Les travaux de Magnolica Electric Co. n’ont jamais été particulièrement joyeux. Et le cinquième ouvrage de la bande à Jason Molina est loin de constituer une exception à la règle. D’autant que « Josephine » est hanté par le fantôme d’Evan Farrell, bassiste de la troupe qui s’est éteint l’an dernier. Résolument tourné vers les sonorités country, « Josephine » est une œuvre touchante (« Heartbreak At Ten Pace »), affectée (« Map Of The Falling Sky »), mais également pleine d’espoir (« Hope Dies Last »). Elle ne manque d’ailleurs pas de souligner le talent d’écriture indéniable du prolifique Molina.
Bien qu’il n’arrive pas à la cheville du très bon et sous-estimé « Fading Trails », publié en 2006, ce nouvel ouvrage recèle quelques merveilles du genre (« Song For Willie », « Knoxville Girl ») et des morceaux un peu moins indispensables (« Shenandoah », « Shiloh », « The Rock Of Ages », « An Arrow In The Gale »). « Josephine » trace une nouvelle route pour Magnolia Electric Co. L’œuvre est certes honorable mais il aurait peut-être été préférable que Molina et ses camarades continuent à tracer celle sur laquelle ils s’étaient engagés…
Six ans après « Qui de nous deux ? » et après avoir collaboré de très près à la confection de l’excellent album de Vanessa Paradis « Divinydille », en 2007, -M- nous revient enfin ‘seul’. Pour un quatrième opus intitulé « Mister Mystère ». Afin de nous faire patienter, « Le roi des ombres », arrivé sur les ondes le 21 juillet, nous avait immédiatement mis l’eau à la bouche.
Enfin, le sept septembre, il est là ! Le voilà. Généreux, -M- nous a concocté un emballage original : dans un boîtier cartonné non pas rose mais entièrement noir et blanc sont réunis (comme dans un coffre contenant un trésor) un Cd de 13 titres et un Dvd. Sorte de mini-clips vidéo, ce dernier reprend les chansons ‘imagées’. Y figurent également quatre titres ou plus exactement quatre textes signés Brigitte Fontaine mis en musique et interprétés par Mathieu. Oserais-je dire moins intéressant ‘musicalement’ parlant… ?
Et le reste ? Ah, l’album, les chansons… Treize morceaux, treize nouvelles perles qui transforment cette succession de titres en superbe petit collier dans notre coffret à bijoux.
Sa voix haut-perchée, ses guitares, ses mélodies, sa poésie, ses sentiments nous rassurent. Le changement de maison de production n’a en rien affecté ses qualités d’auteur-compositeur. Egal à lui-même, -M- nous gratifie de titres plus emballants, plus dansants les uns que les autres.
Sur des textes (NDR : parfois osés) de Brigitte Fontaine, George Ketrek, Hocine Merabet, de son papa Louis ou de lui-même, -M- nous emporte dans des rythmes chaque fois renouvelés, différents, dans un style indéfinissable qui lui est propre, ce qui fait toute son originalité, sa personnalité, son charme. -M- n’appartient à aucun courant, il est ‘le courant’ et il nous emmène dans ses rapides, ses tumultes, hors desquels il est plus que difficile de sortir, une fois le voyage entamé.
Et pourtant, fini le look ‘rose bonbon’, finies les chansonnettes d’un artiste asexué, -M- n’est plus un ‘enfant’, il passe un cap, devient ‘homme’. Il explore les méandres de l’âge adulte, il décline ses thèmes en noir et blanc. Ses chansons sont engagées, osent, choquent parfois…
Mais sa voix (son plus bel organe ???) nous emmène. Voix inégalable, inégalée qui nous conduit dans un éventail de directions parfois diamétralement opposées : la poésie, l’humanitaire, le réel, l’irréel, le fait divers, le sexe, la décadence...
-M- ose prendre certains risques, il réussit à mettre tout cela en musique, et quelle musique ! Préparons-nous à une déferlante d’extraits sur les ondes. « Est-ce que c’est ça », « Phébus », « L’élixir », « Semaine », « Amsétou », « Tout sauf toi » vont rendre à -M- ce qui lui appartient et qu’il mérite : notre reconnaissance. Et puis, notre plaisir…
Vite, vite, le concert !
