Déposées tel un fagot de bois à la lisière d’une sombre et épaisse forêt de ronces, les visions crépusculaires qui jonchaient nos imaginaires, à l’écoute de « Violet Cries », ne demandaient qu’à revivre et attendaient patiemment depuis, de nouvelles raisons de se dessiner.
En friche depuis deux mille onze, cet univers désolé et peuplé de lumières étiolées, s’étendait silencieusement dans un recoin de l’esprit, attendant que les trois jardiniers de Brighton ne donnent une suite à l’Ep « Hexagon », dont les six pièces cultivaient une même trame dramatique.
Un laps de temps mis à profit pour se débarrasser de quelques apparats encore évidents, devinés à l’aube d’une jeunesse passée dans l’ombre de la reine Siouxsie.
Une émancipation bienvenue et qui porte ses fruits sur cet album ; des grappes aux couleurs certes toujours violacées, mais teintées à présent de nuances toxiques hautement plus addictives encore.
Un venin qui se propage dans les racines électrifiées de cet elpee et se distille dans les coupes emplies d’un même nectar enivrant.
Un pâle rai de lumière éclaire cet opus, comme un fil serpentant au cœur d’une nature sauvagement abandonnée, incarnée par la voix de Rachel Davies qui prend possession des lieux et nous guide à travers un parcours chahuté. Que ce soit un déluge d’électricité ou de longues plaines désolées, des cieux écrasants ou marécages ensorcelants. Bref, les plages de ce disque s’appréhendent comme autant de terrains que l’on découvre le cœur palpitant, le regard fiévreux et la démarche chancelante.
Retournant sur nos pas avec plaisir, fouillant la tourbe de nos mains et revenant encore et encore sur ces parcelles de chagrins et tourments savamment entretenus.
Et dans le lointain désespoir, comme jaillit le bourgeon au cœur d’un éternel hiver, scintille le désir ardent de prolonger ce moment de grâce.
Se détachant lentement des oripeaux gothiques qu’on lui assenait systématiquement, EATW dirige son embarcation sur des eaux certes toujours troubles, mais à présent habitées par des sirènes aux chants moins lugubres.
Le single « When That Head Splits », par exemple, emprunte des chemins qui ne sont pas sans rappeler Warpaint.
D’autres envolées quant à elles soulignent en pointillés des ponts entre cette Post Wave glaciale et des réminiscences Post Rock.
En parcourant les lyrics, reproduits au sein du booklet, l’esprit se dilue au gré des atmosphères tissées de long en large, et se laisse absorber par le terreau fertile de ces trois jeunes gens affichant décidément une identité musicale singulière.
Tour à tour fleur et serpent qu’elle cache.
Dirty Sound Magnet nous vient de Fribourg, en Suisse. Le guitariste Stavros Dzodzosz est le leader et fondateur. Il est épaulé par le drummer Maxime Cosandey et le bassiste Marco Mottolini. Et le band a enfin déniché son vocaliste. Il s’agit de Didier Coenegracht, un grand admirateur de Robert Plant. Leur musique s’inspire d’ailleurs de celle du début des années 70, lorsque le blues boom a viré en rock et même en hard rock, engendrant un mythe et une référence ultime dans le style, Led Zeppelin.
Dès les premières notes de "Blind memory", on entre dans ce blues/rock puissant réminiscent des seventies. La voix lorgne vers Robert Plant voire Peter French. Peter a milité chez Atomic Rooster, Cactus et plus tôt Leaf Hound, comme vocaliste. Ce groupe a publié un long playing particulièrement recherché. Intitulé "Growers of mushroom", il baigne dans un univers sonore fort proche du dirigeable.
