, qu'ils ont remplie sans problème.
En première partie, Mittland Och Leo, le duo anversois constitué de Joke Leonare Desmet et Milan Warmoeskerken est invité à chauffer la salle. Le patronyme de la formation est né d’une contraction entre ‘mon pays’ en langue suédoise et les noms des deux membres du tandem. La musique électronique instrumentale très 'vintage' de Mittland Och Leo (NDR : la paire est équipée exclusivement d'instruments analogiques, dont un vieux Crumar) évoque Kraftwerk et Jean-Michel Jarre, mais en plus moderne. Une agréable entrée en matière qui a charmé l’auditoire. (section photos ici )
Au moment où SX se prépare à monter sur le podium, on entend un synthé jouer le premier accord de "Gold", créant une ambiance très psychédélique, à la Pink Floyd ; et c'est en effet par leur plus récent single que le groupe courtraisien entame son show. Benjamin Desmet s’installe à gauche, près de ses synthés, sa guitare Fender Stratocaster et son ampli Fender Chorus. Au milieu, tout de noir vêtue, Stefanie Callebaut se plante derrière son clavier ; et à sa gauche, Jeroen Termote siège derrière ses drums. Une grande plaque circulaire brillante trône en hauteur, derrière les musiciens, évoquant la sphère reproduite sur la pochette de leur album.
La musique est fascinante. C'est une dreampop hypnotique et magnétique qui s'inspire d'un éventail très large de styles pour créer un concept neuf. On pense à Beach House pour la voix et les atmosphères éthérées mais aussi à M83, Animal Collective et surtout à MGMT. L'influence de la musique soul est perçue dans la voix de Stefanie Callebaut, une voix de soprane, capable d'atteindre les notes les plus hautes mais aussi de produire un volume, grâce à un coffre typiquement soul, évoquant parfois Grace Jones. Dans "Aurora", ses tonalités mystérieuses, plus 'dark', la rapprochent aussi de Zola Jesus, Austra et Kate Bush. Au début, le mixage ne met pas assez en valeur cet organe, mais ce problème sera bien vite résolu par la suite.
La setlist se concentre bien entendu sur le premier opus du groupe, « Arche ». Le mot grec 'αρχή' signifie 'début' mais aussi 'principe' ou 'fondation'. Une fondation solide car que ce soit la plage titulaire ou "Beach" et "Graffiti", on se rend compte, en les regardant jouer sur l’estrade, de toute la puissance de ces compositions. Stefanie Callebaut chante et joue avec beaucoup de passion, prolongeant son feeling dans des gestes et des déhanchements soutenus. On se surprend à rêver qu'elle quitte sa place derrière les claviers pour donner libre cours à son extraordinaire expressivité.
Comme si elle m'avait entendu, elle s'avance au bord de la scène. Elle s'accroupit et nous livre "Strange Fruit", une toute nouvelle chanson interprétée quasi a capella, uniquement soutenue par quelques accords de synthés à l'arrière-plan. Sa voix exceptionnelle de puissance et de précision s'élève au dessus de la foule, dans un silence religieux. Stefanie met tout son cœur dans cette compo aux accents très soul et on redécouvre une voix capable de rivaliser avec les plus grandes chanteuses, d'Amy Winehouse à Victoria Legrand (Beach House). Elle en fait même juste un peu trop à la fin du morceau, mais on lui pardonnera cet excès, dû à sa jeunesse... Regardez ce moment exceptionnel ici
Ensuite, le band enchaîne par le complexe "Midnight Hour" et le lumineux "Pearls", avant de nous livrer un second inédit, "The Disc". Très prometteur, même si, à mon humble avis, les sonorités de basse étaient trop puissantes. Enfin, c'est le moment tant attendu par les fans: "Black Video", le hit qui les a révélés au public, malheureusement uniquement dans le Nord du pays, pour l'instant. L'interprétation de ce morceau d'exception est parfaite ; et en fin de parcours, Stefanie ose une improvisation vocale ahurissante, déchirant littéralement sa voix dans les dernières mesures. Impressionnant! Perso, ce morceau aurait dû clôturer le concert mais le groupe ajoute un dernier titre, en guise de rappel: "The Future", moins énergique, mais parfait pour finir en beauté.
Au final, trop court (moins d'une heure), ce concert s’est révélé très percutant et plein de vigueur et d'intensité. Je le répète. Il serait souhaitable que Stefanie Callebaut se libère de ses claviers et prenne sa place de 'frontwoman', afin de donner libre cours à sa mobilité physique et à son sens inné de la communication avec le public. Une chose est sûre, la dream pop céleste de SX nous a propulsés quelque part dans les étoiles… Aucun doute, ces musiciens sont appelés à devenir des stars... (section photos ici)
Regardez l'interprétation de "Black Video" ici
Et pour lire l'interview réalisée l'an dernier lors du showcase au Planetarium de Bruxelles, c’est là
C’est dans l’enceinte du Cirque Royal que les organisateurs des Nuits Botanique ont décidé d’accueillir les Américains de Low, les Suédois de Junip et le Britannique Barbarossa. Une configuration réduite au strict minimum où les loges étaient murées d’une toile sillonnée de lumières en boucle aux faisceaux subtilement psychédéliques.
Face à un parterre silencieux et singulièrement discret (50 personnes tout au plus), James Mathé, seul sur scène, caché derrière sa barbe rousse, retrousse les manches de sa marinière avant de lancer ses séquences électro conçues pour habiller ses textes pop-folk sombres et délicats. Un univers atmosphérique où la voix majestueuse du songwriter londonien s’aventure davantage sur des airs électroniques que par le passé. Venu présenter son Ep « Butterfly Plague », sorti en 2012, Barbarossa nous offre une belle entrée en matière pop-folk juste avant d’accueillir les Suédois de Junip.
Les quelques minutes qui suivent la fin du set de Barbarossa nous font comprendre, sans l’ombre d’un doute, qu’une grosse partie du public s’est déplacée pour écouter la folktronica du sextet scandinave. Les corps se glissent en masse dans les couloirs du Cirque, la rumeur enfle autour du dernier album éponyme « Junip ». Les noms de Barbarossa et Low se fondent plutôt dans le silence. Je m’incline, je souscris à l’évidence : la véritable tête d’affiche du soir, c’est incontestablement Junip.
Il a fallu près d’une décennie avant que le premier long playing de Junip ne soit enfin publié. Victime du succès planétaire rencontré par José Gonzales, leader incontournable du groupe, le trio suédois végétait dans un demi-sommeil rêveur jusqu’en 2010. Comme à la poursuite d’un songe d’adolescent, les trois amis d’enfance guettaient inlassablement l’instant. L’instant du premier Opus. Cet instant symbiotique convoité depuis 1998. Cet instant incessamment différé par la célébrité grandissante de l’enfant prodigue. Laissés dans l’expectative, Elias Araya (drums) et Tobias Winterkorn (claviériste) ont observé sans ciller l’ascension fulgurante du trinôme. C’est alors que José Gonzales décide subitement d’abandonner sa guitare aux cordes d’acier noueuses pour rejoindre fidèlement ses deux autres tiers. Il reprend enfin son souffle et se consacre sereinement à son projet initial : Junip. Jouer en équipe l’inspire subtilement et le résultat est stupéfiant : ‘Nous ne sommes ni les meilleurs ingénieurs du son, ni les meilleurs musiciens, mais nous savons enfin ce que nous aimons’. Dix ans de patience et de frustrations récompensés par « The Fields » : une curiosité folk-pop-électro addictive sortie en 2010. Transcendé par le succès de cet elpee, le trois-pièces issu de Göteborg repousse encore les frontières expérimentales et s’enrichit de trois nouveaux membres pour sortir un deuxième album éponyme, en 2013.
