HiM, à ne pas confondre avec les finlandais de HIM, est un projet créé en 1995 par Doug Scharin, batteur de son état. Militant au sein de formations comme Codeine, June of 44 ou Mice Parade, Scharin propose « ん» (prononcez ‘hmmm’), un dixième LP (si, si !) enregistré en collaboration avec le groupe japonais Ultra Living. Pas franchement passionnant mais assez surprenant dans son concept que pour susciter l’intérêt des mélomanes les plus curieux. Ainsi, le disque débute par « Creode », un morceau pop aux accents Afrobeat interprété en… japonais. Un contraste inédit qui ne casse pas la baraque mais a le mérite de mettre de bon poil.
La suite de « ん » se révèle être du même acabit. On a même droit à quelques touches de jazz sur un « Those Who Say » de plus de huit minutes, franchement accrocheur. On épinglera également et plus particulièrement un « Clues To the Roots » délicatement vaporeux et un « It Is Food » instrumental parsemé de quelques notes de conga bien placées. Ce qui est sûr, c’est que HiM, version Scharin, et son « ん » sont les candidats rêvés pour des festivals du type Couleur Café ou Esperanzah. A écouter les pieds en éventail.
Attention, pur talent ! Liz Green a mis ses fans de la première heure à rude épreuve en disparaissant de leur radar à peine quelques mois après y être apparue. C’est en 2007 que cette timide mais rigolotte auteure-compositrice originaire de Manchester a fait ses premières preuves grâce, notamment, à quelques démos efficaces, un premier single imparable (« Bad Medecine ») et quelques prestations en festival (Glastonbury, End Of the Road, SXSW…) qui laissaient entrevoir l’énorme potentiel de la chanteuse. Celle-ci a ensuite passé les quatre années suivantes à écumer les petites salles britanniques et à peaufiner la galette exemplaire que représente « O, Devotion! ». Une première œuvre entre anti-folk, jazz et blues, aux textes ultra-sombres même dans ses moments les plus légers. Mais pas déprimant pour un sou.
De sa voix intemporelle, Miss Green interprète des ritournelles macabres sur un ton toujours plus juste et sans la moindre empreinte de pathos. « Displacement Song », « Rag & Bone », « Ostrich Song », « Luis » et "Hey Joe", en hommage à son ami imaginaire mi-homme mi-oiseau, sont autant de morceaux et de textes qui marquent durablement. Seul regret, la version piano de « French Singer », légèrement moins emballante que sa mouture démo aux craquements de guitares taillés pour le vinyle, diffusé sur la toile en 2007.
A la hauteur des attentes des critiques et fans tous azimuts, « O, Devotion! » semble tout droit sorti des archives musicales des années 20 et 30. Liz Green s’approprie ces deux décennies et les réinventent à sa manière, avec délicatesse et authenticité. Un véritable petit bijou et un coup de cœur tout simplement immanquable. Publié en novembre dernier en Grande-Bretagne, « O, Devotion! » ne parvient de notre côté de la Manche qu’en ce début d’année mais s'est déjà taillé une place de choix dans mon top 20 de 2011. Et rebelotte pour 2012, une année qui risque effectivement d’être parsemée de surprises musicales. Aussi bonnes que celle-ci, espérons-le…
Live : 26/01 au Botanique (Witloof Bar)
Il y a quelques années, Gian P. Marotta, le leader du groupe belge Freaks, s'était illustré en publiant un excellent premier Cd intitulé "Just A Boy" ; et certains morceaux comme "My Bloody Animal" avaient pas mal tourné en radio. Pour concocter son nouvel album, Gian P. Marotta s'est entouré de quelques pointures: Greg Avau (Joshua) à la production artistique et Christine Verschorren (Toots, Kris Dane, Ghinzu) à l'enregistrement. Premier volet d'une trilogie, cet elpee nous invite à pénétrer dans la vie intérieure d'un personnage qui sombre dans la folie. C'est très ‘dark’ et les chansons sont reliées par d'étranges citations en italien. L’opus pourrait servir de bande-son pour un film ; et d'ailleurs, Gian P. Marotta envisage de donner à son projet une dimension cinématographique. L'univers sonore oscille de l'electro-pop au metal, en suivant une démarche résolument alternative.
