Encore une formation signée chez Sub Pop, qui décidément n’en finit plus de dénicher de nouveaux talents. « King of Jeans » constitue cependant le second opus pour ce label, de ces natifs d’Allentown (NDR : c’est en Pennsylvanie) et le troisième à leur compteur. Il fait suite au très remarqué « Hope for Men », édité voici deux ans. Un disque qui s’inscrit parfaitement dans la lignée du précédent opus. Et pour cause, leur punk-hardcore n’a rien perdu de son intensité. De quoi continuer à mériter sa place auprès des Black Flag ou encore Jesus Lizard.
Enregistré sous la houlette du talentueux Alex Newport (At The Drive-In, The Locust, Sepultura,…), cet elpee est découpé en douze morceaux. Des morceaux que Pissed Jeans vomit littéralement. Le climat est malsain. L’agressivité permanente. La pression extrême. Les pulsions animales. L’odeur fétide. Même sur le languissant « Spent », fragment qui s’étale sur 7 minutes. Principal responsable : le vocaliste. Car chaque fois que Matt Korvette, ouvre la bouche c’est pour gerber la haine retenue en lui. A chacun de ses cris, on a l’impression qu’il va déchirer ses cordes vocales. Il ne chante réellement pas. Il hurle ou parle. Aux grattes, Bradley Fry et Randy Huth nous balancent à la figure une bonne dose de distorsion bien lourde pendant que Sean McGuiness frappe tel un dératé sur ses fûts. « King of Jeans » n’est donc pas conseillé aux enfants de chœur. Il ne vous restera plus qu’à ramasser les souillures…
Quand deux blancs becs débarquent au sein des mythiques studios Tuff Gong à Kingston, en ambitionnant d’y réaliser un album electro dancehall aux accents 80’s, le comité d’accueil qui les voit débarquer est goguenard. Comment deux zouaves peuvent espérer concocter quelque chose de cohérent, à leur sortie ? Le studio de la famille Marley est magique certes ; il n’en est quand même pas miraculeux. Oui mais ! Les deux ahuris à casquette défraîchie et au teint palot se prénomment Switch et Diplo ; ce qui vient changer considérablement la donne. Non contents de s’étouffer dans leur ambition, ils ont carrément l’idée de produire un univers plutôt qu’un simple son. Ils ont embarqué dans leur valise l’histoire de Major Lazer, ancien soldat jamaïcain qui s’est fait greffer un canon laser à la place de son bras droit. Membre qu’il a perdu lors de la guerre contre des vampires et qui le motive à poursuivre sa lutte sans relâche. Il y a fort à parier que l’Anglais et l’Américain ne se sont pas contentés de boire de l’eau ou de fumer la shisha en montant ce projet complètement barjot. Une citerne de vodka et une benne de sinsemilla ont probablement dû être livrés à domicile pour parvenir à écrire ce scénario digne d’une série Z. Le culot et l’arrogance propres aux deux producteurs permet pourtant à ce « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » de décaper sans équivoque, les papiers peints où viennent se fracasser les beats. Au rythme incalculable de pulsations effrénées, les plages s’enchaînent dans le stupre et la sueur. Se permettant même l’audace, d’embarquer dans leur folie des noms comme YBYZ Kartel, Mr Thing, Mr Vegas ou Santigold, Switch et Diplo suscitent instinctivement la curiosité. Mais jeter une oreille distraite sur l’album est peine perdue. Dès les premiers accords, les strings se tendent, les chaînes en or étincellent et les torses se bombent. La contamination est immédiate, et le popotin se trémousse sans se forcer. Parfois un peu ‘too much’, voire même un tantinet écœurant, « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » pourrait pêcher par excès tant le rythme est soutenu. A force de se dandiner, on finit par tomber à genoux, tout en suppliant de réduire le tempo. Complètement absorbé dans leur univers, les deux producteurs n’auront aucune pitié à l’instar de leur héros Le Major, et pousseront, plus loin encore leurs curseurs dans le rouge. S’ils n’ont pas de cœur, Switch et Diplo ont au moins, des cojones grosses comme des buildings.
