Cet artiste californien (NDR : issu de Concord, très exactement) s’inspire de ses voyages opérés à travers le vaste continent nord-américain, pour écrire ses poésies qu’il traduit en chansons. Toutes les expériences vécues se retrouvent dans ses lyrics. Les rencontres. Bonnes ou moins bonnes. Les anecdotes. Ses états d’âme. En fait, il raconte tout simplement sa vie. En observant l’image qui illustre la pochette de son dernier album, sur laquelle il pose comme un cow-boy, on imagine déjà le créneau au sein duquel sa musique évolue : le country/folk/rock. Précaution, elle ne sombre jamais dans le kitch. Evitant ainsi le ridicule.
Tout au long de cet opus, l’instrumentation est placée fort en retrait, de manière à faire ressortir la voix de Cass. A l’instar de « Dream-Come-True-Girl », le premier single extrait de « Catacombs ». La contrebasse et les guitares se contentent ainsi de soutenir les parties vocales. Que l’actrice américaine Karen Black vient parfois soutenir aux backing vocaux. J’épinglerai encore « My Sister, My Spouse » ainsi que « You Saved My Life », deux véritables perles. En extrapolant, on imagine une époque où les parents allaient danser dans les salles paroissiales de village. Mais ce côté suranné a aussi quelque chose d’intemporel. Bien qu’évoluant dans un même registre, les compos bénéficient d’arrangements fort subtils. Faut dire qu’ils sont tour à tour enrichis d’une lap steel, d’un piano ou encore d’une contrebasse... Si vous aimez ce style, cet elpee est incontournable. D’ailleurs Cass Mc Combs ne déçoit jamais. Parce qu’il flirte avec le bon goût ; et dans cet esprit, il mérite qu’on lui tire notre chapeau…
Delbert est un chanteur/compositeur notoire. Il est né au Nord du Texas. A Lubbock très exactement, il y a près de 70 ans. Il compte une multitude d’albums à son actif. Son style ? Il le puise dans les racines : le blues, la soul et la country. En 2006, il a décroché un Grammy Award pour "The cost of living", un opus alors considéré comme le meilleur album de blues contemporain!
Ce nouvel elpee a été mis en forme par Don Was (Rolling Stones, Bonnie Raitt, Bob Dylan) ; un disque qui trempe une nouvelle fois dans l’americana, fruit d’un cocktail de blues, soul, country, rock et jazz. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de son band de tournée, le Dick 50, au sein duquel milite l'excellent Kevin McKendree aux claviers ; mais également de nombreux invités.
La plage d’ouverture est particulièrement dense. Dansante et vivifiante, aussi. Tout au long de ce "Mama's little baby", les cordes de Rob McNelley, l'habituel gratteur de McClinton, sont largement amplifiées. La voix autoritaire de Delbert se fraie un chemin entre les chœurs féminins ainsi que les percussions puissantes de Tom Hambridge et Michito Sanchez. Delbert a une superbe voix. Naturellement puissante. Elle force le respect sur les ballades lentes trempées dans le blues. A l’instar de "Starting a rumor" et "Never saw it comin", deux compos subtilement nappées par l’orgue Hammond de McKendree. Circonstanciellement, la ballade épouse manifestement un profil country. Et "Can't nobody say I didn't try" en est une belle illustration, une plage balayée par un piano roadhouse et les cordes de son ami récemment disparu Stephen Bruton. Sculpté dans le funk, "Do it " véhicule cependant des accents jazzyfiants concédés par des accords de guitare bien inspirés. Blues d’une grande pureté, "I need to know" trempe dans le Delta. Dans l’esprit d’un Howlin' Wolf des bons jours. McKendreee est passé aux cordes et Delbert souffle dans son harmonica. "People just love to talk" campe un jazz swing très bien ficelé. La voix du chanteur est naturellement impressionnante. Les solistes se régalent. Tant McKendree que le réputé Dennis Taylor, sur son sax ténor. Delbert s’attarde dans le jazz, tout au long du nerveux et entraînant "Until then". Une parenthèse qui se referme sur "Willie", une compo très ‘good time’, classique, dominée par le piano. Douceur et émotion envahissent "Wouldn't you think", un cri d'amour (NDLR : ou de détresse ?) pour celle qui ne viendra pas au rendez-vous! La voix de Delbert est une nouvelle fois superbe sur cette ballade dépouillée, exercice de style au cours duquel, il excelle. "She's not there anymore" emprunte des accents légèrement latinos. Nous ne sommes pas loin du tango. Suranné, sans doute, mais fidèlement restitué par le brillant McKendree. "When she cries at night" se nourrit également dans le passé. Son énergie rock’n rollesque rappelle même les bons vieux juke-boxes. Morceau blues, "Cherry street" s’inspire de la ville de Memphis. En se réservant le rôle de soliste, Kevin McKendree nous dévoile une autre facette de son talent. Soutenu par un piano, Delbert achève l’elpee par le très intimiste "Out of my mind". Un très bon album!