Un bottleneck acoustique et une slide bien amplifiée introduisent "Heavy hours". La voix de Didier est excellente. Fruit d’un savant dosage entre acoustique et électricité, la construction sonore est impeccable. Les changements de tempo modulent l'amplitude du chant. "Mike's awakening" est toujours marqué par le hard rock originel, malgré une empreinte stoner rock plus contemporaine. Lente, particulièrement atmosphérique, "Mr Robert est une plage tourmentée par l’esprit du légendaire Robert Johnson. Quant au chant, il est hanté par l’autre Bob, Plant… Des accords torrentueux amorcent "What lies behind". Les voix des musicos rejoignent celle de Didier. La section rythmique fédère l’ensemble. "Dead end street" recherche constamment l’équilibre entre instrumentation et vocaux, acoustique et amplification. Le son est hard, mais ne sombre jamais dans le métal. Les accords de gratte fluctuent, épousant au passage la voix aérienne. Sur "Hotel Goomba", Stavroz démontre qu'il a fort bien assimilé le jeu de Jimmy Page. Il crée constamment de petites combinaisons techniques et mélodiques qui flattent les oreilles. Des cordes acoustiques ou délicatement amplifiées bercent le tendre "Our animal". Didier peut vocaliser, avant que les glissements d'une slide ne conduisent à l’explosion. Une plage qui évoque, une nouvelle fois, Leaf Hound. La dernière piste est la plus longue. Photographie de leur bonne vieille cité de Fribourg, "Free castle town" est une plage mélodieuse, empreinte de douceur, à la construction lente, soucieuse d’un parfait dosage entre les différents instruments. On suivra attentivement la suite des aventures de cette formation helvète, et notamment leur évolution qu’on espère efficace dans la personnalisation des références…
Alain ‘Bill’ Deraime est un chanteur/guitariste de blues. Agé de 66 ans, il est français et ses vocaux, il les exprime dans la langue de Molière. Son premier album était éponyme. Il date de 1970. Pour la circonstance, il avait reçu le concours de l'harmoniciste Jean-Jacques Milteau. Depuis, il en a publié près d'une vingtaine. Dès ses débuts, sa voix est marquée par celle de Ray Charles. Pour la six cordes, il est plutôt adepte du folk blues institué par Big Bill Broonzy et Lightnin' Hopkins. Sa carrière a connu diverses fortunes. Au cours des dernières années, le label Dixiefrog l’a remis, en quelque sorte, sur les rails. En 2010, il a gravé un double elpee intitulé "Bailleur de fond", une œuvre qui opère, une forme de synthèse de son parcours. La voix de Bill est rauque et parfois, on se demande, s’il ne l’élime pas volontairement… M’enfin, les multiples expériences de l’existence ont peut être également forgé son organe, pour le rendre aussi rêche
L’opus s’ouvre par "Il braille". C’est tout à fait le cas. La gratte du fidèle Mauro Serri atténue cependant le message sévère qu'il nous adresse. "La pieuvre" est une plage empreinte de douceur, malgré la tristesse du discours véhiculé par le looser. La slide est cool. Jean Roussel siège derrière son orgue. Bill a toujours eu un faible pour le reggae. D’ailleurs son seul succès commercial demeure "Babylone tu déconnes", un hit qu’il avait décroché dans les années 80. "Mon obsession" exhale ainsi un parfum issu de la Jamaïque. Et on reste dans un registre rythmique semblable sur "Rien d'nouveau" ainsi que le plus léger "Je rêve". Il est vrai que Roussel a quand même été l'arrangeur de Bob Marley et de Police! Sa voix vocifère toute son amertume sur "Esclaves ou exclus", une compo qui dénonce les injustices sociales. La rythmique est funkysante. Serri en ajoute une couche à la slide pour exacerber la colère légitime de l'artiste. Un courroux qu’on retrouve tout au long de "Y'en avait marre", un boogie secoué par des cordes hard rockin' blues. "Après demain" constitue sans doute le meilleur titre du long playing. Une ballade chargée de tendresse, paradoxalement écorchée par le timbre glauque de Deraime, dans un style qui évoque le regretté Bashung. Dommage que le final soit si brusque. Bill nous propose sa version du succès de Jacques Dutronc, "Les cactus". Son gratteur, Fred Chapelier, est d’ailleurs présent pour cette piste. Le rythme est nerveux. On assiste alors à la rencontre entre le béret rouge (NDR : celui de Bill) et le noir (NDR : de Fred). Acoustique, "Le vieil homme" est une plage empreinte de délicatesse. Bill interprète, mais dans la langue de Shakespeare, le titre-phare d’un vieux bluesman mythique, le "Death don't have no mercy" du Reverend Gary Davis. Une aspiration à plus de justice ! Dommage que l’artiste ne parvienne pas à rendre son timbre un peu plus moelleux, pour la circonstance. L'album s’achève par "Bobo boogie", un boogie divertissant, auquel participe San Severino.