Initialement répertoriée comme ‘chanteuse pour enfants’, Geneviève Laloy décide de ‘vieillir’, de franchir un palier en nous proposant, à tous cette fois, adultes et enfants, douze nouvelles chansons qui en font un très très joli moment de plaisir.
Virevoltant autour de sa belle voix : des ‘hirondelles’. Drôles d’oiseaux en réalité qui se prénomment Philippe (flûte traversière, saxo et deuxième voix sur certains morceaux), Didier (accordéon), Vincent (contrebasse et chœurs), Paul (guitares et chœurs), Kathy (violoncelle), Stéphane (percussions) et Thierry (harmonica).
Dans un style épuré et chaud, l’ensemble nous invite à voyager au sein de différents ‘courants’ : du folk au jazz surtout, le tout traversé de relents de musique médiévale. Quant aux mélodies, elles me font un peu penser à la belle époque de Beau Dommage, groupe mythique des 70’s...
Jamais on ne s’ennuie tant chaque plage est originale, chaque nouvelle chanson est entraînante et se retient facilement, apportant joie et fraîcheur. C’est en écoutant pareil disque que notre âme d’enfant (« Cachez-vous ») encore si présente mais hélas bien enfouie sous des tonnes de ‘tracas de la vie’ revient à la surface. L’objectif n’est pas de nous faire réfléchir, de nous attrister ou de nous mettre en garde contre des problèmes de société. Non, les choses simples sont également très jolies à chanter : la nature (« La campagne »), le plaisir de la vie (« Poisson doré », « La luge »). Bref, inutile de se ‘prendre la tête’ !
Merci donc à Geneviève et à ses ‘hirondelles’ de signer de leur(s) plus belles(s) plume(s) des textes et des musiques qui dégagent un petit coin de ciel bleu dans l’univers de nos vies. La grisaille qui nous entoure est pour certains l’environnement quotidien. Envolez-vous !
Un petit moment de plaisir à partager…
K ? C’est quoi ça ? Un groupe, un mec tout seul ? Bizarre comme nom d’artiste en tous K…
Comme je l’ai reçu, allez hop, je l’insère dans mon ordi et j’écoute ce Cd en préparant mes cours pour le lendemain. Mais, difficile de se concentrer sur mon boulot. C’est plus fort que moi. Ses mélodies et ses chouettes textes m’accrochent instinctivement. C’est vraiment pas mal du tout ce qu’il fait ce gars.
Bon, un peu de recherche sur Internet. C’est qui, il vient d’où, il chante depuis combien de temps, il a déjà sorti combien de disques ? Tant pis pour mes prépas et mes corrections !!! Ce sera pour plus tard. Je veux savoir.
Trouvé ! K s’appelle réellement Nicolas Michel. Il a la trentaine et nous vient de Suisse. A part Stéphane Eicher, j’en connaissais pas d’autre. Il écrit tout, paroles et musiques et il en est déjà à son second elpee. Le premier, « L’arbre rouge » est paru en 2005. Un disque qui l’avait un peu fait connaître, mais uniquement chez lui, dans les montagnes helvètes. Pour sa deuxième réalisation, K a choisi de ‘reprendre’ une bonne partie des morceaux issus de son premier elpee et d’y ajouter quelques inédits de très bonne facture.
Je parle, je parle et lui, K en est à sa huitième plage. Il me fait un peu penser à un mix entre Bénabar et Renan Luce. On retrouve un peu les mêmes thèmes et la même diversité musicale.
Pas d’envolées lyriques ou poétiques, mais des textes d’actualité, bien tournés, des ‘réalités’ de la vie. On navigue entre humour, mélancolie, joie et tristesse.
Nicolas privilégie l’utilisation d’instruments acoustiques. C’est une priorité pour lui. Des guitares sèches, un accordéon, une contrebasse, un piano, un violon, etc. L’accent est mis sur ce que je qualifierai d’authenticité. Pas besoin de sortir la grosse artillerie électrique ou électronique pour offrir une certaine qualité, je dirais même une qualité certaine…
Un superbe ‘petit’ album d’un artiste à découvrir. Le temps de vous faire part de mes réflexions, et le cd est déjà fini. Je vais le remettre dans le lecteur, tiens !
