Au début des années 90, le métal cherchait à se renouveler en mariant les genres. La fusion était partout. On mixait tout et n’importe quoi. Funk, Rap, Jazz, World Music tout passait à la moulinette métallique.
L’Amérique latine, comme le reste du monde, n’était pas épargnée. En 1989, à Caracas au Venezuela, quelques solides gaillards se prennent au jeu. Ils décident d’injecter massivement des percussions traditionnelles afro-américaines, à un cocktail de métal lourd et de hardcore. Ils choisissent pour patronyme Laberinto (Labyrinthe en espagnol) et, dans la foulée, baptisent leur création artistique de ‘Metalatino’. Dès 1992, le groupe s’expatrie et s’installe à Amsterdam, bien décidé à faire découvrir son style multiculturel révolutionnaire aux Européens. De son pied-à-terre batave, Laberinto édite album sur album : “Laberinto" (1995), "Priority" (1996), "Freakeao" (1998), “Laberinto Live" (2000), "Another Style” (2000), “Decada" (2003) et “The World Might Suck – Laberinto Featuring Osdorp Posse” (2008). Les Vénézuéliens se forgent aussi une sérieuse réputation scénique en tournant aux quatre coins du monde.
En 2010, Abel Canizales (Guitare), Marco Toro (Batterie & Percussion), Gregorio (Basse) et Miguel Padron (Percussion) durcissent le ton et recrutent un frontman hollandais charismatique et burné répondant au nom de Ronny Tuinman. Cette évolution vers un style plus extrême est plutôt judicieuse ; et pour cause, leur nouvel opus, « Mask Of A Thousand Faces », devient l’album ultime du métal ethnique : furieux et exotique à la fois. Une basse qui slappe autant qu’elle groove, d’énormes riffs de guitare, des percussions tribales, des soli à faire pâlir n’importe quel adepte du shredding et une voix hurlée, à la limite du métal et du hardcore. L’appellation ‘Metalatino’ semble soudainement bien réductrice : ‘Samba Post-Thrash’, ‘Funk Metal Extrême’, ‘Metal Urbano-tribal’, ‘Carnavalcore’ tous ces termes correspondraient mieux au Laberinto millésimé 2010. On pense bien sur à Sepultura, à Soulfly pour le côté métal moderne, extrême et tribal, mais aussi aux Parisiens d’Abinaya pour les percussions savamment intégrées. Laberinto y ajoute ses influences typiquement latino, mais aussi du funk, du groove et du feeling, le tout servi par une technique remarquable.
Laberinto vient de livrer sa meilleure réalisation en vingt-et-une année d’existence. Un voyage ultime entre modernité urbaine et tradition tribale. Ne passez pas à côté de cette plaque !
Kazumasa Hashimoto n’en est pas à son coup d’essai. Déjà responsable d’une discographie comptant 5 éléments (4 LPs et 1 B.O.), le Japonais propose un cinquième recueil studio d’une qualité inattendue. « Strangeness » est le type même de disque dont la sortie (trop) discrète constitue un véritable gâchis pour l’auteur. Il ne faut être pas forcément familier à l’univers d’Hashimoto pour deviner, dès la première écoute, que l’homme a de la suite dans les idées.
« Strangeness » unit très subtilement une pop bucolique à des arrangements post-classiques. Et pour la première fois de sa carrière, le maestro introduit des parties chantées au sein de ses compositions. Gutevolk, artiste relativement inconnue dans nos contrées, accompagne au micro son compatriote. La combinaison des douces vocalises de Hirono Nishiyama (NDR : le vrai nom de Gutevolk) et de la touche éthérée des arrangements d’Hashimoto confère à l’ensemble une fascinante atmosphère séraphique.
Un seul reproche est à adresser à ce « Strangeness ». Le disque se clôture sur le titre-maître, une plage instrumentale de plus de 20 minutes qui, sans être tout à fait lassante, aurait gagné à n’en compter que la moitié. Mais peut-être est-ce là la manifestation d’un esprit nébuleux préférant l’abondance des idées au confinement pur et simple de l’imagination… Vivement conseillé.