Belgique, terre de chanson française ? « La première porte » constitue le premier Cd de cette jeune Liégeoise. Née en 1981, Géraldine Cozier vient de fêter ses 28 ans (en mai) et nous présente un album empreint d’une jolie maturité.
Son parcours artistique commence cependant bien plus tôt… Dès cinq ans, elle entame une formation poussée en piano, solfège et histoire de la musique. Vers 15 ans, elle fréquente un cours de chant lyrique ; mais c’est plutôt du côté ‘variétés’ qu’il faut lui reconnaître un certain talent. A tel point que lors de l’ex-émission de la RTBF, ‘Pour la gloire’, elle empoche d’un seul coup le prix de la meilleure chanteuse et celui du public. A 18 printemps, c’est plus qu’encourageant…
Après différentes expériences (NDR : trop longues à détailler), elle finit par rencontrer la personne dont la collaboration va lui permettre enfin de décoller : Cécile Delamarre.
Ensemble, elles explorent différents types de musique (le blues, la soul, la musique classique, le jazz, le funk, et même les musiques et rythmes afro). Elles s’entourent et travaillent en compagnie d’Emmanuel Baily (guitare), de Marine Horbaczewski (violoncelle), d’André Klénès (contrebasse), de Karim Freson (percus) et de Jonathan De Neck (accordéon). L’accent est donc mis sur l’acoustique.
« La première porte » (premier album) nous propose 12 titres dont 10 sont signés Géraldine pour la musique et Cécile pour les paroles. Les onzième et douzième morceaux sont issus de la plume de Simon Raket et Xavier-Edouard Horemans. A multiples facettes, l’opus est à la fois drôle, grave, sérieux, triste et poétique. Un point fort ? La diversité musicale. Et puis une superbe voix qui, par moments, fait un peu penser à Véronique Sanson.
De très chouettes rythmes, des textes au-dessus de la moyenne et un très joli organe (« Land dou hé dio ») font de ces 13 chansons un tout bon disque de chanson française.
Soyez curieux ! La scène belge ne manque assurément pas de talent…
Originaire du Delaware, Taylor Stephen (TS) Bruton a passé sa jeunesse à Fort Worth, au Texas. Dans un univers bercé par la musique, puisque son père était à la fois batteur de jazz et disquaire. Et puis il aimait autant le blues, la country que le jazz. Il a longtemps côtoyé T Bone Burnett, avant de partir à l'aventure. Du côté de Manhattan. Il y est recruté comme guitariste au sein du band de Kris Kristofferson. Il y militera pendant près de 20 ans. Il accompagne ensuite les chanteuses Bonnie Raitt et Christine McVie. Il faudra attendre 1983, pour le voir enfin entamer une carrière en solitaire… Atteint d’un cancer de la gorge, il est décédé dans son sommeil, le 7 mai dernier. A l’âge de 60 ans. Il s’était forgé une fameuse réputation de guitariste ; et pourtant il était également chanteur, compositeur, producteur (NDR : il a notamment mis en forme des œuvres de Marcia Ball, Alejandro Escovido, Storyville ou encore Jimmy Dale Gilmore) et acteur. Il compte cinq albums à son actif : "What it is" en 1993, "Right on time" en 95, "Nothing but the truth" en 99, "Spirit world" en 2002, et enfin ce "From the five" paru à l’origine en 2005, réédité et considéré comme son testament musical.