Funeral Dress. Malgré ce patronyme taillé sur mesure pour un combo Doom Metal, nous sommes bien en présence de Punk. Le combo flamand n’en est d’ailleurs pas à son coup d’essai, puisque « Global Warning » constitue déjà son huitième album studio en presque 22 ans d’existence (et énormément de changements de line up). Fans de Green Day, Good Charlotte et autres Sum 41, passez votre chemin, car Funeral Dress ne joue pas du punk pour fils à papa en pleine crise d’adolescence. Non, Funeral Dress joue du punk, du vrai. Qui sent la rue, la bière et le crachat. Le groupe use et abuse d’ailleurs de tous les clichés inhérents au punk pour affirmer son appartenance à ce style musical. Musiciens tatoués à la chevelure en crête (NDR : à l’instar du crâne qui orne la pochette de l’album d’ailleurs). Chansons contestataires (« Renegade Generation », « California »), voulant choquer le peuple (« Belgium’s Burning ») ou rendant hommage à l’icône incontournable du défunt club new-yorkais CBGB’s (« CBGB’s »). Rien ne nous est épargné, et pourtant la sauce prend. On s’agite, on pogote. Quelques moments forts comme le très ‘Ramonesque’ « Rebel Radio, « Burn’Em Down » ou encore la reprise des Abrasive Wheels nous font même remonter un glaviot de salive jusqu’en haut de la gorge. Vous l’aurez compris, Funeral Dress n’invente rien. Mais il le fait bien.
Certains albums sont plus difficiles à chroniquer que d’autres, et n’accrochent pas instantanément ; mais vous le rendent bien. Après avoir écouté « Person To Person », le second album des Américains de Foreign Born, une bonne dizaine de fois, je m’apprêtais à rédiger un chronique pas piquée des vers, pour traduire le profond ennui que ce disque avait suscité en mon fors intérieur. Mais une dernière séance au casque m’a fait changer d’avis. Comme si une petite étincelle venait de naître. Comme si les morceaux venaient de s’ouvrir à mon esprit. Et de sauver l’opus d’une analyse injuste. En fait, mon insistance est due… au label. A la qualité du label. Secretly Canadian. Une écurie qui mise rarement sur un mauvais cheval. La même ‘mésaventure’ m’était arrivée en écoutant le dernier long playing de Windsor For The Derby, également signé chez cette excellente maison de disques.
Foreign Born est un trio composé de Lewis Pesacov, Matt Popieluch et Ariel Rehtshaid. Des personnages plutôt discrets. Issus de San Francisco (NDR : ville réputée pour son ouverture d’esprit), ils se sont rapidement établis à Los Angeles, après la formation du groupe. « Person To Person » constitue leur second album. Paru en 2005, le premier, « On the Wing Nowsorti » avait été édité à seulement 500 exemplaires !
Le morceau d’ouverture, « Blood Oranges » est le plus évident du lot. A cause de son refrain entêtant. Toutefois c’est en milieu d’elpee qu’on décèle les véritables merveilles de « Person To Person » ; et en particulier la trilogie « Can’t Keep Time », « Lion’s Share » et « It Grew On You ». A la croisée des chemins de Clap Your Hands Say Yeah (pour la voix), Fleet Foxes (pour la douceur), Grizzly Bear (pour la complexité) et des Harlem Shakes (pour les rythmes), la solution sonore devient alors remarquable. Une forme d’indie pop subtile, étrange, troublante et hypnotique. Faut dire que le combo a reçu le concours d’une bonne dizaine de collaborateurs, dont plusieurs percussionnistes. Qui s’en donnent à cœur joie lors des compos les plus percutantes. Notamment sur « Early Warnings », une plage caractérisée par ses sonorités africaines entraînantes, insolites, dignes de Vampire Weekend.