Peter Gabriel a marqué la jeunesse de bon nombre de mes contemporains. Votre serviteur y compris. Sous sa houlette, il a écrit les plus belles pages de l’aventure de Genesis. Et de l’histoire du rock aussi. En quittant le navire, dès 1975, pour embrasser une carrière solo, il a aussi laissé le trio Collins/Rutherford/Banks exsangue de créativité, mais pas de rentabilité… L’Archange sort son premier elpee en 1977. Il est éponyme et contient le fabuleux « Solsbury hill ». Les disques se succèdent, et s’ils rencontrent un succès planétaire, ils sont aussi et surtout le reflet de son talent et de son imagination débordante. Outre sa discographie, ses concerts soulèvent toujours l’enthousiasme. Mais Peter ne se contente pas de son parcours artistique ; il s’engage également auprès de diverses associations humanitaires et puis se consacre à la popularisation de la world music, via son label Real World. Depuis 2002, année de sortie de son elpee ténébreux « Up », il avait mis la pédale douce, ne se manifestant qu’à l’occasion de l’une ou l’autre tournée. Le plus souvent pour défendre des valeurs sociales et humaines fondamentales. Comme la paix dans le monde, le respect des droits de l’homme, etc.
Après huit longues années d’attente, on était donc en droit d’attendre une autre merveille de la part du (aujourd’hui) sexagénaire. Première mauvaise nouvelle, ce disque ne recèle aucune nouvelle chanson. Rien que des reprises. Aussi bien d’artistes ou groupes mythiques (Bowie, Paul Simon, Talking Heads, Neil Young, etc.) que contemporains (Arcade Fire, Elbow, Radiohead, Bon Iver, etc.) Deuxième mauvaise nouvelle, toute instrumentation pop ou rock a été purement et simplement balayée. Pas de batterie, de guitare ou de basse. A la place un piano : celui de Tom Cawley. Et puis un orchestre symphonique : le London Scratch Orchestra. Le tout a été mis en forme par Bob Ezrin (producteur, entre autres de « The Wall » du Floyd) et a bénéficié des arrangements de John Metclafe (Durutti Column). Bref, un emballage somptueux, exceptionnel. Reste la voix de Gabriel. Rocailleuse, granuleuse, elle se contente cependant trop souvent de murmurer. Résultat des courses, l’ensemble manque cruellement de relief. Et au bout de quelques titres, soit on arrête les frais, soit on est envahi par une certaine forme de spleen. Et on s’em***** ferme ! Pourquoi avoir calqué ces exercices de style sur un même mode linéaire ? Un peu de folie, de rythme et d’exaltation aurait permis à cette œuvre de décoller… En grattant ( ?!?!) quatre ou cinq couches de vernis, les inconditionnels de l’artiste ont découvert une multitude de richesses cachées. Elles sont vraiment bien cachées alors… Reste à voir sur les planches. Là ou l’Archange peut donner une autre dimension à sa musique. A ces compos ! Visuelle, par exemple. Il est d’ailleurs parti en tournée, en compagnie d’un orchestre de 54 musiciens. Désolé Gab, mais ce n’est pas parce que t’as 60 balais, qu’il faut t’endormir sur tes lauriers… Ah oui, et pour que votre info soit complète, sachez que les artistes repris ici ont été invités à adapter une compo de Peter, versions destinées à figurer sur une compile qui sera intitulée « I’ll scratch yours », et dont la production sera à nouveau confiée à Bob Erzin. Pourvu qu’ils n’aient pas la mauvaise idée de les rendre trop ‘piano’…
First Aid Kit est le joli sobriquet médical choisi par les sœurs Klara et Johanne Söderberg, respectivement âgées de 16 et 19 ans. Un duo familial probablement fondé au coin du feu, non loin de Stockholm. Le groupe s’est forgé une petite armada de fans depuis février 2009 et la sortie de leur Ep inaugural, « Drunken Trees », sur le label du duo The Knife (NDR : ce sont des compatriotes !), Rabid. Rapidement signé sur Wichita pour la distribution européenne, First Aid Kit a publié en janvier son premier elpee, « The Big Black and The Blue ».
Les jeunes sœurs pratiquent une forme de country-folk, ma foi forte conventionnelle. Et « The Big Black and The Blue » en est une parfaite illustration. L’originalité n’est d’ailleurs pas un objectif principal chez First Aid Kit. Les compositions creusent d’ailleurs le même sillon que leurs aînés Alela Diane (NDR : l’influence est flagrante sur « Heavy Storm »), Bosque Brown, Fleet Foxes (NDR : dont elles reprennent régulièrement leurs chansons, en concert) ou encore Mariee Sioux. Les frangines ont déclaré être fans de Gram Parsons et de Conor Oberst. Elles parviennent à capturer le sens mélodique du natif d’Omaha ainsi qu’une certaine forme d’atemporalité de ses compos. Mais pas à y injecter cette étincelle d’émotion, si caractéristique du trentenaire. Néanmoins, vu la qualité du travail d’écriture des deux divas, et la maîtrise de leur sujet, les carences s’estompent assez rapidement. D’autant plus que leurs voix sont superbes. De quoi permettre au mélomane de se lover dans leurs comptines délicates. Et d’y prendre un plaisir certain. Ténébreux, leurs lyrics sont souvent liés à l’univers marin. Un peu comme si elles étaient le fruit des divagations américaines de Laurent Chalumeau. Mais le plus important, c’est qu’elles se marient parfaitement à l’instrumentation. Epurée. Essentiellement acoustique. Et pourtant, c’est lorsque les deux artistes osent élargir leur univers sonore, qu’elles se montrent les plus intéressantes. Notamment tout au long de « A Window Open », une compo parcourue d’un clavier vintage. Ou lorsque le tempo s’élève et s’excite quelque peu. A l’instar de « I Met Up With the King ». De quoi démontrer que la paire possède un potentiel. Mais susceptible d’être développé et surtout à bien explorer.
