‘In The Fishtank’ est à l’origine un concept singulier proposé par le distributeur indépendant hollandais Konkurrent. Ce dernier ouvre ses studios à deux artistes ou deux groupes pendant deux jours. Une période au cours de laquelle divers artistes ont la liberté d’expression et d’expérimentation totale pour naviguer au sein des eaux sonores les plus pures…
L’aquarium est déjà fréquenté par 14 poissons hybrides : « Isis + Aereogramme » (Fish n° 14), « Sonic Youth + The Ex » (Fish n° 9), « Low + Dirty Three » (Fish n° 7)… Mais il vous est loisible de visiter l’intégralité de cette réserve musical sur http://www.konkurrent.nl/labels/fishtank.html
Christian Fennesz, maître autrichien du laptop, et Mark Linkous, leader de Sparklehorse, plongent ensemble ‘In The Fishtank’ pour réaliser le quinzième volet du projet musical. De la rencontre improbable entre le bidouilleur numérique et le guitariste shoegaze, est né un album de 40 minutes où les deux musiciens dessinent des paysages sonores dépouillés à l’extrême. Un monde de mutisme d’une rare limpidité où la voix de Mark Linkous vient briser le silence abyssal des compositions hypnotiques de Fennesz sur « If My Heart ». Le musicien autrichien utilise guitares acoustiques et ordinateurs pour bâtir des compositions à strates dans lesquelles s’enfouissent des mélodies pop sous des vagues d’effets d’electronica. Une merveilleuse union entre figures stylistiques IDM/Electronica et noisy/pop.
« In The Fishtank 15 » nous régale de sept plages aux mélodies silencieusement douloureuses et joliment métaphoriques (« Goodnight Sweetheart »). Fermez les yeux en écoutant « Music Box Of Snakes » et vous serez précipités dans un monde onirique peuplé d’êtres extraordinaires. Et sur « NC Bongo Buddy », Mark Linkous revisite les atmosphères de Slowdive tout en manifestant pleinement sa disposition naturelle pour le shoegazing de qualité.
Un Art électro/pop hautement atmosphérique qui risque cependant de sembler soporifique et insipide pour les uns, mais transcendant pour les autres. Quoi qu’il en soit, cet air de défi surréaliste est réussi pour ces deux excellents musiciens.
« A Loud Call » constitue le troisième elpee de la chanteuse/pianiste/guitariste/compositrice australienne. Pour enregistrer ce disque, Holly Throsby a reçu le concours de toute une série d’invités, dont son fidèle groupe The Hello Tigers, c’est-à-dire Bree van Reyk (drums, accordéon, glockenspiel, claviers) et Jens Birchall (violoncelle, basse, mandoline).
Après avoir concocté un premier opus très confidentiel en 2004 (« On night »), quasiment fabriqué secrètement et en ‘autarcie’, elle embraie par « Under the town », deux ans plus tard. Pour la circonstance, Holly Bree et Jens se partagent tous les instruments. Elle se fait cependant également aider de Tony Dupé qui apporte sa précieuse collaboration aux cordes, aux cuivres et à la production.
Pour ce troisième cd, elle a fait appel à Mark Nevers qui a enregistré une grande partie de l’album au sein des studios de Nashville. Néanmoins, la partie cordes et cuivres reste l’apanage de Tony, resté au pays.
Onze titres composent ce joli disque caractérisé par une musique pop soignée. Les guitares sèches sont très présentes, les cordes accompagnent élégamment la voix très légèrement rocailleuse de Hooly. De superbes ballades, bien léchées, entrecoupées de temps à autre (NDR : très rarement, si vous préférez) de titres plus rock (« A Heart divided », « One of you for me ») se succèdent tout naturellement (NDR : et sans le moindre heurt) sur les 40 minutes de cette plaque. Bref, une œuvre agréable susceptible de vous procurer un réel moment de plaisir musical et surtout de vous communiquer un sentiment d’apaisement.
Parmi les quelques ‘guests’ intéressants qui ont participé à la confection de cet album, on épinglera la présence de Bonnie 'Prince' Billy, Sarah Blasko, Glen Hansard (The Swell Season), Jack Ladder, New Buffalo, Hayden et Andrew Bird.