Après des débuts orientés punk/hardcore, The Bronx s’est amusé à brouiller les cartes, allant jusqu’à se créer un alter ego, Mariachi El Bronx. Une certitude, la formation n’a jamais publié deux fois le même disque ; et sur ce quatrième album, le groupe nous réserve un gros rock énergique et ultra-efficace qui fait mouche à chaque chanson. De leurs racines punk, ils gardent l’énergie débridée et la simplicité des structures, mais le tempo plus posé, le sens de la mélodie inné du groupe et les accents qui tirent parfois presque vers le folk rendent la plaque variée, et très plaisante à écouter. Néanmoins, le band n’oublie pas ses racines, et s’autorise des envolées plus soutenues (« Ribcage »), même si la volonté première reste avant tout mélodique. C’est peut-être le seul défaut de cet opus au final, en tout cas pour ceux qui avaient entendu leurs efforts précédents. A force de refuser catégoriquement de se laisser complètement aller (comme ils pouvaient le faire sur un titre comme « Heart Attack American », par exemple), le combo perd un peu de sa puissance ; et on aimerait parfois que les compos s’énervent un peu, comme au bon vieux temps. Cependant si vous découvrez la formation via cet elpee et que vous appréciez le rock couillu, punky, efficace et accrocheur, vous serez ravis, car « The Bronx IV » possède toutes les qualités requises au genre.
Formation de pub rock, Shaggy Dogs nous vient de l’Hexagone. Fondée en 1998, elle puise l'essentiel de son inspiration chez les Anglais de Dr Feelgood. Elle a d’ailleurs participé aux deux volumes des "Tribute to Lee Brillaux", parus en 1999 et 2000, en hommage au leader et chanteur de Dr Feelgood, décédé en 1994. Les Shaggy Dogs cherchent avant tout à injecter de l’énergie punk dans un R&B qui rocke !
Le line up réunit le chanteur/harmoniciste Red, le guitariste Jacker, le bassiste Toma et le drummer Guillermo. A ce jour, le combo a publié quatre albums : "A dog's life" en 1999, "Pub rockers Class Heroes" en 2006, "No covers" en 2008 et "Who let the Shaggy Dogs out" en 2011.
La plage d’ouverture est amorcée par un cri : "Shaggy Dogs Power". Une voix nerveuse embraie. Elle est même saccadée, teigneuse, proche de celle du regretté Brilleaux. Jacker triture ses cordes comme un damné, dans un style également comparable à celui de Wilko Johnson, le premier gratteur de Dr Feelgood. Steve Broughton est venu renforcer l’équipe au piano. Multi-instrumentiste, c’est le frère d’Edgard, leader de son Edgar Broughton Band, un groupe qui a connu ses heures de gloire, au cours des années 70, outre-Manche! Une rythmique aride et malveillante balise "Voodoo King", une piste caractérisée par de petites lacérations à la slide commises par l’Andalou Lorenzo Sanchez (NDR : c’est un ex-guitariste de Miguel M and The Brachays Blues Band). Le rythme est toujours bien présent tout au long de "Little Ann", mais sous une forme embrassée par les R&B bands insulaires du début des sixties. Pensez aux Stones et aux Pretty Things. Et au passage, un harmonica vient s’immiscer dans le décor. Ce même harmo introduit "Hot night", face au piano roll’n’boogie de Broughton. Red souffle judicieusement dans son instrument et Jacker en profite pour mettre le nez à la fenêtre. Red conserve ses inflexions vocales sauvages sur "Flight time", une piste imprimée sur un mid tempo ; et c’est la guitare qui emprunte des accents acides pour fédérer l’ensemble. Red est épaulé Marco Shaeller (NDR : le partenaire habituel de Phil Fernandez, au sein du blues band français, Big Dez), un autre souffleur, pour attaquer le très agréable "Who's got the clue?" Toujours fort intéressante, l’expression sonore lorgne à nouveau vers Feelgood sur "A riot", "Kick it" et "Be somebody soon". Red maîtrise bien sa passion pour chanter "Simple life". Le ton s’avère très sixties. Un solo de guitare s’égrène, tout en accords. Steve est passé à l'orgue. Les rythmes syncopés produits par les percus de Guillermo entament "I like to boogie" ; puis le tempo accélère pour glisser vers le boogie signifié. Bien remuante, "No way" est encore une excellent compo. Shaeller se réserve l'harmonica. La rythmique de Jacker est terriblement accrocheuse. De toute bonne facture, l’elpee s’achève par "Money honey", une piste soulignée par les interventions à la slide de Lorenzo Sanchez. Un morceau caché débarque après deux minutes de silence, en l’occurrence, une work song qui nous entraîne sur les rives du Mississippi, fréquentée par le chant, les percussions, les cordes et une rythmique hypnotique!