L’architecture minutieuse du deuxième album achevée et déjà remarquée par la presse, Junip peut à présent user de ses mélodies pour fouler sereinement toutes les scènes internationales. Celles présentées ce mardi au Cirque Royal ont encore surpris d’une setlist hétéroclite oscillant du calme au rugissement, de la simplicité au désordre chaotique. Un patchwork étoupé d’une voix de chaman millénaire, de paroles férocement poétiques et de sons délibérément rugueux revêtant les lieux d’une étoffe au grain flou, mélodique et hypnotique. Un mélange séduisant et capiteux qui nous plongerait dans les univers peu conventionnels du folk-jazz de John Martin ou de la soul psychédélique de Richie Havens ; le tout parfumé d’arrangements électroniques. Bref, une capsule d’oxygène gonflée de folk, de pop, offrant un nouveau souffle à un registre pop-folk trop souvent répétitif.
Le sextet suédois surprend d’un concert rigoureusement équilibré et cohérent doté d’une mécanique mélodique de haute précision. Un set composé de chansons riches d’influences, sans texture ostentatoire, sans variation dynamique inutile, sans accord superflu qui s’ouvre sur les champs crépusculaires de « Line On Fire ». Bref, un concert fidèle au dicton : ‘Less is more’.
Çà et là, la chaleur des claviers de Winterkorn, les rythmes subtilement insistants d’Araya, la voix paisible et le lyrisme énigmatique de Gonzales tissent d’heureuses, de délicieuses mélancolies construites de sons analogiques. De Moog sur « Your Life Your Call ». Paroles et mélodies oscillent entre chaos et renaissance, entre vie et mort. Des morceaux qui tantôt s’irradient des origines argentines de José Gonzales et tantôt se perdent dans les nuits vaporeuses de sa Suède adoptive.
Junip sonne comme un vrai groupe. Un sextet solide aux éléments complémentaires qui ne devrait pas faire regretter à José Gonzales son retour sur la ‘Junipsphere’. Une nouvelle expérience qui étoffe incontestablement son répertoire et résonne comme une renaissance artistique. Heureux aboutissement de ses efforts passés.
Pourtant, la plus grande faiblesse du band réside précisément dans cette belle régularité. Les plages qui ont admirablement fonctionné sur « The Fields » marchent tout aussi bien sur le dernier elpee. Malgré la mise en retrait relative de José Gonzales, quand on songe aux réalisations précédentes, le charme à combustion lente des nouveaux titres pourrait se décrypter comme un pas saisissant vers des covers des premiers morceaux de la formule solo du chanteur. Outre quelques expérimentations originales, les fans du groupe noteront cependant une faible progression par rapport au matériel sonore précédent. Ainsi, de nombreuses nouvelles compos se présentent davantage comme de belles musiques de fond. Sans rien vouloir ôter au talent indéniable des six musiciens, à la qualité artistique du deuxième opus et à la performance scénique, il serait temps que Junip sorte de ce ghetto doré et par trop confortable de son succès planétaire et ose de nouveaux horizons musicaux.
L’indie rock de Low avait pour mission de clôturer une soirée aux couleurs folk jusque-là bien tranquilles. Il ne fallait certainement pas compter sur le slowcore étasunien pour affoler les décibels et secouer les esprits du public. Ils n’étaient d’ailleurs pas venus dans cette optique, mais plutôt pour présenter leur dixième album, « The Invisible Way », sorti le 18 mars dernier sous le label Sub Pop et produit par Jeff Tweedy de Wilco.
Vingt ans de carrière, dix albums studio et rien de neuf sur la planète Low. Seule révolution, la production de Jeff Tweedy. Une ligne artistique qui déteint sur les planches et éloigne les musiciens de leur magie d’Antan. Une production qui se borne à lever le pied sur la reverb’. Un parti-pris dépouillé qui retourne aux racines, mais ne pardonne rien.
Très vite, « Just Make It Stop » nous embarque dans une ballade pop-folk mid-tempo et c’est tout le magnétisme fragile du groupe de Duluth (Minnesota) qui s’envole. Pire, même les harmonies vocales d’Alan Sparhawk (chant/guitare) et Mimi Parker (chant/batterie) sonnent plat. Les paroles mornes, les mélodies pessimistes, les tempos lents et l’inquiétude lancinante plongent la salle dans une profonde léthargie où l’ennui règne en silence. Seuls quelques mouvements de gratte énervée viennent agiter les cris d’une poignée d’aficionados.
Trop de titres faibles viennent habiter l’espace, un atmosphérique trop atmosphérique, le plombant. « To Our Knees » se déguste sans mal, « So Blue », « Holy Ghost » ou « Four Score » nous proposent des mélodies sans génie qui tournent rapidement en rond. Un changement de cap artistique qui ne fonctionne pas et s’éloigne des prestations scéniques habituelles. Malheureusement, le parti pris dépouillé ne pardonne pas ici. Et condamne ce concert à une prestation mineure. Une prise de risque tout en leur honneur qui n’a pourtant pas rencontré un vif succès sur scène.
Soulignons, finalement, la synchronisation entre la structure sonore et le visuel projeté en fond d’écran. Un fond visuel N/B qui tente de renforcer les mélodies atmosphériques. Une photographie austère qui fusionne assez ingénieusement avec le son. Quelques belles vues du ciel qui reposent un instant les oreilles et nous permettent d’ouvrir les yeux. Une projection qui a eu le mérite de rendre le temps un peu moins long.