L'intro de l'elpee baigne dans une ambiance à la "Eyes Wide Shut", traversée par une ligne répétitive au clavecin, à laquelle répond une phrase d'un vieux piano. Dans le second morceau, "Blackbirds", tant les harmonies que les voix évoquent Nine Inch Nails. Une impression qui est renforcée par "I'll Get Down", dont le riff rappelle "The Hand That Feeds". Freaks y réussit une agréable fusion entre electro-pop et rock, en y ajoutant une touche très sombre. C'est ce morceau très efficace qui sera le premier single tiré de l’elpee.
"Back To The Church" en revient à une ambiance étrange. Des chœurs gothiques et une mélodie jouée à l'unisson débouchent sur "Shocking", une explosion violente et agressive, qui évoque Marilyn Manson.
Nouveau changement de dynamique sur « Earth », une douce ballade au cours de laquelle Gian P. Marotta murmure, tout en douceur, une complainte de la terre: ‘I'm The Earth, I'm OK, I'm intoxicated’. Très beau ! "Ordered" est un autre morceau ‘cross-over’, basé sur le contraste entre des couplets minimaux et un refrain carrément metal. Le profil légèrement burlesque de "The Sun's Gone" est entretenu par des sonorités de synthés vintage et une rythmique plus désarticulée. Ici, on pense à IAMX. Enfin, "Thoughtless", le dernier morceau, clôture l'album en beauté. Il commence doucement, puis laisse la place à des guitares déchaînées et à un hymne final hypnotique.
Dans l'ensemble, on est impressionné par l'excellent son de cet opus. D'après Gian P. Marotta, c'est en partie grâce à Christine Verschorren, qui a insisté pour que chaque instrument, y compris les instruments synthétiques, soient captés en studio (le studio Dada à Bruxelles) à l’aide d’un ampli et d’un micro pour obtenir un feeling plus ‘live’. Le résultat est un long playing séduisant dont l’univers propre évolue à la croisée de plusieurs styles musicaux ; mais l'ensemble est soudé par une véritable énergie et une sensibilité à fleur de peau. A découvrir!
Après avoir accordé un concert en avant-première au Live Act le 14 janvier dernier, Freaks publiera officiellement le nouvel album début février, une sortie suivie d’une tournée internationale.
Jackie Evancho, la petite soprano phénomène planétaire de ses derniers mois, s’est vue projeter sur la scène internationale en 2010 à la suite de son passage à 5ème saison de l’émission américaine ‘America’s Got Talent’. Elle y remportait alors la deuxième position. L’enfant prodige qui fêtera cette année ses 12 ans bat tous les records. Notons entre autres qu’elle a été la plus jeune personne à s’être produite en soliste au Lincolt Center de New York et que son disque « O Holy Night » a été consacrée meilleure vente aux États-Unis en 2010. Pour débutante, elle devient la plus jeune artiste de l’histoire à se classer dans le ‘top 10’ ainsi que la plus jeune à se voir attribuer l’album platine par le RIAA.
« Dream with me » constitue le deuxième disque de la jeune vocaliste, mais le premier pour une maison de disque major (Sony). On retrouve sur le disque des chansons populaires, des airs classiques et des chansons originales coécrites par Jackie elle-même. Possédant l’oreille absolue, elle chante parfaitement juste et se revendique être une chanteuse classique. L’enfant détient en effet une belle maitrise du vibrato et du phrasé classique. On pourrait reprocher une certaine redondance au disque dont toutes les chansons tendent à se ressembler, mais l’écoute générale reste agréable. L’atmosphère de l’enregistrement rappelle l’univers musical de Walt Disney, et lorsqu’il entre dans un univers un peu féérique, prend parfois des allures de Noël. Enfin, il convient de féliciter ici une maturité hors du commun et une voix exceptionnelle.
C’est en 2005 que j’ai découvert Baxter Dury. C’était lors de la sortie de son second opus, « Floor Show ». A l’époque, le dandy insulaire (NDR : il est né à Wingrave) avait été salué par la presse spécialisée pour ses talents de songwriter et sa voix de crooner. Six ans plus tard, le fils de feu Ian Dury (NDR : c’était le chanteur de Blockheads !) nous propose son troisième elpee, « Happy Soup ». Pas vraiment de changement radical dans sa musique. Qui est toujours d’aussi bonne facture, par ailleurs. La seule différence, et elle n’est pas des moindres, c’est qu’aujourd’hui, on parle de Baxter Dury. Il fait la ‘une’ des magazines, remplit les salles de concerts au sein desquelles il se produit, et son dernier opus figure parmi la plupart des tops 10 de l’année 2011. Mais pourquoi cet intérêt soudain envers l’artiste ? Aucune idée ! Une chose est sûre, cette notoriété est amplement méritée.
