Le léger kitch de l’illustration en cover et le nom de cette artiste ne me disaient rien de bon. Pire, je pensais devoir me farcir une disciple texane de l’atroce Shania Twain. Pourtant, un indice aurait dû me mettre la puce à l’oreille : ce disque est paru chez l’honorable maison Glitterhouse. Et pour cause, Penelope Houston n’est pas née de la dernière pluie. Elle compte déjà 30 années de carrière, une période au cours de laquelle, l’Américaine a sévi, comme chanteuse, au sein de différents groupes punk issus de San Francisco. Et en particulier The Avengers (NDR : ils avaient assuré la première partie du dernier concert des Sex Pistols), The Screamers et Population:1. La Californienne a cependant mené, en parallèle, une carrière solo. Une aventure, dont le dernier épisode remonte à 2004, lors de la publication de « The pale green girl ». Depuis, elle a mis son projet en solitaire, en veilleuse, pour se concentrer à la remise sur pied de The Avengers…
Sur sa nouvelle production, Penelope Houston livre une collection –fortement estampillée US– oscillant entre rock FM (« All the Way », « Missouri Lounge »), ballades americana (« Market Street »), country-pop (« Meet Me in France ») et petites récréations légères mais bien ficelées (« Scrap », « USSA »). Mais qu’est-ce qui la différencie des autres chanteuses ? Une magnifique voix enfumée et un backing band efficace… Rien de renversant mais une virée yankee authentique et inspirée.
Lorsqu’il quitte dEUS, en 1999, Stef Kamil Carlens fonde Zita Swoon. Et depuis, il ne cesse de nous surprendre. Faut dire que son groupe polymorphe adore brouiller les pistes. En 2011, l’Anversois a posé ses bagages au Burkina Faso pour y enregistrer, en compagnie d’artistes du cru, une musique hybride, née de la rencontre entre le blues occidental et le folklore local.
Pour y parvenir, le Belge a enrôlé le balaphoniste (le ‘balafon’ est une sorte de xylophone) Mamadou Diabaté et la chanteuse Awa Démé. « Wait for Me » propose 12 vignettes abordant frontalement une série de sujets qui traitent des problèmes rencontrés par la société africaine contemporaine, comme la corruption, la pauvreté, l’exploitation forestière ou l’immigration. Si Stef Kamil Carlens s’exprime en anglais et Awa Démé en dioula (idiome local), leurs voix se conjuguent élégamment sur une structure instrumentale alimentée par des banjos, des guitares resophoniques, du glockenspiel et des percus savamment dosées mais terriblement efficaces. Le backing band de Stef est également de la partie, mais également toute une série d’invités de circonstance. L’opus a été mis en forme par Gilles Martin, ingénieur du son mythique de la maison Crammed Dics. J’accorderai, cependant, une mention spéciale au magnifique duo vocal opéré sur « A Ni Baara », une plage bouleversante au cours de laquelle on a l’impression que deux mondes communiquent, sans parfois se comprendre, pour évoquer les problèmes liés à l’immigration, problèmes vécus par les pays méditerranéens …
Un mix de cultures fascinant à découvrir en concert, le 2 mars au WCC Zuiderpershuis (à Anvers), le 4 mars à l’AB (à Bruxelles), le 14 mars au Lotto Mons Expo ainsi que le 17 et le 18 mars à de Singel (Anvers).
Arpèges de guitares couchés sur lit de nuages cotonneux et filets de voix vaporeuses en sauce spleen, tel est le menu de cet album de Sealight.
Aux fourneaux, Dave Oliffe, croisé au sein d’Heligoland (voir par ailleurs la chronique de « All Your Ships Are White »), cherche à titiller nos papilles auditives.
Aux casseroles, pour faire prendre la sauce, on retrouve le grand chef Robin Guthrie, qui repasse les plats.
Si son travail de production reste irréprochable, force est de constater que l’ex-Cocteau Twins ne se démarque pas vraiment de la veine qui a fait sa réputation.