Essentiellement notoire pour ses longues ‘jam sessions’ et ses nombreux concerts, Fat Freddy’s Drop est un ensemble néo-zélandais. Issu de Wellington, très exactement. Son premier elpee studio, « Based On A True Story », est paru en 2005. Le style ? Un mélange de roots, de jazz, de reggae, de soul et de blues. Le line up ? Un septuor dont la technique est aussi redoutable qu’impressionnante. Impliquant de nombreux cuivres, un claviériste un guitariste et un Dj. Sans oublier Joe Dukie, chanteur au timbre délicat. L’année de leur formation, le combo a trusté les récompenses aux ‘New Zealand Music Awards’ (NDR : meilleur groupe, meilleur album, etc.) Ce qui lui a permis de partir en tournée à travers le monde.
Deuxième opus, « Dr Boondigga & The Big BW » évolue toujours dans le même style. Fat Freddy’s Drop s’abandonne très souvent dans de longues compositions qui pourraient se révéler lassantes au fil de l’écoute. Heureusement, les variations constantes et percutantes permettent d’accrocher l’esprit. Du tracklisting j’épinglerai cependant l’électro-jazzyfiant « Big BW », l’électro-dub « The Raft » et les reggae blues « The Camel » ainsi que « The Nod ». Bref, ce « Dr Boondigga & The Big BW » entretient une ambiance idéale pour celles et ceux qui rêvent de prolonger leurs vacances…
Pour enregistrer leur troisième opus, The Dodos a reçu le concours d’Ek à la production, un personnage dont la carte de visite mentionne la mise en forme de disques de Fleet Foxes, de Band Horses et des Shins. Mais de là à comparer la formation californienne à cette dernière, il y a un pas que je ne franchirai pas. C’est pourtant ce qu’une certaine presse spécialisée essaie de nous faire croire. Anglo-saxonne en particulier. A mon humble avis, elle ferait bien de retourner au lit…
Bref, venons-en à ce « Time to die ». Pas un titre rigolo, mais manifestement adapté aux lyrics. Peut-être un des seuls reproches que l’on puisse faire au groupe. Des textes trop occultes traitant notamment de mort, de suicide et autres thèmes morbides. A contrario, la musique pète des flammes. Le line up est donc officiellement élargi à un trio. Keaton Snyder se chargeant du xylophone (surtout, même en tirant des sonorités à l’aide d’un archet) et des percus (parfois). Si sur les planches, ses interventions sont plutôt discrètes, sur disque elles apportent une dimension supplémentaire aux compos. Pas sur tout l’elpee, mais sur une bonne moitié. A l’instar du morceau d’ouverture, « Small death », titre découpé en trois mouvements, au cours duquel ses interventions épousent littéralement les lignes de guitares distordues de Meric Long. Du carillonnant « Two medecines », du sinueux « Troll nacht » et enfin du titre maître, caractérisé par ses fréquents changements de tempo, un morceau qui me rappelle étrangement le climat entretenu tout au long du le 3ème album de Led Zeppelin (NDR : oui, oui, le plus acoustique). Mais sous un format plus pop que rock. Une impression qui fait d’ailleurs régulièrement surface, en écoutant cet elpee. Parce que cordes acoustiques voire semi-acoustiques (NDR : il y a un zeste d’électricité quand même) ainsi que percus tribales, pulsantes, propulsives, percutantes, syncopées, complexes, vivifiantes mais tellement subtiles alimentent les 9 morceaux de cet opus. A la gratte Meric Long alterne fingerpicking et arpèges enfiévrés. Aux drums, Logan Kroeber établit les différents tempi. Qui peuvent varier plusieurs fois a sein d’un même morceau. Et lorsque la frénésie contamine une compo, on est comme emporté par un tourbillon dévastateur. Mais le combo prend soin de préserver un sens mélodique particulièrement contagieux que lustre le timbre vocal ondulatoire, sucré, de Meric (NDR : circonstanciellement rejoint en harmonie par la voix de Logan), à la manière d’un Paul McCartney. Un des albums de l’année !