“The Big Black and The Blue” est une œuvre finalement, dans les grandes lignes, bien meilleure que celle que nous a légués dernièrement Alela Diane. De quoi démontrer que le talent n’attend pas nécessairement le nombre des années. Jamais la Suède ne s’était aussi bien projetée au cœur du Midwest américain ; et pourtant ce n’était pas faute d’essayer… Pensez à Nolaï Dunger et Christopher Astrom, pour vous en convaincre. Souhaitons simplement qu’au fil du temps, First Aid Kit parviendra à guérir bien plus que des petits bobos. Pour atteindre cet objectif, il leur appartiendra de se libérer de leurs influences ‘americana’, parfois trop contraignantes. A applaudir le 9 avril au Botanique !
Pour cette chronique, j’avais pensé à une intro marrante. Du style ‘Un groupe du Nord de la France qui fait du stoner… euh… du Ch’toner alors ?’ Spirituel, non ? Effectivement ; mais pas vraiment original, puisqu’une petite recherche sur la grande toile m’a fait comprendre que d’autres y avaient pensé avant.
Fort heureusement, les Lillois d’El Gato sont un peu plus originaux pour concocter de la musique que votre serviteur pour faire de l’humour (NDR : qui a dit à deux balles ?) On peut même ajouter que pour la singularité, nos voisins du Nord (de chez eux, mais du sud de chez nous) ne sont pas en reste. Leur recette de Rock Alternatif est aussi unique que savoureuse. Pour résumer en quelques lignes : ils empruntent les riffs plombés du stoner et les mêlent à presque tout ce qui est sorti de la norme, dans le rock, depuis les années 90.
Leur recette ? Prenez un plat, étalez-y une bonne couche de riffs bien gras (comme ceux des Queens Of The Stone Age, par exemple), ajoutez une bonne dose de grunge seattlenesque (NDR : pensez à Nirvana !) et un bouquet garni de rock alternatif (une branche de Pixies, une feuille de Smashing Pumpkins, un brin de dEUS). Et pour donner du goût, deux gousses de Placebo. Enfournez dans votre lecteur Cd pendant 44 minutes et 44 secondes (la durée de l’album). Un véritable régal !
Eagle Seagull ! C’est le type de pseudo que l’ornithologue Jonathan Meiburg (Shearwater) aurait adoré. On imagine alors un univers sonore étrange, traversé par un oiseau de grande taille, les ailes toutes grandes déployées, au-dessus des flots de l’océan. Beau et ambitieux à la fois… Sous ce patronyme, se cache cependant une formation américaine. Issue de Lincoln, dans le Nebraska. Fondée en 2004 et peu connue chez nous, elle avait déjà commis un premier album en 2006 et un Ep en 2008. Eli Mardock est le leader de ce quatuor.
Eagle Seagull pratique une musique empreinte de lyrisme et de mélancolie. Mais une mélancolie qui peut se muer en joyeux bordel. A un tel point qu’elle peut engendrer un sentiment d’optimisme. Les parties vocales sont propices à l’exaltation de l’âme. Les crescendos irrésistibles. L’instrumentation est soignée et mélodieuse. Bref, leur mélange subtil entre rock et new wave, évoque tour à tour Arcade Fire (« I Don’t Know if This is Ignorance or Transcendence »), Pulp (« I’m Sorry but I’m Beginning to Hate your Face »), Get Well Soon (« We Move Like Turtles Might ») et surtout David Bowie. Ces oiseaux de mer arborent un plumage largement suffisant pour séduire le plus grand nombre ; mais pour l’instant, doivent se contenter d’un malheureux succès d’estime. Un sort injuste tant les compositions de « The Year of How-To-Book » sont belles, émouvantes, intenses et excitantes. Mention spéciale, cependant, aux irrésistibles « You Can’t Call Yourself a Secret » et « I’m Sorry But I’m Beginning To Hate Your Face », dignes des meilleures compos de Jarvis Cocker ! Produit par Ryan Hadlock (The Gossip, Blonde Redhead), cet opus a été judicieusement enrichi d’arrangements de cordes ainsi que de chœurs allègres mais classieux.