Au final, la paire nous sert un plat un peu tiède et qui sent le réchauffé. La voix de Sandra Rossini en fait trop et devient rapidement irritante ; et si les ambiances sont belles et bien présentes, nous baignant dans un doucereux climat d’abandon, il n’en reste pas moins qu’on s’ennuie vite, comble pour un disque qui au final ne dure que vingt-trois minutes et quelques secondes.
Reposant sur un concept fumeux (l’échange de courrier entre les membres du groupe et certains proches), ce « Dead Letters » est appelé à rester… lettre morte.
C’est une évidence, School is Cool est probablement le groupe belge jouissant actuellement du potentiel international le plus élevé… Leur rock est en effet un parfait croisement entre le lyrisme d’Arcade Fire et la pop ‘high quality’ de Death Cab for Cutie ! Formé en 2009 à Anvers, cette formation se revendique de la pop baroque, et l’étiquette semble adéquate…
Bien que vainqueur du fameux ‘Rock Rally Humo’, en 2010, le combo a seulement publié son premier opus, « Entropology », fin 2011 ; et il recèle, bien évidemment, les singles « New Kids in Town » et « The World Is Gonna End Tonight ». Pour un premier essai, cet elpee est particulièrement bien produit. L’instrumentation y est divinement alimentée par des envolées de violons, de glockenspiel et de percussions. Un cachet indie imparable estampillé par la superbe voix de Johanes Genard. Dommage que l’album, divisé en trois actes, soit si long (16 titres !), car il recèle de véritables pépites, telles que le très ‘Arcade Weekend’ « Car Backseat, Parking Lot » ou le délicat « On the Beach of Hanalei ».
C’est sûr que lorsqu’une telle bande-son vous trotte dans la tête, l’école doit être cool !
Quelques semaines après avoir savouré l’album de Dan San, « Entropology » constitue, peut-être, un nouvel indice de la renaissance du pop/rock belge. C’est en tout cas ce que j’espère…
Ce mardi 21 février, l’intimiste salle de la Rotonde accueillait Active Child. La formation californienne se produisait en Belgique, pour la première fois. De quoi profiter d’un des rares concerts non ‘sold out’ proposés par le Botanique, cette année. Une bonne centaine de spectateurs s’étaient déplacés pour assister au set de Pat Grossi et sa bande. Bien que son premier album, « You Are All I See », ait été bien accueilli par la critique, on ne peut pas vraiment dire que cet artiste jouisse d’une grande notoriété dans l’univers musical. Et pourtant, il se singularise de bien d’autres contemporains en jouant de la harpe mais aussi et surtout à cause de sa voix de castrat.
Il est 20h00 pile lorsque Leaf House, le supporting act, monte sur les planches. Une formation liégeoise responsable d’une musique hybride, canalisée par les rythmiques électroniques et les riffs de guitares psychédéliques. Leur concert s’ouvre par quelques morceaux atmosphériques. Mais au fil du temps, le tempo s’accélère. Et pourtant, le public reste impassible, et semble même assoupi. Assis sur les marches de la Rotonde, il rechigne à se décoller les fesses des gradins ; une situation qui n’est pas de nature à donner confiance aux membres de Leaf House. Pourtant, cette jeune formation se débrouille plutôt bien. Proche d’un Animal Collective (NDR : le band a choisi pour patronyme, une titre extrait de « Sung Tongs »), mais sous un format plus pop, voire d’un Le Loup, leur expression sonore tient la route. Il n’y manque peut-être que quelques coups de folie ou encore l’un ou l’autre pic d’intensité. Néanmoins, en 35 minutes, le trio est parvenu à mettre en exergue un beau potentiel. A suivre donc !