Pas toujours accessible, « Person To Person » exige une oreille attentive pour être apprécié à sa juste valeur. Et c’est au fil des écoutes qu’il exerce tous ses charmes. En fait, l’opus recèle une moitié de morceaux plus faibles (NDR : « See Us Home » en est un bel exemple) et une autre absolument géniaux. Aussi on ne peut espérer que lors de l’album de confirmation, Foreign Born aura le bon goût d’opter pour la bonne portion…
Nickel Eye constitue le projet solo de Nikolaï Fraiture, le bassiste des Strokes. Suite à la longue pause consentie par le gang new-yorkais (NDR : leur dernier album remonte quand même à 2005), le musicien désœuvré a donc décidé de mettre en chanson des poèmes composés plusieurs années auparavant. Une démarche comparable à celles entreprises par ses comparses Albert Hammond Jr. et Fabrizio Moretti (NDR : et son projet Little Joy). Le guitariste et le batteur des Strokes avaient livré des œuvres honorables sans être mémorables. Les mauvaises langues ont même taxé le second elpee d’Albert, de moyen. Pourtant, tout le monde a toujours en mémoire le magnifique album de la formation issue de la Grosse Pomme, « Is this It ». Un préjugé, ma foi, fort favorable, dont bénéficient finalement les différents membres du combo, à travers leurs projets en solitaire. On se demandait donc si le bassiste allait faire mieux que ses acolytes…
La musique de Nikolaï Fraiture est sculptée dans une pop-rock indie plutôt classique, sans grand génie mais pas prétentieuse pour un sou (NDR : un nickel ?) Les 35 minutes de « The Time Of The Assassins » sont toutefois très plaisantes à écouter. Si certains morceaux s’avèrent plus qu’anecdotiques, d’autres auraient tout aussi bien pu figurer sur un opus des Strokes. Et je pense tout particulièrement au single irrésistible « Brandy Of The Damned » ou encore au très réussi « Back From Exile ». Le timbre vocal de Fraiture est aussi nonchalant que celui de Julian Casablancas. Nick Zinner des Yeah Yeah Yeahs apporte son concours à « Dying Star », une plage rock fort quelconque. Par contre, l’émouvante ballade folk « Where The Cold Wind Blow » est enrichie des interventions très judicieuses de Regina Spektor au piano. En fin de parcours, Nikolaï nous gratifie d’une reprise du « Hey, That’s No Way To Say Goodbye » de Leonard Cohen. Exercice périlleux, car si la version originale est exceptionnelle, l’adaptation est simplement respectueuse du maître. Ce qui n’est déjà pas si mal…
Bref, on peut considérer ce « The Time Of The Assassins » comme une œuvre plus qu’encourageante ; surtout de la part d’un musicien dont on n’attendait pas grand-chose. Et pour que votre info soit complète, sachez que cette petite mise en bouche précède la prochaine sortie d’un elpee solo de Julian Casablancas…
En toute modestie, j’avoue parfois être déconcerté par la prolifération de groupes et d’artistes qui militent au sein des différentes scènes musicales. Un sentiment qui doit certainement également vous envahir régulièrement. Donc, soyez rassurés, je partage votre point de vue. Cependant, il faut reconnaître, qu’au sein de cette foultitude, le meilleur côtoie régulièrement le pire. Et très souvent, pour une découverte jouissant d’un potentiel certain, on décèle cinq projets sans grand intérêt.
Combo français, issu de Lille très précisément, DLGZ rock 5tet appartient donc à la catégorie des bonnes surprises. D’autant plus que ce quintet (NDR : d’où leur patronyme) crèche à une vingtaine de kilomètres de mon domicile. Juste de l’autre côté de la frontière. Paresse quand tu nous tiens…
Leurs aventures ont commencé il y a quatre ans. Par un premier Ep, suivi deux ans plus tard, d’un second. Pas la peine de chercher une biographie à leur nom, à l’époque, la formation s’appelait Daddylonglegz. On présume que par souci de facilité (NDR : et d’efficacité), ils ont préféré changer de dénomination.
