Hans Theesink est un artiste prolifique. Ce chanteur/compositeur/multi-instrumentiste est originaire des Pays-Bas. Agé de 65 ans, il réside depuis bien longtemps, à Vienne, en Autriche. Sa discographie est impressionnante. Son plus gros succès, "Baby wants to boogie", remonte à 1987, une compo pour laquelle il avait reçu le concours de John Sass. Ce dernier y assurait les parties de basse, à l’aide de son tuba. En 2012, il avait publié un superbe album en compagnie du chanteur noir américain Terry Evans. Il a enregistré et produit ce nouvel opus chez lui, à Vienne, pratiquement seul. Il n’a d’ailleurs toléré la présence que de quelques invités. Hans possède une voix très caractéristique. Un solide baryton. Particulièrement folk blues, son répertoire pioche au cœur des racines traditionnelles américaines.
D’un ton grave, il chante "New home upon the hill", une compo qui traite de la succession de catastrophes climatiques : les ouragans, les raz-de-marée, etc. Ces calamités naturelles lui rappellent un épisode vécu au cours de sa jeunesse, lorsque des digues se sont rompues aux Pays-Bas. Les interventions de David Pearlman à la pedal steel sont empreintes de délicatesse. Une douceur que l’on retrouve sur le titre maître, une ballade que Theesink dépeint comme une suite de tableaux. "Wayfaring stranger" rend hommage à Johnny Cash, une plage qui baigne dans la sérénité. Pedal steel et mandoline balisent élégamment ce traditionnel country. Autre tribut, celui rendu à Townes Van Zandt, sur son "Snowing on Raton". Tout comme "Hellbound". Inspiré de son vieil ami, ce chant country est cependant personnel. Hans défend très bien la cause de la musique roots. Dans le genre, il est capable d’adapter des morceaux passés ou non à la postérité. A l’instar de "Make me down a pallat on your floor", "Alberta let your hair hang down low" ou "Delia". Hans a beaucoup voyagé. Il s’est produit dans le cadre de l’Hilmalayan Blues Festival, au Népal. Une source d’inspiration pour composer le très joli blues "Kathmandu", une piste pour laquelle il a bénéficié de la participation de Gyan Singh aux tablas. Theesink s’est également attaqué au répertoire de Dylan. En l’occurrence, l’épique "Ballad of Hollis Brown", une longue ballade dépouillée, où se mêlent cordes acoustique, astucieusement amplifiées et un harmonica. Subtilement rythmé, "Did'nt we try" est un superbe blues au refrain contagieux.
Quand on évoque les Strokes, on pense inévitablement à leur incontournable opus « Is This it ? ». Et pourtant, sa date de sortie, remonte déjà à 2001. Dès lors, on est en droit de se demander ce que le groupe new-yorkais peut encore apporter, surtout quand on sait qu’il n’a plus rien à prouver. On s’en doute, plus jamais ces golden boys ne parviendront à publier une œuvre de cette trempe ; néanmoins Julian Casablancas et ses complices possèdent suffisamment de talent pour pondre des disques plus qu’honorables sans pour autant se planter…
« Comedown Machine » constitue déjà leur 5ème elpee. Et à l’instar de Phoenix, sur leur tout récent « Bankrupt ! », les Strokes n’ont pas peur de flirter avec le mauvais goût. Les influences 80’s sont de toute évidence assumées (« Tap Out ») et les claviers se trahissent magnifiquement putassiers (« One Way Trigger »). Comme par magie, les lignes de guitares ciselées de Nick Valensi (« 80’s Comedown Machine »), la voix nonchalante de Julian Casablancas –qui ose monter dans les aigus– ou la rythmique métronomique de Moretti, permettent aux Américains de ne jamais perdre leur légendaire classe. Malgré quelques pâles resucées de leur illustre passé (« All the Time ») et nonobstant cette faculté à jongler aux équilibristes entre rock (« 50/50 ») et guimauve (« Slow Animals »). Pourtant, la formation –plus toute jeune, il faut le souligner– est au sommet de son art lorsqu’elle parvient à se réinventer ; à l’instar de « Welcome to Japan ». Ce qui explique pourquoi on n’est pas encore prêt à laisser tomber les Strokes…
Même en restant très ouvert musicalement et sensible à l’expérimentation musicale, il faut un seuil de résistance sacrément élevé pour se familiariser avec le premier elpee des Belges de SH.TG.N (on prononce Shotgun). Certes, ce n’est pas la première fois qu’un album mêle metal extrême et free jazz. Dès les premières notes, on pense d’ailleurs à Mr Bungle, dont ils partagent visiblement les influences, John Zorn en tête. Seulement voilà : là où le talent incommensurable de Mike Patton aide grandement à avaler la pilule chez Mr Bungle, il n’y a pas de bouée de sauvetage à laquelle se raccrocher chez SH.T.GN, et certainement pas dans les lignes vocales, bâclées et sans grand intérêt.
Jusqu’au-boutiste dans sa démarche, fonctionnant en roue libre, on a souvent l’impression que quelqu’un a appuyé sur ‘record’ au hasard et que le groupe se laisse aller à une série d’improvisations sans queue ni tête. On assiste donc à une jam session entre musiciens certes forts doués, mais qui ne se tracassent pas vraiment des mélomanes censés les écouter. Une oreille non initiée s’en lassera au bout de quelques minutes ; par contre, ceux qui sont plus familiers des univers bruitistes et expérimentaux extrêmes, noise et free jazz, devraient y trouver un intérêt plus conséquent, même si parfois le résultat s’avère quelque peu brouillon et éparpillé. Je ne doute pas que ce côté déstructuré appartienne à la démarche du groupe, mais difficile de décrire leur expression sonore, quand on est plutôt en présence d’un instantané de la formation. Intéressant, mais pas déterminant.