Eric Ferrante
Low + Junip + Barbarossa
(Organisation Botanique)
Triple affiche en forme de crescendo, ce mardi soir, sous le Chapiteau, dans le cadre des Nuits Botanique. Nous somme en fin de journée, et… il se met à pleuvoir. A l’affiche ce soir, la formation liverpuldienne Wave Machines, la réponse insulaire aux Etasuniens Grizzly Bear, Department of Eagles ou Fleet Foxes, The Leisure Society, et le lutin néo-zélandais, Connan Mockasin…
Un public plus que clairsemé accueille, vers 19h30, Wave Machine. Plein de courage, le combo insulaire est venu défendre son second opus, paru en janvier dernier, « Pollen ». Un disque qui a reçu un écho favorable de la part de la critique spécialisée. A l’instar de leurs compatriotes, Django Django, le band aime mêler les styles. Dynamisé par des rythmes électro, leur rock est dansant, mais empreint de lyrisme. Tim Bruzon en est le leader. Et aussi le chanteur. Sa voix est capable de monter dans les aigus, un peu comme David Byrne (Talking Heads) voire Hayden Thorpe (Wild Beasts). Les musicos sont excellents et n’hésitent pas à s’échanger les instruments ou encore le micro, le plus naturellement possible. Si certains titres accrochent instantanément, d’autres, plus hétéroclites, sont plus difficiles à assimiler. Après une bonne heure de set, le quatuor clôt les hostilités dans la bonne humeur, par « Punk Spirit », une plage issue du premier elpee. Perso, c’est une belle découverte qui va m’inciter à me pencher sur leur discographie…(voir section photos ici )
The Leisure Society embraie. Leur style est plus classique, et s’inscrit dans l’esprit de la pop issue des 60’s. Celle des Kinks, tout particulièrement. Un groupe fondé par Nick Hemming et né sur les cendres de She Talks to Angels. Pas étonnant, que Ray Davies ait accepté de leur filer un coup de pouce. Bucolique et vintage leur folk-rock ne manque pas de charme. Et devrait, à terme, rencontrer le succès. Leur dernier opus, « Alone Aboard the Ark », recèle des tubes en puissance, dont « Fight for Everyone », joué en tout début de set. Leur pop orchestrale est enrichie par des interventions de violon et de clarinette, des interventions qui collent parfaitement à leur style rétro. L’excellent label Full Time Hobby a d’ailleurs eu le nez creux, en publiant leurs 3 derniers albums. En outre, Brian Eno n’est pas fan de The Leisure Society par pur hasard… Jonglant entre extraits de leur dernier essai et « Into the Murky Water », Nick Hemming et ses acolytes se lâchent peu à peu et parviendront à subjuguer, un public, pourtant pas tellement discipliné, voire même bruyant, lors des passages les plus calmes. Après seulement 50 minutes d’un concert frais et enthousiasmant, le band s’autorise même un petit rappel qui manifestement ne satisfait pas trop les organisateurs mais en tout cas bien les spectateurs…(voir sectionphotos ici )
Il est 22 heures et le Chapiteau est enfin presque comble lorsque Connan Mockasin monte sur les planches. Il est coiffé de son inséparable chapeau et est suivi par son backing band déguisé sous de désopilantes perruques. L’artiste, souvent comparé à Beck, aligne de longues compositions sensuelles et atmosphériques. Tramées dans une pop psychédélique, pas nécessairement toujours facile d’accès. A l’instar d’un Prince blanc, Connan parvient à plonger l’auditoire dans un climat suave et étrange à la fois. La reverb est omniprésente. A tel point que parfois on a l’impression de nager, comme des poissons, au sein d’un aquarium géant. Et on comprend mieux pourquoi Charlotte Gainsbourg a demandé à l’artiste antipodal de lui apporter sa collaboration. La setlist va même nous réserver un extrait de son futur elpee. Et franchement, cette compo nous met déjà l’eau à la bouche (?!?!) Le funk mutant de l’artiste va cependant atteindre son apogée lors du remarquable « Forever Dolphin Love », avant un rappel prodigieux, au cours duquel il va entrer en osmose avec un public conquis ! Connan Mockasin est définitivement entré dans la cour des grands ! (voir section photos ici)
Béber
Wave Machine + The Leisure Society + Connan Mockasin
(Organisation Botanique)
Carl Roosens est un artiste multidisciplinaire. Il se consacre à l’illustration, la gravure, la vidéo, le dessin animé et la musique. Et parfois, ces différents projets sont liés. Il aime aussi raconter des histoires. Son dernier album, « La paroi de ton ventre », pourrait d’ailleurs servir de conte pour adulte. Ou plutôt de recueil de contes pour adulte. Il puise son inspiration dans son imagination, pour écrire ses lyrics. Mais comme quelqu’un qui se serait enfermé dans une boîte en carton, pour regarder le monde qui l’entoure, à travers une petite ouverture. Carl a donné un nom à son backing group : Les Hommes-Boîtes. Faut dire que l’intéressé aime s’entourer pour exercer son art. Et sait aussi choisir ses collaborateurs. A l’instar de Noémie Marsily en compagnie de laquelle il réalise des films d’animation. Ainsi « Caniche » a récolté toute une série de distinctions, et plus récemment le clip « Autour du lac » a été sélectionné au Festival International du film d’animation d’Annecy et a déjà enregistré plus de 25 000 vues sur le net (voir ici ). On se demande même si Carl a encore le temps de dormir. Il s’explique…
Oui, bien sûr. Et puis je ne suis pas seul. Mes collaborations sont multiples. Pour enregistrer l’album nous avons bossé à cinq-six ! Le clip « Autour du Lac » a été réalisé en compagnie de Noémie Marsily. J’aime beaucoup travailler en équipe. Cette méthode apporte de l’énergie. Et te pousse toujours dans différentes directions, car en solitaire, tu peux parfois tomber dans certains pièges, et notamment la répétition. Je pense que c’est ce qui me permet d’avancer et me donne l’envie de toucher à tout.
Quel est votre objectif ? Vous servir du dessin animé pour sonoriser votre musique ou utiliser votre musique pour illustrer vos dessins animés ?
Ce sont deux projets différents. Par exemple, en compagnie de Noémie Marsily, nous réalisons des courts-métrages. C’est un boulot à part entière qui n’a pas beaucoup de lien avec la musique, même si on peut utiliser ma musique pour le court métrage. C’est un travail que nous développons ensemble. Pour « Autour du Lac », nous avons clairement essayé d’illustrer cette chanson, parce que tout seul, je me serais cassé la figure. Déjà écrire la chanson, puis la mettre en image, c’est un peu difficile. Noémie m’a déclaré que si elle devait réaliser un clip, elle choisirait « Autour du Lac » ». En fait, c’est elle qui a été l’initiatrice du projet. Sinon, nous planchons sur un autre projet. Nous sommes occupés de l’élaborer. Il s’agira d’une série de court métrages qui mêleront musique et film d’animations. Il devrait s’intituler « Pauvre histoire pauvre ». Et il aura un lien direct avec l’album. Sur scène, nous le diffuserons sous forme de projection. Enfin, nous allons lui consacrer un site internet que nous allons bientôt mettre en ligne.
N’avez-vous pas l’intention de vous lancer dans le long métrage ?
Non, car le court métrage a une richesse énorme. Tout est permis. Alors que dans le long métrage, souvent les gens développent une idée qui pourrait tourner en une demi-heure. Je trouve que la forme plus petite, comprise entre une, cinq ou dix minutes, permet de réaliser plus de choses. Ce format m’excite pas mal en ce moment. Donc non, je n’ai aucune envie de m’attaquer à un long-métrage.
Quels sont vos principales influences musicales ? Le slam ? Veence Hanao ?
Je n’ai jamais voulu me lancer dans le slam, car c’est un mouvement musical que je connais assez peu. Mon but est, au départ, de raconter des histoires. Ce n’est pas nécessairement relié à un mouvement précis dans le slam. En ce qui concerne les références, tout dépend des films que je regarde, de la musique que j’écoute, des bouquins que je lis. C’est très varié. Très diversifié. Veence Hanao est un ami, donc c’est clairement quelqu’un dont j’apprécie le boulot…
Le roman de Kõbõ Abé vous a inspiré le nom de votre groupe. Il raconte l’histoire d’un homme qui a décidé de se retirer physiquement du monde dans lequel il vit, pour l’analyser, à travers une lucarne. Pour écrire votre album, avez-vous perçu notre société de cette manière ?