En découvrant la pochette du disque et le nom du groupe, je me suis demandé s’il n’y avait pas erreur sur la personne… Pourquoi m’enverrait-on l’album d’une chanteuse de variété, fan de Chimène Badi de surcroît ? Titres en français, portrait semi caché d’une jolie brune en couverture, tout était réuni pour m’induire en erreur. Et l’introduction de l’elpee n’a rien fait pour lever cette méprise, tant le côté pop m’a sauté au visage. Et puis, en fouinant un peu, je me suis rendu compte de mon erreur. AmAndA aime brouiller les pistes, et je me suis fait avoir comme un bleu. Loin de la chanteuse de variété ultra formatée, AmAndA est un groupe de rock progressif qui sort ici son troisième album. En dix ans, à travers sa discographie, il n’a eu de cesse de jouer avec le mystère autour de l’identité de cette Amanda. Le concept est intéressant, la musique hors des sentiers battus, très théâtrale, tant influencée par la pop (on n’est parfois pas très loin de l’univers sonore d’un Rapsat, voire de Polnareff) que le space opéra (l’influence de Queen est aussi présente que celle de Starmania). Le chant, très lyrique, est de grande qualité, à l’instar des textes, et les arrangements sont aussi très ambitieux. Dommage que la production ne suive pas. Le son souffre d’un côté très synthétique (la guitare électrique est à la limite du supportable) qui rend l’ensemble souvent franchement indigeste. Saluons toutefois l’ambition et l’originalité du groupe, « Là Où Chimène Dort » n’est pas un album comme on en entend tous les jours, et malgré mon à priori franchement pas positif, j’ai quand même trouvé pas mal de bonnes choses dans cette plaque.
C’est marrant. Je ne devais pas être là…
Il doit être plus ou moins 22h00, et le set des sœurs Casady est déjà bien entamé. Or, depuis près d’une heure, je passe un excellent moment, en leur compagnie. Les yeux rivés sur la scène en contrebas. Une demoiselle en tutu accomplit une chorégraphie un rien saccadée. Une voix de soprano bat des ailes sous la coupole de ce cirque. Quelques envolées d’arpèges pleuvent en cascade d’une harpe aux pouvoirs féeriques. J’avoue n’avoir jamais prêté qu’une attention distraite au parcours de ce groupe articulé autour de la personnalité de ces deux demoiselles dont j’ignore toujours si elles sont jumelles, oui ou non (NDR : en vérité, il semble que non). Récemment désigné pour suppléer un imminent collègue appelé au chevet d’un festival ensoleillé, je me suis donc penché sur la discographie de CocoRosie.
Tantôt intrigué, tantôt irrité, souvent distrait, je ne me suis que trop mal préparé à ce qui se déroule maintenant. Ou bien est-ce justement l’effet de surprise qui joue ce rôle prédominant dans le plaisir enfantin que me procure le concert de ce soir ? Quoi qu’il en soit, le spectacle est captivant et prouve que j’ai été bien inspiré de prendre la relève. Merci Eric !
La sonnette retentit et annonce le début du spectacle.
Trop tard pour chercher sa place dans les strapontins, j’imite les retardataires et m’installe discrètement en haut d’une volée de marches, alors que le trio Scarlett O’Hanna distille timidement les premières notes servant d’introduction à cette soirée.
Si je suis quelque peu sceptique d’entrée de jeu, c’est que cette musique très intimiste peine à trouver ses marques dans l’ampleur de cet environnement Royal.
Néanmoins, au fil des minutes, les compositions semblent prendre corps, et la voix de la jeune Bruxelloise d’adoption parvient à conquérir l’espace, ainsi qu’un public des plus attentifs.
Une très belle voix, au demeurant, même si pas franchement originale (je ne peux m’empêcher de penser à Chan Marshall) mais qui possède assez d’arguments pour accrocher.
Fort logiquement fière du succès rencontré, elle peut donc quitter l’estrade sous les applaudissements nourris de paires de mains bientôt jointes dans une communion solennelle…
Dans l’intervalle, parmi le brouhaha d’une assistance qui gonfle à mesure que les minutes s’égrènent, trois notes répétées en boucle installent un climat hypnotique. Elles préparent la célébration d’une messe…
Puis les lumières s’effacent et tandis que les cris d’engouement se détachent des gorges serrées ou extasiées, les six membres du collectif prennent tour à tour possession des lieux.
De la scène d’abord, mais très vite de l’ensemble du Cirque Royal.
L’une des sœurs, dans une robe mystique, l’autre surplombée d’une très Led coiffe (des dizaines de points lumineux éparpillés en grappes autour de sa tête).
L’effet visuel est, en outre, assuré par des projections en fond, qui illustrent tantôt par petits films, tantôt par des captations live, le contenu musical de ce show haut en couleurs fluorescentes.
Un contenu époustouflant de maîtrise et d’audace qui va me laisser littéralement sur mon séant, posé négligemment en travers d’une allée.
Alliant magistralement les styles et les formes techniques, le sextet retranscrit parfaitement, en live, l’univers loufoque et quelquefois baroque des sœurs Bianca et Sierra (ok, qui est Coco, qui est Rosie ?)