Après une petite pause bienvenue, afin d’aller se ravitailler au bar, Active Child entre en scène. Le public semble enfin réveillé. Pat Grossi s’est déjà posté derrière sa harpe. Il est soutenu par un batteur et un guitariste/bassiste/claviériste. Le set s’ouvre par quelques compos empreintes de lyrisme, dominées par la voix haut-perchée de Grossi (NDR : on se demande d’ailleurs si elle est bien terrestre). Active Child nous entraîne au sein d’un univers mystique. Ténébreux. A la limite, lugubre même. Si bien que parfois, on a l’impression que la Rotonde s’est transformée en chapelle sépulcrale. Après trois morceaux, Pat Grossi délaisse sa harpe pour se concentrer sur son clavier. Mais si l’ambiance entretenue lors de ce spectacle est toujours aussi sombre, les compos lorgnent maintenant davantage vers la pop-new-wave. Les nappes de synthés, la boîte à rythmes et la reverb’ nous replongent alors dans les 80’s. Après quelques titres, pour lesquels Pat se consacre à nouveau à la harpe, le spectacle se termine. Et deux titres plus tard, accordés en guise de rappel, l’auditoire vide les lieux, l’esprit encore embrumé par cette cérémonie obscure, mais surtout heureuse d’en être sortie indemne et satisfaite de savoir que le monde n’est finalement pas aussi tourmenté que celui décrit par Active Child…
(Organisation Botanique)
Trente années, c’est un âge des plus respectables pour un label, dans la conjoncture numérique de notre siècle hédoniste. L’occasion d’une belle fête déclinée en deux volets. Compte rendu de la seconde partie de ce diptyque.
Le ‘warm up’ de la soirée était confié à Raving George, djette originaire de Gand sans doute fan d'Armin Van Buuren et autres subtilités du style depuis sa plus tendre enfance. Il aurait sans doute été judicieux de lui signaler que faire saigner les tympans de l'assistance est une façon un peu radicale de les mettre dans le bain...
Mais continuons le viol auditif par le live de Toxic Avenger, plus proche d'un concert de Korn sur fond de guerres des étoiles et de chats coincés infiniment dans une essoreuse. L'effort était pourtant beau et louable.
A peine le temps de se reposer en buvant une bière à 3,75€ que le duo allemand de Modeselektor débute son live. Il est 23 heures et les choses sérieuses débutent enfin. A l'exception d'un horrible klaxon bombardé pour une obscure raison à intervalle régulier, la prestation est sérieuse, bien rôdée et agrémentée d'un visuel improbable mais classe. C'est donc avec tristesse que je me dirige vers la seconde salle, après trente petites minutes et ce, pour découvrir en direct, le phénomène de l'année 2011 : M83.
Nul besoin de faire de long discours, il s'agit simplement de la meilleure prestation de la soirée (et de ce début d'année au passage). Orchestré de main de maître par un Anthony Gonzalez survolté, la fête est totale lors du déjà légendaire "Midnight City".
Difficile donc de passer après un tel show, même lorsqu'on s'appelle 2 Many Dj's et qu'on mixe ‘à la maison’. Le principe est le même depuis maintenant 10 ans : une heure trente de mash up incessant, sorte d'énorme blind test programmé pour ravir les foules. La dernière représentation belge du concept "Under The Covers" se déroule donc sous les applaudissements d'un public tout acquis à leur cause. Les frères Dewaele sont contents, ils n'ont même pas dû se fouler pour récolter les lauriers.
Enfin, pour achever la soirée, Laurent Garnier et ses potes de LBS, tout juste revenus d'une tournée japonaise, seront autorisés à proposer un set de cinq heures. A l'instar de leur prestation cet été à Dour, le tout est excellent, bien huilé et parfois, à la limite de l'orgasmique. Laurent Garnier, dans cet exercice où il excelle tant, passe du coq à l'âne sans crier gare, laisse cogiter le spectateur quelques instants avant de le récupérer par on ne sait quel tour divin.
Une belle manière de clôturer ces Pias Nites, et puis surtout de déjà nous mettre l’eau à la bouche pour le trente et unième anniversaire.
A.F.
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La belle histoire de Play It Again Sam (PIAS) a commencé au début des années 80, quand Kenny Gates, un des deux co-fondateurs, se tapait des allers-retours Bruxelles-Londres, en Renault 5, pour importer les disques des groupes new-wave anglais, comme par exemple New Order (« Blue Monday! »), Gary Numan et les Legendary Pink Dots. Aujourd'hui, le label est devenu une véritable multinationale, qui emploie 200 personnes et héberge une palette extrêmement variée de groupes et de styles musicaux, comme en témoigne à nouveau la programmation des PiaS Nites de cette année.