L’elpee s’ouvre par le fastueux "Bigger wheel", une compo imprimée sur un tempo tonique entretenu pas les solides percus de Steve Ferrone (NDR : il a milité au sein du band d’Eric Clapton et joue aujourd’hui chez les Heartbreakers de Tom Petty). Glenn Clark se réserve l'harmonica. Les accents rythmiques dispensés aux cordes par Stephen sont cinglants. Une guitare très fluide et mélodieuse introduit "This old world", une bien belle chanson chantée en duo par Steve et Clark. Ses inflexions nonchalantes rappellent le Bob Dylan de ses débuts. Bill Payne, le pianiste de Little Feat, siège derrière l'orgue Hammond. Les lignes de guitare sont pures, séduisantes. Une impression que l’on retrouve sur "That moment when". Un motif rythmique répétitif, hypnotique conduit "Walk in faith". Nous ne sommes pas trop loin du R&B institué par Little Feat. La combinaison des instruments est étonnante. Payne se charge des ivoires. Stephen Barber (NDR : ce musicien issu d’Austin est également compositeur et poète) de l'orgue. Le timbre vocal de Bruton libère beaucoup d'expression! Le Texas est un excellent terreau pour l’americana. Le mélange de folk, de blues et de country engendre de longues ballades, souvent de toute beauté. Et je pense tout particulièrement à "Fading man", enrichi d’orgue et de cuivres. Une instrumentation qu’on retrouve sur le mélancolique "Treasured wounds", une plage au cours de laquelle ces cuivres semblent agoniser… Sonorités de clavier amples et cordes acoustiques illuminent "Put me out of your misery". L’émotion étreint Stephen, lorsqu’il aborde l’autobiographique et très intense "The Halo effect". Ses sentiments y oscillent de la douceur à la colère retenue. Aventureuse, torturée, la guitare alimente l’implacable "The clock". Une seule reprise : "Ordinary man. Caractérisé par ses riffs rythmiques très ‘rollingstoniens’, ce rock’n roll déménage. Et pas seulement parce que Bill Payne est intenable aux ivoires. De toute bonne facture, cet opus d’achève par "In the wind", une compo acoustique empreinte de douceur. R.I.P. TS Bruton…
L’écurie berlinoise Get Physical nous avait déjà gâtés dernièrement en gravant l’excellente compilation « Get Physical 7th Anniversary ». Et dans la foulée, Gernot Bronsert et Sebastian Szary aka Modeselektor viennent d’embrayer par un autre recueil, toujours pour le même blason, intitulé « Body Language Volume 8 » ! Faut dire que le duo teuton est dans tous les bons plans : tournée en compagnie de Moderat (NDR : outre Modeselektor, le périple implique également Apparat), superbe plaque éponyme parue chez BPitch Contol (la boîte appartenant à Ellen Allien) et création de leur propre label Monkeytown Records.
Les patrons de Get Physical ont donc accordé leur confiance absolue aux deux briscards de l’électro ‘Made in Germany’. Et quelle bonne idée ! Généralement lors d’une vague house, la plaque est découpée en deux. Sèchement. Comme une poire. C’est le cas pour ce « Volume 8 » qui autorise ainsi des accès plus hard au sein desquels Modeselektor excelle ! Notamment un florilège de titres aux BPM plus lourds et surtout aux styles très variés oscillant de la techno au dubstep en passant par le hip-hop. Un régal ! Outre les quelques titres signés Modeselektor et Moderat (le superbe « A New Error »), on épinglera « Cricket Scores », un titre de techno house particulièrement efficace concédé par l’étoile montante, Boy 8-Bit. Benga nous balance « Emotions », un morceau de dubstep meurtrier rappelant son album mythique « Diary Of An Afro Warrior ». Et le « Gimme Some More » de Busta Rhymes est tout aussi percutant. Robert Hood est le maître incontesté de la house issue de Detroit. Il nous réserve un « Unix » hyper dansant. Parmi les surprises, on relèvera l’intrusion d’Animal Collective. Pour un « My Girls » du plus bel effet ! Enfin, issu du dernier album du talentueux Boys Noize, « Nerve » est un exemple parfait de bootleg ! Cette compile réunit 29 titres ; et pourtant on a l’impression qu’elle est trop courte. N’empêche cette bande son pourrait bien devenir un antidote parfait contre la morosité, cet hiver…
Les trois enfants de chœur de Notre-Dame de Paris ont sorti leurs meilleures armes pour livrer leur premier concert en Belgique : guitares, piano et violoncelle. Hormis une formation classique, c’est bien au sein de la prestigieuse association ‘Musique Sacrée à Notre-Dame de Paris’ que les trois titis accomplissent leurs premiers pas musicaux. Dès 2006, année de la création du groupe, ils sont emportés par la nouvelle vague de formations françaises aux accents très britanniques (BB Brunes, Cocoon, John & Jehn…) Revolver y ajoute cependant une note d’originalité supplémentaire : la musique classique.
Accompagnés d’un batteur récemment intégré au groupe, les quatre garçons dans le vent présentent leur premier elpee, « Music For a While », sur les planches de la Rotonde. Lieu intime parfaitement adapté à leur ‘pop de chambre’. Il restait donc au public, venu nombreux au Botanique, à ne pas s’endormir...
