Jouissant d’une jolie notoriété qui s’est forgée au fil du temps grâce à un travail d’orfèvre mis au service de trois albums étalés sur douze ans de carrière, Pacific UV poursuit dans la voie lactée qu’il a empruntée à ses débuts.
Dans un style éthéré cher à Slowdive, qui rappelle par brèves séquences subliminales le travail de Jason Pierce dans son approche symphonique, le son de ce groupe d’Athens (NDR : c’est en Géorgie) puise ses sources dans une myriade d’influences allant du slowcore à l’électro synthétique des années 80.
Cet album se découvrant de ses influences au fil des écoutes pour mettre en valeur les mélodies et subtilités qu’il dispense lentement, comme on s’offre pudiquement à l’autre, avec émoi et sans timidité.
Douze titres mis sur orbite autour d’un thème (la fin d’une liaison amoureuse) qui se diluent dans le temps, le temps d’un week-end, un week-end aux allures éternelles.
Alors que les fans européens attendent avec anxiété d’hypothétiques nouvelles dates de tournée d’At The Drive-In, Omar Rodriguez-Lopez et Cedric Bixler-Zavala restent concentrés sur leur projet actuel. Preuve en est, « Noctourniquet », sixième galette du duo et de leurs trois acolytes, qui débarque en parallèle de la tournée de leur formation originelle. The Mars Volta retrouve ici la relative accessibilité de ses premiers travaux, comme peut en témoigner « The Malkin Jewel », premier single à en être extrait. Les deux figures de proue de la formation, constamment en recherche de la formule la plus efficace ont restructuré cette dernière.
Exit John Frusciante, Isaiah Owens et Thomas Pridgen, remplacés par trois nouvelles têtes. Pas de délires sonores à la Rodriguez-Lopez non plus. Rien que des titres purement rock’n’roll, mêlés moins qu’à l’accoutumée à leurs variantes prog. Certains morceaux sont radicalement différents de ce à quoi The Mars Volta nous avait habitués sur les trois derniers LPs, tant au point structurel que mélodique (« The Whip Hand », « In Absentia », « The Malkin Jewel »). « Noctourniquet » souffre quelque peu de ce changement de cap (l’affreux morceau introductif « The Whip Hand » ou la ballade inutile « Trinkets Pale Of Moon »). Mais lorsque les morceaux sont bons, la formation d’El Paso ne fait pas les choses à moitié et balance de belles gifles (« Empty Vessels Make The Loudest Sound », « Zed and Two Naughts », « Aegis »). Un disque mitigé donc, mais qui mérite que l’on s’y attarde (un peu).
The Mars Volta sera le 26 juin sur la scène de l’AB et cinq jours plus tard sous la Greenroom du Main Square Festival à Arras.
Le quatrième album de Guillaume Ledent est présenté sous la forme d’un livre cd absolument superbe. C’et Mathieu Vandermolen qui s’est chargé des illustrations et du graphisme de la pochette. A l’intérieur, on y retrouve toutes les chansons écrites par Guillaume, mais également des poèmes de Jacques Mercier (NDR : oui, oui, celui qui a notamment présenté, à la RTBF, l’émission ‘Forts en tête’, mais aussi le ‘Jeu des dictionnaires’), qui porte un regard de papy sur chaque compo issue de la plume du Tournaisien.
Sur une musique pop, parfois carrément rock, Guillaume est retourné en enfance. La sienne. Mais aussi et sans doute celle de ses propres enfants. En posant des questions sur notre société et la famille, mais en les replaçant dans le contexte de cette enfance. « Quand je serai grand », je serai un enfant. Est-on suffisamment à leur écoute (« Ecoute-moi », sur un air de rumba) ? Comment chasser les angoisses (« Super Victor », « Doudou ») ? La contestation (le plus punchy « Ma crise », imprimé sur un mid tempo, et « Je ne danserai pas ») ; mais également l’alimentation (« Deux fois par mois »), le regret (« La petite sœur »), la tendresse (en abordant la maladie d’Alzheimer, dans « Bonne-maman ») et l’imagination au pouvoir (« Le petit génie). Le tout saupoudré d’impertinence et de tendresse, à l’instar du titre de cet album, « Dérange ta chambre ».