Ce matin, les infos propageaient une nouvelle étonnante. Un tsunami de glace se serait abattu sur le Nord de l’Amérique, et cette situation m’a fait penser à Indians.
Bien que les couleurs de « Somewhere Else » renvoient plus qu’évidemment à l’automne ou du moins à ces chaudes journées d’un été qui se traînerait en longueur, le premier album de Søren Løkke Juul colporte cette même information envahissante que le phénomène météorologique ci-dessus relaté.
Lent, mais caractérisé par sa force dévastatrice exponentielle qui gonfle au fil des écoutes, les dix titres de ce premier elpee s’installent en dégageant sans ambages tout ce qui est autour, investissant les lieux avec un calme glacial.
Poussant en dehors de la marge les doutes qui tentent maladroitement de se cristalliser à la première écoute.
Révélé par le label mythique 4AD, ce projet est un voyage introspectif où tous les contours sont bercés d’un halo vaporeux, sans doute hérité des superbes paysages danois.
Une force tranquille qui vous capture et vous met du baume au cœur.
Danny Wahlfieldt, le leader, compositeur et producteur des Grave Babies décrit sa musique comme ‘le son d'horribles choses enveloppé dans de l'espérance’. En choisissant un tel patronyme et en avançant de tels propos, il n’est donc guère étonnant que ce groupe issu de Seattle fasse partie du raz-de-marée gothique qui a déferlé sur les Etats-Unis, au cours de ces dernières années. On n'avait peut-être pas mesuré l'énorme impact de la musique dark européenne des eighties sur la jeunesse d'outre-Atlantique. Car si la presse locale en avait fait à leur début, et à leur grand dam d'ailleurs, une sorte de mix entre Nirvana et Nine Inch Nails, c'est plutôt du côté de la cold-wave, du post-punk industriel des débuts et du death-rock qu'il faut chercher les principales influences. On imagine la chambre de l'ado Walhfieldt tapissée de posters de Bauhaus, Jesus & Mary Chain, Sisters Of Mercy ou Christian Death.
« Crusher », deuxième album de Grave Babies, après un essai confidentiel mais prometteur sur le label danois Skrot Up, pourrait donc plaire à ceux qui trouvent DIIV sympa mais un peu trop propret et manquant d'aspérité, par sa production délibérément lo-fi et ses sonorités grinçantes. Mais si le son est souvent bruitiste (« Skull », « Pain Cycle »), il existe pourtant une vraie dimension pop sur certains morceaux (« Over and Under Ground », « No Fear ») qui laisse à penser que le petit Danny écoutait aussi Echo & The Bunnymen et New Order entre deux films d'horreur. En écoutant ses chansons très courtes, enchaînées sans temps mort, on pourrait presque imaginer que le disque a été enregistré en concert dans une salle miteuse à l'acoustique douteuse. C'est sans doute ce qui fait le charme de « Crusher » qui sonne au final comme une tentative de fusion entre la goth music et les productions lo-fi du revival garage/rock psychédélique de San Francisco (j'avoue emprunter cette pertinente idée à un chroniqueur américain). Mais c'est aussi ce qui rebutera plus d'un mélomane...
Initié en 2005, Glorytellers est un des nombreux projets de Geoff Farina, l'ancien leader des regrettés Karate. Le propos est sans doute moins audacieux que le légendaire groupe de Boston qu'il a dû arrêter la même année pour cause de problèmes auditifs après 6 albums studios et 700 concerts en 12 ans d'activité.
« Current Resident » constitue le troisième album de ce groupe et propose à nouveau des compositions acoustiques qui sentent bon l'Amérique profonde. En effet, on retrouve l'americana des précédentes réalisations même si les musiciens aux côtés de Geoff ont changé. Cette fois, il s'est entouré de brillants instrumentistes de Chicago, ville dans laquelle il a récemment emménagé et où il dispense des cours d'histoire de la musique à l'université quand il ne tape pas le bœuf dans des bars proposant du ragtime et du contry-blues d'avant-guerre. On citera notamment, au sein du quatuor qui l'accompagne sur ce disque, le virtuose de la mandoline P.W. Rainey et le violoniste Jean Cook, connu pour avoir apporté sa collaboration à John Langford, Ida et William Parker. Sans doute influencé par sa nouvelle vie, Farina revisite les racines de la musique américaine sans réelle originalité ni prise de risque mais ce n'est évidemment pas le but. On sent juste qu'il avait envie de se faire plaisir en proposant de jolies mélodies à l’orchestration raffinée. De gentilles comptines countrysantes parsemées de brillants solos racontées par un grand frère qui n'est sans doute pas le meilleur chanteur du monde, mais dont le ton sévère quoique rassurant donne envie de connaître la fin de l'histoire. Néanmoins, ce classicisme assumé pourrait un peu décevoir les fans de ses œuvres plus imaginatives ; et si vous n'êtes pas féru de ce genre de musique traditionnelle, vous ennuyer au bout de quelques minutes. Sorte de version roots des Secret Stars (un de ses projets les plus intéressants) ou de son excellent premier album solo « Usonian Dream Sequence », « Current Resident » est sans doute une œuvre mineure dans la discographie de Geoff Farina, une parenthèse un peu trop conventionnelle mais certainement pas un échec artistique.
Au milieu des années 2000, âge d’or du mouvement metalcore, il était facile de passer outre le côté ultra-formaté d’un groupe comme Bullet For My Valentine, pour ne profiter que de la musique. Objets marketing pleinement assumés, les Anglais incarnaient une version métal du groupe à minettes, à une époque où le look émo (NDR : rimmel, ongles vernis et grosse mèche de cheveux teints qui retombait sur le visage) n’avait pas encore envahi le milieu comme une maladie honteuse. Vu sous cet angle, l’envie n’y est pas, je vous l’accorde. Mais force est de reconnaître que musicalement, un album comme « The Poison », sorti en 2005, n’a rien à envier aux Caliban et autres Killswitch Engage qui cartonnaient à l’époque. Efficace, catchy, violent quand il faut et ultra mélodique dans les refrains, il se laissait écouter sans peine, pour peu qu’on ne soit pas un puriste refusant catégoriquement que la volonté de faire un carton ait une influence sur la musique. Pour ma part, peu importe : quand ça le fait, ça le fait.