Fondé à Hoboken, dans le New Jersey, Yo La Tengo fête donc son quart de siècle d’existence en sortant son douzième elpee. Intitulé « Popular songs », il peut se découper en deux volets de plus ou moins 35 minutes. Une première partie plus pop. Même le morceau d’ouverture, réminiscent du psychédélisme orchestral de Love. Seule différence, la compo s’étale sur plus de 6 minutes, alors que les huit autres chansons durent plus ou moins 3 minutes. Quatre d’entre elles trempent dans un folk pastoral, fort proche de Belle and Sebastian. En y ajoutant des claviers. Souvent rognés. Normal, puisqu’il s’agit d’un Hammond B3. Des claviers toujours aussi vintage sur le garage « Nothing to hide », qui autorise un superbe solo de guitare que n’aurait pas renié un certain John Mascis ainsi que tout au long du funkysant « Periodically double or triple » (NDR : pensez à Booker T.) et du plus ‘motownesque’ « If it’s true ». Reste l’éthéré, presque slowcore « By two’s », nappé de claviers flottants.
La seconde partie se limite à trois plages. Tout d’abord les 9’ de shoegazing dévolues à « More stars than there are in heaven », dans l’esprit de Slowdive. Ensuite deux instrumentaux. Soit « The fireside ». Un morceau contemplatif, presque ambient, dominé par les cordes de guitare acoustiques et traversé de bruitages électro de plus de 11’. La plage la plus dispensable de l’elpee. Enfin, « And the glitter is gone ». Soit 15’51 de noisy rock tentaculaire, décapant, hypnotique, terriblement dense, sauvagement destructeur, digne de Sonic Youth. Et pour que votre info soit complète sachez que c’est leur collaborateur de longue date Roger Moutenot, qui s’est chargé de la mise en forme.
Un peu plus d’un an après avoir sorti son premier recueil asthénique, Scott Matthew publie un successeur digne de ce nom. Un elpee sobrement intitulé “There Is An Ocean That Divides And With My Longing I Can Charge It With a Voltage That Its So Violent To Cross it Would Mean Death”. Rien que ça. En ce début de saison, le Brooklynien opérait un passage discret au cœur de la jolie Rotonde du Botanique afin d’y défendre son nouveau bébé. Et quelle défense !
Faisant l’impasse sur la première partie, Scott William Matthew et ses quatre musiciens montent sur les planches à 20h15 tapante. Le gentil barbu s’installe sur sa chaise au milieu de la scène ; et dès les premières notes, c’est le ravissement. Des cordes vocales tellement chargées d’émotions qu’elles laissent le public pendu à ses lèvres. « For Dick », extrait de « There Is An Ocean That Divides », exerce tout son charme. Les regards sont figés sur l’artiste. On remarque même quelques mirettes légèrement mouillées lorsque celui-ci parcourt les splendides « White Horse », « Dog » et « Abandoned ». Scott Matthew n’est pas le plus joyeux des compositeurs et le reconnaît.
Le sympathique gaillard, moins avare en paroles qu’il n’y paraît, délivre un set quasi parfait. Le tracklisting repose en très large partie sur son nouvel opus : du captivant « Wolverine » aux plus enjoués « Thistle » et « Friends And Foes », en passant par le titre-maître, coécrit par sa jolie claviériste Marisol Martinez. Matthew conclut sa prestation d’une heure un quart sur deux rappels au cours desquels il interprète le manifestement très attendu « Upside Down », extrait de son œuvre éponyme et de la B.O. du sulfureux « Shortbus » (NDR : long métrage dans lequel il apparaît). Tout simplement impeccable.
Organisation : Botanique
Si on pouvait sédimenter le son d’un album, et n’écouter que certaines ‘couches’, alors je pourrais mettre en ‘off’ la couche ‘voix’ afin d’apprécier quelques morceaux de cet album d’Addie Brick qui a parfois de sympathiques sonorités tziganes ou latines. Malheureusement, je suis obligée de supporter les plaintes langoureuses de la chanteuse qui vient littéralement gâcher la fête, en se prenant tour à tour pour la Castafiore, Mariah Carey, la petite sirène… En plus, à ces moments-là, l’arrangement vire au rose à paillettes et dégouline pour m’écœurer davantage. Aucune ligne de conduite au sein du disque, les inspirations de musique traditionnelle sont tellement hétéroclites, on dirait… des parodies, ou ‘le tour du monde en 12 chansons’.