Il faut savoir que le concept du nom de Carl et les Hommes-Boîtes est venue postérieurement. L’album était terminé. Après avoir lu ce roman, l’idée m’a plu, même si l’histoire ne se déroule pas ainsi, au début du roman, lorsqu’il décrit ses personnages vivant dans les boîtes. La narration est tortueuse. Elle part dans tous les sens. J’aimais beaucoup cette perception : observer le monde par le prisme d’une ouverture dans une boîte, avoir un regard plus juste, en se retirant du monde. Maintenant l’album n’a pas de rapport direct avec le roman. C’est simplement l’idée qui me plait beaucoup. Et elle est devenue le titre.
A contrario, le fait de s’enfermer dans une boîte en carton pourrait également faire penser à la politique de l’autruche. Le message ne risque-t-il pas de porter à confusion ?
La politique de l’autruche, c’est plutôt mettre sa tête dans un trou et ne pas voir ce qui se passe dans ton entourage. Là, c’est le contraire. C’est vraiment regarder autour de soi ce qui se passe, sans interagir ; mais justement tu viens mettre ton grain de sel, alors que la politique de l’autruche, c’est vraiment se voiler les yeux. Il s’agit de deux attitudes opposées.
Analysez-vous tout ce qui se produit dans votre environnement, pour écrire vos histoires ?
Non. Je dirais qu’on a tous un certain vécu, une existence propre. Tout simplement, quand tu sors le matin de chez toi, tu croises un visage, tu rencontres une personne, tu reçois le coup de fil d’un ami, tu lis un bouquin. Chaque journée apporte son lot de découvertes. Je voulais raconter quelques impressions personnelles que j’ai ressenties.
Vos textes semblent issus de votre imaginaire. Mais de l’imagination à la réalité, il n’y a qu’un pas. Quelle est la part de réalité dans votre imagination ?
Comme je disais, quand je marche dans la rue, j’ai des idées, qui viennent naturellement, et elles s’entrechoquent. Dans l’écriture, c’est un peu la même chose. C'est-à-dire qu’il y a un mix entre réalité, souvenirs et imaginaire. On peut également y ajouter les fantasmes. Quand je commence à écrire, je peux partir d’un fait très concret, puis bifurquer dans l’étrange. J’aime bien quand tout se mélange.
Quand on lit pour la première fois le titre de votre album « La Paroi de ton Ventre », on pense d’abord à une femme qui attend un enfant. La confusion était-elle voulue ? Ou alors la signification est-elle valable, mais plus subtile qu’elle n’y paraît ?
Pour le titre, je ne réfléchis pas beaucoup à tous les sens qu’il pourrait avoir. Je m’intéresse beaucoup à ce que l’auditeur pense lorsqu’il découvre l’album. Pour les chansons, c’est la même chose. Il y a mon sentiment personnel, mais je ne vais jamais chercher à expliquer la signification d’une chanson. Je suis bien plus intéressé par l’interprétation qu’une personne fera de mon morceau. Comment il voit les choses, comment il ressent telle ou telle parole. Je laisse l’alternative au public de trouver sa propre explication. Idem pour les titres. J’y ai mis des choses, mais elles restent ouvertes.
« Plaine de Jeux » est une chanson qui parle de l’enfance. C’est la vôtre ? A-t-elle eu une influence primordiale sur l’écriture de vos textes ?
Non, il s’agit d’une observation. Enfin, je me contredis quand je dis ne pas aimer raconter mon histoire. La genèse de cet épisode vient de la construction d’une plaine de jeux devant laquelle je passais régulièrement. Elle était en chantier. Avant, c’était un terrain vague. Ensuite, petit à petit, des poteaux ont été plantés, puis des jeux installés. J’ai découvert au jour le jour, la transformation des lieux. Il était amusant de voir cette plaine se monter au quotidien. Et le regard des enfants chaque fois qu’un d’entre eux passait devant. Parce qu’il faut savoir que le terrain était grillagé. C’était bizarre. Les gosses n’y avaient pas accès mais ils voyaient des adultes travailler sur une surface qui allait devenir leur terrain de jeux. C’est donc parti d’une observation. Donc, ce texte n’a aucun rapport avec mon enfance.
Sur l’illustration de la pochette de l’album, on ressent comme une forme de détresse. On y distingue des arbres coupés ou sans feuilles, des personnages nus et visiblement tristes. Est-ce réellement ce que vous ressentez ou est-ce simplement le fruit de votre imagination ?
Je dirais qu’il s’agit d’un mélange de fantasme et de réalité. Je me laisse aller. Pour les dessins, je ne fais pas vraiment de croquis préparatoire. Je me lance dans l’improvisation puis ça sort comme ça. Quant à donner un sens particulier à ces dessins, une fois encore, chacun met le ressenti qu’il veut. Mais je n’ai pas vraiment voulu communiquer une impression de tristesse. Je pense qu’on y trouve plein de sentiments mélangés. On peut le percevoir de différentes manières.
Vous avez dit avoir vu ou imaginé, « L’objet qui n’a pas de nom », mais vous ne vous rappelez plus très bien. Pouvez-vous nous dire à quoi il ressemble réellement ?
Justement, si je le savais, je l’aurais écrit.
Sur votre album, on entend des sonorités plutôt originales. Vous utilisez des instruments insolites ? Vous les fabriquez vous-même ou vous les dénichez dans les brocantes ?
Nos instruments sont très classiques. Il y a une batterie, une trompette, un trombone. Des machines aussi. Le groupe compte de nombreux musiciens assez touche-à-tout. Des personnes qui apprécient expérimenter. Ils aiment bien bidouiller les synthétiseurs, les machines. Mais certains, il est vrai, font parfois les brocantes.
Comment parvenez-vous à accorder votre voix à ces sonorités inhabituelles ?
Au sein du groupe, on improvise. Puis quand on trouve une piste, je sors mes textes et je cherche à voir s’il y en a un qui pourrait coller. Généralement, je me consacre à l’écriture d’abord. C’est un travail que je fais seul. C’est notre méthode de composition.
Comment s’est faite la rencontre avec le label Humpty Dumpty ?
Notre rencontre remonte au premier album. J’avais envoyé de nombreuses démos à droite et à gauche. Et les responsables de Humpty Dumpty ont répondu à mon mail parce que j’avais remporté le Concours « Musique à la Française ». Ils m’ont donc recontacté et l’aventure a pu commencer à ce moment-là.
En concert
06.05 - Bruxelles – Nuits Botanique
15.05 - Louvain-la-Neuve – Ferme du Biéreau
25.05 - Braine l’Alleud – MJ Le Prisme
22.06 - Namur – Fête de la Musique
22.06 - Charleroi – Fête de la Musique
Photo : Caroline Lessire
Ce premier lundi de mai, le soleil arrose le jardin du Botanique de ses rayons de soleil. Et pourtant, nous sommes déjà en début de soirée. La vue est superbe. Certaines filles ont opté pour la tenue légère. Mais le public est assez éclectique, tout comme l’affiche proposée à la Rotonde d’ailleurs. Se succèderont une formation plutôt noisy, puis un bidouilleur électro.
