Dan Smith, nouveau Golden Boy de la Pop, effectuait un arrêt remarqué ce 17 avril au Club de l’Ancienne Belgique à l’occasion de la sortie de « Bad Blood », première galette de son projet Bastille. Un concert sold-out en une petite dizaine de jours grâce au martelage des Stubru, Pure, Twizz et à l’appui de quelques centaines de blogs spécialisés. C’est d’ailleurs en découvrant fin 2012 des extraits de la mixtape « Other’s People’s Heartache Part II » et les singles « Overjoyed » et « Pompeii », issus de « Bad Blood », que mon oreille s’est dressée. Mal m’en a pris.
Des erreurs de parcours, on en fait tous parfois. L’important c’est de s’en rendre compte. Aussi loin que je me souvienne, il n’y a, ces dernières années, que les concerts de Hurts et de Hoodie Allen qui ont provoqué chez moi une crise d’urticaire au point de quitter la salle bien avant le rappel. Ce soir, un troisième artiste rejoint cette catégorie. Dan Smith et le revival de la coupe à la Desireless ont tranché court mes attentes. Alors qu’une écoute rapide de « Bad Blood » m’avait laissé quelques bons souvenirs (« Pompeii » et son côté Beirut, « Things We Lost in The Fire »), le show du Londonien et de ses musicos m’ont par contre laissé un goût amer.
Sur les planches, Bastille est définitivement un groupe de kids pour les kids. Les ‘trentenaires-et-au-delà’ se réfugient au fond de la petite salle, là où personne ne peut les voir. Ça tombe bien, c’est justement là que je me dirige... A peine Smith débarque-t-il sur l’estrade que les tympans sont mis à rude épreuve. Les filles sont là, et en forme. La setlist s’enclenche sur « Bad Blood », dont les onomatopées sont instantanément reprises en chœur par la horde de fans. Du fond de la salle, l’engouement me prend par surprise. Tout comme la suite du set qui n’avait de cohérent que le sympathique timbre de voix du chanteur. Il se la joue Ellie Goulding en exécutant de temps à autre, de petits coups de percus. S’ensuivent des compositions qui me paraissaient bien plus solides en version studio mais qui se révèlent, après un second tour d’horizon post-concert de « Bad Blood », parfois assez inintéressantes. Sur scène, le caractère linéaire du concert m’assomme complètement. Et cette coupe me fait mal aux yeux. Je tente de résister mais trois-quarts d’heure plus tard, j’abdique. De leur côté, les fans continuent de scander chaque texte du bonhomme, avec une énergie folle.
Certes, la Pop de Bastille est bien plus fine que celle qui envahit les charts ; mais il s’agit d’une Pop à laquelle on adhère entièrement ou pas du tout. De mon côté, j’opte pour la seconde option, finalement. Même si j’avoue avoir un petit faible pour « Things We Lost In the Fire ». Mais, ça, personne ne doit le savoir…
Bastille sera sous la Marquee de Rock Werchter, le dimanche 7 juillet.
(Organisation : AB)
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Est-il vraiment utile de présenter Steve Hackett ? Car il est tout simplement un des meilleurs guitaristes de l'histoire du rock. Il a d’abord milité chez Genesis, le légendaire groupe de rock progressif, entre 1971 et 1977, et a contribué à la confection d'albums qui sont autant de chefs-d’œuvre, depuis "Nursery Cryme" jusqu'à "Wind And Wuthering". Sa carrière solo a été très prolifique, mais ne lui a pas permis de renouer avec le succès de masse.
Il y a quelques mois, il publiait le second volume de son "Genesis Revisited". Un ambitieux quadruple LP (2xCD) enregistré en compagnie de pointures comme Steven Wilson, Michael Åkerfeld, John Wetton, etc. Au cours d'une interview, Hackett a déclaré qu'il estimait intéressant de ‘réinterpréter des morceaux comme "Can-Utility And The Coastliners" ("Foxtrot") 40 ans plus tard, en utilisant les techniques actuelles et en tirant parti de son expérience acquise comme musicien et producteur’.
J'attendais donc, très impatiemment, la transposition ‘live’ de cet opus. Et je n'étais pas le seul ; l'Ancienne Belgique affichait, en effet, ‘sold out’! Etonnant mais, en même temps, révélateur de l'extraordinaire aura dont bénéficie toujours Genesis aujourd'hui. La nostalgie est un refuge bien utile dans cette période de vide créatif abyssal…
Soudain retentissent les premiers accords de "Watcher Of The Skies" et une intense clameur monte de la foule. On va probablement assister à un événement d'unique. Et en effet, il sera unique. Plus de 2 heures de musique. Et des compos exclusivement issues du répertoire de Genesis. Soit un florilège de véritables joyaux, à l’instar de "The Chamber Of 32 Doors", tiré de "The Lamb Lies Down On Broadway", un titre qui montre bien toute l'étendue du spectre musical de Genesis. C'est orchestral, puissant et d'inspiration classique mais également jazzy, burlesque, entrecoupé de passages carrément folk. ‘C'est juste une petite chanson que j'ai composée en venant ici’, ironise Hackett.