Eagle Seagull se produira ce 27 avril au Witloof Bar du Botanique et le 28 au Cactus à Bruges. Une bonne occasion de les découvrir dans un environnement intimiste, avant que les salles de plus grande capacité leur ouvrent les bras…
Le prophète Scroobius Pip et son apôtre Dan le Sac nous en avait mis plein les oreilles en 2008, en publiant un « Angles » providentiel, alliant à la perfection Slam et beats Electro-Hip Hop. Adulé ou haï par la presse, sans demi-mesure, l’œuvre introductive du duo a produit son effet, ne laissant personne indifférent. En 2010, le duo effectue son retour en éditant « The Logic Of Chances », un pamphlet calqué sur le principe du précédent opus. Et le verdict est sans appel. Pas bien. Pas bien du tout, les gars. Lorsqu’une formation cherche à reproduire, à tout prix, l’effet de son œuvre initiale, elle perd de son charme, de son efficacité et tout l’intérêt qu’on pourrait lui porter. S’ils n’étaient pas aussi bons sur scène, « The Logic Of Chance » sonnerait probablement le glas de Dan Le Sac vs Scroobius Pip.
Le premier tiers de cette nouvelle livraison, l’hymne Drum’n’Bass « Sick Tonight » en tête, laissait pourtant entrevoir une galette digne de ce nom. Le côté moralisateur des textes de Scroobius Pip est ici exacerbé par les beats fadasses de Dan Le Sac. Quelques éclairs de génie parcourent le disque mais il s’agit d’instants fugaces qui ne durent qu’une poignée de secondes. « Cowboi », la plage de clôture, porte un coup de grâce phénoménal à la plaque. Véritable assassinat artistique, le titre doit probablement constituer l’un des plus mauvais morceaux de 2010. Première grosse déception de l’année…
Fondé en 1992, Built To Spill nous vient de Boise, dans l’Idaho. Une formation responsable à ce jour de six albums, dont bien sûr le dernier en date, « There is no enemy ». Doug Martsch en est toujours le leader. Le chanteur/guitariste aussi. Et pose son timbre délicat, nasal (NDR : évoquant tour à tour Jonathan Donahue ou Wayne Coyne), sur des mélodies contagieuses, mélancoliques, limpides, sculptées dans des accords de guitares noisy/pop, souvent torturés, toujours chatoyants, mais jamais frénétiques. En cause, une production et des arrangements particulièrement soignés. L’elpee recèle quelques ballades plus léchées, mais toujours agréables à écouter. Il y a même de la trompette sur « Things fall apart ». Mes coups de cœur iront cependant au lancinant et très électrique « Oh yeah », au sophistiqué « Lifes’ a dream » (Mercury Rev ?) ainsi qu’au seul morceau punk de l’elpee, « Pat ». Abrasif, incandescent et sauvage, il évoque même les débuts de Placebo. Un univers sonore qui devrait plaire aux mélomanes qui apprécient Luna et The Church. Et Mercury Rev. Pour que votre info soit complète sachez que lors des sessions d’enregistrement, le combo a bénéficié du concours de Sam Coomes (Quasi), Roger Manning (Jellyfish), Scott Schmaljohn (ex-Treepeople), Paul Leary (Butthole Surfers) et du violoncelliste John McMahon.
The Bear That Wasn’t n’est pas un ours mal léché, mais plutôt un nounours à la douceur réconfortante. Un animal mélomane incarné par un jeune flamand répondant au nom de Nils Verresen. Ce Belge met son timbre vocal angélique, délicat, au service d’une musique acoustique, intimiste, afin d’apaiser les esprits des bêtes sauvages les plus terribles de la terre que sont les hommes. Nils a tiré cet étrange pseudo d’un livre pour enfant écrit par Frank Tashlin, membre de l’équipe des Looney Tunes. Finaliste du célèbre concours ‘Humo Rock Rally’, il a enregistré son premier album et s’est rapidement lancé dans une tournée un peu folle à travers la Belgique… Un périple illustré sous la forme d’un défi : dénicher 365 amis via Facebook, prêts à l’héberger et le nourrir pour une nuit en échange d’un concert privé ! Pari osé et réussi filmé par TRS, déjà responsable du très beau reportage sur la tournée de Soulwax. Les aventures de cet animal nomade sont à découvrir au jour le jour sur le site Web de l’artiste.