Après une première soirée de jeudi plutôt consacrée aux musiques pop/folk intimistes, la nuit du vendredi est présentée comme la ‘mega party’ du 30ème anniversaire, au cours de laquelle une majorité de concerts et DJ sets electro et/ou techno vont participer. Le public est venu en grand nombre –parfois même on se bouscule ferme– pour suivre les shows prévus dans les deux salles de Tour & Taxis.
Après un set intéressant de la toute jeune (et au demeurant très mignonne) DJ gantoise Raving George, dans la petite salle (Fire Starter), c'est The Toxic Avenger, aka Simon Delacroix, qui accorde le premier show dans la plus grande. Ce Français se construit progressivement une solide réputation à l'échelon international, comme remixer (Ladytron, Peaches) mais aussi en tant qu'artiste à part entière, par le biais, notamment, de son Ep "Angst", publié l'an dernier.
Sur scène, sa musique prend une dimension très puissante, grâce à un batteur et un guitariste ‘live’. Cependant, le mixage manque d'équilibre, à tel point que les synthés et la voix sont parfois difficiles à entendre. On est dans un style techno assez varié, comparable à Vitalic voire Daft Punk et certains morceaux affichent une tonalité plus ‘dark’. Parfois, le passage d'un style à l'autre, à l'intérieur même des morceaux, est déconcertant et empêche le public de ‘décoller’. On regrettera aussi l'absence des titres plus ‘radiophoniques’. "Alien Summer", par exemple. Dans l'ensemble, ce concert est apparu trop bruyant et incohérent ; mais le groupe présente un véritable potentiel. Peut faire mieux!
Dans la Fire Starter Room, Mr Nô, encore un Français, venu d'Auvergne cette fois, a prouvé qu'il est aussi un talent à suivre. Et il possède des références: il a mixé à l'Hacienda de Manchester et c’est un pote à Peter Hook! Au niveau son, c'est une techno très inspirée des années '70 et '80, mais l'ensemble, elle manque encore de personnalité. A suivre!
Beaucoup de monde attendait Modeselektor, les petits préférés de Thom Yorke (Radiohead), qui avaient triomphé lors des ‘bozar nights’, en octobre dernier. Dès les premières séquences, on se rend compte qu'on se trouve face à du ‘lourd’. La musique des ces Berlinois est sauvagement diversifiée, remplie d'exubérance et foncièrement intelligente. Une sorte de chaos sonique contrôlé. Ils passent du hip-hop à l'électro avec une aisance déconcertante, le tout en adoptant une démarche très ‘punk’. Malgré quelques petits problèmes techniques, entre autres pendant "Evil Twins" et un klaxon intempestif, les deux comparses ont réussi à enflammer la Main Room, surtout sur "Black Block" et "2000007" (un rap en français). Regardez ici la vidéo filmée pendant "German Clap". > link : http://www.youtube.com/watch?v=cPvGHhmP4M0
Je le dis franchement: M83 était le groupe que j'attendais le plus. Il faut dire que le combo de l'Antibois Anthony Gonzalez a véritablement explosé en 2011, notamment grâce au hit mondial "Midnight City" et au très ambitieux et aussi réussi double LP "Hurry Up, We'Re Dreaming". Sur scène, Gonzalez est entouré de la chanteuse Morgan Kibby, mais aussi d'un guitariste et d'un batteur et pour la première fois de la soirée, on est en face d'un véritable ‘groupe’. Le décor et les lumières sont stellaires, quasi oniriques, un cadre idéal pour l'univers sonique puissant et aérien de la ‘galaxie M83’. La setlist fait la part belle au dernier opus, mais aussi à "Saturday = Youth". Le public reste étonnamment calme, captivé par le mélodique "Steve McQueen" ou le planant "We Own The Sky". La tension monte cependant de plus en plus, pour culminer lors du hit "Midnight City", qui est accueilli par des cris de joie... et un lâcher de ballons. Le groupe clôture son set par "A Guitar And A Heart", un instrumental très ‘prog’, que ne renieraient ni Porcupine Tree, ni Anathema. Gonzalez y abandonne ses claviers et sa console pour se déchaîner à la guitare. Un grand moment. En rappel, M83 proposera un voyage hypnotique dans le superbe "Couleurs", un morceau caractérisé par sa longue construction électronique. En un mot, un concert totalement convaincant, qui confirme le groupe comme une des valeurs sûres de l'electro-pop. Regardez les extraits vidéo du concert sur Youtube (Midnight City, Steve McQueen et Couleurs). > link http://www.youtube.com/philblackmarquis
En vitesse une petite chope, et hop, et on fonce pour assister à la prestation des rois du ‘mashup’: 2ManyDJs. La grande salle est comble pour vivre un set qui est en fait le premier du duo à Bruxelles et en même temps, le dernier de la tournée ‘Under The Covers’. Les frères Dewael ont conçu ce show comme un mashup audio-visuel: les musiques sont découpées et assemblées comme des samples et, sur les écrans géants, les animations basées sur les pochettes des disques suivent la musique en parfaite synchronisation: impressionnant! Tous les styles de musique sont passés à la moulinette electro, de Depeche Mode à Motörhead en passant par Front 242 et New Order, pour le plus grand bonheur d'un public en transe.