Qu’en est-il aujourd’hui ? Alors certes, on est loin des discours de l’époque où le combo se définissait comme le nouveau Maiden (rien que ça !). Il a certes pris un peu de bouteille et n’a plus grand-chose à voir musicalement avec ce qu’il proposait il y a presque dix ans. Plus mélodique, plus abouti, plus hard rock que Metal, assagi au niveau du look, on pourrait presque croire qu’il a atteint sa maturité, aussi cliché que soit cette expression. Certes, c’est toujours aussi formaté pour plaire aux jeunes filles, mais à l’instar d’Avenged Sevenfold, l’efficacité est au rendez-vous. L’instrumentation est irréprochable. La voix l’est tout autant. Et si le band a abandonné l’étiquette ‘metalcore’, il en a profité pour laisser l’auto-tune dans la benne (en tout cas on ne l’entend plus) ; ce qui en soi, suffit à sauver l’entreprise. Bref, en faisant fi du nom, de la réputation, et de tout le cirque qui tourne autour de BFMV, si cet elpee de hard rock est commercial, convenu et pas surprenant pour un sou, il est diablement efficace et épingle toute une série de hits en puissance !
Ce jeune bluesman insulaire a le vent en poupe. Flanqué de son Redeye Band, il a gravé plusieurs albums qui se sont bien écoulés sur le marché, et tout particulièrement "Just as I am", paru en 2010 et "Night life", en 2012. Son nouvel opus, il l’a publié sous son propre nom. Mais si la présence de son backing group n’est plus mentionnée, son paternel, Ken Bryant se réserve toujours la basse. En outre, la formule trio est préservée.
Danny démarre en force par "Prisoner of the blues". Puissant et percutant, ce blues rock libère énormément d’intensité dramatique. L'envol aux cordes est étincelant. "Greenwood 31" rend hommage à l'un des grands guitaristes du blues de Chicago, Hubert Sumlin, pionnier de la guitare électrique blues, et longtemps gratteur de service auprès de Howlin' Wolf. Danny restitue parfaitement le phrasé de Sumlin. Complainte blues indolente, "Can't hold on" met bien en exergue la voix expressive de Danny. L'orgue de Richard Hammerton soutient judicieusement l’ensemble, et à nouveau, la guitare est au sommet de son art. "Hurricane" adopte un profil pop, pas tellement adapté à l’artiste. Hanté par le diable, "Devil's got a hold on me" est imprimé sur un tempo boogie enlevé. Autre blues lent, "I'm broken" libère une fameuse dose d'émotion. La voix du fils Bryant, tout particulièrement. Une compo empreinte d’une grande sensibilité, au cours de laquelle, Danny libère des notes improbables. Beau à pleurer ! "All or nothing" opère une nouvelle incursion dans le pop/rock. Et elle est réussie cette fois, avouons-le ! "Losing you" nous replonge dans un univers mélancolique, un univers que Bryant aime explorer. Désenchanté, "Painkiller", le titre qui achève l’elpee, en est une nouvelle démonstration. Une compo au démarrage plus acoustique, caractérisé par les interventions d’un piano, mais également d’une mandoline, pincée par le frère cadet, Kirby. Avant que Danny ne reprenne le collier en rebranchant l’électricité.
Après une intro dont les relents évoquent presque Muse, Backtrack Lane change de registre dès les premières notes de « Burn It », et ne relâche pas la pression jusqu’aux derniers accords d’« Hollywood Gonzo », morceau qui clôture la plaque. Au menu, un hard rock bien gras et survitaminé, aux refrains catchy et aux mélodies vocales inspirées. Malgré un son de guitare moderne à la Datsuns, The Vines, voire The White Stripes, c’est malgré tout le côté old school de la musique du groupe qui prévaut. Visiblement bercé par la scène hard rock de la fin des 80’s/début des 90’s, le band s’inspire librement de la simplicité carrée d’un AC/DC, du groove d’Aerosmith, l’associe à la hargne d’un Guns n’Roses, pour mieux le tremper dans des lignes de chant influencées par la scène grunge, Soundgarden en tête. Simple, carré et efficace, l’opus n’en est pas moins bien écrit et composé ; et si les influences sont bien présentes, Backtrack Lane évite brillamment de tomber dans la pâle copie en proposant un LP qui ne réinvente certes pas la roue, mais la fait tourner avec un plaisir non feint. En outre, le groupe se prête victorieusement à l’exercice difficile de la power ballad (« Ain’t It Enough », « Some Memories Remain ») ; ce qui permet au disque de respirer sans jamais lasser le mélomane.
Originaire de Paris, le line up du band réunit deux paires de frères, les Gatti au chant, guitare rythmique et basse, et les Crestey à la batterie et à la guitare lead. Lancé par leur victoire à un tremplin (le FallenFest), il a beaucoup bossé sur ce long playing, et s’il n’est pas exempt de défauts (certaines astuces de production déconcertantes, le funky et hors propos « I Live Again »), on ne peut que saluer le talent et le travail de ce jeune groupe plus que prometteur.