La musique de notre mystérieux mammifère s’inscrit dans la lignée de certains jeunes songwriters américains, apparus au cours de ces dernières années, tels Conor Oberst ou M. Ward. Tout au long d’« And So It Is Morning Dew », Nils nous propose des compos sculptées dans l’indie folk, des chansons empreintes d’une grande simplicité, respectueuses des traditions et à la sensibilité mélodique évidente. Malheureusement, l’elpee ne recèle pas vraiment de titre-phare. Et encore moins de tube éventuel. Et puis, au fil de l’opus, le minimalisme ambiant devient franchement lassant. D’autant plus que Nils semble, progressivement, ne plus parvenir à habiter ses chansons. A contrario, lors des premiers titres, l’apport de cordes et/ou de chœurs donne une toute autre dimension à son expression sonore. Et je pense tout particulièrement à « The Little Witch And The Brave Boy Are Going To Venus » et « Headphones », deux plages susceptibles de nous entraîner au sein d’un univers paisible, à des années-lumière du vacarme quotidien. Du potentiel et du talent pour cet artiste made in Belgium, mais aussi encore du pain sur la planche, s’il souhaite passer un pallier et ne pas en rester au stade de promesse.
En concert le 8 avril à l’Ancienne Belgique.
Les fans le savent. Autechre, c’est pas de l’électro de branleurs. On est loin des gros beats putassiers de chez Ed Banger et consorts. Deux ans après « Quaristice », les Anglais dispensent déjà leur dixième leçon. Une leçon à laquelle tout le monde est conviée. Car « Oversteps » est probablement l’un des disques les plus accessibles du duo. Dans la veine de leur « Amber » (1994), cette nouvelle livraison libère une techno minimale proche de l’ambient cérébrale. Faisant preuve d’une technicité à toute épreuve, Rob Brown et Sam Booth emmène l’IDM toujours plus loin, là où leurs confrères n’osent pas toujours aller ou s’y essaient, sans jamais vraiment atteindre cet état de conscience artistique supérieur.
Autechre est de ces formations qui, quasiment à chaque publication, repousse les limites du genre sans pour autant créer une mélasse rédhibitoire et/ou élitiste. Classieux jusque dans les moindres détails, Autechre a fait appel à la boîte de graphisme The Designers Republic, habituée des collaborations avec Warp Records, pour créer l’artwork du recueil. Un choix plutôt logique tant les travaux de la boîte épousent à la perfection les subtilités et l’intelligence du labeur des deux Sheffieldiens. « Oversteps », nouvelle réussite à leur actif, devrait vraisemblablement réconcilier ceux qui étaient restés sur leur faim à la sortie du mitigé « Quaristice ».
Apprivoiser « The Maximalist », la deuxième galette de Thomas White, n’a pas été une mince affaire. Tout d’abord, parce qu’il a fallu, déjà, trouver le courage de passer outre son ignoble pochette. Ensuite, pour assimiler cette profusion d’idées qui parcourt le disque, sans le moindre fil rouge. Mais l’ancien membre fondateur de The Electric Soft Parade ou honoraire chez Brakes et British Sea Power, est fort. Très fort. Car « The Maximalist » est truffé de cavillations. Et donc, pour appréhender tous les détails qui lui auront échappé au terme de la première écoute, l’auditeur se sentira presque obligé d’appuyer une seconde fois sur play. Voire une troisième et une quatrième fois. Et ainsi de suite.
« The Maximalist » évolue entre rock progressif, psychédélisme, pop et musiques électroniques. Thomas White y fait preuve d’une véritable soif d’expérimentations. Tant, parfois, que son œuvre est difficile à suivre et s’aventure aux limites de la schizophrénie. Mais le génie du jeune musicien procède de sa capacité à ne pas relâcher la tension et à créer des compositions réellement évolutives. En d’autres mots, exactement ce que l’on peut attendre d’un (bon) recueil de Prog Rock, à l’ère de la suprématie des machines. « The Maximalist » est le fruit d’un long travail de quatre années. Le résultat ne peut s’écouter que manifestant une attention particulièrement soutenue. Un Ovni percutant.
En 2005, Vex’d publiait « Degenerate », un premier album qui allait très vite placer le Dubstep sur la carte des tendances à suivre de près. Cinq ans plus tard, le moins que l’on puisse dire est que le genre s’est définitivement ancré dans le paysage audio-sensitif comme une valeur sûre. Normal, vu les porte-drapeaux tels que Burial, Flying Lotus, Hudson Mohawke, Samyiam ou plus récemment Gonjasufi et The Gaslamp Killer. Le duo british profite donc de cet engouement pour présenter une série de morceaux écrits entre 2006 et 2007, juste avant la mise à mort de la formation. « Cloud Seed » n’est donc pas un véritable album, mais une compilation de compositions oubliées.