On plante ainsi la tente, en compagnie de Miss Castafiore, dans un monastère tibétain, en Chine, à Marrakech, en Angleterre, dans un camp tzigane, dans la Pampa. C’est un peu comme des vacances organisées pour visiter le maximum de pays en un minimum de temps. Le genre musical ? Rock, pop, électro, new age, world music. La voix elle-même n’a aucune identité.
Le meilleur moment reste ce morceau digne de la comédie musicale du Roi Lion, où des voix à la Era sont soutenues par un beat préenregistré. Dans un morceau électro, on peut entendre malgré tout, sous les vibratos, de chouettes mélodies de harpe et d’accordéon. Vraiment, quel gâchis !
L’héroïne du conte d’Andersen avait eu la bonne idée d’échanger sa voix contre des jambes. Allez, Addie, crois-moi, pouvoir courir sur la plage, c’est super !
Pour un concert de rentrée au Bota, We Were Promised Jetpacks constituait une véritable attraction. Raison pour laquelle je m’étais déplacé afin d’assister leur set. Cette formation écossaise s’est d’ailleurs forgé une excellente réputation. Surtout depuis la sortie de leur premier elpee, « These Four Walls », paru le 15 juin dernier. Le combo accomplit aujourd’hui la dernière date de sa tournée. Et Adam Thompson, le leader, promet que la soirée sera réussie. Il tiendra parole…
Rendez-vous donc au Witloof Bar. Une salle de petite taille, mais qui accueille un parterre bien garni. Etonnant pour un groupe aussi peu notoire tant en Belgique qu’à travers le monde. Les quatre musicos débarquent vers 20h30. Ils sont très jeunes mais semblent très à l’aise. Sculpté dans le rock, le début de leur set est tendu et hanté. Mais je ne connais guère leurs compos. Pourtant, les chansons séduisent d’emblée. A cause des mélodies qui libèrent une belle dose d’énergie et d’émotion. Et puis du drumming particulièrement impressionnant de Darren. La plupart des morceaux débutent en mode mineur avant d’exploser sous de véritables déflagrations soniques. A l’instar de « It’s Thunder And It’s Lightning », « Quiet Little Voices » ou encore, « The Conductor » ; manifestement des sommets de leur prestation.
La formation avoue pour influences majeures Frightened Rabbit, The Twilight Sad et le Biffy Clyro originel. C’est indéniable. J’ajouterai Futureheads et Arcade Fire, à des degrés divers. Ce qui explique pourquoi leur power-rock teinté de post-punk, responsable de petits hymnes très efficaces, est susceptible de séduire un public bien plus large. Véritable source de talents, l’Ecosse n’en finit plus de surprendre. Agréablement, bien sûr ! Après Mogwai, Franz Ferdinand, Belle And Sebastian ou encore The Phantom Band, il faudra compter sur We Were Promised Jetpacks…
(Organisation Botanique)
Pour bien démarrer la saison, le Botanique a eu la bonne idée de dépoussiérer la Rotonde en y conviant The Dodos. Et pour cause, la popularité de cette formation issue de San Francisco est en phase ascendante. Le line up a été élargi depuis l’arrivée d’un troisième membre ; une occasion idéale pour découvrir son troisième rejeton devant une salle pleine à craquer.
La soirée s’est ouverte par un set tout en délicatesse de Wye Oak, duo originaire de Baltimore. Petits protégés du label Merge, Jenn Wasner et Andy Stack présentent leur deuxième recueil, « The Knot », dont les compos sentent bon l’indie des années 90, sans le côté dépassé. Tout n’est pas parfait mais le duo parvient à tenir une bonne partie du public en haleine pendant près d’une quarantaine de minutes.
Exit les barriques. The Dodos jouent toujours aussi fort mais privilégient la carte de la subtilité en additionnant Keaton Snyder et son vibraphone géant à leur configuration. Le duo, devenu depuis trio, avait déjà soufflé ses fans belges lors de sa visite au Pukkelpop en 2008, avant de remettre le couvert un peu plus tard cette année-là au VK. Mais leur prestation accordée à Dour cet été n’a manifestement pas emballé grand monde, alors que le nouvel ouvrage de la bande n’a, jusqu’à présent, reçu qu’un accueil assez mitigé. L’appréhension était donc au rendez-vous avant la montée sur scène de la formation.