Aperçue récemment aux côtés de Faris Badwan, le leader de The Horrors, au sein du duo 60’s Cat’s Eyes, Rachel Zeffira se lance dans la souvent périlleuse aventure solo, sous le patronyme de The Deserters. Cette chanteuse lyrique soprano (NDR : elle s’est produite devant le Pape !) et multi-instrumentiste canadienne nous invite à découvrir un univers sombre et vaporeux aux réminiscences shoegaze. Particulièrement douée, la jeune femme –qui se réserve pas moins de 9 instruments sur « The Deserters »– construit des petites cathédrales atmosphériques et downtempo soutenues par un véritable orchestre. La voix fragile de Rachel Zeffira renvoie à celle de Trish Keenan, la regrettée leader de Broadcast. Difficile toutefois de détacher un morceau du lot et c’est peut-être ce qui fait la principale faiblesse de ce pourtant très bel album, calme en surface et tourmenté sous les interventions de cordes ou de pianos (« The Deserters », « Star »). « The Deserters » est enrichi d’une surprenante reprise du « To Here Knows When » de My Bloody Valentine, monument auquel il fallait oser s’attaquer…
Il est des promesses douces à caresser, des rêves de grandeur non démesurés, qui au fil du temps s’étiolent néanmoins jusqu’à prendre des proportions plus modestes en risquant au final d’avoir raison de tout espoir.
À première vue, les membres du groupe de Leeds semblent toujours afficher la même foi inébranlable en leur musique, mais qu’il doit être difficile d’appréhender l’étroitesse et le confort précaire de certains clubs –et c’est le cas ce soir– quand les débuts si prometteurs les propulsaient d’office sur des scènes bien plus appropriées aux tourments soniques qui agitaient leurs compositions, dès les premières notes de « Progress-Reform », en 2006.
Si David Martin et sa clique ne semblent pas sourciller, attablés en terrasse, devant l’Escalier, ce soir, je ne peux m’empêcher de nourrir une certaine crainte de voir le découragement ruiner leur projet, dans un futur proche.
Mais une image chasse ces sombres pensées.
Je souris intérieurement.
Ainsi, depuis l’angle de vue sous lequel j’observe cette scène, les membres d’I Like Trains se tiennent dans l’embrasure de la porte du café d’à côté.
Le nom du bistrot est inscrit en blanc sur fond rouge : ‘L’aller Simple’.
Il est de ces clins d’œil du hasard…
La mentalité liégeoise et la tolérance du voisinage permettent à l’Escalier d’assouplir son timing, souvent dicté par le bon vouloir des artistes, mais aussi d’un public qui tarde à se déplacer.
Et celui-ci n’a pas l’air de vouloir quitter ses pénates de trop bonne heure aujourd’hui.
Post War Glamour Girls s’installe donc devant un parterre de curieux plutôt parsemé.
Et d’emblée, le combo est confronté à un sérieux problème technique, car le micro du chanteur refuse obstinément de retransmettre la voix, censé donner le ton.
Problème qui ne trouvera solution que bien plus tard, car le leader se dédouble et manifeste un certain don d’ubiquité (comme je le constaterai plus tard dans la soirée) pour utiliser tour à tour les microphones destinés aux backing vocals.
Ces quelques avatars n’altèrent en rien la fraîcheur et la spontanéité du band, ajoutant une touche de bordel dans une esthétique sonore au demeurant un peu brouillonne, mais éveillent, au passage, la sympathie de l’assistance (toujours bien maigre).
S’éclipsant après leur single « Jazz Funerals », les musicos remercient sincèrement chaque membre d’ILT. Pourtant, ils ne semblent pas avoir fait l’unanimité au sein du public. Mais leur set reste, à mon humble avis, une bonne surprise.
Fidèles à une esthétique sombre et romantique, c’est tout de noir vêtus que les cinq wagons d’I like Trains se mettent en branle, sur le coup de 22h30, alors que l’atmosphère de l’étroit couloir qui sert de salle devient compacte.
Alignés sur le quai, le souffle retenu, les sens suspendus, nous assistons durant l’heure qui suit à la mise à mort des derniers doutes concernant une éventuelle remise en question de l’avenir du band.
Car plutôt que d’assister au chant du cygne, la prestation de ce soir va bien vite remettre les pendules à l’heure.
Proposant une setlist sensiblement identique à celle du Nijdrop, lors de leur concert accordé en novembre dernier, mais bénéficiant de la présence d’un membre supplémentaire (en l’occurrence le chanteur guitariste de Post War Glamour Girls, préposé à la Fender Mustang), responsable d’interventions de gratte incisives, la formation va bien mettre en exergue l’aspect abrasif de sa musique.
Entre envolées crépusculaires et déchirements retentissants, la voix grave de son leader en figure de proue, I Like Trains se transforme en navire scindant en deux des mers entières de fiel et de tristesse contenues, des océans de chagrins au fond desquels gisent mille espoirs disloqués, bravant des vents mauvais et à jamais tourmentés. Tout en fixant ce minuscule objectif lumineux, un point de mire vers lequel il faut tendre vaillamment, I Like Trains montre la voie à suivre (et quelle voix !)
Après un final hautement sollicité, « Sea Of Regrets » clôt le chapitre de cette nuit, mais laisse entrevoir de magnifiques voyages ultérieurs, entre ciel, terre et mer, mais toujours sur les bons rails.
Le merchandising de désemplit pas, signe de l’engouement général pour cette fantastique prestation.
Quant à votre serviteur, comme toujours dans pareil cas, l’émotion étreignant encore ma gorge, je m’éclipse sans mot dire, guidant mon corps vers la nuit où mon esprit l’attend déjà.
(Organisation : Silenceless Shows)
Conversation enregistrée, il y a quelques semaines, entre le photographe et le rédacteur.
A : Seb, ça te dirait d’aller shooter Savages ?
S : Sava- quoi ?
A : ‘Sa- va - ges’ (NDR : prononcez ‘sa-vais-gise’).
S : Tu penses que ça va me botter ? »
A : Absolument, c’est du post punk pratiqué par un groupe de filles !