Peter Kernel est un trio helvético-canadien. Chanteur/guitariste, Aris Bassetti fait l'effort de parler dans la langue de Molière. Il pimente même ses commentaires, d’un peu d’humour. Comme lorsqu’il avance : ‘On doit jouer pendant 1 heure, mais nous n’avons des titres que pour 40 minutes, donc on meuble entre deux’. Ou après le morceau d’ouverture, lorsqu’il interpelle le public : ‘Vous avez des questions ?’ Chanteuse et bassiste, Barbara Lehnohoff le suit dans tous ses délires. N’hésitant pas à se dévêtir pour ne garder qu’un léger top (NDLR : notre section photos est ici). Elle invite le public à lui emboîter le pas, mais sa demande reste lettre morte. Musicalement, le set baigne dans une forme de shoegazing circa 90’s. Quelque part entre Sonic Youth et l’Enfance Rouge. Aris abuse de riffs abrasifs, et file même sa gratte, au milieu du concert, à un gars dans le public. Qui n’éprouve pas trop de difficultés à terminer l’exercice, puisqu’il se limitera à quelques accords en boucle. Ce côté répétitif, c’est sans doute le principal reproche que l’on puisse faire à Peter Kernel. Ce qui n’empêche pas les amateurs de noisy du genre d’apprécier sa performance. Et puis, ses traits d’humour, dispensés dans l’esprit d’un Stephan Eicher (NDR : encore un suisse) ont eu le don d’égayer le spectacle
Intimiste, la Rotonde jouit d’une bonne acoustique. Ce soir, elle se remplit progressivement ; et au fur et à mesure de l’arrivée des spectateurs, la température s’élève de quelques degrés. Et ce n’est pas Dan Deacon qui va inverser la tendance. Au contraire. Déjà en septembre dernier, lors de son set accordé dans la même salle, il avait mis le souk ! Il est soutenu par deux drummers et un préposé à la guitare ainsi qu’aux synthés. Et déjà son électro indie part dans tous les sens. Dans l’esprit de son dernier opus, "America". Dan Deacon bidouille constamment derrière sa console, que ce soit le mixing, le son ou le lightshow. Il lui arrive parfois de s’emmêler les pinceaux et d’interrompre certains morceaux en plein vol. Mais qu’importe, l’ambiance est dans la fosse. Car l’entourage est bon enfant. Il réunit d’ailleurs pas mal d’adeptes du second degré. C’est que le groupe n’a pas son pareil pour faire participer le public. Les jeunes comme les plus vieux, les rockers comme les clubbers. Le parterre répond aux invitations de Dan. Les spectateurs dansent à tour de rôle en se tapant dans les mains. La foule se divise en deux pour se lancer dans une sorte de Battle. Et on vous en passe, et des meilleures. En transe, le public en redemande encore et encore. Le show s’achève par une farandole qui s’extirpe d'un côté de la Rotonde pour revenir par l’autre sortie (NDR : notre section photo est ici). Et alors que le set ne devait durer qu’une heure, l’artiste ne tient aucun compte des conventions et prolonge son show de quelques titres.
Sur le coup de 23 heures, en quittant la Rotonde, on entend encore les basses des !!!. On imagine que des vibes positives sortent aussi du chapiteau. Un chapiteau installé cette année en contrebas, au milieu du jardin parfaitement entretenu. Ce qui confère encore plus ce côté enchanteur, un soir de printemps, à ce magnifique endroit qu’est le Botanique.
Dan Deacon – Peter Kernel
Ludovic Delmée et Sébastien Leclercq
Rien de plus agréable que d’entamer la semaine en profitant de la douceur des Jardins du Botanique, lorsqu’ils sont ensoleillés, en écoutant de la musique… Enfin, quand on parle de douceur, ce n’est pas nécessairement destiné à qualifier les prestations scéniques des doux allumés de !!! (chk chk chk). Ils clôturent la programmation des Nuits, ce lundi soir, sous le Chapiteau. Mais, avant d’en découdre avec le dance-punk de la bande mythique étasunienne, trois autres formations aux profils bien différents avaient accepté de défier le courageux public du lundi, ne partageant pour seul point commun entre eux, que celui de dérouiller les jambes…
Tout d’abord, place aux Belges de Recorders. Leur premier opus sortira dans le courant de cette année. Il paraîtra donc après la publication de quelques Eps bien accueillis et le gain de quelques concours (dont celui de ‘Pure Demo’). Drivé par Gordon Delacroix, la jeune formation bruxelloise pratique un rock influencé par The Cure et Foals ; le chanteur ressemble même étrangement à Yannis Philippakis. Imparables et dansants, leurs morceaux sont portés par une basse caoutchouteuse et une rythmique efficace. En outre, leur énergie est communicative. Bref, un set plus qu’encourageant, malgré une certaine uniformité dans l’expression sonore. Un groupe qui devrait néanmoins réussir à placer quelques singles sur les ondes radiophoniques, d’ici quelques mois.
Concrete Knives est un des nouveaux groupes-phares de la scène indie française. Une scène sur laquelle on retrouve, entre autres, Bewitched Hands, La Femme, Fauve, Aline et Granville. Il vient d’être signé par Bella Union, le célèbre label londonien cher à l’ex-Cocteau Twins, Simon Raymonde. En live, la formation normande semble cultiver la fantaisie du mouvement hippie. Alimentés par des rythmes africains, leurs hits immédiats et entraînants trempent dans le rock alternatif. Impossible de ne pas succomber à « Brand New Start » ou « Greyhound Racing ». Conduite par Nicolas Delahaye et Morgane Colas, la bande caennaise est soudée. Le son est parfait, mais puissant. Transformé en chorale indie, le combo entonne des refrains destinés à être repris à l’unisson. Les crescendos ne manquent pas de charme et parviennent à séduire un public pourtant dissipé. Les ‘couteaux de ciments’ ont prouvé qu’ils n’étaient plus un effet de mode, mais une formation dont le sens de la mélodie est inné, addictif, sans être racoleur…
De retour à la case Belgique pour fêter le retour des semi-vétérans Superlux. Ils débarquent sur l’estrade, devant une foule de plus en plus nombreuse. L’électro-pop du band liégeois s’était fait une place au soleil, il y a déjà 3 ans. A la même époque que Soldout. Leur style n’a guère varié, mais quoique leur énergie soit bien maîtrisée, les compos souffrent d’une carence en sens mélodique. Et elles n’accrochent pas le mélomane. Même la voix d’Elena Chane-Alune ne parvient pas à les faire décoller…
Il est près de 22h30. Les Californiens !!! débarquent sur le podium. Ils ont un sourire jusqu’aux oreilles. Ils viennent défendre « Thr!!!ler », leur 5ème et dernier album en date, encensé par la critique… Dès les premiers pas de danse dessinés par leur leader, on comprend que rien n’a réellement changé et que le set va nous filer une bonne dose d’énergie nécessaire pour passer une semaine d’excellente humeur ! Dans son mignon petit short, Nick Offer se démène comme un beau diable pour galvaniser des morceaux qui, au vu de leur groove irrésistible, n’en n’ont pas nécessairement besoin. L’énergie y est d’ailleurs omniprésente. Les beats sont imparables. Remarquable, leur mélange de funk, de disco et de rock engendre des hits destinés aux dance-floors tels que « Slyd » ou l’incontournable « Heart of Hearts », dispensé lors d’un rappel enflammé. Un dance-floor que Nick Offer viendra d’ailleurs fouler à plusieurs reprises pour partager son évidente joie auprès d’un public très réactif. Et comment ne pas esquisser quelques pas de danse, en écoutant toutes ces petites bombes sonores ! Malgré 15 années d’existence, !!! n’a pas pris une ride et à travers leur magnifique version de « Thr!!!ler », il remplace avantageusement Michael Jackson dans les cœurs meurtris des aficionados du Roi de la Pop…
Taï
Recorders + Concrete Knives + Supelux + !!!