Ces morceaux devaient, à l’époque, constituer le point de départ du second ouvrage de Jamie Teasdale et Roly Porter, alias Vex’d. Mais les deux hommes ont préféré prendre des chemins opposés, laissant en plan toutes leurs expérimentations. Sous l’impulsion du label Planet Mu, Teasdale et Porter lèvent aujourd’hui le voile sur un travail qui, dans d’autres circonstances, aurait probablement été injustement délaissé. « Cloud Seed » réunit donc dix plages oscillant entre IDM et un Dubstep obscur à la Burial, mettant davantage l’accent sur la technique que sur l’accessibilité. L’atmosphère, généralement pesante, donne toute sa profondeur et sa cohérence à une compile qui aurait pu aboutir sur une suite de morceaux disparates. Car « Cloud Seeds » compte également quatre travaux de rénovation effectué par le duo pour le compte de Plaid, Gabriel Prokofiev, Distance et John Richards. Mais même ces remixes s’intègrent parfaitement à l’ensemble. Vex’d a beau être mort, il laisse derrière lui un héritage incroyablement pertinent. Aujourd’hui plus que jamais.
Une multitude de groupes et artistes pop, rock, metal, punk, blues et autres sont nés à Boston, au cours des 4 dernières décennies. Parmi les plus notoires, on épinglera The Enemy, le défunt Morphine, les Pixies et surtout Dropkick Murphys. Qui justement participe chaque année aux week-ends de fêtes de la Saint-Patrick, devant des milliers de spectateurs. Un événement qui se déroule au Sud de Boston, où la communauté est d’origine irlandaise. Pas étonnant que le punk celtique y fasse un tabac. Moins connu, State Radio appartient également à cette scène. Mais à contrario de leurs camarades, les trois Américains ont décidé de troquer les hymnes celtiques contre du reggae. Du vrai, du tatoué ! La plupart des morceaux de cet elpee sont d’ailleurs dynamisés par ces rythmes jamaïcains. Les guitares rebondissent sur des rythmes saccadés. La voix évoque celle de Bradley Nowell (Sublime). Certaines compos sont enrichies de cuivres. A l’instar de « Doctor Ron The Actor ». Une compo qui fustige la société de consommation contemporaine. Faut dire que leurs lyrics sont engagés (NDR : comme par hasard). Des textes qui condamnent également la politique extérieure de leur mère patrie, comme sur « Bonhemian Grove ». En y ajoutant un petit ‘Jah’ et quelques ‘Babylone’, la panoplie du parfait rasta était complète.
Tout au long de leur opus, State Radio communique la bonne humeur. Rien de tel, par ailleurs, pour se lever du bon pied, le matin au saut du lit. Certaines mélodies sont même particulièrement contagieuses. Et puis ces Etatsuniens sont loin d’être des manchots. Malheureusement, leur solution sonore manque d’originalité. De ce long playing, j’épinglerai quand même encore un « Let It Go », au cours duquel les Bostoniens célèbrent leurs racines. Ou un « Knights of Bostonians » digne d’un hymne irlandais. Le refrain repris en chœur par les trois Américains est une ode à la Guinness (NDR : santé !) Quant au country rock « Blood Escaping Man », il pardonnerait presque la demi-dizaine de morceaux reggae endurés auparavant. Pas une raison, néanmoins, pour pavoiser…
Le second album de Blood Red Shoes est paru ce 1er mars 2010. Et il s’intitule « Fire Like This ». Réputé pour ses prestations incendiaires, le duo de Brighton est réduit à un couple. A l’instar des Kills et des White Stripes. Steven Ansell se charge de la batterie et Laura-Mary Carter, la guitare. Ils se partagent les parties vocales. Steven et Laura-Mary (NDR : très belle fille !) se sont prêtés volontiers au feu des questions allumé par Musiczine…
Apparemment, vous êtes passionnés par le cinéma. Votre nouvel album s’intitule « Fire Like this », une référence, je suppose, au film de David Lynch, « Twin Peaks ». Est-ce que ce long métrage constitue un symbole pour vous ?
S. : En partie. Mais c’est une des raisons pour laquelle nous avons choisi ce titre. Il en existe cependant 25 autres. Le feu, c’est comme une passion créatrice. De la création et en même temps de la destruction. De l’excitation et du danger, aussi.
L-M. : Cette notion est illustrée par l’image reproduite sur la pochette ; une sensation de fièvre lorsqu’on se brûle les mains…
Vous aimez, semble-t-il, également les films d’horreur et les thrillers. ‘Jack l’éventreur’ et les histoires de vampires, je suppose. Bref, où il y a du sang, des couteaux, de la terreur et des meurtres. Etes-vous des disciples des Cramps ?