S : Ah, idéal pour shooter, alors…
A : Oui, et elles font sensation en Angleterre. Elles sont déjà passées dans l’émission de Jools Holland et joué dans de grandes salles.
S : Alors OK, on y va !
Après avoir publié un premier Ep réunissant des titres immortalisés en ‘live’ (« I’m here »), Savages a gravé, en ce début mai, son premier elpee. Il s’intitule « Silence Yourself ». Au menu, du rock conjugué au féminin digne de la quintessence punk, new wave et gothique, qui a sévi au cours des eighties. On pense, bien sûr, inévitablement à Joy Division, Fugazi et Siouxsie and The Banshees. Les plages de l’opus sont entrecoupées de moments plus feutrés, susceptibles de sonoriser une BO de cinéma d’auteur. La chanteuse, Jenny Beth, a d’ailleurs composé quelques musiques de film, avant de fonder son band. Un projet impliquant quatre superbes filles capables d’insuffler une énergie nouvelle, à un mouvement qu’on pensait définitivement consommé.
Pas de préambule, elles nous plongent immédiatement dans le vif du sujet. Classieuses, réservées mais efficaces, elles nous mettent d’emblée en confiance. Pas de clins d’œil aguicheurs ni envolées mielleuses et encore moins de tentative d’hameçonnage. Et pourtant, on se sent à l’aise, et on entre dans leur set, comme illuminé par un sourire intérieur. C’est d’ailleurs ici que se situe la complicité entre le public et le groupe. Une impression de plénitude vous envahit. Le sens mélodique est soigné. Tout est exprimé de manière juste et entière. Et les surprises ont de quoi ravir, car on ne s’y attend jamais vraiment. Jamais mièvre ou passive, cette énergie vibre clairement en notre for intérieur et communique des émotions qui nous transportent. Et à ce titre on leur est reconnaissants.
Ce soir, l’Orangerie baigne dans le rock en noir et blanc. N’en déplaise aux machos, les demoiselles nous remuent instantanément les tripes. Leur show est irréprochable. Le quatuor manifeste une assurance et une sérénité que nous ne soupçonnions pas. Elles revisitent le passé en se servant du présent, afin de nous faire revivre des moments inoubliables.
Le noir et blanc démodé ? Punk is dead ? On se le demande, en voyant aussi une grande partie du public composée de vieux ‘corbeaux’ qui hantent les soirées pour nostalgiques des 80’s. Mais rien n’est moins sûr ce soir. En ce qui concerne Savages, le revivalisme a retrouvé toute sa saveur sauvage…
Setlist : 1.City's Full /2.I Am Here /3.She will / 4.Fuckers / 5.No Face / 6.Strife / 7.Waiting For A Sign / 8.Flying To Berlin / 9.Give Me A Gun / 10.Another War /11.Hit Me Play /12.Shut Up/13.Husbands
Français expatrié à Londres, Johnny Hostile avait été invité à entamer la soirée. Au départ, il est producteur. C’est également lui le cofondateur de Pop Noire. Un label qui a notamment signé Lescop. Et sa compagne n’est autre que Jehnny Beth, la vocaliste de Savages. Pas étonnant qu’elle vienne rejoindre Johnny, pour partager un duo, au milieu du set. Et ce petit chassé-croisé entre amoureux, sur les planches, est émouvant. Post/punk, la musique de Hostile lorgne parfois vers Neon Judgment. En plus ténébreux. Comme si elle cherchait son chemin pour atteindre le bout du tunnel. Et le lightshow accentue cette impression. A mon humble avis, pour bien cerner cette expression sonore, reconnaissons-le fort intéressante, il faut une oreille avertie ou tout au moins, avoir eu le loisir d’écouter et de réécouter les disques de cet artiste, avant d’assister à sa transposition en ‘live’.
Aes Sedai et Sébastien Leclercq
Savages + Johnny Hostile
(Organisation Botanique)
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Les conditions météo pourries de ces dernières semaines ont malheureusement été l’invité surprise de cette 20ème édition des Nuits Botanique. Un froid de gueux qui aurait été plus supportable dans le Grand salon cosy et chaleureux du Museum où le triple concert de ce lundi soir était initialement prévu. Finalement déplacé vers la fraîcheur hivernale d’un chapiteau tremblant sous des bourrasques clairement venues du Nord, le public timide et transi s’était blotti devant la scène frissonnante pour accueillir le folk-rock mélodique de Swann, le folk-pop surréaliste d’Ólöf Arnalds et le pop-rock ‘pleurnichard’ de Tom McRae. Une configuration globalement acoustique et intimiste qui aurait décidément apprécié un espace plus confiné.
A l’âge de 23 ans, Swann est déjà considérée comme l’un des porte-drapeaux français dans le registre folk-rock. Elevée au Velvet Underground par des parents mélomanes, Chloé s’affirme très vite comme une songwriteuse et multi-instrumentiste (guitare, piano, harmonium…) de talent. Forte de ses qualités d’écriture et de son potentiel vocal, la jeune chanteuse fait une entrée remarquée en présentant un premier disque plaisant intitulé « Neverending », ce soir, sur les planches du chapiteau.
Vêtue d’une robe de soirée légère à carreaux noirs et blancs et flanquée d’une guitare acoustique, Swann balance des mélodies gracieuses et impose progressivement la force de sa patte musicale héritée de Patti Smith, Cat Power ou encore Lou Reed face à un public plus glacé que glacial. Et pour cause. Une ambiance de fin du monde règne sur un parterre peu habité ; le vent cogne aux portes et aux fenêtres d’un chapiteau vacillant, son sifflement se glisse sur la toile et ses airs frigorifiques s’engouffrent, pétrifiant les âmes. Un léger frémissement d’hésitation envahit la scène. Pourtant, Chloé, soutenue par ses deux musiciens, ne se laisse pas démonter et balance les sons électriques de « Show Me Your Love » et la reprise de « Bobby Brown (Goes Down) » de Frank Zappa. Le charme finit par opérer et le visage d’ange de Chloé se couvre d’un sourire soulagé pour clôturer un set plutôt réussi.