Sur les planches, Hackett est flanqué de Roger King, le claviériste américain qui est à ses côtés depuis les années 90, Rob Townshend à la flûte et au saxophone soprano, Gary O'Toole, son fidèle batteur ainsi que Lee Pomeroy (The English Rock Ensemble, Archive) à la basse. Mais le grand point d'interrogation, c'est bien entendu le micro. Qui Hackett a-t-il choisi pour interpréter les parties vocales, exceptionnelles, de Peter Gabriel et de Phil Collins? L'heureux élu est un certain Nad Sylvan, le chanteur du groupe prog anglais Agents de Mercy (ex-Unifaun). Au niveau technique, il se débrouille pas mal ; il a une voix assez proche de celle de Gabriel, mais un peu trop nasillarde à mon goût. Le maquillage noir autour des yeux, les longs cheveux blonds et la longue redingote : son look est plutôt gothique, mais son attitude est un peu trop théâtrale. Il a tendance à sur-jouer, se permettant même un geste déplacé sur "The Musical Box". Dans l'ensemble, le show est dépouillé. Pas de décors ni de déguisements, juste un superbe lightshow et quelques vidéos discrètes.
Un des grands moments du concert est sans nul doute "Dancing With The Moonlit Knight", au cours duquel public entonne la mélodie hyper connue : ‘Can You Tell Me Where My Country Lies...’ Pendant le break instrumental, on découvre l'exceptionnelle technique de Hackett, qui est un des inventeurs du 'finger tapping'. Popularisée par Eddie Van Halen, elle consiste à venir frapper le manche à l’aide des doigts (NDR : de la main droite pour Steve), en hammer-on/pull-off pour dispenser des séquences très rapides de notes. Hackett a élaboré cette méthode en regardant certains bluesmen et de jazzmen (surtout Emmett Chapman, le créateur du 'Stick'). Le tout premier 'finger-tap' figure probablement dans l'intro de "The Return Of The Giant Hogweed", paru sur "Nursery Cryme", en 1971!!
Refermons cette parenthèse musicologique... Après "Fly On A Windshield", sur lequel Gary O'Toole prend en charge des parties vocales, place à un autre moment très attendu: "Firth Of Fifth". Au milieu du morceau, le très célèbre passage instrumental n’est pas joué à la flûte traversière, mais au saxophone soprano par l'excellent Rob Townshend. Ensuite, Steve Hackett prend le relais pour accorder un solo exceptionnel, dans un style inimitable, puissant et très fluide, tout en 'sustain', qui se répand dans la salle comme la plainte d'une mélancolie insondable. On a la gorge serrée en assistant à ce moment exceptionnel…
L'introduction de "Blood On The Rooftops" (extrait de "Wind And Wuthering") nous donne l'occasion d'écouter le virtuose à la guitare classique, un instrument qu'il maîtrise également à la perfection. C'est Gary O'Toole qui reprend ici les parties vocales de Phil Collins. Ensuite, le groupe s’accorde une petite pause afin de résoudre un petit problème technique. De claviers, très exactement. Mais il est bien vite de retour pour interpréter trois titres supplémentaires de "Wind And Wuthering", dont le très beau et lancinant "Afterglow". Embrayant par l’hypnotique et particulièrement jazz-rock "Dance On A Volcano", suivi du bouleversant "Entangled".
Pour clôturer le concert, Steve Hackett nous propose ensuite le plat de résistance: "The Musical Box" et "Supper's Ready", deux chefs-d’œuvre ultimes de Genesis. Ici, à nouveau, on frise la perfection musicale. Pendant l'instrumental joué à la flûte, au cœur de "Supper's Ready", Hackett et Sylvan constatent, étonnés et admiratifs, que la mélodie est reprise en chœur par des voix masculines venues du public : on en a la chair de poule...
Lors du rappel, la formation revient pour un "Los Endos" très jazz-rock et très puissant! A la fin du morceau, l'ambiance est indescriptible. On a l'impression que l'AB va exploser. Le public réclame un second ‘encore’, mais en vain, car les lumières se rallument. On quitte l'AB la tête remplie d'une musique magnifique et on remercie Steve Hackett d’avoir donné une seconde vie à la période la plus inspirée de Genesis, même si quelques aspects du spectacle, comme le choix du vocaliste, sont sujets à discussion. Maintenant, imprégné de ces vibrants moments, je pars vite me replonger dans les versions originales de ces compositions d'anthologie, pour m’en délecter ! Si tout le monde en fait autant, Steve Hackett aura parfaitement rempli sa mission...
Setlist
Watcher of the Skies
The Chamber of 32 Doors
Dancing With the Moonlit Knight
Fly on a Windshield
Firth of Fifth
Blood on the Rooftops
'Unquiet Slumbers for the Sleepers...