« New tricks for old dogs » constitue leur premier elpee. Un disque pour lequel le combo a reçu le concours du drummer de Tortoise John McEntire (NDR : son énorme réputation de producteur lui a déjà permis de mettre en forme des œuvres d’une multitude d’artistes, parmi lesquels figurent Stereolab, The Sea and The Cake, et la liste est loin d’être exhaustive), à la production. Et c’est au sein des studios chicagolais de Soma que la troupe a réalisé ses sessions d’enregistrement. En écoutant, bien sûr, les sages conseils du personnage notoire.
Découpé en 10 morceaux, « New Tricks For Old Dogs » évolue dans un univers sonore qu’on pourrait qualifier (NDR : et encore, l’analyse est risquée) d’electro-rock-progressif. Complexe, inventif, leur style évolue à la croisée des chemins de Radiohead (NDR : période « Bend » voire « Ok Computer »), des Norvégiens de Jaga Jazzist et du Pink Floyd. Oscillant autour des 6 minutes, les titres ont le bon goût de ne jamais s’enliser dans la récurrence. Les variations sont multiples, même au sein d’un même morceau. Et « Hit me three times » en est une belle illustration. Une voix hip hop se fraie d’abord un chemin sur un courant atmosphérique, avant que la compo ne mue progressivement en post-punk. J’épinglerai également le splendide « Hurry ». Dix minutes au cours desquelles, DLGZ Rock 5tet met en exergue un bel éventail de son potentiel. Structurée en crescendo, cette compo est magnifiquement contrôlée par le timbre oppressant du chanteur.
Pour un premier opus, la formation nordiste vient de réaliser un véritable coup de maître. Et je conseille d’ailleurs aux mélomanes de l’écouter à plusieurs reprises ; car à chaque fois, on en décèle de nouvelles subtilités. Pour notre plus grand plaisir…
Après avoir édité le remarquable (et remarqué) « Pets and Nerds Attack Planet Earth », en 2007, Action Dead Mouse nous revient. Gonflé à bloc ! Les Italiens sortent une nouvelle fois des caves ou autre lieux troglodytiques pour y exhiber « Revenge of Doormats and Coasters ». Tout un programme ! Pseudo-instrumentale, la plaque réserve quelques cris et gimmicks percutants. Sur des compositions arythmiques et décalées, le combo nous livre sa vision des événements, sous la forme d’un slogan apocalyptique. Balancés de droite à gauche et sans aucun état d’âme, les 11 morceaux sont l’essence même d’un mouvement post math audacieux. Autant le dire tout de suite, cet opus n’est pas toujours très accessible. Faut dire qu’Action Dead Mouse est nettement plus intello que la plupart des groupes de rock indé actuels. Ce qui ne l’empêche pas de faire exploser les convenances tout en simulant un malaise musical. Décalé ou dérangeant, en fonction de la position où l’on prend part à son univers, « Revenge of Doormats and Coasters » matraque et maltraite le confort pour le transformer en cage insalubre et étriquée. Savoureux ou écœurant, en fonction de son appétit musical, cette galette est néanmoins d’excellente facture. Les percus décharnées et les cordes lancinantes entretiennent un son moite. Nous sommes bien dans la péninsule méditerranéenne. Le détachement ou le déni est pratiquement impensable pour l’auditeur, tant l’ambiance générale prête à l’interrogation et l’oubli des conventions. « Revenge of Doormats and Coasters » laisse, comme l’album précédent, des taches incrustées dans l’âme ; et on est loin de s’en plaindre.