Mais, le ‘boss’, le grand maître de cette cérémonie, aura été, sans nul doute, Laurent Garnier. Si j'ai bien compté, c'est la 4ème fois que ce père de la techno rend visite à notre beau pays en un an! Le show "LBS" de Laurent propose un DJ set marathonien de 5 heures où sont revisités les moments forts de la –déjà– longue carrière du Français. La première partie suit un tempo downbeat, assez lounge. Une mise-en-bouche, en quelque sorte. Chaque plage est rallongée, adaptée, remixée en ‘live’ avec l'aide de Benjamin Ripper aux synthés et de Scan X aux machines (d'où l'acronyme LBS - Laurent+Ben+ScanX). Au fur et à mesure, le son monte en crescendo, s'amplifie et mélange judicieusement techno et influences jazz, house, dub, breakbeat et expérimentales. Laurent joue alors ses hits les plus connus, tels que "Crispy Bacon" et "The Man with The Red Face". Il affiche une maîtrise remarquable et une concentration sans faille. Traversée par des éclairs de pure adrénaline, l'atmosphère finit par devenir électrique. Aux anges, les spectateurs hurlent et dansent les bras en l'air. (Extrait video: http://www.youtube.com/watch?v=oAoEyDwLw70&list=UU0gR4Mo7HXdVqQoUz8_7Frg&index=5&feature=plcp)
Ce sont Etienne De Crecy et ATTAR! qui ont clôturé cette nuit d'anniversaire. Etienne De Crecy est un autre monument français des platines. Son mélange de techno minimale et de house a fait de lui un des leaders de la ‘French Touch’. Son show est très pro, soutenu par des vidéos de très bonne qualité, même si le style l’est moins à mon goût. Quant à ATTAR! (prononcez ‘Attari’) c'est le second projet solo de Renaud (Mustang) et il s’est révélé tout aussi convaincant.
On ne peut que féliciter PiaS pour ces deux nuits riches en découvertes et en sensations fortes, rassemblant sous une même bannière des artistes expérimentés et des jeunes pousses qui construisent la musique de demain. Happy Birthday, PiaS!
P.B.
(Organisation : PiaS)
Il est 21h15 et les techniciens du Grand Mix courent dans tous les sens afin d'accueillir de manière optimale le jeune espoir londonien de la scène post-dubstep. Effectivement, Aaron Jerome a déjà marqué la scène underground de London-east par un premier album sous son vrai nom qu'il abandonne afin de garder un côté anonyme. Ce jeune multi-instrumentiste dénommé SBTRKT entre en scène accompagné de son acolyte Sampha, déjà présent sur plusieurs morceaux de l'album éponyme.
Le début de set démarre tout doux par "Heatwave", morceau instrumental qui souffre malheureusement de quelques galères technique. Mea Culpa, les deux gaillards embraient directement sur "Hold On" qui met tout le monde d'accord. Un SBTRKT humble et discret mais qui maîtrise à merveille ses samplers, sa batterie, sa boite à rythmes, son laptop et ses machines. Sampha, de son côté, excelle au synthé et aux percussions en plus de poser sa voix sur les compositions originales d'Aaron.
