Premier album du duo français Ana. Issu du Mans, il réunit la chanteuse Annabelle Ariane et le guitariste Xavier Renault.
Il s’ouvre par le titre éponyme : « Secret Garden » et nous partons à la découverte de leurs petits et grands secrets.
« So Love » est le morceau phare. Accompagné d’envoûtantes notes de violoncelle, il libère une puissance émouvante. La voix claire d’Annabelle nous emporte dans un tourbillon de douceur et de force à la fois. Caractérisé par son refrain entêtant, « Deserve more » est nettement plus rock,
Globalement, les autres titres sont assez commerciaux et évoquent parfois Avril Lavigne. Surtout à cause de la voix, qui oscille sans cesse entre retenue et moments où elle est poussée haut et fort, un petit côté moins agréable à l’oreille.
L’ensemble du disque est porté par la virtuosité du guitariste Xavier Renault. Il semble capable de tout jouer : du folk, du rock, avec une dextérité digne de Tracy Chapman (« Shelter »).
« My Ennemy » se démarque, à nouveau grâce à la guitare, qui nous emmène loin, très loin.
La chanteuse interprète deux morceaux en français : « Recipies » et « Je me noie ». On navigue alors entre Vanessa Paradis et Lââm. Aussi différents que ces deux styles puissent paraître.
Car Ana hésite en permanence entre deux univers, l’un tout en force et relativement commercial, l’autre plus intimiste et oh combien plus précieux.
Souhaitons-leur de poursuivre leur jolie route à la découverte des recoins plus confidentiels de leur jardin secret.
La formation louviéroise a donc décidé d’amputer une partie de son patronyme (NDR : Party Project) pour le limiter à Von Durden. « Dandy Animlas » constitue leur second opus, et il fait suite à « Death discotheque » publié en 2008.
Considérée comme du ‘stoner disco’, la musique de Von Durden ne manque ni de groove, ni de pêche. Hormis le slow un peu bateau, « Lions of grace » (NDR : un titre à proposer à Machiavel !) et le petit interlude instrumental « Ili VS Lynch (theme) », toutes les autres compos évoluent sur un tempo plus ou moins enlevé. Parfois même furieux ou frénétique.
Soulwax et Ghinzu constituent certainement les références les plus évidentes. Celles qu’ils puisent dans le cinéma sont moins évidentes, mais bien réelles. Le groupe reconnaît même y puiser son inspiration. Les influences sont peu décelables. Souvent bien digérées. Hormis l’empreinte des Stranglers époque « Rattus Norvegicus ». Elle est même manifeste. Pas sur toutes les pistes, mais plusieurs quand même. A cause du climat ténébreux (« Another Messiah »), du ton vindicatif (« She’s gone commando »), de la ligne de basse menaçante (« Sex mouth ») et surtout des claviers rognés, vintage (« Motorgasm », « Montesuma's Revenge » et lors du final « Loony Danny », même si la piste s’achève dans un accès de délire guitaristique). Une gratte qui, à l’une ou l’autre exception près (NDR : dommage, car alors le toucher y est autant subtil, judicieux, qu’élégant) se contente de découper dans le métal, à l’instar des formations indus. Elle est en outre, régulièrement soutenue par ces claviers, dans sa démarche. Des claviers ou plus exactement des synthés, qui libèrent également, de temps à autre, des sonorités 80’s (NDR : c’est l’autre trace, encore audible). Dans l’esprit d’Ultravox circa John Foxx voire même D.A.F. (« Electric Skeleton »). Souvent falsetto, les vocaux et les chœurs sont extrêmement soignés. Et ce sont eux qui apportent surtout ce petit côté pop aux compos.