Le préposé au human beatbox déchaînant quant à lui l’enthousiasme général pendant un break au cours duquel sa virtuosité est mise pour la seule fois de la soirée en exergue.
Alliant pendant près de deux heures les ingrédients disparates de leurs féeries musicales, CocoRosie développe avec classe et panache, l’étendue de son savoir plaire.
Après un rappel au cours duquel figure le très demandé « Beautiful Boyz » (évidemment sans Antony Hegarty), le concert set se termine, laissant derrière lui comme une impression lumineuse sur le négatif de mes préjugés.
Un superbe moment, la tête projetée dans les étoiles, en compagnie de Bianca (Coco) et Sierra (Rosie).
(Organisation : Botanique)
C'est le sac léger, que votre serviteur débarque ce samedi 25 mai à l'Aéronef, légèreté toute légitime car l'équipement du rédacteur est assurément bien plus confortable que celui du photographe. Sans bousculade et parmi une majorité de quadras, c'est dans sa version intime que je découvre la salle qui ce soir accueille Dominique Ané.
Il est 20h15 quand débute la session de Thomas Suel, un ch’ti gars du Nord qui nous invite à découvrir son univers poético-social, flanqué de Christian Pruvost à la trompette et Jérémie Ternoy au Fender Rhodes.
Très rapidement je suis distrait par les odeurs suaves du resto-bar. Aussi, malgré le slam endiablé de Thomas, je décroche quelques secondes plus tard. Cette technique vocale ne retenant définitivement pas mon attention.
A peine ai-je terminé de composer mon menu imaginaire et très olfactif, que débute le set du meilleur interprète français de l'année 2013, élu récemment aux Victoires de la Musique.
Tout de noir vêtu, Dominique A, en maître de cérémonie, monte sur l’estrade. Il est accompagné de Thomas Poli, guitariste aux pédales multiples et préposé au synthétiseur analogique, du bassiste Jeff Hallam, équipé d'une contrebasse imposante, sans doute tout droit sortie du conservatoire le plus proche, du batteur Sébastien Buffet et du claviériste David Euverte, ces deux derniers s’installant un peu plus en retrait.
Dominique A ouvre le menu par " Pleine des Sables", extrait de l'album "Vers les Lueurs". Il est armé de sa Fender Telecaster et ne la quittera pas de la soirée.
La gestuelle et la démarche digne d'une diva de notre ‘MC’ en impose immédiatement. Le set va puiser dans toutes les périodes de sa discographie.
Aucun temps mort entre les morceaux et, malgré les demandes incessantes du public afin d’interpréter "Le sens" ou le "Twenty-two bar", l'artiste ne cède pas aux sollicitations et impose son répertoire de manière très élégante et subtile. Un certain respect professoral s'instaure entre le public et l'artiste, et les revendications sont vite oubliées, laissant place aux applaudissements.
En élève attentif, même si une certaine lassitude débarque après la première heure, je me concentre sur la prestation. Que ce soit les morceaux les plus puissants ou le plus tendres, voire les nombreux premiers titres revisités pour cette soirée. C'est Thomas Poli aux fourneaux de l'electro qui efface toutes sonorités désuètes, à l’instar du célèbre "Courage des Oiseaux", définitivement plus rock et contemporain sans les synthétiseurs. L'attitude scénique de Thomas me fait, par ailleurs, souvent penser à Jonny Greenwood de Radiohead.
Dominique A va dispenser un concert irréprochable tant d'un point de vue technique vocale que guitaristique, au détriment somme toute d'une certaine émotion, que je déplore ne pas avoir assez ressentie.
Heureusement, Jeff Hallam, en sous-chef averti, épiçait soigneusement le tout, pour démontrer que l'émotion était bien présente lors de ce ‘live’, mais que le professionnalisme et le perfectionnisme prenaient le dessus avant tout.
Intimiste et agréable, ce festin de roi cuisiné aux petits oignons par un top chef et son équipe, m’a donné l'envie de replonger dans les premiers albums de cet artiste incontournable…
Photographiquement vôtre…
Jeune et charmante, Gina est originaire de la banlieue de Philadelphie. Elle est à peine âgée de 28 ans. Cette fille d'immigré italien a décroché sa licence de journalisme à l'université de Temple. A l’âge de 12 ans, elle écrit déjà ses propres chansons. Elle publie son premier opus, "Allow me to confess", en 2007. Et embraie par "Hey Sugar", en 2008 et "Can't control myself", en 2011. Pour enregistrer cet elpee, elle avait reçu le concours du bassiste Steve Hornick, du drummer Erik Johnson, du claviériste Joel Bryant, de la percussionniste Mayra Casales et du guitariste Jef Lee Johnson. Ce dernier est depuis décédé. Et plus précisément, le 28 janvier dernier. Agé de 54 ans, il avait travaillé pour David Litterman, Mc Coy Tyner et Aretha Franklin.