Premier constat : Logan Kroeber à switché ses instruments rustiques contre de grosses caisses plus belles et plus chères. La formule est tout de suite moins excitante mais le gars joue avec tant de classe et de passion qu’on ne peut pas vraiment lui reprocher grand-chose. Meric Long a une petite gueule d’ado attendrissant. Ce qui ne l’empêche pas de se déchaîner sur sa gratte. Il balance au micro quelques uns des morceaux de « Time To Die ». Joe Haener, le discret, mais terrible percussionniste de la tournée précédente à cédé sa place au tout aussi circonspect Keaton Snyder à qui il aura fallu quelques titres avant d’être complètement en phase avec ses camarades. Ses coups de vibraphones sont certes intéressants mais n’apportent, à mon humble avis, pas plus de substance aux compos de la formation.
The Dodos parcourent essentiellement leur dernier né ; mais entrecoupent le tracklisting de quelques extraits inévitables de « Visiter ». Les petits gars livrent un set captivant mais peut-être un trop formel par rapport à ceux auxquels ils avaient habitués leur public. Ils se rattraperont néanmoins en offrant au public deux rappels vibrants. Au bout d’une heure et demie, le trio se retire. On suit le mouvement, un sourire ravi aux lèvres.
(Organisation : Botanique)
(voir aussi notre section photos)
Susanna And The Magical Orchestra nous démontre à nouveau que la scène norvégienne peut voyager sur de multiples lieux musicaux.
Après un premier elpee plutôt discret (« List of Lights and Buoys »), le duo scandinave sort publiquement de l’ombre en 2006 en concoctant « Melody Mountain ». Album présentant une série de covers aux interprétations atypiques et glaciaires où « Susanna And The Magical Orchestra » s’amuse à réinventer « Hallelujah » de Leonard Cohen, « Love Will Tear Us Apart » de Joy Division, « Enjoy The Silence » de Depeche Mode ou encore « Crazy, Crazy, Nights » de Kiss et « It’s All Right » de Bob Dylan. Reprises qui seront saluées par la presse et le public pour leur originalité.
Sur « 3 », Suzanna Wallumrød (chant) et Morten Qvenild (claviers) reviennent à des compositions plus personnelles. Des textes et des airs éthérés invitent à s’évader des profondeurs des bois pour survoler les fjords majestueux du Grand Nord. Les mots se prêtent à de sombres mélodies minimalistes et tragiques qui s’irritent d’electronica, de jazz et de pop. Ceux qui parlent de conflits internes (« An Other Day »), de relations humaines (« Recall ») mais aussi de l’incommensurable espace, des étoiles, des planètes et de voyages galactiques (« Someday »). Belle perspective ouverte par ces deux musiciens.
Seul détail d’importance, à force de vouloir dénoter, on passe parfois à côté de l’essentiel : la musique. On oublie que le minimalisme ne s’entend pas au sens d’une absence totale de matière sonore. Cette volonté de frisson et de pureté glaciale gomme l’orchestration retro-futuriste et se transforme en jolie carte postale pour la Norvège. Rythmes qui feraient penser que la dérive des continents est un volcan actif. La structure repose sur un champ impressionniste qui ne tremble que trop rarement. L’essence musicale est plus exsangue, plus épuisée que tragique. Elle nous offre un electronica-pop narcotique (« Deer Eyed Lady ») qui pourrait résonner dans un ascenseur de centre commercial. Mélodies et arrangements en ombre d’où émergent, fort heureusement, l’intimité paisible et la puissance émotive de la voix cristalline de Suzanna Wallumrød qui nous grise par instants. Très jolie voix qui coule comme un ruisseau de montagne norvégienne ; mais qui, comme le murmure perceptible de ces eaux magiques, ne charrie aucune signification, car elle n’a rien à dire !
L’album est découpé en dix titres. Suzanna et Morten se partagent équitablement la composition de huit d’entre eux. Le reste est consacré aux reprises, un exercice de style dans lequel le groupe excelle. Tout d’abord le « Subdivisions » de Rush, moins inspiré que « Melody Mountain » et puis « Another Day » de Roy Harper. Espace fugitif illuminé par sa beauté fragile où la voix limpide de la chanteuse peut totalement s’exprimer.