En concert dans le cadre de la Fête de la Musique
Ce 23/06/2012 – Grand Place à Chimay
Kwes est un compositeur âgé de 24 ans, qu’on a déjà pu remarquer aux côté de groupes anglais comme The XX, Micachu et The Invisible, par exemple. C’est, de fait, un musicien des plus talentueux et prometteurs de la ‘jeune génération’, dans le domaine de l’électro-pop. Mais la caractéristique principale du personnage est surtout d’être un éternel ‘touche-à-tout’ ; en effet, l’artiste londonien joue aussi bien de la guitare que de la basse, de la batterie, du synthé ou encore même de l’accordéon.
Après avoir donc travaillé ‘sous couverture’ depuis 2005, le musicien anglo-saxon décide aujourd’hui de tenter une aventure en solitaire et nous propose « Meantime », un Ep 4 titres dans lequel –le contraire aurait été étonnant– il a donc géré personnellement son disque, jusque qu’au moindre détail. Par conséquent, il pousse désormais également la chansonnette, ce qu’il n’avait que peu osé jusque là.
Et honnêtement, on ne peut que constater que notre compère a du talent. Passé le premier morceau « klee », sorte d’intro, « Bashful » met bien en exergue la voix douce et suave de Kwes. Et sincèrement, sa tonalité légère s'harmonise parfaitement aux mélodies spécialement crées pour l’occasion.
De même, surprise agréable et assez rare sur les Eps de jeunes artistes, on notera que sur les 4 morceaux de la galette, aucun ne se ressemble véritablement. Chaque plage affiche différentes palettes de l’univers sonore exploré par l’Anglo-saxon ; et elles sont si agréables qu’on est étonné lorsque la note finale retentit.
Alors évidemment, l’elpee reste perfectible, en ce sens que le dernier morceau, « Lgoyh », est un poil longuet et aurait pu être raccourci d’une ou deux minutes. Et on sent également Kwes un peu sur la défensive et pas encore assez sûr de lui pour se ‘lâcher’ véritablement dans son style et sur ses morceaux. Mais la galette s’écoute et se réécoute avec plaisir, et ça, c’est déjà plus que bon signe…
On n'attend donc désormais plus qu’un CD complet pour que Kwes confirme tout le bien qu’on pense déjà de lui !
Le label français Dixiefrog, nous propose de découvrir, sur une même scène, quelques-unes de ses meilleures montures. Trois lettres de feu réunissant les initiales du nom des artistes : BTC. Neal Black est chanteur et guitariste. Originaire de San Antonio, ce Texan vit en France. Nico Wayne Toussaint est un brillant chanteur/harmoniciste. Et enfin, Fred Chapellier, un des meilleurs gratteurs du blues français.
Ils se produisent sur les planches de l’Orange Bleue, à Vitry-le-François, en juin 2011. Le trio est soutenu par quelques excellents musiciens : la pianiste Mike Lattrell, (un New-yorkais qui a beaucoup joué en compagnie de Popa Chubby, Arthur Neilson et Big Ed Sullivan), le bassiste Christophe Garreau et le drummer Vincent Daune.
Notre trio ouvre les hostilités par un texas blues signé par le regretté Johnny Copeland : “Daily bread”. Une bonne entrée en matière. Toussaint embraie par son “Ain’t no need”, une compo subtilement teintée de funk. La température du set commence à monter. Baignant au sein d’un climat boogie, “Handful of rain” maintient la pression. “I’ll fly away” est une ballade bien adaptée à la voix rocailleuse et douloureuse de Black, un homme qui a du vécu. Et difficile de rester insensible à l’intensité communiquée par l’orgue Hammond de Lattrell et l’harmonica. Chapellier chante “Le blues”, dans la langue de Molière. Autoritaire, sa voix est même susceptible de rappeler… un certain Johnny Halliday! Parmi les meilleurs moments de l’elpee, on épinglera encore “I was wrong”, une plage imprimée sur un mid tempo dont la ligne mélodique est assurée par Nico. “Smart money” également. L’instrumental explosif “Boogie-ing at l’Orange bleue” ensuite. Et la plage finale “Turning point”, au cours de laquelle on a l’impression que Toussaint ne veut plus s’arrêter. Ce concert live a été immortalisé sur le premier cd.