"It was'nt real" est une excellente ouverture. Un blues cool, largement teinté de jazz, caractérisé par la voix sensuelle, voluptueuse de Gina. Une compo au cours de laquelle les interventions à l'orgue de Joel Bryant sont chaleureuses, alors que Jay Davidson se réserve un billet de sortie sur son saxophone ténor. Issue du répertoire d’Etta James, "Don't cry baby" est une compo qui évolue dans le même registre. Tout au long de ce blues cabaret, la voix veloutée de Gina trahit sa flamme pendant que le sax ténor, toujours en effervescence, fantasme devant le piano et la basse acoustique. La batterie d'Erik prélude un vocal syncopé sur "Please don't stop", une tranche de vie qui semble apporter de la joie à Miss Sicilia. Une voix qui devient carrément limpide sur "Wake up next to you", une ballade intimiste stimulée par un tempo exotique, au cours de laquelle les cordes de Jef Lee se réservent une sortie tout en délicatesse. "Walkin' along the avenue" est un petit joyau sculpté dans le swing. Une plage dont les brillantes interventions à l’harmo chromatique sont assurées par un invité de marque, Dennis Gruenling. Et au sein de cette atmosphère jazzyfiante tapissée par l’orgue Hammond, c’est la basse qui imprime le rythme. Blues remarquable, "City by the water" est dominé par la voix de Gina, une compo enfiévrée ponctuée par une nouvelle escapade valeureuse du saxophone. Superbe ! "Write a little song with you" baigne au sein d’un climat intimiste, une ballade country empreinte de délicatesse. Il ne manque qu'une pedal steel pour épouser le chant subtil de Gina, mais ce rôle est dévolu au dobro de Mike Brenner. Encore une autre ballade : "Don't wanna be no mother" ; et elle ne dénote pas dans l’ensemble. Plage royale, "Oh me, oh my" est soulignée par les interventions de Brenner à la lap steel. D’excellente facture, cet opus s’achève par "Walkin' shoes", une dernière ballade country, paradoxalement bien nerveuse. Les arrangements de voix sont judicieux. Et Johnson s’autorise une dernière sortie en picking. En enregistrant cet elpee, Gina Sicilia a frappé fort. Elle est parvenue à inscrire cette œuvre au carrefour du blues, du jazz et de la country, en préservant la qualité de son chant, mais surtout l’impact émotionnel, présent en permanence.
En 2010, votre serviteur avait littéralement flashé sur le deuxième opus de Retribution Gospel Choir, le projet alternatif d’Alan Sparhawk, le leader de Low. Il avait même plébiscité cet elpee, parmi ses Tops de l’exercice. A cause de son électricité. Une électricité vivifiante, crépitante, déchiquetée, féroce, chatoyante, bringuebalante, languissante voire marécageuse. Ainsi que du soin apporté au sens mélodique et à la limpidité des harmonies vocales.
Le troisième essai est plus difficile d’accès. D’abord, il ne comporte que 2 titres de plus de 20 minutes. Deux exercices de style guitaristiques opérés dans l’esprit d’un Neil Young flanqué de son Crazy Horse, à l’instar de leur dernier double LP, « Psychedelic Pill ». Et pour la circonstance, c’est Neil Cline, préposé à la gratte chez Wilco, qui est venu donner le change à Alan Sparhawk. Le bassiste Steve Garrington et le drummer Eric Pollard forment toujours la section rythmique. Et c’est elle qui balise les deux morceaux enregistrés en une seule prise. Ils sont donc quatre à libérer cette prodigieuse intensité électrique, notamment sur « The great destroyer », un peu comme si Alan avait voulu évacuer sa frustration ressentie lors de l’enregistrement du dernier opus de Low, « The invisible way », trop lo-fi à notre goût.
Toujours aussi électrique, « Can’t walk out » s’avère cependant plus mélodique et nébuleux. Atmosphérique, la voix d’Alan me fait plutôt penser à celle de Ian McNabb, lorsqu’il a enregistré en compagnie du Crazy Horse, et certains aspects de l’expression sonore baignent dans une forme de shoegaze que n’aurait pas renié Swervedriver. Encore que parfois, le spectre du fabuleux « If I Could Only Remember My Name » revient inconsciemment à la surface. Bref, si ce disque n’est pas parfait, il est audacieux. Et à ce titre, Retribution Gospel Choir mérite qu’on lui accorde une attention particulière.