Bref un album de très bonne facture, auquel votre serviteur a cependant beaucoup de mal à accrocher. Nonobstant d’excellents paramètres, une grande richesse instrumentale et une énorme dose d’intensité libérée, le canevas des compos me semblent parfois un peu trop prévisible…
Ce Dvd a été immortalise live lors de deux set, ‘sold out’, accordés par la formation insulaire, les 13 et 14 septembre 2011, au Paradiso d’Amsterdam. Le duo y est soutenu par son backing band au complet, s’est à dire Jon Thorne à la double basse, le guitariste islandais Oddur Mar Runnarson (également bassiste) et le batteur danois Nikolaj Bjerre. Sans oublier le trompettiste Kevin Davy ainsi que le trio à cordes londonien Chi 2 Strings.
J’avais eu l’occasion d’assister à la prestation de la formation mancunienne, sous la forme d’un trio (NDR : avec le bassiste), lors de l’édition 2009 du festival Cactus. Et je dois avouer être alors tombé sous le charme de leur concert. Alors imaginez sous ce line up ! Le set s’ouvre dans un style ma foi jazzyfiant (la double basse et la trompette), avant de passer progressivement au trip hop. Le soutien des cordes est magique. La voix de Lou Rhodes superbe et Andy est toujours aussi excité derrière sa console, son clavier ou au bord du podium. Le climat pourtant empreint de mystère est souvent propice à la danse, et le public (on les envie) est aux anges. Quelques interventions de percus sont également au menu, histoire de mettre encore davantage le feu. Et puis le set s’achève à nouveau dans le jazz. On ne décolle pas des yeux les images proposées par ce superbe Dvd enrichi de deux morceaux interprétés en ‘live’ à Rock Werchter (beaucoup moins bien !), de photographies et d’une interview accordée par notre duo.
Seul chez lui, Isidor Hibou a donné vie à son projet, Animaux Surround. Projet en solitaire que le Français dirige d’une vraie main de maître. De la composition, à la production en passant par la réalisation, l’artiste mène la barque. Touchant également à la photographie, il a même réalisé l’artwork de son premier Ep, « Booking Rooms ». Isidor Hibou est donc l’exemple type du DIY. De l’autodidacte, si vous préférez !
L’album s’ouvre par un premier morceau manifestement influencé par la new wave/électro anglaise des années 80. Les loops de synthés en sont la plus belle illustration. Plutôt glacée à premier abord, la musique d’Animaux Surround se réchauffe progressivement. Sur « Awake », le piano et la voix sont admirablement valorisés par de petites touches électroniques dans un style qui peut parfois rappeler le « Kid A » de Radiohead. Une accalmie de brève durée, puisque dès le morceau suivant, le rythme est à nouveau soutenu et l’énergie dispensée plus palpable. Les percussions ‘exotiques’ et la guitare font leur apparition. Par la suite, Animaux Surround incorpore des ‘cut-up’ de films et journaux. Le disque s’achève par « Booking Rooms » une plage qui nous plonge au cœur d’une ambiance davantage ténébreuse et inquiétante.
Si la mise en forme de cet Ep n’est pas parfaite, le reste l’est bien. Pour un premier essai, Isidor Hibou est parvenu à épater la galerie. Bien sûr, tout n’est pas impeccable ; mais il faut rappeler que ce « Booking Rooms » a été réalisé, de A à Z, par une seule et même personne. Et à ce titre, on ne peut que s’incliner.
Hoboken Division est un groupe français, fondé en 2011. Une formation nancéenne manifestement influencée par la musique yankee. Et en particulier le garage et le blues primaire. Celui de RL Burnside, notamment. Pourtant, Mathieu Cazenave et Marie Rieffy vouent un culte à PJ Harvey, elle bien insulaire.
Partagé en 4 titres leur premier Ep est autoproduit. Teintée de soul, la voix de Marie est puissante. Elle répond aux riffs de guitare épais mais acérés de Mathieu, dans un style rappelant tour à tour The Kills (« Headshake ») ou les White Stripes (« Happier than You »), au sein d’un univers sonore hanté par des interventions à l’orgue vintage ou à l’harmonica.