« Happy Soup » est un superbe album. Les lyrics sont souvent bouleversants. Baxter pose nonchalamment sa voix de crooner sur des morceaux pop délicieusement surannés (NDR : ces chœurs 70’s !), bourrés de charme, mais également désarmants de simplicité et d’efficacité. Chaque titre pourrait devenir un single.
Et si vous n’avez pas eu la chance d’aller l’applaudir, lors de sa prestation accordée au Botanique, mi-janvier, sachez qu’il reviendra se produire dans le cadre des Nuits Botanique, ce 17 mai 2012. A ne manquer sous aucun prétexte !
Découvert alors qu’il assurait la première partie de Milow, lors de la tournée accordée en 2011, Brett Dennen n’est pourtant pas un débutant. Pour preuve, « Loverboy » constitue déjà le quatrième album de ce chanteur folk/pop californien. Paru en 2004, son premier opus est éponyme. Il est suivi par « So Much More », gravé en 2006 et « Hope For The Hopeless », en 2008. Ce chanteur au visage de jeune premier et à la voix ‘un peu particulière’ nous revient à la tête d’un nouvel elpee, découpé en 13 nouveaux morceaux. A 33 ans, il accomplit, pour les amateurs de Bob Dylan, Tracy Chapman, Jack Johnson, James Taylor et Wynonna Judd, un travail parfait ! Chaque plage est impeccablement réalisée et mise en musique. Alors que sur scène, le pauvre ne disposait que de sa guitare et son organe vocal pour défendre son répertoire, celui-ci apparaît nettement plus riche lorsqu’on écoute sa production via le support du disque. C’est dire si l’instrumentation est rudement bien foutue… et… nécessaire.
Alors que ses cordes vocales me cassaient un peu les oreilles sur les planches, ce défaut est largement gommé par une production bien léchée. Il faut dire qu’il est très bien entouré. Des percus aux guitares sans oublier les claviers, violons, saxo, trombone et autres trompettes, Brett Dennen gagne manifestement à recevoir le concours de bons collaborateurs…
Nous sommes ici à des années-lumière de sa prestation bruxelloise exécutée en lever de rideau pour Milow, fin 2011 ! Vraiment réussi, l’elpee s’écoute en boucle sans jamais lasser, le tout étant justement équilibré, les plages plus rythmées succédant aux ballades soyeuses ou aux morceaux plus construits, plus originaux. Brett Dennen est enfin arrivé au stade de la confirmation, de la maturité musicale.
Quelques titres méritent d’être épinglés tant ils sont plaisants et riches, « Comeback Kid », « Make You Fall in Love with me », « Can’t Stop Thinking » ou encore « Little Cosmic Girl » sont tout simplement des chansons irréprochables qui ne peuvent que mettre de bonne humeur et donner envie de revoir le bougre en ‘live’. Mais en espérant que pour la circonstance, il soit entouré de musiciens ; de quoi me convaincre que ce type a vraiment de l’or dans ses doigts lorsqu’il est face à une partition vide.
Un artiste dont le talent mérite une véritable reconnaissance. Ce qui est loin d’être le cas, sous nos latitudes, pour l’instant, hélas.
Le grand public avait découvert Emmanuel da Silva il y a quelques années, lors de la publication de son single « L’Indécision », un titre issu de son premier album solo « Décembre en Eté ». Entre-temps l’ex-punk d’origine portugaise avait sorti deux autres opus relativement plus confidentiels : « De Beaux Jours à Venir » en 2007 et « La Tendresse des Fous » en 2009. Il revient aujourd’hui pour son 4ème chapitre, un volume qui devrait lui permettre rapidement de revenir sur le devant de la scène…
Comme toujours, Da Silva navigue au sein d’un univers bercé par le sentimentalisme mélancolique et désabusé de Daniel Darc (le superbe « Les Concessions »), même si parfois, et malheureusement, les inflexions vocales sont proches de celles de Raphaël (« L’Escalier »). Les textes sont particulièrement soignés, à l’instar de « La Distance » et « La Crise », des lyrics abordant des sujets sérieux comme la pauvreté, le ‘cul des filles’ (ou l’amour si vous préférez…), des thèmes qu’il aborde avec justesse, tendresse et pudeur. L’instrumentation acoustique a cédé du terrain aux orchestrations et aux arrangements, grâce aux claviers, aux boîtes à rythme et à l’élégante production d’Yann Arnaud (Air, Syd Matters). Une nouvelle dimension qui permet d’écouter cet elpee de bout en bout, sans ressentir le moindre instant de lassitude, malgré quelques titres moins percutants, et même d’atteindre des sommets mélodiques, comme sur le bouleversant « Les Stations Balnéaires ».