Sur le second, offert en bonus, les 6 plages ont été concoctées en studio. D’élégantes interventions à l’harmonica amorcent “Blues follow you home”, avant que la voix ravagée de Black et les grappes de notes concédées par l’extraverti Chapellier ne fassent leur apparition. Légèrement funkysante, “Can’t sleep at night” est une superbe plage enrichie par une divine partie de musique à bouche. Le même Toussaint brille de mille feux sur “Saint on the highway”. Le rythme et l’attaque de la compo me rappellent le J Geils Band de Magic Dick. Les deux guitares duales en sont également un très beau témoignage. Black chante “Sunrise in prison” une ballade qui ne respire pas la joie de vivre. “Memphis connection Part1” clôt l’opus, un instrumental enlevé et chargé de swing!
En toute logique, « B » marque le début de la seconde phase de la carrière de Beat Assailant. Et pour cause, le MC natif d’Atlanta exilé en France a décidé de complètement revisiter son répertoire sur ce nouvel opus. Alors que son hip-hop était jusqu’ici principalement influencé par le jazz, Adam Turner a décidé de lorgner ver le ‘dirty south’, c’est-à-dire un style pratiqué dans sa région d’origine, rendu célèbre par d’aimables artilleurs tels que Lil’ Jon, Ludacris ou Outkast. En se servant d’un flow efficace, l’Américain quitte les ambiances enfumées et la compagnie de musiciens pour revenir au plus près de beats old-school concoctés par Farhot, HKCorp Musik ou Lyrikal. A côté des hits ensoleillés –parfois un peu faciles– comme « B » ou le funky « Rain or Shine », le Géorgien balance des pures tueries sudistes telles que « Birds of Prey » ou « Hands Up ». Si en partant dans tous les sens, « B » risque de perdre en cohérence, il constitue une véritable bouffée d’air frais, dans l’univers du hip hop. A noter encore, la participation d’Oxmo Puccino sur le très cool « Justified »…
Elizabeth ‘Lizzy’ McChesney, plus connue sous le nom de Lissy Trullie, a vu le jour à Washington D.C. A l’âge de 16, elle décide de migrer à New-York afin de se lancer dans une carrière artistique. Elle suit alors diverses formations, dont une en histoire de l’art, mais c’est finalement vers la musique que Lissy Trullie se tourne. Elle sort son premier Ep intitulé « Self-taught learner », en 2009. Flanquée de son band, elle part en tournée. Elle est alors rapidement repérée par le label européen Matador qui décide de la signer. Une signature qui va lui permettre d’établir sa notoriété en Europe. En à peine trois ans, la jeune femme (qui a également été modèle pour le magazine Elle) a rencontré du beau monde puisque son premier opus éponyme a été enregistré par John Hill (Santigold, M.I.A, …) et par David Sitek (TV On The Radio), qui se charge également d’une bonne partie de l’instrumentation. Ce dernier a également ramené Jaleel Benton, le batteur de TV on the Radio, pour participer aux sessions.
Contrairement à bon nombre de ces concitoyennes, Lissy Trullie n’a pas choisi la voie de la folk/country américaine. Non, manifestement, la demoiselle préfère les décibels et l’électricité. Même si l’atmosphère du disque est plus cool et personnelle, à première écoute, on pense à TV on the Radio. A cause de cette touche psychédélique si caractéristique perçue chez les New-yorkais. Instrumentalement, c’est parfait. Cuivres et synthés font bon ménage. Les mélodies sont efficaces, sans jamais tomber dans la facilité. Et enfin, la voix de l’Américaine est tour à tour agressive ou tendre.
Une belle confirmation pour Lissy Trullie, dont le premier opus est particulièrement réussi. A confirmer cependant sur les planches. Tellement de collaborateurs ont participé à la confection de cet opus, qu’on se demande comment l’Américaine va se débrouiller, pour transposer ses compos en ‘live’…
Il fallait oser : mélanger de la poésie française à de la musique électronique et présenter ce projet tant dans les festivals de musique électro que les évènements littéraires. C'est d'ailleurs dans le cadre du ‘Marathon Des Mots’, le très éclectique festival international des littératures, qui se déroulait, entre autres, au Centre Culturel des Riches-Claires à Bruxelles, que nous avons rencontré Modern Cubism. Formé il y a 4 ans par Jean-Luc Demeyer, chanteur de Front 242, et Jean-Marc Mélot, claviériste et compositeur, le duo belge y accordait un concert afin de présenter son nouvel album, ‘Tout Le Firmament Autour’.