(Organisation Botanique)
Passons outre les tribulations autoroutières d’un chroniqueur sentant poindre le désespoir au fil des heures passées derrière son volant, tandis que la radio relate le début du concert auquel il souhaite assister à plus de cent kilomètres de distance.
L’air doux d’une journée de mai ensoleillée scintille encore dans les yeux des éternels jeunes qui peuplent les abords du jardin Botanique à mon arrivée. Atmosphère propice aux multiples échanges et plaisirs divers qu’offrent les Nuits Botanique pour la vingtième année consécutive.
Un festival multiple, qui se décline en nuits étoilées du 30 avril au 13 mai, non seulement dans les différentes salles de son antre, mais aussi ailleurs. Au Cirque Royal ou dans ses propres jardins.
C’est là que j’ai rendez vous ce soir.
Après des heures de patience sur l’asphalte bitumé d’une longue et monotone bande grise, se proposent à votre serviteur les délices d’une nuit d’été sous chapiteau.
Du concert de Driving Dead Girl, il ne reste évidemment plus que le souvenir.
Encore esclave de mon habitacle, il y plus d’une heure et demie, j’ai quand même pu profiter d’un extrait Live en presque direct, d’une interview et d’une session acoustique sur les ondes de Pure FM qui relate l’événement tous les soirs.
De quoi me faire regretter mon sort et me mettre l’eau à la bouche pour la prochaine fois.
Quant à Lumerians, la malédiction continue en ce qui me concerne…
Jugez par vous-même :
Liège, concert prévu, le combo n’est jamais venu.
Magasin 4. Première partie de The Soft Moon. Je suis bien présent, mais le band est retenu par un incendie qui s’est produit vingt mille lieues sous la mer.
Et aujourd’hui, hâtant le pas, esquivant les verres de bienvenue, les accolades de retrouvailles, les baisers de bienvenue, et autres sollicitations amicales, je me fraie un chemin jusqu’aux portes de la structure extérieure, pénètre à l’intérieur du Chapiteau, et… assiste au départ du groupe, sous les applaudissements ravis d’un public de connaisseurs enthousiastes.
Las !
Je hausse les épaules et m’en remets fataliste aux bons échos récoltés après coup.
Ainsi, je ne verrai que la clique à Scott McCloud. Mais alors, quelle claque !
Parenthèse à son projet Paramount Styles, ce retour improbable des Girls VS Boys, après onze ans de silence, salue l’éternelle jeunesse de ce groupe à la carrure taillée par deux basses solides, telle une marque de fabrique déposée il y a plus de deux décades.
Un set qui va monter en puissance ainsi que le combo prend plaisir à exécuter ses titres et saisit l’indémodable enthousiasme du public belge face à sa musique.
Juste une petite heure, mais une heure pleine, une heure généreuse.
Des titres phares de leur discographie (« Disco Six Six Six », « Super Fire », « In Like Flynn », l’incontournable « Kill The Sex Player » qui illustrait jouissivement le film « Clerks » en 1994 !) et bien sûr leur reprise de Joy Division, « She Lost Control », en rappel.
Bien entendu, ce retour était avant tout un cadeau pour celles et ceux qui les avaient connus à l’époque.
Mais vu leur verve toujours pétillante, dont il nous a laissé un bel aperçu, il ne fait aucun doute que GVSB pourrait trouver écho auprès d’un tout nouveau public.
Peut être un nouveau départ ?
Peut être juste une récréation ?
Quoi qu’il en soit, comme le soulignait en forme de clin d’œil son chanteur dans Paramount Styles (le titre « The Greatest » issu du premier album « Failure American Style »), Girls Against Boys n’est peut être pas le meilleur, mais c’est un tout grand quand même !
Akim Serar
Driving Dead Girl + Lumerians + Girls Against Boys
Ce soir Woodkid venait donc défendre son nouvel opus, « The Golden Age », une œuvre qui lui a demandé plusieurs années de travail. Pour la circonstance, le Français avait décidé de miser sur un set expérimental, puisqu’il allait se produire en compagnie du Mons Orchestra. Une occasion unique de retranscrire en ‘live’, toute la solennité de sa musique.
Le Cirque Royal est sold out. Les mélomanes se sont donné rendez-vous bien à l’avance, afin de se procurer une bonne place au sein de l’enceinte et de profiter du spectacle. Pas de supporting act, on entre donc directement dans le vif du sujet. En observant le matos installé sur le podium, on a la certitude qu’on aura droit un show autant visuel que sonore. D’autant qu’un grand écran est étendu en fond de scène. Et puis, quand on connaît le passé de Yoann Lemoine dans l’univers audiovisuel, le doute n’est plus permis.
Vers 20h15, Woodkid monte sur les planches, accompagné de ses musicos. Ils vont se placer derrières leurs instruments respectifs (claviers, machines, fûts, etc.) Les membres de l’Orchestre philharmonique de Mons s’installent à l’arrière. Yoann se plante au centre. Bref, cet ensemble est censé nous réserver un spectacle de qualité.
Dès l’introduction, le son est dense. Le jeu de lumières est impeccable. Les images défilent sur l’écran. Elles nous replongent dans le futurisme du film allemand Metropolis. Mais, vu leur amplitude, elles prennent le pas sur la musique. Woodkid cherche alors à nous entraîner dans son univers théâtral. Les morceaux doux ou pop s’enchaînent en alternance. Comblé, le public réagit en conséquence. De son côté, le maître d’œuvre de la soirée paraît ravi de cet accueil. Mais le sommet de cette heure et demie de concert sera atteint par « Iron ». L’osmose entre les percus tribales des deux drummers et les projections font clairement mouche. Woodkid en profite pour achever le morceau sous une forme davantage électro.
Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes, s’il n’y avait la voix de Lemoine. En fait, au milieu des coups de tonnerre produits par les percus, les cordes et les cuivres, elle est trop souvent noyée, même si, au fil du show, elle va progressivement remonter à la surface. Il faut aussi avouer que le Français n’a pas le ‘charisme vocal’ de sa musique. Dommage !
Quoi qu’il en soit, le public semblait conquis par la performance du collectif. N’est-ce pas là l’essentiel ? N’empêche, vu l’apparat, on en espérait un peu plus.
Béber
Woodkid
Voir aussi notre section photos ici
(Organisation Botanique)
En 2006, un sympathique collectif répondant au patronyme de The Peas Project atteint la finale du Concours Circuit catégorie Pop/Rock ; et, malgré des retours très élogieux, la petite famille ne décroche que la deuxième place. Un accessit qui débouche sur une apparition à la Boutik Rock (désormais rebaptisée Pro’Pulse). Un bon moteur pour les Bruxellois, qui publient, l’année suivante, un premier recueil étayé d’une sélection de morceaux joués en ‘live’, puis un second, « Power & Romance », en 2010. Entre-temps la troupe multiplie ses apparitions scéniques, décrochant des participations à de nombreux festivals tels que Dour, Esperanzah, Couleur Café ou plus récemment ABBota.