...In That Quiet Earth
Afterglow
Dance on a Volcano
Entangled
The Musical Box
Supper's Ready
Rappel:
Los Endos
(Organisation : AB + Live Nation)
La musique adoucit les mœurs, ô mes frères !
Recraché sur le tard par le sphincter du tunnel Rogier, je pénètre dans le cirque accompagné de mes fidèles Droogies.
Alors que les premières salves de tzarribles sons pénètrent mes écoutilles, et que je m’abreuve de mes premiers spoutniks, je commence par sloucher les musicos branques de Teeth Of The Sea.
Un rictus frondeur zigourniche mon faciès ainsi qu’ils zantibulent l’air de leurs algorithmes vicelards.
Me faufilant à coups de botte et de canne à travers la foule, je viens me poster juste en-dessous d’eux et je matte ces bringues astiquer l’air avec une énergie brutale.
Le batteur se campe sur ses guiborchas, et martèle des rythmes qui dévirlochent direct mon appendice cérébral. Sous le joug de ce traitement de choc, il se raidit de plaisir et s’empourpre de liquide séminal sanguinolent.
Dans un final que n’aurait pas renié le grand Ludwig Van, une trompette me balance une bolchoïe toltchocke raide sur le kliouv et je vois planer au dessus du chapiteau des tsarakistes illuminés de bonheur comme dans une improbable collision entre Sabre Of Paradise et Nine Inch Nails.
Heureux de ce sort enviable qui m’est réservé ce soir, je m’apprête à passer une de ces soirées bercée d’une douce félicité.
Mais hélas ! Mon enthousiasme sera bien vite zamboulagri par la tournure que vont prendre les événements.
A commencer par Mater Suspiria Vision.
Une paire de prêtres zarbinoclards qui se met en tête de frémoussiller nonchalamment des potentiomètres, tandis qu’une dévotchka aux traits asiatiques semble attendre la fin des temps en prenant des poses maniacodépressives. Agitant des interminables doigts fruguleux et se caressant lascivement les groudnés prépubères.
Lorgnant sur le tropoutin salace qui verziguonde sous mon krokvi pifeu, j’oublie de monter sur scène, histoire de frapaillouter ces irzigutes mal farimanchés et donner quelque leçon de va-et-vient arrimanché à ce ravissant morceau de gironde anesthésié.
Tout masezchkefié suite à cette heure suspendue entre néant et frénésie crépusculaire, j’hésite encore à me prononcer, intrigué par la musique et foncièrement frustré par cette fichue chorégraphie monocorde.
Pas étonnant qu’il me faille alors laisser dégouliner quelques rasades de spoutnik dans ma gorge sèche pour me préparer à la transe suivante.
Psychic Ills et son charisme chouravé au culte mormon déploie alors son aura particulière et d’emblée me colle une bolchoïe dans les pruneaux.
Ainsi que je reçois une décharge de travaïmluk électrifiant, mon sourcil droit se soulève en un mouvement de franc étonnement en surprenant les drôles de zogournottes interpréter deux fois le même morceau en l’espace de dix minutes.
Ok, me dis-je, sans doute est ce pour donner tout son sens au titre du morceau (en l’occurrence « One More Time ») ?
S’ensuit une franche dégoulinade de mazavitch pétillant pour ce qui sera l’apothéose de cette soirée barrée.
Parce que la suite ne va pas être triste.
Mais carrément à pleurer ses balouchkines de désespoir !
Toute mignonne qu’elle soit, la petite Zahia Anika n’a pas sa place sur un strapontin.
Je savais déjà qu’elle chantait comme un zapickard vermiloché sur disque, mais j’ignorais qu’elle pouvait zalopifier tout un set en affichant la grâce d’une condamnée à mort en posture délicate (NDR : un gourdiche dans le fion).
Bon Dieu, quel massacre !
Pourtant, lez ziccos assurent leur part de travail. Mais on dirait qu’un farcimozotche fallacieux inocule délibérément une toute autre musique dans les oreilles de la fantoche pozdanette.
Au bord de la crise de nerfs, je préfère me rabattre sur un veneck titubant.
Par contre, j’attends beaucoup des hallumovitches de Gnod.
Sans doute trop ?
Faut dire qu’il y a un an, ils m’avaient donné une fameuse leçon de trémoutcha.
Et puis, déception.
Pas de guitare (ah, si, une malheureuse orpheline).
Je scrute les abyzoutches à la recherche des deux basses.
Point de basses.
En lieu et place, les vichokchavistes nous la jouent bizucardistes de sound system.
Deux cent-trente trois pédales connectées les unes aux autres et vas y que je te tricounute le phaser par ci, que je te trémoluste le delay par là.
Et bien sûr, pas en reste, le chanteur s’égosille en vain, vu que sa voix, ses mots et toute sa gablovitz sont avalées, réverbérées, dotchamilées dans un tunnel infini qui rend bien entendu le tout quelque peu confus.
De toute façon, le voisinage en a déjà plein les polmoches. Il faut faire taire ces galotchozouks !
Absolument drovtilisé, je m’excovatilize dans la nuit moite et pérkezulte à vive allure vers le paravitch banlieusard où chècrétchent papa et maman.