Après avoir publié un premier opus, intitulé ‘Les Plaintes d'Un Icare’, consacré aux poésies de Baudelaire, la formation met en musique une sélection de textes du poète belge Norge. Mais pourquoi avoir choisi Norge? Jean-Luc Demeyer précise: "En fonction de ce que j'avais déjà senti dans l'évolution des musiques de Jean-Marc, je me suis dit : ça prend de la hauteur, les sons sont moins organiques, moins grouillants, l'horizon s'éclaircit, les lourds nuages noirs s'écartent et laissent la place à un ciel très bleu. Ce qui correspond bien à Norge". Jean-Marc Mélot confirme: "Effectivement, elles étaient beaucoup plus positives et les premiers textes que Jean-Luc m'a envoyés, notamment 'En Forêt', convenaient parfaitement à ce nouveau type de musique, plus planante."
On trouve une véritable continuité entre les deux albums dans les thèmes abordés: l'amour, les femmes, la mort, le sexe, la condition humaine, ... Mais aussi ce côté grinçant, cynique, obscur qui semble être la marque de fabrique des interprétations de Jean-Luc Demeyer. "Les thèmes cités sont récurrents chez tous les poètes", souligne-t-il. "Norge aimait aussi beaucoup les animaux et les légumes, par exemple, mais cela correspondait nettement moins bien à la musique." Tout au long des 14 titres de l’œuvre, on découvre donc une poésie à la fois concrète et métaphysique, sensuelle et cruelle, alliant vérité et incrédulité, fringales terrestres et soif d'infini.
Les deux artistes ne sont bien sûr pas les premiers à mettre Baudelaire et Norge en chanson. Avant eux, Jeanne Moreau, Juliette ou encore Florent Pagny ont tenté cet exercice périlleux, une démarche que Jean-Luc Demeyer estime cependant salutaire. "Je ne me retrouve pas dans la plupart des interprétations de Baudelaire ou de Norge parce que j’estime qu'elles sont beaucoup trop légères par rapport à ce que ces auteurs avaient voulu traduire dans leurs écrits ; mais je préfèrerai toujours des gens qui essaient de faire vivre cette poésie plutôt que ceux qui ne font rien. Aujourd'hui, la poésie est diffusée par un nombre grandissant d'artistes qui montent sur scène pour déclamer des textes ou accomplir des performances. Dans un monde où tout devient mercantile et où rien n'est gratuit, la poésie reste un regard neuf et élevé porté sur le monde, qui propose un partage inconditionnel avec le public. C'est une optique qui s'impose naturellement car elle manque terriblement dans la vie de tous les jours."
Dans Modern Cubism, on rencontre des références importantes de la musique électronique, telles que Jean-Michel Jarre, Klaus Schulze ou encore Isao Tomita. Jean-Marc Mélot: "Ces musiciens sont importants pour moi car ils ont combiné électronique et classique pour élaborer des structures différentes par rapport au canevas pop habituel intro-couplets-refrains. C'est une musique qui permet d'explorer de nouveaux territoires, d'ouvrir des portes. C’est ce que nous essayons de réaliser à travers nos albums. Ici, la direction est en effet plus légère, plus éthérée." Notons cependant la présence, ici également, de touches new-wave, synth-pop voire carrément EBM. Le groupe a d'ailleurs réalisé trois remix, qui sont tout naturellement plus 'dance'. "Notre disque propose en fait un bon mix entre des titres lents, low tempo qui évoluent plus progressivement, comme ‘Couronnes / Le Trône’, et à côté de cela, des morceaux plus drum 'n bass, que l'on peut rattacher à l'EBM 'old school'."
La très belle pochette de ‘Tout Le Firmament Autour’ a été réalisée par Natalie Saccu de Franchi, une artiste française polyvalente qui excelle en tant qu'architecte, graphiste, réalisatrice et écrivaine. C'est d'ailleurs elle qui réalisera les prochaines vidéos du duo, mais ce n'est pas une priorité. "Nous avons un profil très bas, ce que nous faisons est assez dépouillé, la musique et les mots se suffisent à eux-mêmes."