« Swim With The Sharks », leur nouvel Ep, confirme la donne. The Peas Project est avant tout un groupe à découvrir sur les planches. Les six morceaux de la galette font la part belle aux fusions Pop, Jazz et Hip-Hop. Les travaux de la formation, qui compte une dizaine de membres tous affublés de gilets réfléchissants jaunes, regorgent de chaleur et de groove. Plus particulièrement des morceaux comme « The Meal » et son groove infectieux, un « Bottoms Up » audacieux ou encore « The Holy Story », une plage parcoure de cuivres bien casés et enrichie par une voix féminine qui n’est pas sans évoquer celle de Neneh Cherry. A suivre de très près et surtout, à voir sur scène, le 8 mai aux Nuits Botanique, dans le cadre de la Nuit Belge. Ils se produiront également le 2 août au festival Esperanzah et le 13 du même mois au Brussels Summer Festival.
Ce 3 mai, l’AB proposait une soirée entièrement consacrée aux nouveaux oisillons de la Chill/Dream Wave et du glitch hop. En tête de gondole, XXYYXX, jeune prodige du genre qui, à 17 ans, est déjà responsable de pas moins de deux LPs, dont un éponyme fort efficace publié l’an dernier. Pour l’accompagner, l’Ancienne Belgique a convié Dream Koala, Blackbird Blackbird, Giraffage et Slow Magic. Une quintuple affiche sold-out de ‘Bedroom producers’ pour un public jeune. Très jeune.
A mon arrivée à l’ABClub, grosse surprise, et pas des moindres. Charlei Yin, alias Giraffage, et son binôme sont penchés sur leurs platines dans une ambiance très salon de thé. La lumière est toujours allumée. A la vue du public, dont la moyenne d’âge ne dépasse que difficilement les 25 ans, un sentiment égal à celui de mon homologue Adrien Fassotte, pendant le concert de Disclosure (Cfr review du 27/03), m’envahit. Me sent vieux d’un coup, là… Les petits groupes tapent la discute comme on prend un verre aux apéros urbains ; et le DJ, dont personne n’a rien à cirer, est relégué à l’arrière-plan. Bref, Giraffage ne joue pour (presque) personne. Son nouvel LP, « Needs », d’assez bonne facture, n’a pas spécialement enthousiasmé un parterre plus que distrait.
Pas très chaud pour le salon de thé, j’effectue mon retour vers 22h pour la fin du set de Slow Magic, à priori solide. Le public à l’air réveillé. Faut dire que l’alcool a manifestement coulé à flots. Une vingtaine de minutes plus tard, Mikey Maramag, plus connu sous le pseudo de Blackbird Blackbird, déboule devant ses manettes. Le producteur prolifique présentait « Boracay Planet », un sympathique Ep de Folktronica, emmené par le lumineux « All » et son obsédante ligne de guitare. Après cette parfaite mise en bouche, l’homme, qui ose le chant, enchaîne quelques titres électro tapageurs parfaitement emboîtés à sa discographie downtempo élégante, à la Washed Out.
45 minutes et le tour est joué. Le San Franciscain laisse sa place à son homologue originaire d’Orlando, XXYYXX. Accompagné à son tour d’un binôme, l’ado délivre devant des projections psyché, un set yo-yo, faisant ponctuellement monter la pression sans jamais vraiment atteindre de climax. Un set qui s’apprécie parfaitement quand on a un coup dans le nez ou dans d’autres conditions, style festival. A l’arrière, la salle se vide de plus en plus. C’est qu’il est bientôt minuit là-dedans... XXYYXX ne livre rien de bien palpitant et je finis par suivre le chemin de la sortie, plutôt déçu d’une soirée dont la prestation captivante de Blackbird Blackbird constituait le seul véritable intérêt.
(Organisation : Ancienne Belgique)
Comment expliquer la pluralité artistique des musiciens islandais sur la scène internationale ? La réponse est simple : placer la culture au centre du débat politique. C’est un pays pourtant où, avant que n’éclate la bulle financière de 2007, soufflaient des vents drus de folie et des rêves de démesure soulevés par les ‘Vikings de la Finance’ aux dents longues, à l’âme exsangue. Alors sévissaient au Nord du Monde la soif inextinguible de l’or, la fièvre consumériste et l’aliénation spéculative. Avant le crash final inévitable (2008). Le bel édifice bancaire reposait sur des sables mouvants qui l’ont englouti et le pays a sombré brusquement dans la faillite. Le peuple a alors repris les choses en main et chassé les mirages. Ainsi, à l’austérité, l’Islande a préféré une politique de ‘New Deal’ artistique qui a fait de la culture le deuxième moteur de la croissance du pays, rapportant près d'1 milliard d’euros par an. La culture représente ainsi près de 20% du PIB national. Un pays qui démontre qu’il peut exister une vie en dehors des banques.
Ólöf Arnalds tient une place importante dans le paysage musical islandais, au sein de cette effervescence et mouvance artistique. Depuis une dizaine d'années, l’enfant du pays s’illustre effectivement dans plusieurs projets collectifs. Membre sur scène de Mùm, elle a également travaillé en compagnie du bassiste Skulli Sverrisson. En 2010, sur son disque précédent, la multi-instrumentiste a d'ailleurs signé duo remarqué auprès de Björk, pour publier "Surrender", taillé sur mesure pour leur voix d'exception.
Le troisième album, « Sudden Elevation », n’est donc pas le produit d’une inconnue. Ce dernier essai folk enregistré dans son Islande natale, chanté totalement en anglais, capture un talent de songwriting rare et singulier. Un air désinvolte qui sillonne toutes les pistes d’un album réinventant des peines de cœur magiques, éclatées et irréelles. Un son aux harmonies complexes et calmement électriques qui étanche la soif de création sonore de l’artiste et témoigne de sa prédilection pour l’expérimentation sonique. Un ‘12 titres’ proposant une série de morceaux courts, acoustiques, tout en intériorité. Une instrumentation mise au service de la voix ondulante d’Ólöf Arnalds qui flirte incestueusement avec celle de ses ainées Stina Nordenstam et Anja Garbarek.
Malgré une production trop sage, Sudden Elevation nous réserve pourtant quelques moments d'exception et emporte l'auditeur vers des territoires inconnus. Ainsi, « Call It What You Want » s’énerve, choque, captive et s’élève aussitôt vers les univers uniques de Joanna Newson ou Karen Dalton. Une voix singulière dont on joue comme d’un instrument supplémentaire qui sonnerait comme une caisse claire. « Return Again », plus représentatif, est une ballade fragile, presque friable, bercée d’une voix paradoxale, angélique et malicieuse, d’arpèges de guitare et de notes de piano graciles et rêveuses et de la folie douce de sa propre mélodie. « Little Grim » s'envole, prenant, in fine, l'allure d'une chorale improbable. « Numbers and Names » se construit comme un étonnant jeu de voix en écho. Le morceau titre évoque même le Nick Drake de Pink Moon, guitare au plus proche de la mélodie, l'émotion à nu. A lui seul il mérite notre attention.
Produit par son fidèle collaborateur Skúli Sverrisson dans les profondeurs obscures d’une cabane en bord de mer à Hvalfjörður (littéralement le fjord de la baleine) durant l’automne 2011, « Sudden Elevation » s’enivre d’une âme féérique et profondément scandinave.