Swann ne jouit certainement pas de la notoriété et du don de communication de son ainée folkeuse Lou Doillon (voir compte rendu du 12 mai ici) mais elle possède une qualité bien plus précieuse, le talent !
Habituée aux grands froids du Nord, l’Islandaise Ólöf Arnalds ne semblait aucunement contrariée par le temps hivernal de ce mois de mai (NDR : notons au passage le nombre important d’artistes scandinaves et principalement islandais programmés à l’affiche des Nuits 2013 : Sóley, Ólafur Arnalds, Junip, Rebekka Karijord, Valgeir Sigurðsson… un bel indice du dynamisme politico-culturel rencontré dans les pays traversés par le Cercle Arctique.) Seule sur l’estrade, armée d’une sèche noueuse et affichant une touchante timidité, l’une des membres actives du célèbre collectif Múm nous livre une curieuse version acoustique de son troisième elpee solo, « Sudden Elevation », sorti le 4 février dernier sous le label Konkurrent. Prestation surréaliste ne ressemblant en rien à la version studio du long playing. Un bric-à-brac de morceaux bricolés, tantôt chantés en anglais, tantôt en islandais, et comme improvisés. La chanteuse islandaise nous raconte des histoires banales sur un ton badin qui, dans un premier temps, surprend le public, puis le captive par la grâce déconcertante de sa naïve sincérité. Elle est émouvante, désarmante. Ses histoires légères nous parlent d’une ville islandaise où il ne se passe rien. Où le seul divertissement se résume au passage mensuel d’un cargo. Comparé à celui d’Ólöf, le pays de Candy ressemble à un manga trash. Bref, l’ovni Ólöf vient de s’abattre sur les planches du chapiteau.
Musicalement, les mélodies voyagent entre un genre traditionnel islandais, des reprises de Caetano Veloso et des ballades interprétées dans la langue de Shakespeare. « Return Again » nous propose une mélodie fragile, presque friable, bercée d’une voix paradoxale, angélique et malicieuse, d’arpèges de guitare graciles et rêveurs. Un air désinvolte et coquin qui sillonne la setlist d’un concert réinventant des peines de cœur magiques, éclatées et irréelles. Un son aux harmonies simples mises au service d’une voix ondulante qui flirte incestueusement avec celle de ses ainées Stina Nordenstam et Anja Garbarek.
Malgré une prestation scénique très sage, le chant lyrique nous réserve pourtant quelques moments d'exception et emporte l'auditeur vers des territoires inconnus. Ainsi, « Call It What You Want » s’énerve et s’élève aussitôt vers les univers oniriques de Joanna Newson ou Karen Dalton. Une voix singulière dont elle joue comme d’un instrument.
Il y a deux ans, la chanteuse islandaise nous confiait : ‘Depuis l’adolescence, je joue pour les mariages, les enterrements. J’aime ce rôle communautaire : jouer pour la famille, être avec les gens quand ils ont des choses à célébrer’. Cette année, l’artiste venue du Nord a dignement contribué à fêter les 20 ans du festival bruxellois.
Eric Ferrante
Ólöf Arnalds + Swann
(Organisation Botanique)
Ce dimanche de semi-gueule de bois, entre relents de biture frénétique et heures de sommeil faussement réparatrices, je trace. Direction la capitale. J’y ai rendez-vous avec le jeune Irlandais Mmoths et les Canadiens psychotiques de Blue Hawaii, le tout dans le cadre idyllique du Botanique, au Museum, pour être plus précis.
19h30 : arrivée sur place, une bouteille de vin sucré dans le gosier et une excitation à peine cachée, avant d’assister aux prestations pour lesquelles je me suis déplacé.
Récit de voyage d’un illuminé, catapulté dans les étoiles …
Première note, première escapade onirique, confortablement installé à quelques mètres seulement de Mmoths et son band, dans un fauteuil rouge sang. Incapable de regarder ces trois génies trop cokés s’affairer sur le podium, c’est la tête balancée en arrière et les yeux fermés que je contemple le spectacle. Mes membres fatigués sont tiraillés entre spasmes et frissons, à mesure que les rythmes saccadés défilent.
Coup d’œil furtif à ma gauche, à l’instant où retentit la genèse de « THNX », ma comparse a reconnu l’air, un sourire discret mais heureux traduit un certain apaisement… ses yeux sont clos, elle nage probablement dans un océan de délire poétique, non loin du mien.
Mais le voyage est trop court, trop beau aussi ; une demi-heure de rêverie et le réveil, douloureux, la lumière agressant mes pauvres yeux. Je l’aperçois vider les lieux, sans un mot, sans un geste, tête baissée, laissant comme seuls souvenirs ses machines et instruments entassés.
Une blonde houblonnée et sa fidèle compagne Cancerette sont nécessaires pour retrouver pleinement ses esprits. Quelque part, assis sur les marches, l’esprit encore à moitié perdu dans les nuages, on essaye de mettre des mots sur ce qui vient de se produire. Mais il est trop tôt pour établir ce genre de constat, la seule chose qui ressort de ce semblant de conversation est un émerveillement exprimé sous forme d’onomatopées, quelque chose entre ‘waow’ et ‘ouf’.
Second round émotionnel en compagnie de Blue Hawaii. Les débuts sont psychédéliques, enivrants et majestueusement touchants. Vissé sur ma chaise en bois, je me délecte de ces mélodies enivrantes, portées par la voix gracieuse et fluette de Raphaelle. Visiblement à l’aise sur les planches, la demoiselle communique énormément avec son audience, lui confiant des anecdotes de tournées, quelques états d’âme et ressentis timidement annoncés.