« Calm Down » ouvre le feu sur un pop-folk aux riches harmonies vocales et imprime son style musical d’entrée de jeu. La suite prend rapidement la tournure d’une liturgie de l’église Beatles. Le nom du groupe est d’ailleurs délibérément emprunté à l’album « Revolver » des Beatles. Deux ou trois morceaux s’éloignent timidement des sentiers des quatre de Liverpool pour fouler les champs sonores de The Divine Comedy et de Belle and Sebastian. Un set globalement tiède aux instruments dépouillés qui ne prend son envol que tout à la fin du concert.
L’excellent single « Get Around Town » n’arrive (NDR : hélas !), qu’en avant-dernière place des 13 titres de la setlist et secoue la foule. Les planches de la Rotonde tremblent et frissonnent enfin… l’espace d’un bref, trop bref instant. Instant fugitivement prolongé par le très excité « Balulalow ». Le public à peine échauffé devra se contenter de deux rappels peu originaux et insipides qui signent les limites du répertoire du jeune groupe de l’Hexagone. Une reprise d’Elvis sans grand intérêt vient clôturer le concert.
Grisés par les applaudissements incessants et chaleureux de l’auditoire, les quatre Parisiens reviennent pourtant prendre place au centre du public pour un dernier morceau acoustique. Final original et courageux !
L’ensemble évoque cependant une jolie broderie ornant un titre phare : « Get Around Town ».
Sans vouloir sombrer dans les jeux de mots pourris, Revolver fait davantage l’effet d’un pistolet à eau que d’un Smith & Wesson. Il éclabousse mais ne renverse jamais !
(organisation Botanique)
Après avoir assisté, l’an dernier, à sa prestation accordée en première partie d’Alela Diane, à l’Ancienne Belgique, j’étais impatient de redécouvrir le songwriter américain William Elliott Whitmore, ce vendredi, à la fameuse Rotonde du Botanique.
Originaire de l’Iowa, William en est déjà à son 7ème album. Intitulé « Animals In The Dark », il est paru cette année chez Anti. Agé à peine de 31 ans, Whitmore est donc encore relativement jeune, mais affiche déjà la roublardise d’un vétéran. Faut dire qu’il pourrait être l’héritier naturel idéal de Seasick Steve voire de Ramblin’ Jack Elliott, dont il partage étrangement le patronyme… Sa voix est en effet impressionnante de maturité et maîtrise. On jurerait que l’animal a vécu plusieurs vies, avant de se réincarner en chanteur folk. Et face à un public de connaisseurs (NDR : acquis à sa cause), il n’a plus qu’à dérouler.
Le chanteur porte la barbe. Il monte sur les planches en compagnie d’un groupe réduit. Sa musique est dépouillée, mais possède cette force directe et indéniable. William s’accompagne au banjo ou à la guitare acoustique pour aborder des sujets intemporels, graves et souvent engagés. L’homme vit d’ailleurs toujours à la campagne, dans son Iowa natal. A la ferme, en toute simplicité, à l’image de sa musique. Ce qui lui permet de se protéger d’un monde qu’il refuse apparemment d’intégrer. Ses compositions sont peu instrumentées mais touchent instantanément le cœur des spectateurs. Sa voix reste son plus grand atout. Eraillée, chaude et profonde, elle nous happe dès les premiers couplets. Quand William Elliott Whitmore se met à chanter « A Good Day To Die » ou « I’d Rather Be The Devil », le public le croit sur parole. Cet homme n’est pas de cette époque. Croyez-le ! Il aurait pu vendre son âme au diable en compagnie de Georges Clooney et ses sbires, au carrefour d’une route déserte au fin fond du Kentucky, dans le ‘O’Brother’ des frères Coen. Arborant un superbe chapeau de Pilgrim, William est tout à fait crédible dans son déguisement de troubadour folk. Le public tape du pied à l’unisson au son de son blues de blanc-bec cul-terreux. Il ne reste plus qu’à fermer les yeux, pour voyager dans le temps…
La musique de William Elliott Whitmore ne suscite jamais l’ennui. Et l’artiste le démontre tout au long de l’heure au cours de laquelle il fait la différence. Deux morceaux sortent cependant du lot : « There’s No Hope For You » et « Hard Times ». Le fantôme de Willy DeVille rôde dans la salle. William a accordé le plus beau concert folk depuis celui de Micah P. Hinson, concédé l’année dernière, dans cette même salle… Ne le ratez surtout plus lorsqu’il se produira près de chez vous…
(Organisation Botanique)
Grand fan d’Ottis Redding et de Sam Cooke, Jesse Dee a publié en l’espace d’un an deux œuvres pop teintées de soul, deux opus dédiés à la gloire de ses idoles. Ce 1er octobre, le jeune homme venait présenter « Bittersweet Batch », son recueil le plus récent à l’ABClub, devant un public belge très disparate.