Cette approche est confirmée au cours du concert donné aux Riches-Claires. La formule scénique est en effet très 'minimaliste'. Elle se limite au chanteur et son micro ainsi qu’au musicien et ses claviers. Pas de projections, pas d'artifices scéniques, en dehors de la très belle décoration lumineuse mise en place par Olivier Cassart. Modern Cubism joue au total neuf morceaux tirés du nouvel album ainsi que quelques reprises de ‘Plaintes D'Un Icare’. Demeyer alterne déclamation et chant avec une grande expressivité. Habité par les textes, il accompagne les temps forts par des mimiques et des gestes évocateurs. La plupart des titres ont été retravaillés pour le ‘live’. "Vu que notre musique est assez complexe, nous la simplifions un peu pour la scène mais en préservant bien sûr leurs aspects mélodiques et leur puissance." En parlant de puissance, certains spectateurs ont visiblement été surpris par le niveau sonore de la musique, surtout pendant les morceaux plus électro. Mais ce choix appartient au décloisonnement entre les cultures, que prône Modern Cubism. Il demande, en effet, un effort aux amoureux de la poésie pour s'immerger dans la musique électro, de même qu'une ouverture d’esprit est nécessaire aux fans d'électro pour s'intéresser à la prosodie de Norge....
Ce qui pouvait donc apparaitre au départ comme une ‘erreur de casting’, un ‘clash schizophrénique entre deux cultures’, se révèle au final un mariage unique et fructueux entre un chant poétique, brûlant, parfois violent, et une musique froide et mécanique, le tout présentant une très intéressante mise en abyme, un paradoxe criant de la modernité, où l'homme se débat face à un monde de plus en plus déshumanisé....
Pour leur prochain opus, le duo explore actuellement plusieurs pistes musicales et envisage de reprendre un auteur anglo-saxon, à moins que ce ne soit un autre classique français comme Verlaine ou Rimbaud? Wait and see!
Regardez l'interview complète de Modern Cubism ici . Deux vidéos du concert sont également disponibles: ‘L'importun’ (http://www.youtube.com/watch?v=2N9b-4Jb5wA) et ‘Mes Statues’ (http://www.youtube.com/watch?v=A_HBXKzug34)
L'album ‘Tout Le Firmament Autour’ sort le 22 juin via le label allemand Emmo.biz et sous la forme d'un CD (édition limitée de 888 exemplaires) et d'un box-set (111 exemplaires). Pour commander: www.emmo.biz
Tracklist:
01. En Forêt
02. Mes Statues
03. D'enfance
04. Le Petit Non
05. Couronnes / Le Trône
06. La Corde
07. Râpes
08. La Fille de Fabrique
09. Les Quatre Vérités
10. Ennemis
11. En Prison
12. Marche des Paysans
13. La Grande Brosse
14. Force de Frappe / La Foule / De Vivre
Remerciements à Jean-Luc Demeyer et Jean-Marc Mélot (Modern Cubism), Marianne Cosserat et Séverine Provost (Marathon des Mots), Garjan Atwood (Photos du concert).
South of No North est un quintet musical constitué de ‘vieux briscards’ de la techno belge, puisque tous les membres du groupe sont d’anciens DJs qui ont récolté un certain succès sur la scène électro nationale et internationale, durant les années 90 et 2000.
« Octopussies Liquor Store » constitue le second album du groupe mené tambour battant par Cédric Stevens. De l’aveu même de son créateur, sa musique évolue au sein d’un style mêlant psychédélisme, free jazz et world music. Avant-gardiste aussi. Son nouveau né est double piste.
« Serotonin Sea » en est la première. Après une introduction calme et douce, on attend vainement que la mélodie démarre, qu’un rythme s’installe et… ça ne vient pas ! Le tempo est comme absent, parti ailleurs, et on se retrouve sur un morceau sans âme ni structure, voire parfois totalement cacophonique. L’attente est longue. Et encore. 36 minutes plus tard, le morceau s’achève enfin… pour un résultat presqu’aussi perturbant qu’au départ : dans l’ensemble, c’est un véritable capharnaüm sonore !
Vient ensuite le second, et déjà dernier, morceau de l’album : « Midget’s Midnight Bath ». Et ici également, même remarque : il manque totalement de structure. Et atteint même d’ailleurs le seuil de l’inaudible, lorsque les instruments s’emmêlent les pinceaux… Je vous laisse juger du plaisir suscité par l’écoute de ce morceau procure, sachant qu’il dure, quant à lui, 25 minutes.