Décidément, la prochaine fois, on se creusera le rassoudok avant de quitter le Korova Milk Bar.
(Organisation : Beursschouwburg, Mad About Music et Buzz On Your Lips)
Gnod + Anika + Psychic Ills + Mater Suspiria Vision + Teeth of The Sea + Magdalena Solis
La tournée VTLZR de Pascal Arbez, alias Vitalic, bat son plein. En novembre, le DJ électrisait déjà le festival I Love Techno. Pour sa tournée en salle, c’est à l’Ancienne Belgique qu’il donnait rendez-vous à ses guérilléros du Dancefloor. Et un vendredi soir, de surcroît. Que demandez de plus ?
Malgré un troisième LP (« Rave Age ») en demi-teinte qui pousse certains à comparer le bonhomme à David Guetta (!), Vitalic est resté fidèle à lui-même en ‘live’. D’abord, la déco est assez sobre, puisque seul un ‘V’ lumineux surplombe la scène. Ensuite, il est soutenu par un line-up discret. Cette fois, Albez est accompagné de deux musiciens, à la batterie et aux synthés, chacun casé aux extrémités de l’énorme plan de travail du DJ. Visuellement, rien d’exceptionnel. Musicalement, l’homme frappe fort niveau décibels. A un tel point que parfois on demande à quoi doivent bien servir les deux rigolos, à ses côtés.
La setlist, quant à elle, est construite un peu à la mords-moi-le-nœud. Les vocalises qui étayent « Rave Age » ne sont pas des plus excitantes, ce qui fait souvent retomber la pression, le set se focalisant évidemment sur sa dernière œuvre. Les surpuissants « Stamina » et « No More Sleep » permettent d’équilibrer l’ensemble. Tout comme les classiques, qui s’intercalent difficilement entre les nouvelles compos, mais réussissent à produire l’effet escompté. « LA Rock 01 », « Your Disco Song », « My Friend Dario », « Poison Lips » et « No Guitars » font littéralement vibrer l’auditoire.
En près d’une heure et demie de prestation, ponctuée de deux rappels, Vitalic a offert à Bruxelles une excellente mise en bouche pour le weekend. Il remettra le couvert à Rock Werchter cet été.
(Organisation : Live Nation)
Chanteuse, guitariste et compositrice, Kelly Richey vient juste de fêter ses 50 balais. Elle est originaire de Lexington, dans le Kentucky. Elle monte son KRB (NDR : Kelly Richey Band) en 1990. Son premier opus, "Sister's gotta problem", paraît en 1994. Trois ans plus tard, elle s’établit à Cincinnati, dans l’Ohio. Son style ? Le blues rock. Pas étonnant que ses héros répondent aux noms de Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix et Roy Buchanan.
"Sweet spirit" constitue déjà son douzième elpee. Son backing group réunit le bassiste Freakbasse, le drummer Robby Consenza et le percussionniste Duane Lundy (NDR : qui se charge également de la production). Et plusieurs invités, sont venus participer aux sessions d’enregistrement.
L’ouverture est plutôt classique. "Feelin' under" est un rockin' blues bien ficelé. Kelly possède une bonne voix, déjà érodée par le temps, mais qui s’intègre parfaitement dans l’ensemble. Très soudée, la section rythmique supporte parfaitement son leader. Blues lent rituel, "I went down easy" véhicule des accents dramatiques. Les cordes sont attaquées dans l’esprit d’Hendrix, et libèrent des sonorités, à limite, déjantées… Solide, la section rythmique épaule son leader tout au long de "Leavin' it all behind", un rockin' blues robuste, autorisant quelques petites sorties en dérapage contrôlé. Mélodique, mais personnelle, "Something's going on" est une compo contaminée par un funk instinctif, réminiscent de Stevie Ray Vaughan. La tigresse se calme quelque peu sur "Everybody needs a change". Même sur ses cordes. La présence de Bernie Worrell (ex-Parliament/Funkadelic) à l’orgue explique peut-être cette attitude moins sauvage. "Fast drivin' Mama" est certainement la plage au cours de laquelle elle semble être réincarnée par SR Vaughan. Un titre qui libère énormément de groove. Kelly tire un max de sa Fender Stratocaster. Elle dirige parfaitement la manœuvre tout au long de "One way ticket". Sa voix est décharnée et ses cordes sont bien inspirées. "Risin' sun" est une plage étonnante, différente de l’ensemble. Mais également remarquable. Les sonorités de cordes sont plutôt lugubres. Le timbre de Miss Richey évolue en mode mineur. Les interventions de guitare pénètrent alors dans un univers magique, proche du délire psychédélique. Un morceau étonnant, mais particulièrement réussi. Elle devrait d’ailleurs davantage creuser dans ce style… Indolent, "Dyin" est dépouillé à l'extrême. Apaisées, les cordes réverbèrent des accords travaillés. En final, "Hard workin' woman" replonge dans le rockin' blues nerveux. Elle force quelque peu sa voix. Robert Lee Carroll siège derrière l'orgue. De bonne facture, ce long playing est quand même un peu court, à mon goût. Et pour cause, il ne dure à peine que 30'.