Avec sa petite gueule à émoustiller les fans de Charlie Winston, Jesse Dee séduit un parterre majoritairement féminin. Exit la première partie, le Bostonien s’avance sur scène dès 20h30, accompagné de ses cinq musiciens. Des musicos qui, à priori, n’ont pas l’air d’avoir grand chose en commun. On croirait voir débarquer deux aristochats aux cuivres, un pilier de Pub aux grosses caisses, un Richie Rich quadragénaire à la basse et un génie autiste à la gratte. L’interprète chevelu démarre son set sans cérémonie par « Alright », morceau d’ouverture de « Bittersweet Batch ». Tout de suite, le constat est inéluctable. Jesse Dee a de la voix, mais la Soul qui en découle semble légèrement forcée. Le gamin tente de s’élever au niveau de Redding ou Cooke (dont il reprendra respectivement les « A Woman, A Lover, A Friend » et « Nothing Can Change This Love ») mais atteint à peine celui de James Morrison voire d’Amos Lee.
Scéniquement, la troupe est encore loin de la cohésion qui lui attribuerait une quelconque crédibilité. Jesse Dee tente de détendre l’atmosphère en prenant pour cible quelques membres de l’assistance (hein, Enzo…) et en plaçant deux ou trois plaisanteries entre des morceaux qui paraissent de plus en plus similaires et interminables. Le chanteur a encore du pain sur la planche avant de pouvoir prétendre à convaincre les amateurs de Soul, une musique émanant du fond des tripes et pas seulement des cordes vocales…
Organisation : Ancienne Belgique
Davis est chanteur/guitariste. Il vit du côté de Charleston, en Caroline du Sud. Véritable globe-trotter, il a déjà tourné une douzaine de fois en Europe. Il comptait cinq albums à son actif : "Cryin' the blues" en 1995, "Blues from the Get-go" en 99, "Can't get there from here" en 2006, "Ill disposition" en 2007 et "Blues lights for your and mine" en 2008. Il se produit le plus souvent en solo, en s’accompagnant d’une sèche. Mais au fil du temps, il semblerait qu’il cherche de plus en plus à partager la scène au sein d'un trio électrique. Récemment, il a participé à l’écriture de la B.O. de la série "The Blues" de Martin Scorsese.
Ce nouvel album est le fruit de deux sessions réalisées au sein des studios Delta Recording Service, à Como (NDR : c’est dans le Mississippi). Elles remontent à mars 2007 et juillet 2008 et ont été opérées sous la houlette de Jimbo Mathus des Squirrel Nut Zippers. Le tracklisting est partagé entre compos signées Coen et reprises de traditionnels du blues.
Davis ouvre l’elpee par "Tired and lonesome", une plage enlevée et électrique. Bien mise en avant, sa voix domine l'ensemble. L'orgue de Lance Ashley tapisse la solution sonore, tandis qu’une guitare au son pourri, tente timidement d’émerger. Une chouette compo qui illustre à merveille l'univers des collines du Nord Mississippi. Lance a donc participé à ces sessions, tout comme le bassiste Justin Showah et le drummer Kinney Kimbrough (NDR : c’est le fils du regretté Junior). "Anna Ann" baigne au sein d’une atmosphère delta country. A cause de ce tempo imprimé sur le rythme d'un cheval au galop. Mr Coen laisse glisser son bottleneck le long des cordes. Aprement. "Country girl blues" nous plonge au cœur d'un vieux juke joint. L’ambiance est lourde et enfumée. La slide est dévastatrice. Rocailleuse, la voix est dans son élément. Mathus se réserve la guitare sur "Wrong side of town", une superbe composition caractérisée par la voix envoûtante de Coen. La reprise du "Natchez burning" du grand Howlin' Wolf colle parfaitement à cette Coen Party. On a une nouvelle fois l’impression d’être projeté dans un de ces tripots musicaux du sud profond.