Pour un premier essai, il faut reconnaître que le résultat est probant. Simplement, il faudra que le duo digère complètement ses influences, encore trop évidentes sur leurs compos, s’il veut se forger une identité propre…
Trente années, c’est un âge des plus respectables pour un label, dans la conjoncture numérique de notre siècle hédoniste. L’occasion d’une belle fête déclinée en deux volets. Compte rendu de la première partie de ce diptyque.
Première nuit placée sous l’égide du son organique, voir ultra-sonique, ce jeudi voyait défiler quelques beaux fleurons de l’écurie.
Honneur aux couleurs locales en compagnie de Daan qui va éclabousser une nouvelle fois de son ébouriffante classe un parterre déjà bien garni sur le coup de vingt heures. En formule trio, comme sur son dernier album en date enregistré l’an passé, l’Anversois pose les jalons d’un trentième anniversaire célébré avec le bon goût dû aux égards réservé à cette quasi institution qu’est PIAS.
Un petit détour par l’autre salle me permet de vérifier tout le bien colporté au sujet de Roscoe, avant de retourner voir que la belle Agnès Obel ne s’est pas égarée dans des chemins de traverse. Toujours aussi sage, la musique de la Danoise se faufile poliment dans mon conduit auditif, telle une brise d’été.
Ce n’est pas le charismatique Tom Smith venu éprouver son répertoire en formule solo qui risquait de dénicher les toiles d’araignées jalonnant mon esprit. Cette tâche étant bien sûr confiée aux iconoclastes Ecossais de Mogwai.
Bref, une première partie de soirée plutôt calme avant le déferlement furieux du combo de Glasgow, qui encore une fois va démontrer toute la puissance mais aussi la finesse de son jeu.
Une prestation tellurique pour clôturer cette première soirée aux accents contrastés.
Organisation : PiaS
Tout récemment, je vous avais présenté le dernier l'album de Steve Cohen et de Jim Liban, deux harmonicistes du Wisconsin. Jim est également le leader de son Blues Combo. Ce " Live at Romie's " a été immortalisé en 1996. Mais je me demande quand même si les sessions d'enregistrement se sont déroulées en public (concert ou club) ou en studio, car on n'entend jamais le moindre spectateur se manifester !
Jim est flanqué de trois musiciens : Steve Dougherty aux drums, Dave Kasik à la basse, et Joel Paterson à la guitare. Jim Liban avoue pour première source d'inspiration Little Walter. Et cela s'entend. Une bonne partie des titres relevait du répertoire de Mr Walter Jacobs. Et tout d'abord l'ouverture, "Tonight with a fool". Si cet album a été mis en boîte à Milwaukee, c'est bien à Chicago que nous nous retrouvons. Entrecoupé de moments de silence bien pesés, "This ain't it" de Jimmie Rogers est interprété avec un maximum de sobriété. L'harmo est clair, concis, modulé, vivant. Jim a facilement assimilé le style de Walter. A l'instar de l'instrumental "Chicken Shack". Et s'il n’est guère un chanteur inoubliable et enthousiasmant, il parvient à tirer des sons assez incroyables de son instrument. Il le démontre tout au long de "29 ways". "Emily" est un blues lent composé par Jim. Paterson a sorti sa slide pour se faire Muddy Waters. "Take out some insurance" est traité à la manière d'un shuffle. L'harmonica bavarde à la manière de Sonny Boy Williamson II. En finale la reprise du "Blues after hours" de Pee Wee Crayton se fait late night. Vu les capacités de l'artiste, cet opus aurait pu est crédité d'une mention ‘ excellent’, je ne lui attribuerai que le ‘bon’.