L’album se déverrouille sur deux titres de Wallumrød. D’abord, « Recall », méditation sur la mémoire et la perte, s’ouvre à une ambiance feutrée qui ressemblerait à un Kraftwerk minimaliste teinté d’électro-pop accompagné d’un surprenant final aux percussions 80’s. Ensuite, « Guiding Star » qui prendrait la voie d’une Björk electronica. Chemin sur lequel la talentueuse Islandaise aurait rencontré Lou Rhodes (Lamb). L’esprit de Lamb plane d’ailleurs sur plusieurs morceaux de l’album.
Ces deux premières pistes cèdent ensuite le relais aux compositions de Morten Qvenild. Le « Game » au vibraphone obsédant et le single « Palpatine’s Dream ». Le reste de l’album se fond et se confond dans une linéarité angoissante.
Album formellement interdit à toute personne souffrant de narcose.
Le RTB est une formation établie à Boston, dans le Massachussetts. Sa naissance remonte à 1995. Deux ans plus tard, elle remportait le ‘Battle of the Bands’ dans son propre fief. Le groupe se produit régulièrement dans le nord-est des States, concédant plus de 150 apparitions par an. Racky Thomas en est le leader. Chanteur/harmoniciste, il lui arrive de glisser à la steel guitare. Né en 1969 dans le New Hampshire, il a émigré à Boston, en 87. Pour compléter le line up, Nick Adams se consacre à la guitare, Todd Carson à la basse et Michael Avery à la batterie. Si habituellement, Jeremy Berlin (NDR : également impliqué chez Johnny Hoy & the Bluefish) se réserve le piano, pour cet elpee, c’est le talentueux Matt McCabe qui est préposé aux ivoires. De son côté, McCabe a longtemps rempli ce rôle chez le Roomful of Blues ; en outre, il a tourné en compagnie d’Anson Funderburgh & the Rockets, de Duke Robillard et de Sugar Ray Norcia. Le groupe comptait déjà trois elpees à son actif : "Last of the big spenders" en 98, "Troubled all the time" (NDR : auquel le guitariste Troy Gonyea avait participé) en 2000 ainsi que "Live at the Yardrock", enregistré à Quincy en 2001 et paru l’année suivante.
L’opus s’ouvre par "Ain't gonna do it". Nick pose les premiers accords. Le tempo est bien enlevé. Les cuivres sont à la fête et en particulier ceux des frères Aruda ; c'est-à-dire Scott à la trompette et John au saxophone ténor. Pourtant, c’est Matt qui se réserve un envol remarqué au piano. La plage affiche une coloration très New-Orleans. Faut dire qu’elle est signée Danny Bartholomew. "Someone to keep me satisfied" est issu de la plume de Racky. Un Chicago shuffle inspiré du blues urbain des années 50. Il souffle dans un registre proche de Sonny Boy Williamson. Pendant que Nick assure comme Jimmy Rogers, McCabe est à nouveau intenable. Ses interventions sont proches d'Otis Spann voire de Sunnyland Slim. Thomas a une très belle voix. Il la met en valeur sur le délicat "If my luck don't change", un morceau au cours duquel le champ libre est laissé au sax ténor de John. Mais son intervention est aussitôt suivie par de celle de son frère à la trompette. Un bottleneck acoustique colore bien l’ensemble, alors que l'harmonica sort enfin de sa réserve. Excellent! "Break it to me easy" est un tout bon slow blues que prélude les accords d’une six cordes inspirés par le grand BB King. On est plongé au sein d’une délicieuse ambiance fin de soirée. Les cuivres tapissent discrètement l'ensemble. Disciple de Ronnie Earl (NDR : un concitoyen), Nick Adams s’autorise un envol tout en nuances sur sa gratte. Nous sommes alors immergés dans l'ambiance des meilleurs moments de Roomful of Blues. "Dance with your daddy" réactive le rythme. Une invitation à la danse plus proche du style des Fabulous Thunderbirds de Kim Wilson. Ravi, Racky souffle de bonheur dans son harmonica tandis que Nick sculpte son instrument en rythmique, à la manière d'un certain Jimmie Vaughan. "Goin' away baby" opère un changement radical. Un country blues acoustique qui barbote dans le Delta du Mississippi. La palette sonore de cet opus est très ample. Et le "Junker's blues" de Champion Jack Dupree en est une autre illustration. Racky a parfaitement assimilé le style vocal de l'ancien champion de boxe néo-orléanais pendant que McCabe se révèle impérial sur les ivoires. Un duo magique ! Les rythmes syncopés de la Nouvelle Orléans envahissent "She's all right". Avery excelle derrière ses fûts. Retour à Chicago pour une reprise empreinte de douceur du "Louise" de Howlin' Wolf. Racky se force un peu la voix tandis que Nick se prend pour Hubert Sumlin. Instrumental, "Racketeering" est un terreau favorable aux échanges entre les cordes et l'harmonica. Adams est passé à la slide, lors de cover irréprochable du célèbre "Honey bee" de Muddy Waters. Largement cuivré, le titre maître est imprimé sur un tempo vivace, un morceau au cours duquel McCabe en profite pour sortir en boogie woogie. L’album s’achève par le "Ride with your daddy tonight" de Slim Harpo, une excellente cover qui ponctue un elpee très bien ficelé et particulièrement plaisant…