Exhortant le public à se lever, le duo opère un revirement club aussi surprenant qu’impressionnant. Le résultat met du temps à se propager dans les travées ; et il faudra 3 morceaux supplémentaires pour que le public n’explose de joie, délaissant les doux fauteuils du Museum.
Le résultat donne une version alternative et intimiste du « Gnanmankoudji » que Laurent Garnier avait laissé éclater à Pleyel. Le temps d’un rappel en apothéose et le groupe s’en va, le devoir accompli, ayant indéniablement marqué et touché l’assemblée du Botanique.
Un nouvel arrêt houblonné s’impose avant de quitter le Bota, pour récupérer physiquement et psychologiquement. Je croise les deux Canadiens préparant le stand ‘merchandising’ et, incapable de résister à l’envie de leur dire un mot, je demeure bloqué, comme subjugué, incapable d’articuler autre chose qu’un ‘merci’ à peine murmuré. Je reçois en guise de réponse un timide mais sincère ‘Thank you for coming’ de la souriante chanteuse. Il ne m’en fallait pas plus pour repartir le cœur léger, leur LP sous le bras mais surtout la tête pleine de souvenirs, ceux d’une soirée majestueuse que je risque de revivre à maintes reprises lors de mes rêveries, qu’elles soient éveillées ou dans les bras de Morphée.
Adrien Fassotte
(Organisation : Botanique)
Mmoths + Blue Hawaii
Ne perdons pas de temps à tâcher de convaincre les pisse-froids qui hurlent au népotisme ou à convertir l’élite néo-folkeuse venue rechercher la perle rare alternative lors de cette onzième édition des Nuits Botanique. Dimanche soir, Lou Doillon était venue jouer ses morceaux artisanaux composés dans l’intimité de sa cuisine et inspirés de ses chagrins d’amour. Sans aucune prétention de génie artistique, la chanteuse française avait choisi les planches d’un Cirque Royal archi-complet pour revisiter l’intégralité de ses « Kitchen sing dramas » issus de son premier long-playing produit par Etienne Daho et mixé par le Cassius Philippe Zdar. « Places » (2012), un album intimiste folk-rock influencé par les sons de son enfance.
Certes, à travers cette nouvelle expérience, l’actrice, comédienne, mannequin tente d’effacer cette image qui lui colle à la peau. Celle d’une hit girl, d’une ‘modeuse’ branchée, d’une ‘jet setteuse’ qui transite entre Paris et Londres. Pourtant, un concert déjà complet lors de sa prestation à l’Orangerie du Botanique, accordé le mois de décembre dernier, nous avait déjà convaincu qu’elle pouvait compter sur un public fidèle. Maintenant, reste à savoir si celui du Cirque Royal était venu en masse pour voir l’égérie de Givenchy et de Karl Lagerfeld ou pour découvrir l’univers musical de cette jeune auteure-compositrice-interprète de 30 ans au parcours atypique.
C’est un Cirque Royal plongé totalement dans le noir et illuminé d’une très belle scénographie qui attendait Lou Doillon et ses quatre musiciens. Cinq lampes vintage en arc formant un C de taille XXL planté au-dessus de chaque acteur sert de décor. Un décor original et judicieux pour éclairer les premières notes de la ballade poignante, « I.C.U ». Pas un mot dans la salle. Le public reste scotché à chaque inflexion vocale, à chaque souffle. Le timbre plaintif mais décidé, autoritaire mais vulnérable, s'égare dans l'air et invite le spectateur, accroché à chaque syllabe, à des rêveries douces-amères chantées dans son anglais maternel. Lou Doillon possède cette espèce de sauvagerie douce qui intrigue et s’accorde à merveille au genre musical qu’elle a choisi d’embrasser ce soir. Un folk aux ambitions aériennes et traversé d’influences universelles, communes et ensorceleuses.
Progressivement, ses talents d’oratrice réchauffent la salle. Un don naturel de communication qui séduit rapidement l’auditoire. Tantôt malicieuse, tantôt charmeuse, elle nous raconte son concert comme un roman autobiographique chargé de complaintes, de drôleries et de confidences. C’est alors que la comédienne reprend le dessus et nous inflige quelques plaisanteries croquignolettes en introduction de « Hushaby », morceau qu’elle aime écouter au volant de sa voiture les yeux fermés ou de « Devil Or Angel » où Lou Doillon s’amuse à imiter le cri du loup et invite le public à la suivre. Why not !? Bref, toute une mise en scène qui régale l’assistance et en ferait presque oublier la musique.
Le répertoire tantôt folk, tantôt country, tantôt soul, et plutôt facile, revisite les standards du rock et s’architecture autour de compos souvent trop légères. Une femme sous influence qui jouerait à réinventer les tubes ensorceleurs de Marianne Faithfull, Patti Smith ou encore Lou Reed, qui ont bercé son enfance.
Ne soyons pas trop sévère. Plusieurs standing ovations et plusieurs rappels (quatre !) nous confirment que le pari musical de Lou Doillon est plus que réussi. Le public est ravi et l’artiste ne veut plus quitter l’estrade.
Répertoire épuisé et public affamé, l’actrice reconvertie se doit d’improviser. Et tout d’abord, sur une reprise ‘originale’ de Clash qui arrive à point nommé. Accompagnée par le guitariste François Poggio, la folkeuse de l’Hexagone entame « Should I stay or Should I go » comme si c'était un standard made in Nashville.