Goldheart Assembly est un autre groupe de pop/rock londonien. Fondé en 2007, il reconnaît pour influences majeures les Beatles et les Byrds. Gravé en 2010, « Wolves and Thieves » constitue leur premier elpee publié sur la structure Fierce Panda (Ash, Supergrass). Il recèle toute une série de compos accrocheuses, susceptibles de paraître en single (certaines ont d’ailleurs été gravées sous ce format!). Des plages ensoleillées, enrichies de superbes harmonies vocales ‘byrdsiennes’, rappelant parfois The Magic Numbers. A l’instar de l’énergique « King of Rome » ou de l’excellente ballade « So Long St Christopher ».
Pas un opus transcendant, mais rafraîchissant. Avant une future consécration ? La bande à James Dale est en effet occupée de travailler sur un second long playing, qui devrait sortir dans les prochains mois !
Lendemain de Saint-Valentin au goût de sang séché. L’ex-Virgin Prunes enveloppait de son aura la scène du Muziekodroom pour une prestation théâtrale de haute volée ; et c’est toute l’assemblée qui va se prosterner devant ce monstre sacré.
Jamais avare dans ses représentations, l’Irlandais dont les veines regorgent de mille tourments bouillonnants, livrait ce mercredi un nouveau chapitre consacré à la comédie de la vie.
Flirtant comme d’accoutumée avec les codes du cabaret et découvrant les pans de sa théâtralité, le spectacle donne lieu à une représentation quasi picturale d’un univers léché, sombre et habité.
Il y a d’une part l’homme, dont l’imposante stature force le respect. Tenue de scène sévère et subtilement provocante. Une présence unique en son genre.
Et puis la musique. Contraste saisissant entre force et subtilité, dans un combat éternellement livré.
Il y a cette humanité qui se devine dans le regard, cette passion qui transpire par tous les pores de la peau, cette vérité qui s’inscrit en lettres écarlates dans le reflet de ce qu’il reste d’hier et se devine dans l’aube des jours à venir.
Puis un monde où la beauté se décline en une palette infinie de nuances enchanteresses.
Et au sein de ce monde, Gavin Friday nous compte des histoires qui suintent l’embrun, la bière, et le vin.
Brassant les vents mauvais et les mers belliqueuses de l’âme humaine avec la vision d’un artiste ivre de vie, ses chansons colorent l’espace et tintent aux oreilles du temps.
Entre réminiscences du passé (« Caucasian Walk » des Virgin Prunes) et étreinte douloureuse (« Apologia »), relecture du classique du grand Jacques « Au suivant » (« Next ») et ode à l’existence (« I want to live »), jamais la mièvrerie ne trouve place dans un set mené sur un rythme enlevé, ponctué de touches d’humour et de grands moments de générosité.
En rappel, le « Five years » de Bowie rappelle l’admiration que voue Friday à l’homme au regard vairon.
Par après, la nuit pouvait bien se départir de son manteau sombre, tant la soirée avait été lumineuse.
(Organisation : Muziekodroom)
Pour leur 3ème passage dans notre pays, Azari & III avaient jeté leur dévolu sur l’Orangerie du Botanique. Le lieu idéal pour y présenter les bombes dancefloor de leur premier LP éponyme. A deux doigts du sold-Out, la salle bruxelloise a vibré comme elle l’a rarement fait. Parce qu’Azari & III en ‘live’, ça dégomme autrement que sur disque.
Les Canadiens d’Azari & III s’arrêtaient donc chez nous ce dimanche 12 février, après une visite au défunt Libertine Supersport et il y a quelques semaines à Louvain. Christian ‘Dinamo Azari’ Farley et Alphonse ‘Alixander III’ Lanza remettaient le couvert dans la capitale pour une nuit disco à souhait. Dans leurs valises, Karin Park, une première partie aussi large que mon index. La Suédoise au brin de voix à la Björk et Karin Dreijer dispense une electro-pop dark fortement influencée par The Knife. Sans pour autant marquer les esprits.