L-M. : A une certaine époque, j’étais vraiment une fan. Au fil du temps j’ai un peu décroché (NDR : Lux Interior est décédé l’an dernier)
S. : Ce qui m’a toujours plu chez eux, c’est leur attitude malsaine, sordide, agressive, un peu perverse…
Que représente le mouvement ‘Riot Grrrrl’ pour Laura ? Et je pense plus particulièrement à des groupes comme Blake Babes, Breeders ou Babes In Toyland ?
L-M. : Notre démarche n’a jamais été politique, ni féministe. Nous sommes davantage orientés vers la recherche des émotions.
S. : Bikini Kill était vraiment féministe. On est plus proche d’un Babes In Toyland. Un peu dans l’esprit ‘fuck you’.
L-M. : Leur attitude était vraiment punk ; mais je ne pense pas qu’elles se tracassaient beaucoup pour les lyrics. Elles privilégiaient le feeling…
Vous avez déclaré que vous véhiculiez une énergie destructrice en vous. Prôneriez-vous le nihilisme ?
S. : (rires). Mais non ! Par contre on pourrait trouver une explication dans le style du jeu de guitare, car notre inspiration vient du punk, du hardcore US des eighties ; et puis de groupes comme les Stooges, Nirvana ou encore Babes In Toyland. C’est notre musique qui libère cette énergie agressive et destructrice. Briser, fracasser, sont des actes cruciaux du concert. Et puis, nous sommes aussi prédateurs, parce que nous sabotons nos propres chansons. Certaines de nos mélodies sont contagieuses, accrocheuses, accessibles même ; mais nous ne voulons jamais qu’elles sombrent dans la facilité. Et c’est alors qu’intervient le carnage à la guitare. Et qu’on rentre dedans. On ne veut pas la perfection. C’est un peu comme si on voulait foutre la merde…
Oui mais pensez-vous que vous pourrez reproduire une telle énergie, en ‘live’, toute votre vie ?
M-L. : Ce n’est pas possible !
S. : L’être humain n’est pas capable de produire ce flux d’énergie éternellement. Mais comment fait-il Iggy Pop ? Je me vois mal tenir le coup aussi longtemps que lui, à ce régime…
M-L. : Il n’est pas si vieux !
S. : J’aimerais bien, à 60 ans, pouvoir continuer à faire du rock sur scène. Il faut donc l’imiter et continuer à boire…
Mais dans l’histoire du rock’n roll, quelle grande chanson symbolise le mieux Blood Red Shoes, le « Fire » de Jimi Hendrix, d’Arthur Brown, « I’m on fire » de Bruce Springsteen ou encore le « Light my fire » des Doors ?
S. : « I’m on fire » de Bruce Springsteeen ». Très évocateur pour moi. C’est une chanson à la fois belle et triste. Quand j’avais 7 ou 8 ans je voulais devenir Bruce Springsteen. Mon père était un fan et écoutait beaucoup sa musique. Dont le fameux « Born in the USA ». Cette chanson est sans doute mon premier souvenir d’enfance. Quand au « Fire » de Jimi Hendrix », son impact est plus émotionnel…
Mais au sein du couple, qui est l’eau et qui est le feu ? (rires et hésitations)
S. : Qui est froid et humide et qui est bouillant et dangereux ? On est un peu les deux. En fait quand je suis le feu elle est l’eau et inversement. Car on réagit chaque fois l’un à l’autre…
Mike Crossey se consacre à nouveau de la production. Apparemment, il est devenu un ami. Se chargera-t-il encore de la mise en forme des prochains albums ?
S. : C’est devenu un ami, c’est vrai. Il fait partie de notre cercle. Mais nous ne savons pas encore si nous allons poursuivre l’aventure ensemble.
L-M. : Ce n’est pas impossible. Mais rien n’a été décidé encore à ce sujet.
S. : Nous n’avons même pas encore écrit de nouvelles chansons. Il comprend bien la situation, d’autant plus que dans le passé, il n’a jamais accompli ce boulot pour deux albums d’un même artiste. Et il en a assuré des tonnes.
L-M. : La porte reste néanmoins ouverte…
Quelle est la différence majeure entre « Box of Secrets » et « Fire like this » ?
L-M. : L’écriture. On l’a améliorée. Puis on a acquis une certaine expérience depuis la sortie du premier. On a appris à devenir un groupe. On s’est bonifié au niveau des arrangements, des compos, de la maîtrise de nos instruments. C’est là que se situe la différence principale.
S. : C’est surtout notre compréhension de la musique qui a changé. Et ce nouvel album reflète très bien notre progression. Il y a plus de variation dans la chanson, dans les sonorités. Nos voix se sont également améliorées.
L-M. : Pour cet album, on a été beaucoup plus attentif aux détails.