La salle commence à se chauffer et les tracks s'accélèrent : "Living like I do", "Something goes right" et enfin "Trails of the past". Il est venu le temps de danser lors du morceau plutôt funky "Pharaohs" qui ne manquera pas de nous rappeler "Dance wiv me" de Calvin Harris featuring Dizzee Rascal. Le public s'emballe et là, une compo inconnue vient réchauffer les cœurs avant de foncer vers l'explosif "Go bang". A partir de cet instant, c'est mission accomplie pour le jeune talent insulaire. Le show est carré. Un plan de feu ténébreux renforce ce côté mystique qu'on retrouve déjà dans les masques amérindiens des protagonistes. Bref, on est impressionné par la justesse et la maîtrise de leur art.
Pour finir en beauté, le duo met le feu au Grand Mix à l’aide de "Wildfire", suivi de près par "Never Never". De quoi mettre un terme à cette soirée musicalement intéressante. L’hybridation des styles (R&B, Soul, Electro, Dubstep, Basses music) est menée de main de maître, le métissage des populations présentes le prouve allègrement. Mais pas encore de point final, plutôt des points de suspension… car SBTRKT revient flanqué de Sampha pour une version très originale de "Right thing to do" transformée en sorte d’'Extended Mix'. Nous sommes charmés. D'ailleurs, tout le monde ressort ravi et enrichi de ce concert bien calibré.
(Organisation Grand Mix)
Rebel Rave est un projet né en 2008 destiné à mettre en exergue le travail des DJs à travers le monde, via la publication et la distribution de mixes ainsi que de compiles techno et house. La diffusion est même opérée sur leur propre chaîne TV (www.rebelrave.tv ). Au programme des sets underground proposés en ‘live’, aux quatre coins du globe.
Comme son titre l’indique, « Rebel Rave 2 » constitue donc le second volet du projet. Il est destiné à réunir la quintessence de la techno/house dispensée en 2011. Et pour y parvenir, ils ont engagé des personnages notoires tels que Jamie Jones, Glimpse, Deniz Kurtel ou encore Damian Lazarus (NDR : dont je vous conseille vivement d’écouter le set « Get Lost »).
Le deuxième volume est partagé en trois disques. Un triple opus dont les deux premières plaques sont découpées en 11 pistes. Et la troisième nous en propose 16. Soit un mix entier de Droog et un dynamique trio de producteurs: Andrei Osyka, Brett Griffin and Justin Sloe. Un collectif de DJs qui fait d'ailleurs particulièrement fureur aux USA, et en particulier à Los Angeles et Miami.
Difficile néanmoins de bien analyser les deux premiers volets du recueil, puisqu’aucun titre n’y figure. M’enfin, l’essentiel procède du troisième cd, consacré au set de Droog.
En ce qui concerne le mix, mon avis est plutôt mitigé. On est en présence d’une techno profonde, parfois impétueuse, certainement énergique et qui se révèle, ma foi, fort sympathique. Et je pense tout particulièrement à « I can't wait », caractérisé par ses accès de basse puissants et sa ligne mélodique balisée sur l’électronique. Ainsi qu’à « Radar ». Un poil trop court, sans doute répétitif, mais dont le rythme et particulièrement entraînant.
Mais il reste en bouche (ou plutôt dans l’oreille) un goût d’inachevé. Il manque tout simplement une véritable bombe musicale susceptible d’être réécoutée en boucle. De nous faire vibre, si vous préférez…
Dès lors, si vous n’êtes pas trop difficile, vous estimerez que cet album est de bonne facture. Si vous l’êtes beaucoup moins, vous lui reprocherez son manque d’originalité.
D’origine suisse, Andres Garcia est producteur. Il milite dans l’univers de la musique électronique, de type minimaliste. Son premier album remonte à 2002, et s’intitule « I am your Friend ». Dans son expression sonore, il a le bon goût d’apporter une dimension onirique et sentimentale à ses compos. En soignant les mélodies et les voix, par exemple. Des vocaux qui subliment, notamment, « I am no longer », une piste savoureuse, judicieusement partagée entre harmonies vocales douces, suaves, et électro. Cependant, on a aussi parfois l’impression de baigner dans une forme d’ambient voire de lounge.