Ensuite, c’est au tour d’Azari & III de prendre possession des planches en se plaçant derrière leurs platines. L’illustration du disque occupe le fond de la scène. Et devant, ce sont Fritz Helder et Cedric Gasiada, les deux vocalistes, qui s’installent face aux micros. Le ton est donné par le magnifiquement kitsch pantalon-fuseau d’Helder et par les chorégraphies des deux hommes. Une déferlante de beats s’ensuit. Les morceaux de « Azari & III » passent sans accro la rampe du 'live'. Mieux encore, les deux DJs y magnifient leurs compositions sous cette mouture.
Sous l’Orangerie, le public est chaud comme on la braise. Dans l’assistance, on repère autant la fashion victim que le perdu qui se demande ce qu’il fait là. Mais la force du duo (quatuor ?) est de fédérer en deux temps trois mouvements. A gauche, à droite, devant, derrière, pas une seule paire de jambes demeure statique. La dernière fois que votre serviteur a eu la chance d’assister à un concert au Botanique où le public ne faisait qu’un, remonte déjà au passage de !!!, en novembre 2010. « Hungry For The Power », « Manic », « Reckless (With Your Love) », « Into The Night », tous les tubes de leur LP éponyme y passent.
Le seul morceau qui a fait tache dans leur setlist autrement impeccable est cet « Undecided », coupable d’avoir fait retomber la pression un court moment. Mais Azari & III auront très rapidement rectifié le tir en balançant un « Indigo » et autre « Tunnel Vision » plus qu’efficaces. Le show des quatre acolytes se referme une heure à peine après son lancement. Les Canadiens s’en vont sans se retourner après avoir acceuilli le bon tiers de l'assitance sur la scène pour une dernière danse. Pas grave, on a bien sué ce soir. Et si ce n’était pas Dimanche, dieu sait que la fête aurait bien pu continuer jusqu’aux petites heures sans que l’on ne s’en plaigne…
Organisation : Botanique
Lorsque l’aventure du Ladybird Lala Band (NDR : la formation est alors considérée comme l’Arcade Fire français) prend fin, nous sommes en 2008. L’ex-leader du groupe, Marceau Boré, n’a pas envie d’abandonner sa carrière musicale, même s’il doit se lancer seul dans l’aventure. On connaissait la prédisposition des ensembles hexagonaux à bosser sous un format réduit ; mais chez Piano Chat, la formule frise l’autisme. Le Tourangeau s’est limité à des loops et à un kit de batterie. Pour un résultat finalement plus que satisfaisant. Que faut-il de plus ?
Ce projet solo catalogué ‘rock’ a été mis en forme par Jey Vassereau, le guitariste de Pneu. De quoi craindre les expérimentations à outrance ou encore une explosion de décibels. Pas du tout ! Piano Chat aime les mélodies et le chant. Sa noise rappelle tantôt Fugazi (« Ours Molaire », « We Always are Foreigners »), tantôt Sonic Youth (« My Muddy Knees »). Le dossier de presse a beau mentionner Arcade Fire comme référence, la comparaison me semble tout à fait futile.
On retrouve tout au long de cet opus, tout ce qu’on aime : la folie, le sens mélodique et une grosse dépense d’énergie. Autant de bonnes raisons pour écouter le premier album de Piano Chat. Enfin, afin d’éveiller votre curiosité, il vous est aussi loisible d’aller chercher, l’origine du patronyme choisi par Boré : ‘piano chat’. La réponse ne manque pas de piquant.
Des chansons sans paroles, des mélodies qui nous emportent. Perils of Penelope est un jeune groupe tournaisien, dont certains membres frôlent du bout des doigts la vingtaine d’années.
Après avoir accordé des concerts dans leur région, pendant quelques années, ils voient enfin leurs projets se concrétiser. “This product is not a toy” constitue leur premier opus, et il réunit sept titres.