« La Distance » constitue manifestement le meilleur album concocté à ce jour par Da Silva, malgré le climat plus sombre et désabusé, au sein duquel il baigne…
Après nous avoir permis de découvrir Volcano Heat, il y a quelques semaines, le label Go Down nous présente un autre groupe italien, Clepsydra. Issu des Abruzzes, il est hautement inspiré par le rock ‘made in US’ psyché pratiqué sur la côté ouest, au cours des sixties. Encore qu’on y recèle l’un ou l’autre morceau de bravoure pop et puis un piste contaminée par le ‘Krautrock’ (« Peyote »). Les compos baignent au cœur d’ambiances opiacées. Les solos sont particulièrement vengeurs (« Jimi Plays My Guitar « ). Mais les musiciens semblent prendre leur pied en adaptant les codes du genre. En outre, le chanteur possède une belle voix, dont le timbre semble camper un hybride entre Greg Dulli (« Love ») et Patrick Wolf (« There’s Still Time Anyway »).
« Marmalade Sky » constitue leur 3ème elpee. Dommage que la production soit aussi sommaire, une carence qui ne permet pas aux compos de libérer toute leur puissance…
Pour le label Vampisoul surprendre est devenu une tradition et même un véritable sacerdoce ! La maison espagnole à cette fois décidé de s’attaquer, à travers la compilation « Rangarang », à la musique iranienne prérévolutionnaire ! Rien que ça… Difficile d’imaginer l’actuelle république islamique comme un havre de paix pop ; et pourtant, c’était bien le cas au cours des années 60 et 70, soit au cours du règne du Shah d’Iran ; et ce avant que cette scène ne soit réprimée, lors de la révolution islamique de 1979. Le régime va alors décréter la fermeture des labels, la destruction des vinyles, l’arrêt définitif de la carrière des artistes et même l’islamisation des radios.
« Rangarang » réunit la quintessence de cette époque dorée (Googoosh, Leila Forouhar, Neli, Dariush, Pooran, Shohreh, Giti, …) également réceptive au funk (Mehrpouya), disco (Hamid Shabkhiz), jazz (Aref) ou même au psychédélisme (Kouroush Yaghmaei), dans un mix surprenant entre sonorités perses et pop seventies. Le destin de ces artistes, décrit dans les abondantes notes du livret, est en outre réellement passionnant malgré la fin tragique vécue par la plupart d’entre eux.
Apparemment l’Iran serait sur le point de mettre sur pied une bombe nucléaire. Je conseille dans un premier temps à l’Agence Nucléaire Internationale de se pencher sur le contenu hautement radioactif de « Rangarang » !
Tarantino ne devrait pas être insensible à ce recueil, car plusieurs morceaux seraient très susceptibles d’illustrer ses films (Mehrpouya)…
Les amateurs de projets originaux et poétiques seraient bien inspirés en prêtant une oreille attentive à « Aux Ames etc… Hip-Pop-Song-Citadine Poetry », une œuvre collective, initiée par le Collectif du Lion, épinglant 10 artistes issus d’univers totalement différents, mais unis par l’amour des mots et de la poésie.
Il s’agit de l’enregistrement sonore d’un cabaret animé autour de la poésie et d’expressions sonores variées : L’Ami Terrien présente son ‘slam’ percutant et inventif, Laura Persain conte une histoire ‘Abracadabrante’, SilverRat Band lorgne vers le hip-hop jazzy et les textes (malheureusement inégaux…) poétiques, drôles ou graves et souvent engagés de Tout est Joli/All is Pretty nous rappellent vaguement Arno.
Une belle initiative que je déconseillerai néanmoins aux détracteurs d’Ab El Malik, Grand Corps Malade ou de l’univers des contes…
L’electropunk n’est pas mort, longue vie à Teeth. Oui mais quel Teeth, me demanderez-vous ? Il existe en effet pas moins de six formations ayant emprunté ce patronyme. Le Teeth dont il est question ici est une formation originaire de Londres. Le trio, abrité au sein de la maison Moshi Moshi, pratique un punk électronique tapageur qui donne envie, à égale mesure, de taper du pied et de s’arracher les cheveux. Pour sa seconde livraison, les trois compères offrent autant de perles que de morceaux qui irriteraient le colon de plus d’un mélomane. Mais de bout en bout « Whatever » est un disque ‘in-your-face’ qui promet des shows live sulfureux.