Chanteur/harmoniciste, Bob Maglinte vit à Boston. Atteint d’une grave affection hépatique, il a subi une transplantation d'organe, il y a peu ; et apparemment cette opération a entièrement réussi, puisqu’il semble avoir retrouvé un dynamisme nouveau. Ce jeune vétéran a joué en compagnie de bluesmen aussi notoires que Jimmy Rogers, Sunnyland Slim, Luther ‘Guitar Junior’ Johnson ou encore Louisiana Red. Dans le passé, il a milité dans plusieurs groupes locaux comme le Bobby Watson Band, Blues Express et Two Bones & A Pick. Comme souffleur, il reconnaît pour influences majeures des mythes tels que Little Walter, Sonny Boy Williamson, James Cotton et Walter Horton. C’est également l'ami de Jerry Portnoy, un concitoyen impliqué naguère au sein du Muddy Waters Band. Boston est également célèbre pour ses harmonicistes. Une réputation assise par des souffleurs comme Jerry, Magic Dick, Annie Raines, Sugar Ray Norcia et… Bob. Qui se produit sur les planches depuis 1973 et drive depuis longtemps sa propre formation : les Rythm Aces. En 1992, il avait décroché le Boston Blues Challenge.
Cet elpee a été enregistré ‘live’, en 1995. Au festival Waterfront de Providence, à Rhode Island. Il vient seulement de sortir. Bob est soutenu par un trio de musiciens dont l'excellent (et alors prometteur) Troy Goynea (futur Fabulous Thunderbirds) à la guitare, Gary Burgin à la contrebasse et Dan Bunge à la batterie.
Dès le morceau d’ouverture, "Chrono jump", Maglinte se révèle impressionnant sur l'instrument chromatique. Il me rappelle même le regretté William Clarke, au sommet de son art. Son jeu est à la fois fin, délicat, incisif et puissant. La prise de son est impeccable. Bob chante "Honey". Son timbre me rappelle le grand Kim Wilson. Un compliment, vous vous en doutez. L’équipe est homogène. Le jeune Gonyea y étale tout son talent. Et on se rend compte qu’il a bien assimilé le style des grands de la West Coast. Entièrement conquis, Maglinte le suit pour rejoindre les sommets. Et un pic est d'ailleurs atteint lors du "Same old blues" de Little Milton, une compo dont le traitement énergique est accentué par un tempo soutenu, réminiscent du Chicago westside sound de Magic Sam. Troy s’y révèle impérial. Son intervention est remarquable. Et c’est dans ce style qu’il va briller, quelques années plus tard, au sein des Fabulous Thunderbirds. Le set embraie par "Walk with my baby" sur un rythme très New Orleans, subtilement exotique, contaminé par la rumba. A cet instant du show, les musiciens sont chauds comme la braise. Leur version accélérée du "Goin' down slow" de St Louis Jimmy Oden décoiffe littéralement. Habituellement traitée sous la forme d’un blues lent, cette compo génère un swing omniprésent ; en outre, la lutte fraternelle livrée entre Troy et Bob est sidérante. Lorsque Maglinte a composé "Tramp groovin", il était hanté par le classique "Tramp". Il le mijote à sa sauce. Son intervention est inspirée de Georges ‘Harmonica’ Smith mais aussi du saxophoniste Junior Walker. Troy sature l’ensemble de groove ; un groove dispensé dans l’esprit de Magic Sam Maghett. Signé Sonny Boy Williamson II, "Sad to be alone" est un slow blues au cours duquel Bob souffle dans les aigus à la manière de son maître. Les Rhythm Aces embraient par "Love you baby" et "Loner". Cette dernière plage déménage littéralement. Et pour cause, pendant que la rythmique adopte un profil familier à Jimmy Reed, Troy se met dans la peau d'Eddie Taylor! Lors de la cover du "Beautician blues" de Roy Brown, c’est Gonyea qui cherche à réincarner Johnny Guitar Watson. Le titre final est particulièrement long. Intitulé "Shufflin", il s’étale sur près de 12', un morceau au cours duquel Bob nous réserve un long exploit instrumental sur sa musique à bouche, une performance susceptible de rappeler celle de son concitoyen Magic Dick, du J Geils Band, dans son "Whammer Jammer". Un excellent concert, impeccablement restitué sur ce cd…
- Salut p’pa, t’écoutes quoi ?