Leur musique parle d’elle-même. Normal, puisque la formation émarge au post rock. Il serait d’ailleurs bien maladroit d’y intégrer des parties chantées. L’expérimentation sonore est riche, les rythmiques sont inspirées et les notes semblent se balader aisément sur les partitions.
On leur reprochera néanmoins une structure de composition un peu trop téléguidée. Aussi, en voyageant sur les pistes musicales, on a parfois l’impression que les morceaux se ressemblent.
Perils of Penelope doit encore mûrir. Si le combo touche tout doucement à la reconnaissance, il lui sera nécessaire d’évoluer et d’innover, pour ne pas sombrer dans l’anonymat d’un style qui commence tout doucement à se mordre la queue. Et s’il y parvient, il pourra encore longtemps nous entraîner au pays des chansons sans paroles, en toute simplicité…
Constamment la tête dans les étoiles, les doux-dingues d’of Montreal sont de retour sur terre, deux ans après les divagations irrésistiblement pop-funk et R’n’B d’un « False Priest » trusté de tubes. Jamais à court d’idées, la joyeuse bande menée par Kevin Barnes a, cette fois, décidé de lorgner vers un univers résolument psyché et progressif. Un nouveau changement de cap ! Et ce n’est pas une réelle surprise, car depuis 1996, le groupe d’Athens (Géorgie) n’en a jamais fait qu’à sa tête…
« Paralytic Stalk » est peut-être leur album le plus ‘ambitieux’ à ce jour et rejoint en ce sens la démesure d’« Hissing Fauna… are You the Destroyer ? », mais sans sa salvatrice instantanéité pop toutefois. Les morceaux sont denses et riches ; et le groupe continue à puiser son sens mélodique au cœur des 80’s sans pour autant négliger les influences ‘space-pop’ chères à un David Bowie sous acide. Un constat flagrant tout au long de l’épopée « Gelid Ascent ». D’ailleurs le début de l’opus a de quoi enthousiasmer : entre le single « Dour Percentage », caractérisé par ses interventions de saxos et de flûte, « Wintered Debts », chanson d’amour contrariée et presque douce, qui démarre dans le style d’Elliott Smith pour s’achever dans celui de Steve Reich, et « Ye, Renew the Plaintiff », atteint d’une folie à tiroirs de. of Montreal démontre ici que son degré d’inspiration et d’originalité flotte bien au-dessus de la moyenne. Malheureusement, le climat se gâte, en fin de parcours, lorsque la formation décide de s’aventurer dans la pop expérimentale. Celle au sein de laquelle excelle Sufjan Stevens. Or les compos de Barnes n’ont pas son évidence mélodique. Les deux derniers titres comptabilisent 20 minutes d’exploration bruitiste et avant-gardiste. Pas vraiment utile et finalement lassant, même si la démarche peut s’avérer audacieuse. Dommage ! Car limité aux 7 premiers titres, ce disque aurait révéler un Ep de toute beauté.
Impressionnant lors de ses concerts, l’ensemble aussi fantasque que flamboyant américain se produira ce 21 avril, à l’Orangerie du Botanique.
« Que du vent » constitue le quatorzième opus du groupe québécois. Ces vaillants et chaleureux cowboys chantent dans la langue de Molière. Et leur accent est bien sûr savoureux. Leurs rythmes endiablés et entraînants nous enivrent. Les airs sont festifs et contagieux, si bien qu’à peine écoutés, on a envie de les fredonner.
« Que du vent » est découpé en onze titres, tous très différents. Mais particulièrement rafraichissants. Les textes sont éclectiques. « Paris-Montréal » évoque la douleur consécutive à la séparation d’un couple ». « Comme Joe Dassin » rend hommage au défunt chanteur français. « Télé » adresse un clin d’œil aux passionnés de téléréalité.
Les chansons communiquent une bonne dose de bonne humeur et de peps. A écouter quotidiennement pour bien démarrer sa journée, et garder un moral d’acier !
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