En quelques secondes le décor est posé. Il doit chanter les yeux fermés, tant ses textes déroulent des rêves à l’infini. Sa voix chuchotée caresse un monde féérique où le vent souffle et les chœurs glissent sur les montagnes. Les paysages s’étirent à perte de vue mais dès lors qu’on apprend sa participation au dernier disque de Cinematic Orchestra (« Ma fleur » paru en 2007), on ne s’étonne plus de ces sons devenus plus imagés que jamais. Assez en tout cas pour tomber sous le charme de Wooden Arms à travers ce dedans profondément incarné et vivant. Car si cet album évolue au-delà de la beauté contrôlée du précédent « Close to paradise », c’est aussi par une effervescence magique, débridée et joliment fourre-tout. A pas de loup, le magicien étire ses rondeurs, tour à tour, sur un piano envoûtant (« Drifters »), un banjo, une harpe lascive et des percussions improvisées. Rien n’est laissé au hasard ; roue de vélo, casserole, branche, ventouse, claquements de tiroirs, du tout et n’importe quoi pourtant tellement bien à sa place. Patrick Watson ou les errances qui toujours aboutissent ; on apprivoisera sans heurts cette boîte de Pandore.
Sensuel, il l’est toujours à souhait, surtout accompagné de la voix de Lhassa, invitée furtive d’un étonnant morceau doux et hivernal à la fois (« Hommage »). On reste un peu plus perplexe devant son décor cabaret et fumée bleutée (« Travelling salesman ») ou son ambiance hantée et saturée (« Down at the beach »). Mais après avoir croulé sous le romantisme assassin du morceau « Wooden arms », on est prêt à subir n’importe quelle expérimentation pourvu que cette voix hypnotique continue de nous souffler doucement dans le cou.
Le premier elpee de John Vanderslice, « Mass Suicide Occult Figurines », est paru au tout début de ce nouveau millénaire. Depuis lors, le Californien (NDR : issu de San Francisco, pour être plus précis) concocte à peu de chose près un album par an ; et il faut bien reconnaître, qu’à ce jour il n’a jamais réellement déçu. C’est en 1997 que l’on entend parler pour la première fois de l’Américain. En effet, cette année-là, il monte son propre studio à San Francisco : le Tiny Telephone. Spoon, Okkervill River, Death Cab For Cutie et quelques autres vont y enregistrer leurs meilleurs albums. Et à ce titre, on peut déjà remercier Vanderslice. Il n’entame donc sa carrière solo que trois ans plus tard.
Son septième album, « Romanian Names », est partagé en 12 plages. L’album s’ouvre par le paisible « Tremble and Tear », une chanson folk soutenue par des chœurs soignés. Idéal pour commencer. « Fetal Horses » aurait pu figurer au répertoire de Sufjan Stevens, alors que « Sunken Union Boat » et « Carina Constellation » lorgnent manifestement vers Midlake. A cause des superbes harmonies vocales. « D.I.A.L.O » et « Forest Knolls » trempent dans une forme d’electro minimaliste. Toute une série de morceaux indie pop qui font littéralement mouche. A cause le plus souvent de leurs mélodies contagieuses. Par contre, ce « Romanian Names » s’achève par le moins bon titre de l’elpee, « Hard Time ».
Un autre reproche qu’on pourrait adresser à ce disque, c’est son manque d’homogénéité. Néanmoins, Vanderslice appartient à cette catégorie d’artistes qui se foutent pas mal de la norme. Il compose suivant son inspiration. Que ça plaise ou non. Et poursuit ainsi son petit bonhomme de chemin, à l’écart de la vague du succès. Pour l’amour de son art. Rien de plus. Et à cet égard, on peut lui tirer notre chapeau. C’est sans doute dans cet esprit, que paraîtra son prochain elpee… prévu pour l’année prochaine.
A 24 ans, Jon Hopkins avait déjà collaboré avec les plus grands : de Massive Attack à Brian Eno, en passant par David Holmes et King Creosote. En 2008, il coproduisait l’un des albums les plus vendus cette année-là, à savoir l’inévitable « Viva La Vida » de Coldplay. Aujourd’hui, du haut de ses 28 ans, le jeune homme à relégué le copinage au second plan et se concentre enfin sur sa propre carrière. Fruit d’un travail d’écriture long de trois années, « Insides » succède à deux œuvres publiées discrètement en 2001 et 2004. Les nouvelles excursions électroniques et ambient d’Hopkins, emmenées par une mise en bouche façon ‘soundtrack’ (« The Wider Sun »), ne présentent malheureusement pas le compositeur sous son meilleur jour. Le travail est certes soigné mais manque cruellement de substance.