Rassurée par sa prestation, la chanteuse se lance sur la scène pour quatre longs rappels. D’abord, seule, guitare acoustique entre les mains, jouant sa première composition sur deux accords. Sa maladresse à la six cordes est presque touchante. On pense à la fin d'un repas de famille. Ce moment délicat, un peu gênant, où la petite dernière vient réciter le poème appris à l'école. Ne soyons pas cynique car, si la guitare ne sonne pas, la voix fait des merveilles. Enfin, une dernière reprise plus étonnante : « I go to sleep », chanson écrite par Ray Davies pour le Kinks, en 1964, que populariseront Chrissie Hyde et les Pretenders, en 1981. Et, plus récemment, subtilement réarrangée par la chanteuse britannique Anika, en 2010.
Amateur ou non, le public franchit les portes du Cirque Royal, le sourire aux lèvres, heureux d’avoir partagé l’univers musical de la nouvelle songwriter française.
Eric Ferrante
Lou Doillon
(Organisation Botanique)
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Ostensiblement, la différence entre l’aspect visuel d’un groupe peut être inversement proportionnelle à l’énergie qu’il déploie tout au long de ses enregistrements ou tout du moins de l’idée qu’on s’en fait.
A l’écoute, on se forge une idée mentale, dessine une image glamour autour des sonorités qui happent nos sens et les étourdissent, et on reconstitue ainsi une image d’Epinal conforme à nos fantasmes.
Comme lorsqu’on se représente les protagonistes du roman qu’on lit.
Et bien sûr, la réalité n’est pas toujours conforme à notre imagination.
Mais au-delà d’une éventuelle déception physique, le plus important reste l’impact sonique.
À moins que ?
Direction le Trix ce samedi soir pour un énième rendez vous en compagnie de The Lumerians. Mais avant de les découvrir (enfin) sur scène, deux groupes sont à l’affiche, dont les très attendu KVB. Compte rendu d’une soirée où le son doit prendre le pas sur l’image…
De Beach, il est difficile d’apprendre quoi que ce soit. En choisissant un patronyme bateau, il risque en effet de s’échouer sur les bancs de sable de l’indifférence générale.
Pas que leur musique ne fasse pas de vagues. Non !
Musicalement, ce trio belge tient la barre. Mais il risque de perdre le cap.
Conduites par des consonances Punk, dégradées en nuances ‘post-ce-qu’on-veut-qui-rime-avec-bruit’, leurs compositions sont efficaces et carrées, mais délivrées avec force et panache.
Pour le reste, pour agréable que soit ce moment en leur compagnie, j’aurai tôt fait de les avoir effacé de ma mémoire.
Et il y a peu de chances pour qu’ils y refassent surface…
Bien plus excité à l’idée de découvrir The KVB, je m’installe au devant de ce qui va s’avérer être un autel.
Après un moment, je comprends vite qu’il est préférable de fermer les yeux.
Pas que les deux membres du groupe soit laids.
D’ailleurs, elle est bien ‘minouchette’ la petite Kat Day, qui s’évertue derrière son Korg à triturer les sons à qui mieux-mieux.
Mais son ennui visible conférant à la dépression suffirait à pousser au suicide des hordes entières de pinsons.
Pour m’imbiber de leurs sons, je me glisse donc les paupières mi-closes dans les projections qui défilent en arrière-plan.
Là, effectivement, l’aura de The KVB prend son amplitude et transcende le concert derrière un voile de couleurs jaillissantes et de bruit blanc.
Quarante minutes plus tard, la messe est dite.
Mais fallait il encore prêcher un convaincu ?
Enfin, après de multiples tentatives avortées pour maintes raisons obscures et sans doute cabalistiques, je vais assister à un concert des Lumerians.
Quelques années qu’ils sont dans mon collimateur ; et après quelques tentatives d’approche, je les aperçois enfin, dans mon champ de mire.
Entrevus furtivement la semaine dernière au Botanique, je sais déjà qu’ils ne correspondent pas du tout à ce que j’avais imaginé depuis la découverte de leur sensationnel et éponyme premier essai, datant de 2007.
En fait, les Lumerians ne ressemblent à rien. Et certainement pas à la musique qu’ils créent.
Ce qui devrait du reste n’être qu’un détail m’interpelle néanmoins.
J’essaie de me détacher de cette impression, mais elle me colle aux basques.
Je prends plaisir à l’écoute de leurs ‘vieux’ titres comme des nouveaux. Mon corps répond favorablement aux ondes psyché qui émanent de ce drôle d’aquarium placé sur l’un des claviers. Ma tête oscille d’avant en arrière, de gauche à droite sur « Burning Mirrors », mais je n’arrive pas à l’état de transe ultime.
Comme maintenu au sol par d’invisibles mains.
Et puis je réalise.
Je suis esclave de mon imagerie mentale.
Je ne peux me détacher complètement et m’abandonner dans la seule foi musicale, prisonnier de mes schémas fantasmagoriques.
Aussi stupide que puisse être ce constat, voir The Lumerians est comme un fantasme qui se réalise dans toute l’absurdité d’une déception injustifiée.
Je les rêvais en toges noires, mystiques et inaccessibles comme les habitants oubliés d’une cité disparue (La Lémurie) et je me trouve face à des quidams, certes, fichtrement bons dans leur art, mais désespérément communs.
Je me sens comme l’enfant démuni face au démantèlement du mythe de Saint Nicolas.
Et j’ai beau me dire que cette situation n’a pas d’importance, que seule la musique compte… je n’y arrive décidément pas.
Néanmoins, j’apprécie le set, et malgré ces considérations, je me fais une raison.
Car dans les sillons de mes vinyles ou le reflet argenté de mes cds, The Lumerians resteront néanmoins ces mystérieux habitants de l’inconnu.
Je quitte donc Anvers perplexe, chiffonné et repu, ne sachant pas très bien ce que je pense.
A moitié déçu, à moitié content, mes attentes à demi en suspens.
Mes oreilles n’ayant pas vu ce que mes yeux désiraient entendre…
(Organisation : Heartbreak Tunes)
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