C'est sans aucun doute Jimbo Mathus qui s’est chargé de buriner le son primaire et brut de la guitare sur l'autre session. Il se réserve également de la basse. Darren Nortin siège derrière les fûts. Cette sonorité primitive et dépouillée envahit "Change in the weather". La voix paresseuse et la guitare étouffante accentuent un mal de vivre traduit par cette ballade blues lancinante. L'orgue refait surface pour "Nothing to hold on to", une compo charmante, paisible, au cours de laquelle le timbre vocal est plus grave, plus expressif. Coen accélère le tempo et se met à rocker sur "Eyes like diamonds". Ce divertissement aux accents du rockabilly est soutenu par les 4 cordes acoustiques de Mathus. L'alchimie du moment soude les trois musiciens avant que la slide ne s'emballe. Le fantôme de John Lee Hooker (NDR : celui de ses meilleurs moments !) hante "Goin' away baby". A cause de la voix. La section rythmique épouse les rares notes que produisent les six cordes tout au long ce boogie ravageur, quasi hypnotique. De la session Mathus, nous retiendrons encore le boogie graveleux "Shake your goobie" (NDR : et non pas boogie), un exercice de style atmosphérique destiné aux scènes sombres issues de ce coin du Mississippi. Ce boogie se prolonge, sans reprendre sa respiration, par "Shortnin bread". Cette excellente œuvre se referme sur les accents du delta blues électrique conventionnel, lors de la cover du "You're gonna miss me " de Muddy Waters. Non seulement ce musicien sympathique possède un fameux bagage musical, mais il ne ménage pas ses efforts pour apporter de l'aide aux victimes des cités louisianaises dévastées par l'ouragan Katrina.
Est-il vraiment nécessaire de vous présenter Jack Bruce et Robin Trower ? Oui ? Bon, OK, je m’y colle. De son vrai nom John Symon Asher Bruce, Jack Bruce est né en Ecosse. Le 14 mai 1943. Faites le compte, il vient de fêter ses 66 ans. Tout jeune, il étudie le violoncelle ; mais, c’est le rock et le blues qui l’attirent. Armé d’une basse, il fait son instruction au sein de diverses formations, au nombre desquelles figurent les Blues Incorporated et surtout les Blues Breakers de John Mayall. Un beau jour de 1966, il décide de fonder un power trio en compagnie de Ginger Baker et Eric Clapton. Le nom du groupe : The Cream.
Robin Leonard Trower est né le 9 mars 1945. Il est un des membres fondateurs de Procol Harum (NDR : « A Whiter Shade of Pale », vous vous souvenez ?) C’est un des ‘guitar heroes’ issu des seventies. Son jeu, tout en pédale wah wah, lui avait d’ailleurs valu, à l’époque, le surnom de ‘White Jimi Hendrix’.
Dans les années 80, ces deux musiciens légendaires, accompagnés du batteur Bill Lordan, enregistrent, sous le nom de BLT, deux albums (« BLT » et « Truce ») devenus aujourd’hui incontournables. En 2008, plus d’un quart de siècle plus tard, les deux compères décident de remettre le couvert en s’associant au batteur anglais Gary Husband (Level 42, Gary Moore, John McLaughlin, Allan Holdsworth). De cette association nait « Seven Moons », un excellent elpee alliant le classic rock, le jazz et le blues.
« Seven Moons Live » a été immortalisé à Nijmegem en Hollande, le 28 février 2009, alors que le groupe n’en était qu’à sa troisième prestation ‘live’ depuis sa formation. Au menu de la setlist, une grande partie des titres figurant sur « Seven Moons », bien sûr ; mais aussi quelques classiques de Cream (« Sunshine Of Your Love, « White Room » et « Politicians ») ainsi que « Carmen » un extrait de l’album « BLT ».
La prestation débute par les remerciements de Bruce adressés au public néerlandais. Faut dire que le public dans la salle est chaleureux et accueillant. On sent le bassiste très ému de se retrouver sur les planches bataves. Aux premiers accords de « Seven Moons », et de son ‘Classic Rock Seventies’ sans grande surprise, on se dit que, malheureusement, la prestation ne sera pas inoubliable. Cependant, cette impression disparait dès le premier solo de guitare délivré par Robin Trower. Le sexagénaire n’a rien perdu de sa superbe et nous flanque une belle claque dans la tronche. Et tout au long des 77 minutes que dure ce disque, il va nous en mettre quelques unes. Car si la musique du groupe n’est pas des plus excitantes, elle est transcendée par la ‘lead’ guitare magique du grand Robin. Evidemment, les qualités de bassiste et de chanteur de Monsieur Bruce ne sont pas ici remises en cause ; pas plus d’ailleurs que l’incroyable jeu jazzy de Gary Husband. Cependant, c’est principalement à Trower que l’on doit les instants les plus remarquables de cet opus live. Comme il fallait s’y attendre, l’interprétation du « Sunshine of Your Love » de Cream, dans sa version longue de huit minutes, est l’un des tous grands moments du show. Le public ne s’y trompe pas et ovationne le groupe à sa juste valeur. La guitare de Trower fait également merveille sur les titres les plus blues de l’album, tel ce « Bad Case Of Celebrity » endiablé où le six-cordiste est magnifiquement secondé par la basse ‘ronronnante’ et la voix chaude de Jack Bruce.