Cette ‘musique d’ambiance’ n’est pas vraiment ce qui me botte particulièrement. Soit ! Mais ce qui dérange le plus n’est pas tant la mauvaise qualité de l’ensemble mais plutôt cette absence quasi-totale de fil conducteur. Tout part à vau-l’eau, dans un désordre parfois total.
Après avoir consulté une nouvelle fois la pochette, je note alors l’inscription, dissimulée sur le dos du cd : « Both Tracks were improvised by the band » (= les deux pistes furent improvisées par le groupe). Ceci explique donc sans doute cela… Définitivement pas un album pour votre serviteur. Et sincèrement, je me demande bien pour qui, d’ailleurs.
Plus de 40 ans que Carlos Santana se produit aux quatre coins des Continents. Indubitablement, c’est un guitariste légendaire de la ‘rock generation’. Santana, c’est également le groupe qu’il a fondé. Une formation devenue extrêmement populaire le lendemain de sa prestation accordée au festival de Woodstock, en 1969 ; une prestation immortalisée par le film qui a été consacré à cet événement. Carlos n’est pas très doué au chant. D’ailleurs au cours de sa carrière, il a sollicité le concours d’une belle panoplie de vocalistes, issus d’univers différents.
Ce nouvel opus marque son retour à une formule presqu’exclusivement instrumentale, privilégiant son jeu sur les cordes! Cet elpee, il l’a publié sur son propre label, Starfaith. Une première ! Une œuvre certainement moins percutante que “Guitar heaven : the Greatest guitar classics of all time”, son précédent cd paru en 2010 ! Chez Santana, l’expression sonore est souvent née de la mise en exergue du jeu pyrotechnique de son leader conjugué aux percussions bien mises à l’avant. Sans oublier la présence de claviers vintage. Un univers propice à des références latines alimentant un rock largement teinté de jazz, qui ne néglige pas pour autant le sens mélodique. Et c’est bien ce que nous retrouvons sur ce disque.
L’elpee s’ouvre sous les meilleurs auspices par le titre éponyme, théâtre d’échanges entre les cordes et l’orgue Hammond de Chester Thompson. Une ouverture majestueuse et chargée de promesses. “Dom” s’ébroue sur quelques accords de claviers synthétiques, à l’instar d’une bande sonore cinématographique. Les percus trament le rythme de “Nomad”, une compo sur laquelle les cordes de Carlos vagabondent au cœur du désert, suivant des chemins qu’il avait déjà emprunté sur l’excellent opus “Caravanserai”. “Metatron” trace une ligne musicale contagieuse, une piste au cours de laquelle, Carlos aligne des notes dignes du Santana au sommet de son art. La quintessence de l’œuvre est alors derrière nous. L’artiste affiche cependant toujours une classe incontestable, sur les titres suivants, mais il y manque la flamme. A l’instar de “Macumba in Budapest”, caractérisé par son esthétisme latino ou de “Mr Szabo”, une plage festive alimentée par cordes acoustiques et percussions. Une seule plage chantée : “Eres La Luz”. Un morceau classique dont climat allègre et latin est entretenu par les inévitables percussions. Enfin, interventions de guitare, de piano et d’orgue rivalisent de technique sur “Canela”. D’honnête facture, cet album n’est pas “Supernatural”. Et ce dernier remonte quand même à 1999.
Cet elpee est paru fin de l’année dernière. Mais on ne peut pas dire que ce laps de temps a permis au Californien de dépasser les frontières américaines. Vous connaissiez Moncrief Raleigh ? En cherchant sur la toile, on se rend cependant compte que l’artiste est loin d’être un illustre inconnu. Et pour cause, il a bossé en compagnie de Marnie Stern, Dirty Projectors ou encore du batteur Zach Hill.
La musique de Moncrief Raleigh évolue dans un univers proche de Prefused 73 voire de Bibio. Pas étonnant, puisqu’il a été signé sur le label indépendant Anticon (Why ?, Alias, Dosh, …) Les ambiances psyché qui baignent les premiers morceaux rappellent clairement Panda Bear voire parfois Animal Collective. Raleigh pousse même quelquefois la chansonnette et nous réserve ainsi des mélodies fort sympathiques, à la limite contagieuses. A l’instar de « I Just Saw» et « In the Grass ». La suite de l’album s’enfonce plus profondément au sein des méandres de l’electronica, explorées à coups de rythmes dubstep. Cette deuxième partie exige d’ailleurs une écoute plus attentive. Il faut même avouer que l’on peut facilement s’y perdre et lâcher prise.