Derrière le pseudonyme de Rick Redbeard, se cache l’Ecossais Rick Anthony. Pas un inconnu, puisque le barbu est également le leader de The Phantom Band. Le temps d’un album, il a donc décidé de mettre son groupe entre parenthèses. Un album sur lequel il calme le jeu et troque les réjouissances psyché-rock contre un paisible folk minimaliste.
Une pause carrière que l’on peut déjà annoncer comme réussie. Car, en effet, « No Selfish Heart » est un opus clairement abouti. Il faut dire que l’Ecossais a mis huit ans pour accoucher de ce disque. En observant l’illustration de la pochette, on se doute que l’univers sonore de Rick Redbeard sera serein. La voix de Rick est magistrale. L’instrumentation est 100% naturelle : sèche, xylophone, violon et piano. Tel un barde, il nous plonge dans son univers bucolique, pour mieux exprimer ses sentiments empreints de poésie. On se croirait au beau milieu des Highlands. La classe !
En dix morceaux, on est convaincu et, on en redemande ! Personnellement, j’épinglerai tout particulièrement « Any Way I Can » ainsi que « Now We’re Dancing ». Deux morceaux sur lesquels Rick Redbeard hausse le ton. Tout simplement magnifique !
Ted ‘Popa Chubby’ Horowitz (NDR : en argot ‘Pop a Chubby’ signifie ‘avoir une érection’) est originaire du Bronx, à New York. Agé de 53 balais, il est chanteur et guitariste. Sauvage, son blues est teinté de rock, funk et pop. Il est très populaire en France. Sa première œuvre, "It's Chubby time", remonte à 1991. Depuis, il en a publié une trentaine. Le look de Popa est singulier. Sa dégaine plutôt patibulaire. Extraverti, le crâne rasé, il manifeste une tendance caractérisée à l'embonpoint et son corps est couvert de nombreux tatouages.
Dès "I don't want nobody", la machine est sur rails. Le rythme est très soutenu. Très amplifiée, la guitare dirige la manœuvre. On y décèle déjà les principales influences du popa : Jimi Hendrix et Buddy Guy. Sa voix est à la mesure de son physique : puissante et musclée. Soutenu de chœurs féminins, le chant de l’artiste est bien mis en exergue sur "I ain't giving up", un R&B lent au cours duquel les cordes parfaitement ciselées reflètent toute sa sensibilité humaine, vivant parfaitement le moment présent. Et pas question d’en remettre une couche ; ici, c’est l’expression de ses sentiments qui prévaut. Tout au long du titre maître, la voix colle parfaitement au jeu de cordes. Les phrases instrumentales jaillissent instinctivement. Popa exprime toute sa jouissance en écrasant ses pédales. Pour vous donner une idée du style pratiqué par le personnage, il le décrit comme soit une ‘rencontre’ entre les Stooges et Buddy Guy, Motörhead et Muddy Waters ou Jimi Hendrix et Robert Johnson. Entre les sonorités âpres et classiques. Entre le rock et le blues… Long blues lent, "The peoples blues" puise dans son vécu personnel. Les images défilent sans légèreté mais avec une passion certaine. Il exprime sa douleur à travers ses propres expériences malheureuses de la vie. Il reprend le classique des classiques, "Rock me baby", sur un tempo enlevé. Il y injecte toute sa passion. La voix est malveillante. Les soli son ravageurs. Il remet 100 fois son métier sur son ouvrage. Et cette passion sauvage n’est pas prête de l’abandonner. Il apporte une touche de soul à "69 dollars". Sa voix y est plus mûre. Sa ‘six cordes’ vagabonde constamment au sein de l’espace sonore, coloré par l'orgue Hammond. Sa version instrumentale du célèbre "Somewhere over the rainbow" lui permet de s’autoriser quelques escapades expérimentales. Gouailleur, son bottleneck stimule "Take me back to Amsterdam", un Chicago shuffle dispensé de manière fort classique. Il adresse un clin d’œil à Hound Dog Taylor, en faisant glisser sa slide sur le sympathique "The finger bangin' boogie". Et sa gratte totalement déjantée trouble brillamment "Mindbender", la plage finale…
Daniel est un jeune chanteur/compositeur suédois. Il vient juste de fêter ses 30 balais. Il fabrique ses propres instruments et enregistre chez lui. Sa première création, "Kerosene dreams", date de 2007. Publiée en 2008, sa deuxième, "Outskirt", lui avait permis d’ouvrir les portes du reste de l'Europe et avait particulièrement bien été reçue par le public blues. Une situation favorable qui sera encore renforcée lors de la sortie d’"Horrifying Deatheating Bloodspider", en 2010. Pourtant, sa musique exprime son mal de vivre et baigne au sein d’une atmosphère parfois chaotique. En outre, en général, il crie plus qu’il ne chante…
Daniel était attendu au tournant. "Buck" est habillé d’une pochette cartonnée luxueuse, comme un livre dont les pages sont illustrées par des photographies en couleur bien énigmatiques. L'artiste aurait-il à nouveau l’intention de nous raconter ses malheurs ? Pas du tout ! En fait, paradoxalement, "Buck" est empreint de beauté et d’une grande douceur, même si l’opus s’ouvre et se referme par des bruitages électroniques étranges.