Ce Galicien vient donc de publier son dernier opus. Un disque découpé en 9 pistes. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de toute une volée de collaborateurs, réunis sous la bannière de The Ghost. Pour la plupart des amis proches. Qui ont participé tantôt à l’écriture des lyrics ou même des morceaux. Certains titres bénéficient même de la présence d’un quatuor à cordes.
Destinée à la relaxation, cette expression sonore n’est évidemment pas novatrice. Ni transcendante, d’ailleurs. Mais elle est de bonne facture. Simplement, afin d’être appréciée à sa juste valeur, elle doit s’écouter dans un état d’esprit bien particulier. Et pas nécessairement, au calme, dans son salon. Mais plutôt en ‘live’. Et pour cause, l’artiste aux talents multiples, la met régulièrement au service de spectacles chorégraphiques. De manière, sans doute, à lui insuffler ce dynamisme qui manque cruellement à ses compostions…
L’année 2011 a été bien remplie pour Charlotte Gainsbourg. Elle a en effet accouché de son troisième enfant, ainsi que de ce double album, intitulé « Stage Whisper ».
Cet opus réunit 11 enregistrements live et 8 nouveaux titres studio, dont 4 écrits par Beck. Un Beck que l’on retrouve à la production, tout comme Noah & the Whale, The Villagers ou encore Connan Mockasin.
Sur « Terrible angels», le titre d’ouverture, l’empreinte de Beck (à l’écriture et à la production) est bien visible (ou plutôt audible). La voix de Charlotte berce littéralement « Memoir », une longue ballade. Une voix toujours imparfaite, mais qui vient se poser délicatement sur cette compo signée Conor O’Brien et Renaud Letang.
Pour le reste, cette partie ‘studio’ semble provenir de chutes de bandes, abandonnées lors d’une session d’enregistrement. De quoi satisfaire les fans, mais pas vraiment en rameuter de nouveaux. Pas de quoi non plus remonter sa cote de popularité dans les critiques, qui ont tendance à la délaisser au profit d’autres artistes issues de l’Hexagone.
Le live est bien plus intéressant et surtout diversifié. Depuis l’entraînant « IRM », caractérisé par son côté disco/pop, au plus intimiste « Just like heaven », en passant par un « Heaven can wait » plus allègre que sa version studio.
C’est d’ailleurs de ses enregistrements en public que nous est donc venue la bonne surprise. Elle qui fuyait la foule comme la peste ou semblait si angoissée lors de ses rares passages TV, nous épaterait presque par moment.
Et si à l’image de feu son père, son chant n’est jamais impeccable, Charlotte semble tout comme ‘Gainsbarre’ perfectionniste. Peut-être qu’un jour, elle parviendra à conquérir sa France…
En 1989, les Fuzztones publiaient “In heat”, un disque alors produit par Shel Talmy. La mise en forme, Le groupe semble ne jamais trop avoir digérée, puisqu’il a décidé de rééditer le disque sous sa mouture originale. En fait, à l’époque, Rudi Protrudi et Ian Astbury, el chanteur de The Cult, s’étaient liés d’amitié. Ce qui avait permis à la formation new-yorkaise de décrocher un contrat chez Beggars Banquet (NDR : alors une compagnie major !) Mais lorsque les bandes sont arrivées chez le label, il a fallu les relifter. La boîte estimait que leur musique était trop rude. L’écurie a donc choisi Shel Talmy, un producteur notoire qui avait notamment bossé pour le Who et les Kinks, pour effectuer l’opération. Le résultat et catastrophique, puisque les morceaux sont constamment noyés sous l’orgue ‘cathédralesque’, un peu comme chez certains groupes de hard rock atmosphériques.
La nouvelle version du disque est donc la plus proche possible de l’originelle. Le groupe avait même conservé les démos, dans le plus grand secret. Rudi et Jordan Tarlow (Outta Place) se sont chargés de traiter les plages, suivant leur propre philosophie ; et l’ordre du tracklisting a été complètement chamboulé. Et le résultat est plutôt concluant, puisqu’on y distingue enfin les autres instruments, et notamment les guitares ainsi que l’harmo, qui font la marque de fabrique du combo de garage revival. La bande à Protudi a voulu remettre les pendules à l’heure. C’est donc fait !