Le premier album solo de Moncrief Raleigh n’est pas facile d’accès. Sa musique est expérimentale, mais pas dénuée d’intérêt. Et explique, sans doute pourquoi, l’artiste est régulièrement invité à apporter sa collaboration…
Plus à un projet près –Mr. Bungle, Fantomas, Faith No More, Tomahawk– Mike Patton a décidé de se lancer dans la bande sonore cinématographique. Signant la B.O. du film italien ‘La Solitude des Nombres Premiers’, un long métrage réalisé par Saverio Costanzo qui s’inspire du premier roman (à très grand succès) de Paolo Giordano, un roman racontant l’histoire d’Alice et Mattia se considérant à l’instar des nombres premiers, proches mais à jamais séparés… Tout un programme ! Qui a apparemment inspiré Patton…
L’Américain a composé une chanson pour chacun des 16 premiers nombres premiers. Une musique où piano, cordes, beats discrets ainsi que chuchotements bizarres et minimalistes sont abordés dans l’esprit de Bernard Hermann... Album d’ambiance, cette bande-son est difficile à séparer du support visuel qu’elle est sensée illustrer et constitue une longue plage dont les différents morceaux sont inséparables. Le film conte une multitude de rencontres ratées et sa bande-son illustre cette situation avec brio, car si chaque morceau aurait pu devenir une chanson réussie, à chaque fois, elle avorte trop rapidement… Beau, ennuyeux, bizarre et intriguant à la fois !
Odonis Odonis vient d’enregistrer son premier elpee sur le label anglais Fat Cat (Maps & Atlases, Forest Fire, The Twilight Sad, …) Avant d’incarner un groupe, Odonis Odonis c’est avant tout le projet de Dean Tzenos. Originaire de Toronto, il reconnaît comme influences majeures The Cure, Jesus and Mary Chain ou encore les Pixies. Des influences qui transparaissent furtivement suivant les morceaux de cet « Hollandaze ».
A première écoute, la musique d’Odonis Odonis n’est pas facile d’accès. Elle peut même paraître brouillonne. A cause de son style qui oscille entre shoegaze, noisy et psyché. Et pourtant, au fil des écoutes, la brume finit par se lever. On y distingue alors plus nettement cette sensibilité subtile qui émane des riffs de guitares, des hurlements circonstanciels ou des rythmiques. Un titre comme « Blood Feast » évoque même No Age.
Sombre et extatique « Hollandaze » se révèle, au final, une excellente surprise…
Mothlite est le projet solo de Daniel O'Sullivan, un compositeur anglais qui milite chez Ulver. Ce multi-instrumentiste apporte également sa collaboration, entre autres, à Guapo, Miracle et Grumbling Fur. Signé sur Kscope, cet opus succède à "The Flax Of Reverie", publié en 2008 chez Southern Records.
"Dark Age" porte bien son titre, car il reflète une période difficile traversée par le musicien mancunien. ‘Cet album m'a permis de réaliser une catharsis pendant une phase d'hystérie et de troubles émotionnels’, précise-t-il sur le site de Kscope. On décèle, en effet, beaucoup d'obscurité au sein de cette œuvre musicale, qui rappelle les années '80 dans le côté pop progressif (Talk Talk, Tears For Fears, Howard Jones, The Fixx, Gary Numan) et les atmosphères sombres et torturées à la Cocteau Twins ou Japan. On identifie aussi quelques touches de musique industrielle (Nine Inch Nails), surtout sur "Dreamsinter Nightspore".
Dans l'ensemble, il s'agit d'un elpee assez expérimental, une ‘jungle esthétique’ parfois trop foisonnante, mais qui se révèle pleine de richesse après quelques écoutes. C'est de la pop intelligente et éclatante, depuis les grondements de "The Blood" jusqu'aux méandres épiques de "The Underneath" en passant par le grandiose "Something In The Sky". Big Pink et Ulver ne sont jamais loin, même si les mélodies sont ici moins accrocheuses. Caractérisée par son riff électro et sa structure plus traditionnelle, la plage titulaire est la plus facile d'accès. Intéressant...
Regardez la vidéo de "Something In The Sky" http://www.youtube.com/watch?v=Kdc2xFpjedg
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