« Dead Boys », « Flowers », « Care Bear » et le gigantesque « See Spaces » sont les morceaux-clés du second LP de cette bande d’enragés survitaminés, des plages très susceptibles de faire délirer les fans de Sleigh Bells ou encore de Crystal Castles. A contrario, « This Time » et « Pill Program » sont à éviter comme la peste. Fortement déconseillé aux porteurs de chemises à carreaux qui ne jurent que par des Bon Iver et consorts.
Le dernier album de Shy’m bénéficie donc d’une réédition en version Deluxe. Elle nous invite à « Prendre l’air ». On connaissait la Shy’m glamour et sexy, responsable de morceaux abordant, pour la plupart, des sujets qui font la part belle aux peines de cœur. Mais sur cet elpee, la chanteuse a décidé de donner un effet ‘girly’ à l’ensemble, et notamment sur le recto de la pochette où son visage est orné de friandises.
Outre le traklisting de la première mouture, le disque est enrichi de quatre titres acoustiques : « Je sais », « Prendre l’air », « Tourne » et « Femme de couleur » ainsi qu’une reprise inédite du titre « En Apesanteur » de Calogero. Pas vraiment une réussite, car Shy’m ne parvient pas à se réapproprier la chanson. Probablement un fond de tiroir destiné à rendre le produit plus attractif. Le tout est enrichi de pistes vidéo et d’un booklet abondamment illustré.
Perso, je suis toujours sous le charme de deux compos, « Elle danse » et « Petit Tom », deux plages hyper-mélodieuses au cours desquelles Tamara Marthe met si bien la douceur de son timbre vocal en exergue. Mais pour séduire de nouveaux fans, il faudra proposer bien davantage que des bonbons…
Il y a deux ans, la formation chicagolaise avait publié un excellent album de post-rock, « Geneva ». On se demandait donc comment Russian Circles allait lui donner une suite, en poursuivant dans le même style. Pas de souci, « Empros » relève le défi, haut la main
Un opus néanmoins plus lourd, plus écrasant. Probablement l’elpee le plus puissant de sa discographie. Dès le morceau d’ouverture, « 309 », le ton est donné. Entrecoupée d’interludes atmosphériques, cette piste tramée dans des cordes de guitares grasses s’élève en crescendo. Et ébranlée par les coups de grosse-caisse, elle nous rentre dedans. Caractérisé par ses riffs davantage post rock, « Mladek » est plus proche de « Geneva ». Enfin, en début de parcours, car au fil du morceau, le son monte en puissance et la compo s’achève carrément dans le post-métal. Quant à « Schiphol », il aurait pu figurer au répertoire de la formation japonaise, Mono. La suite du tracklisting est privilégie les compos duales, déchirées entre riffs post-métal et plus mélodiques. Une exception qui confirme la règle, le morceau final, « Praise Be Man », plage au cours de laquelle une voix fait son apparition. Et sa présence est judicieuse.
« Empros », le quatrième long playing de Russian Circles nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. C’est d’ailleurs à ce prix, qu’on parvient à en détecter toutes les richesses. Le post-rock et le post-métal ont encore de beaux jours devant eux. Russian Circles et les autres signatures de l’écurie Sargent House sont là pour le rappeler.
Condensé de pureté, le « Percolate » de M. Ostermeier est paru en 2010 via le label Parvoart Recordings (anagramme-hommage à Arvö Part) sous forme de mini-CD tiré à pas plus de 50 exemplaires ! Déjà sold-out, ce collector est disponible aujourd’hui via iTunes ou encore à d’autres endroits sur le net, pour les plus débrouillards.
« Percolate » réunit sept morceaux dont le style oscille entre classique et ambient. Marc Ostermeier, compositeur installé à Baltimore et propriétaire du label Words On Music, nous propose une balade diurne dans des rues désertes, légèrement illuminées par des lueurs de bougies imperceptibles. Loin de tout stress et de tout chaos urbain. Plus qu’un recueil apaisant, « Percolate » est une splendide collection de mélopées salvatrices. Et c’est donc avec délectation que l’on se jette sur « The Rules Of Another Small World », publié en mai dernier.
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