Après plus de trente années d’existence, les Fuzztones sont encore en activité et leurs prestations ‘live’ toujours aussi excitantes. Si en 1989 ils surfaient sur une vague garage, propulsée par des Chesterfield Kings, Lyres ou enocre Cynics, aujourd’hui ils peuvent se targuer d’avoir enfanté des héritiers aussi prestigieux que les Strokes ou encore et surtout The Hives…
Ensemble bordelais, Crane Angels calque son concept sur celui d’I’m From Barcelona voire de Polyphonic Spree. Ils sont nombreux : treize en tout et accordent une grande importance aux chœurs. A l’instar de leur patronyme, ce collectif réunit une bande de doux dingues. Ils ne se prennent pas la tête et n’ont qu’un seul objectif se défouler entre potes. Pourtant, leur mélange de pop, de rock et de folk pourrait évoquer Arcade Fire, si Wim Butler avait la banane à longueur de journée. Le tracklisting de « Le Sylphide de Brighton » alterne morceaux plus rapides et plus lents ; mais qui finissent toutefois toujours par exploser, tôt ou tard.
Certes, on pourra peut-être leur reprocher le manque de créativité ou encore la structure prévisible des compos de leur elpee. Mais qu’importe ! Les onze titres de cet opus libèrent une intensité jouissive impressionnante. D’ailleurs, après avoir écouté cet elpee on est totalement requinqué. Un stimulant moral qui n’est pas négligeable.
Cascao est danseur et producteur. Lady Maru est DJ à Rome. Ils sont italiens et ont décidé de partager un projet en commun. Et « Gong ! » constitue le résultat de leur collaboration.
Un opus découpé en 10 plages qui ne laisse pas indifférent. Et pour cause, énergiques, éclectiques et novatrices les morceaux sont alimentés par des mélodies plutôt étranges. Surprenantes, même. Tout comme les vocaux, d’ailleurs. Et « Bad Might », en est certainement la plus belle illustration.
« Gong ! » nous plonge donc au sein d’un univers déconcertant, déstructuré même. Parfois un peu retro. A cause des arrangements ou des synthés, réminiscents des années 80. Mais les titres les plus déjantés sont manifestement « Tropical Tasting » et « Viulenza e decadanza », deux pistes complètement délirantes, que nos deux compères parviennent pourtant à parfaitement contrôler.
Bref, ce parfum new wave voire électro punk qui baigne cet elpee n’est pas pour me déplaire et nonobstant son aspect un peu décalé, il s’avère totalement rafraîchissant. On guette déjà la suite avec impatience... et curiosité.
Du ‘russian jazz/indie’, c’est ce qui m’était annoncé, lorsque j’ai accepté de chroniquer cet opus.
Tanya Balakyrska est originaire de Kramatorsk, en Ukraine, mais réside à Dubna (NDR : c’est à 125 kilomètres, au Nord de Moscou). Elle jouit d’une certaine notoriété comme journaliste et bosse comme éditorialiste chez jazz.ru.
Après avoir participé à différents projets (NDR : notamment Fan et le trio Yekaterinburg Free-Spoken Band), elle décide de se lancer dans une aventure solo.
Dès les premières notes de « New Horizon », le ton est donné : la musique sera dominée par le jazz. Mais un jazz bien contemporain. Les interventions à la basse et les percus alimentent tout particulièrement ces pulsations rythmiques swinguantes. Une expression sonore sur laquelle vient se poser la voix de Tanya, dont le timbre peut rappeler Sade.
Si « Auburn-haired maiden » lorgne vers la lounge, et pourrait aisément sonoriser un resto branché, « Thank you god » épouse un format plus pop.
Pourtant, si les lyrics sont empreints de poésie, textes pour lesquels elle a reçu le concours de la Canadienne Sienna Dahlen, je ne retrouve pas chez Tanya Balakyrska les sonorités bien spécifiques des pays de l’Est. Et c’est cette identité propre qui manque à cet album qui devrait cependant plaire aux aficionados de Morcheeba voire de Devotchka.
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