En résumé, « Seven Moons Live » est une œuvre dont on peut tirer énormément de leçons. Premièrement, une leçon de rock’n’roll. Ensuite, une leçon d’humilité. Car les musiciens sont vraiment sympas avec leur public. Enfin, vu l’âge avancé des trois protagonistes, une leçon de survie.
Les membres de Super Furry Animals sont terriblement prolifiques. « Dark Days / Light Years » constitue déjà leur neuvième elpee en 13 années d’existence (NDR : sans tenir compte de leurs projets parallèles…) Malheureusement, cet opus risque fort de ne pas les extraire d’un relatif anonymat au sein duquel le groupe semble désespérément enlisé de ce côté de la Manche. La bande à Gruff Rhys pratique pourtant un pop/rock inspiré et mélodique. Alors une explication à ce manque de succès ? Sans doute la manière de placer la voix au même niveau que l’instrumentation. Et puis un penchant pour la structure bordélique. Ce qui pourrait expliquer en partie leur insuccès.
« Dark Days / Light Years » n’est peut-être pas leur meilleur album. Motif : il manque de fortes mélodies. Mais se situe toujours dans le haut du panier de la pop-rock anglaise. Pourtant, l’entrée en matière est plutôt indigeste. Et pour cause, « Crazy Naked Girls » est trop long et surtout agaçant. Mais la suite est bien plus intéressante, révélant une dizaine de morceaux de toute bonne facture, parmi lesquels j’épinglerai le très réussi « Helium Hearts » ainsi qu’« Inaugural Trains », une compo ‘eurodance’ imprévisible que Nick Mc Carthy des Franz Ferdinand soutient de ses vocaux dans la langue de Goethe. On finira par croire que Cardiff est devenue la capitale de la pop loufoque et bizarroïde. Une chose est sure, ces doux rêveurs ne doutent de rien et cherchent constamment à fuir les étiquettes. Autre certitude : des racines profondément ancrées dans la culture galloise. Très attaché à ses origines, le groupe achève d’ailleurs son album par deux morceaux interprétés dans ce dialecte. Vous pensiez peut-être qu’il n’existait pas de langue moins mélodique que celle de nos cousins germains. Après avoir écouté « Liliwau Llachar » et « Pric », vous reconsidérerez votre jugement, car cet idiome ne s’en tire pas mal non plus. Deux titres paradoxalement de toute bonne facture. Caractérisé par son crescendo électro et sa durée de 10 minutes, « Pric » lorgne manifestement vers Daft Punk.
Ce nouvel opus de SPA est agréable à écouter ; cependant, si vous connaissez mal Super Furry Animals, je vous conseillerai plutôt de vous procurer un « Best Of ». De manière à mieux cerner leur style, à travers des compos accessibles. Véritables stars dans leur Pays de Galles natal, les musiciens fous de Super Furry Animals demeureront probablement toujours aussi incompris. Et ce n’est pas la sortie de ce « Dark Days / Dark Years » qui changera leur statut. C’est bien dommage ; mais les secrets cachés ne sont-ils pas souvent les plus excitants ?
Le nom ne doit sans doute pas vous dire grand-chose. Et pourtant, cet auteur/compositeur vient de commettre son onzième opus. Près de quarante années que ce troubadour roule sa bosse sur les chemins du blues. Son tout premier elpee, "I'm a stranger too", date d’ailleurs de 1970. Pour son nouvel opus, il a reçu le concours de son ami guitariste David Goodrich et du batteur Zak Trojano.