C’est un poil malin qui se cache dans la main, un poil qui gratte, démange, secoue le bas des reins.
Un poil retors, qui fait la nique à la bonne éducation et aux conventions.
C’est une tache qui s’étend, fait mauvais genre, fait du bien.
Une grosse tache de ketchup, et le ketchup, on le sait, ne part pas facilement, en machine ou à la main.
C’est un art, c’est un style, un poil macho, juste ce qu’il faut mais pas trop.
C’est une auréole de contestation, iconoclaste, qui se moque du bien pensé, et s’étend, roule comme la vague, vient lécher le sable et baiser nos pieds.
Un bain de jouvence, un bain de minuit, un bain séant.
Dans le clapotis d’une sauce qui prend au fond d’une vielle casserole, dans la rouille d’un cocktail qui fleure bon le Rock & Roll.
L’histoire est un plat qu’on ressert froid, mais qui passe tellement mieux arrosé de Tequila.
Echoué sur les plages de Wallifornie, Dick Dale s’étire longuement dans le panache d’un missile cubain oublié pendant cinquante ans sur la plage humide de désirs refoulés et portés à leur paroxysme. Moment choisi pour envoyer la sauce en une giclée de sperme rouge sucré. « That’s Right ! »
Les poulettes du coin se trémoussent dans leurs maillots deux pièces dont le tissu transparent peine à cacher l’émoi. « Bikini B**ch Party ».
La mort elle-même secoue son squelette en haut de la dune et glisse entre deux collines tropicales surmontées de tétons violacés. « Los Tres Tikis ».
Enfin, la lune s’étrangle dans un dernier orgasme alors qu’un avion espion pénètre son atmosphère en franchissant le mur du son. « Kelly Johnsson ».
Quatre titres qui donnent le ton, la couleur, le son de la bonne humeur.
Phil Odgers est un vétéran insulaire. Faut dire que c’est le leader de The Men They Couldn’t Hang, une formation de folk punk, née en 1984. Il nous invite à participer à un périple, « The Godforsaken Voyage ». Et manifestement, en écoutant sa nouvelle œuvre solo, on a l’impression de voyager. Hors du temps. Comme si on était transporté à l’intérieur d’un pub anglais, où un artiste s’époumone, de sa voix profonde, en s’accompagnant à la guitare et à l’harmonica.
Il y a plus de 30 ans que Phil ‘Swill’ Odgers mène sa barque. Donc, il sait parfaitement ce qu’il fait. Pas d’esbroufe ou de pause ‘trendy’, mais des chansons intemporelles. L’ambiance est celtique (« Coming Home ») ou est propice aux refrains à reprendre à l’unisson, à l’instar du plus enjoué « The Wrong Side ». Des reprises ? La cover du « Sunday Morning Coming Down » de Kris Kristofferson et du « Bottom of the World » de Tom Waits. Mais pas de réelle surprise. Même si l’accordéon, le banjo et une seconde voix féminine, sont parfois éclaboussés d’interventions de mellotron. Des invités ? Ils sont légion. On épinglera quand même la présence de Nick Reynolds (Alabama 3), Johnny Bridgewood (Morrissey), Slim (Urban Voodoo Machine), Tom Spencer et Jon Odgers (The Men They Couldn’t Hang).
Si vous êtes aficionado du style, cet opus devrait vous ravir. Dans le cas contraire, vous risquez de vous décrocher la mâchoire, à force de bâiller. Pourtant les lyrics sont soignés, quoique prévisibles. Et pour que votre info soit complète, sachez que « The Godforsaken Voyage » a bénéficié de la production de Mick Glossop (The Waterboys, Zappa, Van Morrison).
Huit petits mois après la sortie de « Parastrophics », un ovni dont le titre rimait quelque peu avec claustrophobique, les souris surfent sur la vague et nous pondent un mini album dans la foulée.
Anxieux et hésitant, je glisse la galette dans le micro-ondes et craint d’emblée devoir se farcir des bribes de morceaux réchauffés.
Heureusement, les doutes et craintes sont assez vite dissipés.
Là où son prédécesseur martelait frénétiquement notre système nerveux central avec une hargne répétitive, éveillant des convulsions épileptiques dans nos arrières trains, « Wow » s’avère très différent.
Plus ludique, axé club, et donc plus accessible aussi, mais en gardant cette qualité irréprochable qui sauve le groupe depuis ses débuts.
Ce disque est un peu à l'image de Mouse On Mars : improbable, paradoxal et malgré tout cohérent.
Impossible de coller une étiquette stylistique tant chaque morceau part dans une direction différente, soulignant le génie du duo teuton, dont le talent est de rejoindre tous les points de cette palette sonore extra-terrestre, pour les assembler en un tout homogène.