S. : Lors du premier, c’était comme si on avait enregistré des chansons en ‘live’. Tandis que pour celui-ci on a accordé davantage d’attention aux atmosphères, au feeling, à la capture des émotions…
Etes-vous ouverts aux autres styles musicaux ?
S. : Oui, je l’ai déjà déclaré, nous sommes en pleine phase d’expérimentation. Nous cherchons à faire reculer les limites du genre, en incorporant de nouvelles idées. Maintenant, on n’enregistrera jamais un disque de reggae, ni de ‘fucking’ world music impliquant quarante drummers africains. Juste pour le fun. Ce serait stupide. Cela ne correspond pas à notre démarche.
L-M. : L’art musical consiste à absorber d’autres éléments…
S. : Mais nous on crée de nouvelles sensations, de nouvelles émotions. Elles viennent de manière naturelle. On ne peut pas tout contrôler. On ne se pose pas la question de savoir si c’est différent. Il faut laisser la musique arriver à maturation. Elle doit évoluer naturellement et on doit simplement s’appliquer à devenir meilleur musicien. A ce que l’album sonne mieux. Tu dois laisser grandir la musique dans son propre espace. On n’appartient pas à ces groupes qui pour se démarquer des autres, ajoutent un petit truc, mettent des chœurs, par exemple. Ca, c’est du calcul. Nous on ne calcule pas.
Apparemment, vous improvisez constamment. Rien n’est préétabli ? Est-ce le même processus en ‘live’ ?
L-M : Tout à fait !
S. : Une compo est davantage le résultat d’un accident ou d’un événement fortuit. On déconne ou on bricole, et puis c’est le hasard qui guide nos choix.
L-M. : Rien n’a jamais été balisé. Nous ne sommes pas déterministes.
Parlons un peu de votre nouvel album. J’ai remarqué la présence d’un violoncelle sur « Follow the line » ; et puis il y a ces ‘wow wow’ qui me rappellent quelque part Siouxsie & The Banshees. Tout comme lors de l’hymnique « One empty chair ». Des coïncidences ?
L-M. : Nous avons partagé la même affiche.
S. : Je connais très peu son répertoire, mais elle est vachement cool.
L-M. : Au sein de mon premier groupe, on disait que je chantais comme elle…
« Don’t ask » et « Colours fade » sont les deux chansons les plus pop de l’album. Soit la première et la dernière du cd. Vous envisagez de les sortir en singles ?
S. : Oui.
L-M. : Le premier morceau est déjà sorti en single et le second est prévu pour le printemps.
S. : Enfin, c’est plus que probable, mais rien n’a encore été décidé.
« When we wake » est une méditation sombre sur la mort. Que représente la mort pour vous. La fin ? Une nouvelle vie ? Croyez-vous à la lumière après la mort ? A un dieu ? Aux esprits ?
S. : Putain, c’est une question vachement profonde !
L-M. : Je ne crois pas en Dieu, mais je pense qu’il existe quelque chose après la mort. Je prie, mais pas de manière consciente. Je ne crois pas à l’influence divine. Ni à un quelconque sauveur. J’ai suivi une éducation dans un milieu catholique. Et on m’a enfoncé tous ces principes dans le crâne. Maintenant, je crois qu’il existe un état de conscience après la mort ; mais lequel ?
Vous ne disposez pas seulement de la musique comme corde à votre art. Vous vous intéressez également à l’art sous toutes ses formes. Dont la photo. A l’instar de PJ Harvey, vous avez ainsi posé nus. Partagez-vous le même concept ?
S. et M-L. (en chœur) : Wow !
S. : Justement j’en parlais hier à Laura hier soir, lorsqu’elle se déshabillait.
L-M. : Oui, on parlait de l’opportunité pour les pop stars de poser nus.
S. : Cette démarche peut être artistique, mais aussi commerciale, et une manière détournée de vendre son produit. On ne joue pas à poils sur scène ! Dans le monde musical, la nudité est plus commerciale qu’artistique. Il y a bien un album des Pixies dont la pochette est vraiment arty ; mais en ce qui concerne PJ Harvey, sa nudité était surtout destinée à promouvoir son album.
L-M. : C’est une véritable icône, mais elle est bizarre. Et puis tellement maigre.
S. : La nudité peut être artistique, mais la majorité du temps, elle ne l’est pas.
J’ai lu un article marrant racontant qu’à l’instar de Peaches, porter une fausse barbe était un phantasme pour Laura. Vous partagez les mêmes obsessions que la Canadienne ? (fou rire !)
L-M. : Et m****, qui a écrit un truc pareil ?
S. : Tu vois, on fait des tas d’interviews, on boit un coup de trop, on rigole et puis on raconte des conneries…
(Merci à Vincent Devos)
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