"Howling around my happy home" est une fresque sonore de plus de 10 minutes. Une plage minimaliste que tapisse en quasi-permanence, un fond d'orgue. Les percus sont frêles. Les cordes de guitare et l’instrumentation électronique entrent en osmose. Une technique qui n’est pas sans rappeler la quintessence du krautrock originel. Petra (NDR : c’st la compagne de Daniel) chante "Once was a queen". Sa voix coule comme le miel tout au long de ce délicieux morceau de pop qui navigue quelque part entre l’univers sucré de John Lennon et sidéral de Syd Barrett. "Driving ghosts out of black buck with a weld" est parcouru de brèves expériences sonores, avant de se fondre au cœur d’une nouvelle tranche onctueuse. "Putting my tomorrow's behind" a bénéficié du concours de collaborateurs, et notamment son fidèle bassiste Anders Grahn, en compagnie duquel il se produit habituellement sur scène. Le tempo s’accélère pour "Whatever turns you on", une plage nerveuse, répétitive et spasmodique. Colorée par l'orgue d'Andreas Filipsson, elle lorgne manifestement vers le Velvet Underground. Daniel se réserve l'accordéon sur la très jolie ballade folk "Black vultures". "Music tape" baigne au sein d’une atmosphère cool. Un bon vieux country blues accordé sur le porche de la maison du bonheur. Une impression également présente tout au long du nonchalant "I'm a welder". L’accordéon est à peine effleuré, comme sur certains titres d’"Exile on Main street" des Rolling Stones. "Moonshine got me" a été immortalisé ‘live’, sous la formule trio. La musique prend une nouvelle dimension. Agréable, la voix ne manque pas de charme. Elle susurre à l’oreille même. Les cordes sont d’abord taquinées. Habilement. Puis montent en puissance lorsqu’elles s’évadent en toute liberté, avant de se dédoubler, de fusionner, et de s’acidifier au contact de l’orgue. Et Daniel se réserve ses claviers, pour interpréter en compagnie de Petra, son ultime joyau, "My hobo is rambling". Certainement le meilleur album commis par Norgren, à ce jour !
Depuis plus de 10 ans, le Canada, et en particulier Montréal, est une source intarissable d’artistes novateurs. C’est d’ailleurs devenu le nouveau centre de gravité de la musique dite indépendante. Et chaque fois qu’un nouvel album débarque sur le Vieux Continent, on sait qu’on peut quasiment se le procurer, les yeux fermés. Et les oreilles grandes ouvertes. Car on sait que si surprise il y a, elle sera bonne…
No Joy nous vient donc de la métropole du Québec. « Wait to pleasure » constitue son deuxième album. Il fait suite à « Ghost Blonde », paru en 2010. La grande différence entre ses deux opus procède des conditions d’enregistrement. Davantage ‘DIY’, le premier elpee paraissait clairement plus brouillon.
Pour concocter ce nouvel opus, Jasamine White-Gluz (chant, guitare), Laura lLoyd (chant, guitare) et Garland Hastings (batterie) ont décidé d’accorder un plus grand soin à la mise en forme. Cependant, ne vous attendez pas à un lissage de leur expression sonore. No Joy pratique un rock à coloration shoegaze dans l’esprit de My Bloody Valentine. Aériennes, éthérées, les harmonies vocales féminines évoquent instantanément le groupe irlandais. Cependant, No Joy ne se contente pas de marcher sur les traces de MBV. Si la musique est puissante et la tension bien palpable, les climats sont variables, en fonction des plages. Certaines sont mélodieuses, comme sur « Hare Tarot Lies ». D’autres plus sauvages, à l’instar de « E ».
Bref, écouter « Wait to Pleasure », c’est un peu comme se taper un trip après avoir sniffé un flacon d’éther. Voguant très haut dans la stratosphère, le cerveau se paye quelques chutes vertigineuses, mais se sauve chaque fois, in extremis, pour recommencer un nouveau voyage en apesanteur…
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