Les trois premières plages du cd sont manifestement les meilleures. Et tout d’abord celle qui ouvre le disque "Don't call me stranger". Un morceau qui baigne au sein d’une ambiance relaxante. La voix paresseuse de Chris ainsi que la conjugaison des cordes acoustiques et électriques font immanquablement penser à JJ Cale au sommet de son art. Excellent ! Goodrich se révèle un gratteur très inspiré. La plage éponyme est une bien jolie composition dont les accents folk sont entretenus par deux guitares acoustiques aux tonalités différentes. Intimiste, la voix de Smither semble susurrer à notre oreille. Imprimé sur un tempo soutenu, "Surprise, surprise" est plus nerveux. La voix demeure sereine. Jamais d’ailleurs elle n’éclate. Par contre, les cordes acoustiques sont particulièrement volubiles. "I don't know" véhicule des accents subtilement latins voire même centrafricains dans les sonorités des cordes électriques, émargeant finalement à une sorte de world pétillante. Chris se libère quelque peu sur "I told you so", une plage pleine de verve dirigée par les cordes amplifiées de Dave. Le reste de l’elpee est beaucoup plus folk, intimiste. On a l’impression que l’artiste est juste à côté de nous. Ses cordes sont légères. Et souvent très élégantes. A l’instar d’"Old man down". Ou lors de ses reprises. Des covers que semble vivre Mr Smither. Celle du "It takes a lot to laugh, it takes a train to cry" de Bob Dylan en est une belle illustration ; comme le "Madame Geneva's" de Mark Knopfler, une jolie complainte celtique que Chris nous restitue à la manière sombre de Leonard Cohen. On épinglera encore une adaptation du folk blues traditionnel, le "Miner's blues" de Frank Hutchinson. Bref, cet album devrait ravir les amateurs de blues primitif…
Cet album est probablement excellent. Malheureusement, il n’a pas trouvé en votre serviteur le public qu’il mérite. Mes connaissances en matière de ska sont plutôt limitées. Madness m’avait beaucoup fait rire dans les années quatre-vingt. Plus récemment, Ska-P m’avait plutôt scotché grâce à son Ska/Punk latino décoiffant, comme la musique que j’affectionne. En recevant « Grown », j’avais secrètement espéré que l’expression sonore de ce premier album du groupe bavarois The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra, taperait un peu dans la même catégorie ou du moins qu’elle m’amuserait autant que celle de Madness. Malheureusement (NDR : c’est à titre personnel, mais probablement pas pour le reste du monde), le groupe allemand vise plus le public des radios à grande écoute que celui des rockers en mal d’humour, en pratiquant un ska fortement teinté de pop. Cependant, ma propre déception n’est pas suffisante pour rédiger une chronique négative de ce disque, tant il est de grande qualité.
The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra n’a pas lésiné sur les moyens pour conquérir un public. Excellente production, chanteur à la voix magnifique et utilisation d’instruments aussi variés que les cuivres, les percussions, les guitares électriques, l’accordéon et la beatbox pour varier les ambiances au maximum. Ici, le ska est décliné à toutes les sauces. On glisse du ska/reggae au ska/pop, en passant par ska/polka, le ska/funk, le ska/hip-hop et même le ska tout court. Quelques riffs de guitare électrique opèrent même une apparition furtive afin que les rockers puissent justifier la possession d’un tel elpee dans leur discothèque. Tous les titres réunis sur « Grown » ont un potentiel commercial évident. Il suffirait d’un petit coup de pouce du destin pour que ce combo devienne énorme. On en reparlera. Probablement pas moi, mais on en reparlera, c’est sûr !
Le ‘Rumble Club’ est un club plutôt fermé, puis qu’il ne comprend que quatre membres : le chanteur/guitariste Jack Corey, le guitariste rythmique Jay Clarck, le contrebassiste Kyle Curtis et le drummer Matt Hornsby. Originaires du Kentucky, ces quatre ‘joyeux drilles’ se sont donné pour mission de nous prouver que le rock’n’roll était encore une affaire de mauvais garçons. Et, « The Bad In Me », leur toute nouvelle galette argentée, est pour eux le meilleur moyen de nous passer le message. C’est donc à grands coups de décibels dans les oreilles qu’ils nous matraquent leur psychobilly original et inspiré. Jack Corey possède une voix caverneuse, qui tient à la fois de Johnny Cash et de Nick Cave, et qu’il utilise pour nous débiter de sombres histoires de hors-la-loi du Far West (« Sam Joe Harvey », « Lonesome Gunman Traveller »), de virées diaboliques en voiture (« Lindsay’s gonna drive », « Brakes are burning », « Gasser ») ou encore de science-fiction inspirée par le cinéma et les vieux magazines de ‘Pulp fiction’ des années cinquante (« Vampire Girls From Outer Space », « The Bad In Me »).
Comme c’est toujours le cas en matière de psychobilly, le disque est fortement inspiré du rock’n’roll des fifties et du punk des seventies. Rumble Club y insuffle aussi une bonne dose de rock gothique et, chose plus surprenante, de musique western inspirée par les films de Sergio Leone. Ce mélange engendre un style à la fois sombre et kitch qui donne un ton surprenant et appréciable à la musique de ces desperados du rock’n’roll. « The Bad In Me » est un disque à écouter absolument si vous aimez Les Meteors, Nick Cave, Elvis Presley, les Stray Cats, les films de Quentin Tarentino et les Western Spaghettis.
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