Au final, « Wow » est un parfait complément à « Parastrophics », une sorte de cerise sur le gâteau pas indispensable mais qu'on s'empresse malgré tout d'avaler, par pure gourmandise.
Ce blues band batave a choisi pour patronyme, King of the World, soit le titre d’une compo de John Lee Hooker. Une formation drivée par Erwin Java. Guitariste, c’est un vétéran de la scène blues locale. Il a entamé sa carrière chez White Honey ; mais en 1981, il rejoint le Wild Romance d’Herman Brood. A l’époque, le regretté pianiste était très populaire. Erwin intègre ensuite le Muskee Gang, en 1986, un combo dirigé par Harry Muskee, alias Cuby, le bluesman le plus notoire aux Pays-Bas. Le combo emprunte ensuit le patronyme de Cuby and The Blizzards, et cessera son parcours, après le décès de son leader, en 2011.
Bassiste, chanteur et compositeur (NDR : excellent par ailleurs), Ruud Weber est également important au sein du combo. Il a milité chez Albatross, un trio guidé par chanteur/guitariste irlandais Barry McCabe avant de rejoindre White, un des meilleurs gratteurs insulaires, au sein du Snowy White's Blues Project. Ruud est d’ailleurs toujours impliqué au sein de ces S.W.B. L’organiste Govert Van der Kolm (NDT : il a côtoyé l’Anglais Matt Schofield) et le drummer Fokke de Jong complètent le line up.
Ruud Weber est un fameux personnage. C’est lui qui forge la spécificité du groupe. Il accompagne Snowy White, on le remarque dès la première piste, "Bluesified", un blues très raffiné, mélodique et enchanteur. La voix est excellente. Les sonorités dispensées par la guitare de Java rappellent Snowy White, qui à son tour, a beaucoup puisé son inspiration chez Peter Green. Erwin Java est un superbe gratteur. Il dispense ses notes tout en retenue. Plus classique, "Evil thing" est un blues imprimé sur un rythme soutenu. Govert double au piano et à l'orgue. Introduit par la batterie et les percus, "Help me find the way" met en exergue le solide travail de Fokke. Les musiciens chantent en chœur, avant de laisser la guitare de Java se libérer. Ses interventions sont instinctives et reflètent un sens mélodique soigné. Elles poursuivent ensuite une lutte fratricide avec l'orgue. Balisé par les accords subtils du piano de Mr Van der Kolm, "Gone gone gone" est sculpté dans du boogie blues. "Mr Big shot" est un blues aux accents jazz. La section rythmique entretient un swing tempéré. Le chant est excellent et prélude un changement de tempo. Le jeu d’Erwin est entrecoupé de silences révélateurs. Plus surprenant, "Learn to cry" est une compo revivaliste, réminiscente du Pink Floyd. A cause des interventions d’orgue. Mais surtout de guitare, dignes de David Gilmour. Et "Wrong side of life" épouse un profil semblable. "Better leave while you can" célèbre un retour à un blues plus tonique. Première reprise, "Broke and lonely" est issu de la plume de Johnny Otis et Johnny Guitar Watson. Govert s'éclate à l'orgue Hammond sur cette compo syncopée, qui lorgne vers Little Feat. Le regretté chanteur de soul Howard Tate avait interprété "She's a burglar". L’adaptation de ce shuffle est menée à la manière de Stevie Ray. Et le résultat est impeccable. Blues lent, "Let's go get stoned" est une chanson signée Ashford et Simpson. Les Coasters et Ray Charles en avaient créé leur propre version. Avec succès. La voix du chanteur est très expressive. Les solistes se réservent des billets de sortie particulièrement remarquables. "Number one" adopte un profil plus rock. Et en finale, "Can't go home" est caractérisé par une sensibilité mélodique souveraine…
Ex-River City Blues Band, Chris Thayer, alias Big Papa, est chanteur, guitariste et compositeur, mais aussi ingénieur du son, mixeur et producteur. Il est épaulé par le TCB, dont le line up de base réunit le bassiste Steve Brown, le drummer Ray Wilson et le pianiste John Mila de la Roca. L’équipe est ici renforcée par deux cuivres, soit le saxophoniste Maurice Oliva et le trompettiste Marques Crew. Le TCB s'est formé en 2006. Les musicos vivent à Mentone (Redlands), dans la grande banlieue de Los Angeles. Leur premier elpee s’intitulait "Nice 'n' greasy". Dans la foulée, il a gravé "12 Gauge insurance plan", "Live from the Rhythm Lounge" et "Dance with the devil". Le TCB pratique essentiellement du jump blues, un style teinté de swing circa années 40 ; c’est dire si le rôle accordé aux cuivres est important. C’est d’ailleurs le constat qui s’impose, après avoir écouté cet elpee