Jon Hopkins parvient à éclairer le contenu sinueux de « Insides » par quelques trop rares moments d’éclats créatifs (« The Low Places », les dernières secondes de « Light Through The Veins », « Autumn Hill », « Small Memory »). Ces passages indiquent clairement que cet artiste brillerait bien plus s’il se consacrait à une carrière résolument tournée vers la musique de films. Pour Hopkins, « Insides » ne sera certainement pas le disque de la révélation.
Entre Los Angeles et San Francisco se situe Cambria, une charmante bourgade comptant 6 000 habitants. Mais Cambria, c’est également le prénom de Goodwin, une jeune femme qui a fondé le duo folk Port O’Brien, en compagnie de Van Pierszalowski. En 2005. Lorsque le combo sort son premier album, « All we could do was sing », le line up s’est enrichi de deux nouveaux membres. Sur cet opus, Cambria et Van contaient des histoires de leur vie paisible de pêcheur à mi-temps. Cet elpee est déjà encensé par la critique. Ce qui va permettre au combo d’ouvrir pour certains des groupes américains les plus importants de la scène indie ; tels que Modest Mouse, Bright Eyes ou encore Nada Surf. Et puis surtout de tourner pendant presque deux ans. Une longue période au cours de laquelle la formation n’a pas chômé. Et pout cause, les Californiens en ont profité pour bosser sur l’écriture de leur deuxième album.
Sur « Threadable », on retrouve tous les éléments qui leur ont permis une rapide ascension aux Etats-Unis. La voix de Van Pierszalowski rappelle toujours celui d’Isaac Brock (Modest Mouse). Et se marie parfaitement à celle si savoureuse de Cambria. Inspirés par la mort du jeune frère de Goodwin, les lyrics évoquent les métamorphoses de leur existence et les sentiments éprouvés suite à cette tragédie. Les arrangements sont efficaces. L’instrumentation est parcimonieuse. Juste ce qu’il faut pour accompagner le chant des deux compositeurs. Un zeste d’électricité, beaucoup d’acoustique, dont un banjo et des percus. Tantôt mélancoliques tantôt jouissifs, les treize titres s’enchaînent naturellement, de véritables perles pop mélodieuses, mais jamais sirupeuses, évoquant tantôt Neil Young (« Calm Me Down »), The Decemberists (« Oslo Campfire ») voire Modest Mouse.
Après avoir écouté cette œuvre, on comprend aisément pourquoi M.Ward les considère comme son nouveau groupe favori. Et leur passage sur la scène du Château à Pukkelpop confirme tout le bien qu’il pensait d’eux. Une chose est sûre, en traversant l’Atlantique, le second opus du combo ne peut qu’arriver à bon port ce 28 septembre, Port O’Brien…
« Rott In Pieces », le nouvel album des Berlinois de Ripmen semble être la réponse parfaite au dernier opus du Reverend Horton Heat. Alors que l’album du révérend est mou du genou et vire carrément au Country Rock, celui des Allemands entretient parfaitement la flamme hargneuse du Psychobilly. Si certains d’entre vous n’ont jamais entendu parler du Psychobilly (après tout, ce n’est pas le style musical le plus vendeur en nos contrées), sachez qu’il est l’enfant terrible du Rockabilly. Un peu comme si les Stray Cats étaient passés du côté obscur de la force. Une contrebasse, rageuse et speedée, une guitare punkysante et des lyrics inspirés par les films d’horreur de série B.
Disons le tout de suite, les Ripmen ne révolutionnent pas vraiment le genre. Si c’est ce que vous recherchez, allez plutôt voir du côté du dernier Cd des Français déjantés de Banane Metalik. Cependant, « Rott In Pieces » recèle d’excellents titres d’un rock’n’roll furieux aux paroles bourrées d’humour noir. Le disque est très bien produit et dégage un maximum d’adrénaline. Alors, si pour votre prochaine coiffure, vous hésitez entre la crête et la banane, cet album est fait pour vous. Parlez-en à votre coiffeur.
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