Il y a deux ans, la chanteuse islandaise nous l’expliquait : ‘Depuis l’adolescence, je joue pour les mariages, les enterrements. J’aime ce rôle communautaire : jouer pour la famille, être avec les gens quand ils ont des choses à célébrer.’ Invitation lancée pour venir arpenter les chemins du Botanique où l’artiste viendra rejoindre les 142 noms à l’affiche de l’édition 2013 des Nuits Botanique. Une célébration qui aura lieu sous le chapiteau du jardin botanique ce lundi 13 mai prochain. Lévitation assurée.
Melissmell, c’est le pseudo de la chanteuse Mélanie Francette Coulet. Mais il s’agit également du nom du groupe qu’elle dirige. Une formation au sein de laquelle, elle est épaulée par le guitariste Stephano Bonacci, le bassiste Claude Dos Santos, le drummer Jérôme Spieldenner et le violoniste Thomas Nicol. « Droit dans la gueule du loup » constitue son second opus. Il est paru ce 26 mars 2013.
Découpé en 10 pistes, « Droit dans la gueule du loup » est une œuvre dont les lyrics alimentent des thèmes contestataires. Melissmell est contestataire, rebelle si vous préférez. Elle n’hésite pas à choquer et à accuser, à travers ses textes.
Ainsi « La crapule » incrimine le mode de vie parisien. Une fourmilière peuplée d’individus qui se mentent en courant le plus vite possible. Et le rythme y est tellement intense qu’il est impossible d’y vivre tranquillement. « Madame » permet à Melissmell de dénoncer la routine, qu’elle décrit comme notre mortel ennui. Elle empêche les êtres humains de vivre leur vie et de découvrir le monde. En accélérant ou ralentissant le rythme de sa voix, elle dérègle ces automatismes. « La Colère » est paradoxalement tramée sur un tempo paisible. Mélanie n’y cherche pas à entretenir le conflit, mais simplement communique son point de vue à l’aide de mots, en l’occurrence son malaise éprouvé au sein de la société contemporaine. Le message véhiculé par « La Brebis » est plus philosophique. On peut le rapprocher de celui des moutons de Panurge. Elle y compare la brebis à un esclave qui est incapable d’‘apprendre à voler’, et qui après un certain temps, ‘rejoint le troupeau’. En fait elle se réfère aux idéaux des humains, qui dans leur enfance ont des rêves, aiment la liberté ou ont envie de prendre le large. Mais quand ils deviennent adultes, ils suivent le mouvement et finissent par se conformer aux règles imposées par le système, en oubliant leurs illusions premières, et en perdant tout sens critique. Morceau final, « Les souvenirs » n’est pas seulement un hymne à l’amour. Cette chanson rappelle que les souvenirs sont importants. Qu’ils soient tristes ou heureux, ils marquent notre existence, même lorsque le temps ‘déchire’…
« Chaconnes » constitue le cinquième opus de LeCoq. Il fait suite à « D’arradon », paru il y a déjà 4 ans. Avant d’embrasser une aventure en solitaire, le chanteur français avait milité chez Mauvais Sang et Candid. Sans oublier ses nombreuses collaborations.
Ce nouvel elpee a été coproduit par Bruno Green. Il réunit quelques chansons traditionnelles, que l’artiste revisite à sa manière. Les lyrics ne semblent pas avoir beaucoup d’importance chez LeCoq, mais bien l’instrumentation. Partagé en dix pistes, le long playing s’ouvre d’ailleurs par un instrumental, et c’est le morceau maître. Malgré son titre qui prône la violence, « Allons en guerre » est une compo mélodieuse, paisible, qui colle parfaitement à la voix de LeCoq. Et la « La Martyre » trempe également dans une relative douceur. Les textes sont enfin davantage mis en exergue sur « Je positive », une plage au cours de laquelle, le Français tente de faire passer un message d’amour. Pas de rimes sur « Des pierres, des eaux ». Faut dire que le rythme imposé ici permet d’en faire abstraction. Il nous donne sa définition du mot « Alluvions », au début de ce morceau. « Les oiseaux sont presque morts » constitue manifestement la composition la plus sombre du long playing. Le ton est monocorde et impassible. Pourtant, on ressent toute la détresse et le désespoir dans la voix de LeCoq.
Nonobstant l’excellent travail opéré par les musicos, il faut reconnaître que le ton général de l’album est trop monotone pour vraiment captiver. Il manque de rythme ou plutôt de changements de rythme. Et le déficit de paroles ou tout simplement sa répétition un peu trop systématique, ne favorise pas l’accroche…
Karma To Burn jouit d’un statut particulier sur la scène stoner/desert rock. Volontairement instrumental, le trio s’acoquine parfois d’un vocaliste (transfuge de Year Long Disaster), mais se contente la plupart du temps d’asséner son hard rock groovy, lancinant et irrésistible sans chant, sans que l’auditeur ne n’ennuie pour autant. Contraints par leur maison de disques de recruter un chanteur à l’époque de leur premier album, en 1997, Karma To Burn a pourtant toujours privilégié l’instrumental. Leur discographie est donc majoritairement sans vocaux, ce qui n’empêche en rien son excellence.
Sur scène, la musique de Karma To Burn prend une dimension plus épique encore, leurs concerts sont d’une intensité rare. Pas de blabla entre les morceaux, les shows sont assurés sans interruption, et on se coltine une heure de son que rien ne vient interrompre. Cet elpee live, qui ne sort qu’en vinyle, illustre à merveille cette sensation particulière, puisqu’il ne comporte qu’une plage de 25 minutes par face, sobrement intitulées ‘one’ et ‘two’. Autant dire tout de suite que c’est un régal, on ne s’y ennuie pas une seconde. Les riffs hallucinants s’enchaînent et le groove est permanent. Une véritable leçon de stoner rock qui se termine en apothéose par le classique « Twenty ». Assurément, un des albums ‘live’ les plus réussis de l’année !
A ce rythme, ce petit lapin va devoir surmonter ses frayeurs et ses angoisses. Notamment, quand il va être confronté à de plus larges audiences. « Pedestrian Verse » constitue déjà le quatrième opus de cette formation écossaise, drivée de main de maître par Scott Hutchinson. Souffrant d’une timidité maladive durant son enfance, vécue à Selkirk, il avait reçu l’affectueux sobriquet de ‘Frigthened Rabbit’, de sa mère…
Depuis, pas mal d’eau a coulé sous les ponts… Ainsi, la presse spécialisée n’hésite pas à comparer le lyrisme de Frightened Rabbit à celui d’Arcade Fire, même si les sonorités bien écossaises de leur musique rappellent surtout Twilight Sad et We Were Promised Jetpacks. Pour la première fois, les autres membres du groupe ont pu participer à l’écriture des chansons. Une collaboration fructueuse, car l’elpee recèle quelques hits hymniques. Et notamment les très efficaces « The Woodpile » et « Holy ». Après la délicate intro accordée au piano sur « Acts of Man », en ouverture de l’elpee, les salves héroïques de guitares sont légion, cependant avec juste ce qu’il faut de grandiloquence pour épauler les lyrics tourmentés mais jamais misérabilistes de Scott Hutchinson. On épinglera encore la participation d’un illustre compatriote sur « State Hospital », en l’occurrence Aidan Moffat (Arab Strap).
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