"Papa's in da house". Big Papa est placé directement sur orbite. Il marche sur les traces de Louis Jordan, Wynonie Harris ou Amos Milburn. A cause de son jeu bien alerte sur les cordes. "A thin line between love and hate" poursuit dans le style. La voix de Papa Chris est pleine de verve. Le piano de John assure parfaitement les arrières. Le saxophone de Maurice et la trompette de Marques (M&Ms) prennent, chacun leur tour, un billet de sortie. "Big bad blues" nous invite à New Orleans. L’ambiance est festive. Le trombone de Tom Cook renforce les deux cuivres. Mr Oliva fait hurler son sax, avant qu’il ne soit à nouveau relayé par la trompette. Cool, captivante, "200lbs of trouble" est une plage inspirée par le jazz traditionnel, au cours de laquelle la guitare tire son épingle du jeu. Deux jump blues qui déménagent : le titre maître et le vivifiant "A lil bit o' smothin". "Baby's got a new friend" prend la direction de la Nouvelle Orléans, mais en plus blues. La voix de Big Papa est excellente, alors que Maurice Oliva brille sur son honky sax ténor. Une seule reprise, mais elle est superbe : "Murder in the first degree", un blues lent signé par le célèbre harmoniciste californien, Rod Piazza, au cours duquel Oliva est à nouveau éblouissant. Blues classique, mais d’excellente facture, "Wait till yo daddy getz home" nous renvoie à Chicago. Le climat est décontracté. Vu son jeu de cordes très fluide, Big Papa semble prendre son pied. Caractérisé par ses échanges vocaux, "Crazy about the girl" est un bon swing jump. Le tempo s’accélère pour "Showtime". L’attaque des cordes est digne des meilleurs ambassadeurs du style west coast. La piste est marquée par une dernière sortie des cuivres. Le dernier morceau baigne au sein d’une atmosphère plus intimiste. Un blues dépouillé, très pur, limité à la voix et au piano de Milo de la Roca, avant que la trompette ne décide de s’immiscer au sein du décor sonore…
Alors que vous êtes perdu dans un labyrinthe, quelqu’un vous regarde et semble proposer son aide.
Ce dédale ressemble à un parcours flirtant avec un passé aux relents parfumés de psyché, mais habilement teinté d’influences intemporelles diverses et pas forcément évidentes. Un coin de ciel africain qui s’entrouvre ici (« Amaye ») ou encore un spleen Jazzy transmis trop brièvement là bas (« The Letter »), avant de s’étendre paresseusement plus loin (« The Letter (Reprise) ».
Si la Grèce n’est pas le pays qui vient immédiatement à l’esprit quand on pense aux descendants de Syd Barrett ou de Can, Baby Guru s’en contrefiche et prend un malin plaisir à se jouer des codes, ainsi que des modes.
Le contenu de ce « Pieces » en laissera plus d’un sur le carreau, tant le trio s’amuse à brouiller les pistes, tentant de nous semer sans oublier de nous charmer.
Quand la filiation devient trop évidente, alors, Baby Guru jette son rejeton en pâture au Minotaure, et s’en va en courant.
« Children » ou « For Trish » réveillent le fantôme des Doors ? Alors, « Last Summer » lorgnera en oblique sur le versant Ouest de l’Amérique.
L’album lorgne continuellement vers le courant Kraut tout en gardant une certaine distance qui confère une certaine richesse à ces treize compositions.
La production, assurée par le groupe lui-même, définit quant à elle l’espace dans lequel les chansons prennent un réel essor.
Et au final, le périple s’achève dans un trip halluciné (« Bog ») où l’on retrouve cette Ariane guidant nos pas vers la sortie.
Echappé du collectif A$AP Mob, Rakim Mayers, alias A$AP Rocky, rentre dans le rang des incontournables de la nouvelle scène Hip Hop US. Repéré en 2011 par la planète blog, grâce à « Live.Love.A$AP », une mixtape puissante recelant ses tubes « Purple Swag » et « Peso », le rappeur fait, depuis, le bonheur des hipsters de tous bords. En 2012, la BBC nomine Rocky dans son prestigieux « Sound Of (2012) », la fameuse liste ‘qui-te-dis-quels-sont-les-artistes-que-tu-vas-très-certainement-écouter-à-longueur-de-journée-l’année-suivante’. Depuis, le rappeur continue sa petite ascension pépère.
En 2013, A$AP Rocky prend la relève de Kendrick Lamar, qui a marqué 2012 de son sur-acclamé « Good kid, m.A.A.d city ». Sans grande surprise, le New-yorkais balance un « Long.Live.A$AP » plus que solide, entre Hip Hop old school (« Pain », « 1 Train », « PMW (All I Really Need) », “LVL”…) et bien ancré dans l’air du temps (« Fuckin’ Problems », « Wild For The Night », « Goldie »…) Le rappeur s’est (évidemment) extrêmement bien entouré, rassemblant la crème de la crème du Hip Hop actuel (Drake, Kendrick Lamar, Schoolboy Q, Action Bronson, 2 Chainz, Joey Bada$$, etc.), mais également d’artistes bankables à mort, militant dans d’autres styles (Santigold, Skrillex, Florence Welsh).