- Un truc que je ne connais pas du tout, c’est belge.
- Spécial, non ?
- Oui, j’avoue que ça sort de l’ordinaire
- Mais ils chantent en français ou en anglais ?
- Les deux, quelques-unes dans chaque langue et même quelques morceaux instrumentaux.
- Mouais ! Mais leur style, c’est quoi exactement ?
- Folk, jazz, un peu de musique de chambre, un mélange de plusieurs courants. Ils la définissent eux-mêmes comme du ‘progressif acoustique’ ou de la ‘musique de jardin’
- Mmmm. Je pige pas trop. Mais tu sais à quoi ça me fait penser ?
- Non, dis pour voir.
- ‘Alice au Pays des merveilles’. Les textes sont vraiment ressemblants. On s’attend à voir arriver le Lapin blanc à tout moment ! C’est trop bizarre !
- C’est vrai que c’est assez original, j’avoue.
- Original ? C’est peu dire. Et ils sortent d’où ces gars ?
- De Liège. Emmanuel Louis, chanteur et guitariste, âme du groupe. L’accompagnent une flûtiste, un violoniste et un joueur de cello.
- Cello, kekséksa ?
- Un violoncelle. A quatre on obtient un quatuor. Ici en l’occurrence, à cordes, comme les petits orchestres de musique de chambre.
- Ok. En tout cas, on risque pas d’entendre ça à la radio hein !
- Vrai, c’est pas un style très ‘écoutable’ comme dirait l’autre.
- Tu m’étonnes… Ça fait 10 minutes que je suis là avec toi et je commence à fatiguer.
- T’es pas très patiente. Si ça ne bouge pas, tu trouves tout de suite ça nul.
- Tu m’diras quand-même pas que toi tu aimes !!!
- Heu… J’peux pas vraiment dire que j’aime. Mais ça a le mérite de surprendre.
- Bon ben j’te laisse à tes surprises, moi j’en ai assez entendu. Et pour ta critique, personnellement, j’irais pas plus haut que 1. Et c’est bien payé…
- Ah là, tu es dure. Et la créativité, tu en fais quoi, tu oublies ? Tu ne trouves pas qu’il y a de la recherche ? Chanter le jardin, la nature, les papillons, les poissons rouges et puis courir les pieds nus dans l’herbe, c’est pas joli tout ça ?
- Ok ok, l’intention est bonne, originale, tout ce que tu voudras. Mais tout ça ne fait pas un bon disque. La musique est lente, trop axée sur le classique, mièvre, manquant de rythme. Tu m’excuseras mais non, j’aime pas trop. Mais bon, chacun ses goûts comme on dit. Y’en aura toujours un pour aimer. Et puis quand on voit le logo de la Communauté française au verso de la pochette (très belle, elle ma foi), on se dit qu’il y a encore un illuminé au ministère qui a du fumer la moquette pour sponsoriser un truc pareil !
- Oui, finalement tu n’as peut-être pas tout à fait tort. C’est vrai que ce Cd s’adresse à un public un peu spécial, branché musique progressive. J’ai écouté trois fois et j’ai du mal à accrocher.
- A ne pas mettre entre toutes les oreilles donc.
- Exactement !
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