Le flow limpide et les sonorités parfaitement étudiées de « Long.Live.A$AP » génèrent un disque à la hauteur des attentes, malgré de petits défauts, sans conséquence. Comme un « Wild For The Night », plaisir coupable, mais qui dressera les poils des allergiques aux sons pompiers ou un « Fashion Killa » assez fadasse. Avec ses manips signées Hit-Boy, Clams Casino, Birdy Nam Nam, Skrillex ou Danger Mouse, « Long.Live.A$AP » ne pouvait que viser large, et dans le mille. Une belle réussite pour un gars qui ambitionne de changer la face du Hip Hop. Entouré de cette nouvelle génération, il est bien parti pour y arriver.
Il y a trois ans, le label Africantape se signalait par la signature d’une véritable révélation : Ventura. Un groupe suisse responsable d’un premier album, considéré par votre serviteur, comme une véritable petite merveille. Son titre ? « We recruit ». Leur rock abrasif nous avait mis un bon coup dans la tronche. Pourtant, si ce trio jouit d’un certain crédit chez lui et en France, il n’est guère notoire en Belgique. Et c’est bien dommage !
En publiant « Ultima Necat », Ventura savait que la barre était déjà haut-placée. Son principal défi était donc de faire aussi bien que sur le précédent opus. Pas facile, il faut le reconnaître. Dès le premier morceau, on retrouve leur style si caractéristique. Soit du rock/grunge/noise (au choix) helvétique. Du lourd, quand même. Et la présence de Serge Morattel (Knut, Tantrum, …), responsable de la mise en forme, n’y est certainement pas étrangère. Le tempo est indolent. Les grattes constamment saturées. Mais l’aspect mélodique est préservé.
Les compos sont cependant attaquées de manière plus oblique. Un peu comme dans la prog. L’énergie ‘punk’ a été sacrifiée sur l’autel du concept ‘atmosphérique’, mais dans un contexte plus écrasant. La voix notamment est davantage mise en retrait.
Ce que Ventura a perdu en intensité, il l’a gagné en puissance. Et cette évolution n’est pas faite pour me déplaire. La qualité est toujours bien présente, et c’est le principal. Non seulement Ventura confirme qu’il est bien un des fers de lance du label Africantape, mais également un représentant incontournable sur la scène rock helvétique.
Très étonnant que la salle du Grand Mix ne soit qu’à moitié remplie pour accueillir la nouvelle sensation de la scène électro-pop française. En l’occurrence, La Femme. Enfin, la raison procède peut-être du rôle qui lui est dévolu ce mercredi soir : le supporting act. En vedette, pour ce spectacle, se produira le collectif extravagant Bonaparte, réputé pour ses prestations scéniques. Malgré ce peut d’engouement, l’auditoire va passer une excellente soirée, en compagnie de ces deux formations…
Dès 20h30, La Femme débarque sur les planches. Emmené par Sacha Got et Marlon Magnée, le combo est entouré d’une belle panoplie de claviers. Un matos qui lui permet de nous balancer de jolies vignettes pop, particulièrement marquées par les eighties. Tout en affichant une attitude décalée et résolument kitsch, le band issu de Biarritz parvient à mêler des influences a priori contre nature. Un peu comme si on avait organisé une rencontre hypothétique entre Taxi Girl, The Drums et… Sttellla ! Quoique superficiels et très accessibles, les hits –dont le fameux et radiophonique « Sur la Planche »– sont chics et frais mais ne devraient pas passer l’été. La Femme est légèrement surfaite. Et le buzz qui va avec aussi. Mais le concert s’est toutefois avéré plaisant…
Vers 22h, les doux allumés de Bonaparte déboulent à leur tour sur l’estrade. Ils portent, comme d’hab, des déguisements aussi loufoques que trash. Basé à Berlin, ce collectif réunit des musicos issus des quatre coins de la planète (Suisse, Etats-Unis, Nouvelle-Zélande, etc.) Drivé par Tobias Jundt, une véritable pile électrique, qui a teint ses cheveux en rose, le band ne permettra jamais au public de reprendre son souffle. Alignant les saillies punks (« Anti Anti »), s’autorisant d’incroyables chorégraphies (NDR : enfin ses divas) qui ne reculent devant rien –même pas une séance de gym collective– dans le but ultime d’exciter un auditoire qui ne demande que ça… Ajoutez-y des danseuses couvertes de sang, une femme chef d’orchestre à tête de cheval, un ‘cannonman’ mélomane mais adepte du pogo, des combinaisons en latex ainsi qu’une femme-ordinateur… Pas toujours facile, d’ailleurs de se concentrer sur la musique, vu le spectacle. La setlist pioche principalement dans le répertoire du premier album, « Too Much ». Le titre-phare va d’ailleurs clôturer le set ; enfin, pas tout à fait, puisqu’on aura encore droit à un rappel particulièrement déjanté. Et le mot est faible ! En 1h30, Bonaparte a démontré qu’il était un des meilleurs groupes ‘live’ au monde. Suivant l’adage, les absents ont eu tort…
(Organisation : A gauche de La Lune + Le Grand Mix)
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