A l’instar de sa visite précédente, en mars dernier, Josh Tillman laisse l’honneur à Zach, son frangin, d’ouvrir le bal. Seul derrière sa guitare, le cadet s’échine à transmettre toute l’étendue de sa passion au public. Un effort qui tombe à plat, tant la voix du jeune homme, aussi puissante soit-elle, est tout bonnement anodine. Idem pour la gratte. Son doigté est soigné mais ordinaire. Du haut de sa chaise, Zach Tillman apparaît comme le post-adolescent qui s’est entraîné toute sa vie entre les quatre murs de chambre pour rivaliser avec un grand frère talentueux. Mais le bon garçon ne parvient tout simplement pas à la cheville de ce dernier, ni même de n’importe quel autre ‘folkeux’ du même acabit.
Trois jours après une prestation au Leffingeleuren qui l’a manifestement marqué (NDR : il nous réserve quelques petites blagues bien senties sur l’organisation et la restauration du festival), J. Tillman investit la Rotonde pour la seconde fois cette année. L’homme, qui avait débuté sur les planches accompagné uniquement de sa guitare, est aujourd’hui flanqué de quatre musiciens. Au sein du line up milite Zach Tillman. Loin du micro. Donc bien meilleur. La première partie du set est essentiellement consacrée à « Vacillando Territory Blues », son excellent recueil précédent. La prestation souffre de quelques soucis techniques. L’un des amplis principaux fait des caprices ; si bien que Josh tente visiblement de se contrôler pour garder son calme. Exaspéré, il trouve la bonne parade en plaisantant tranquillement avec son public pendant que l’ingé-son limite les dégâts.
Avouons-le sans détour, la seconde partie du concert, axée sur « Year in The Kingdom », est tout simplement exceptionnelle. J. Tillman prouve, en l’espace d’une demi-douzaine de morceaux, qu’il est de ces artistes qui se bonifient au cours du temps. Les extraits du nouvel ouvrage se révèlent irrésistibles, entre folk classique et psyché déjanté. L’artiste et ses musiciens se déchaînent comme des diables sur leurs instruments et parviennent à faire vibrer les murs de la petite salle. Il est loin le temps ou le songwriter se dissimulait timidement derrière son micro. Après un concert pareil, Josh et sa troupe peuvent revenir chaque semaine. Et Dieu sait qu’on sera immanquablement au rendez-vous.
Organisation Botanique
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La cinquième édition du Sugarock festival a vécu… Cette année, pour fêter sa demi-décennie d’existence, le Centre Culturel du Pays des Collines (en collaboration avec la Maison des Jeunes Vaniche et le service de l’administration communale) avait axé sa programmation sur des artistes plus ‘professionnels’. Et l’affiche était des plus alléchantes. En effet, elle proposait des formations déjà bien rôdées, délaissant quelque peu le côté ‘amateur’ du festival tout en lui ôtant son caractère légèrement naïf. Mais un public clairsemé (NDR : à peine plus de 730 entrées à 23h30) dans une structure susceptible d’en contenir facilement le double, cela fait un peu vide. Une situation qui avait cependant également ses avantages : être à l’aise, avoir la vue dégagée et ne pas se faire écraser les pieds…
Les conditions sont idéales pour un festival. Une météo clémente a rendu les accès aisés (malgré d’importants travaux routiers à 200m) et le site est sec. Les bottes ne sont pas nécessaires. Le soleil est bien présent et les tenues vestimentaires sont encore estivales. Pas besoin de vestiaire, non plus. Il est 19 h. C’est le calme. Le public débarque progressivement. Sans se bousculer. C’est encore l’été. Tout le monde est heureux.
Les Templeuvois de Sioban ouvrent le feu. Vainqueurs du Tremplin Rock, le band tournaisien tente d’accrocher le public en dispensant un rock épuré dont les refrains sont calqués sur quelques succès des formations des nineties. Il n’est jamais facile d’entamer un festival. Défi difficile. Mais c’est le propre de ce type d’événement. La foule circule. Les spectateurs écoutent un morceau, puis sortent pour boire un coup. Il faut s’accrocher quand on est programmé en tout début d’affiche. Attention toutefois. A vouloir jouer fort, on joue peut-être trop fort et on arrive parfois à saturer les feuilles choux des mélomanes…
Vers 21h, les Bikinians embraient. Et concèdent déjà (NDR : une situation qui ne s’arrangera guère toute la soirée) un fameux retard sur l’horaire. Fort influencé par Supergrass, le groupe tente tant bien que mal d’assurer ! Bien imprégnés de leur musique, les musiciens et le chanteur (NDR : qui force un peu trop sa –pourtant jolie– voix) entraînent le public sous un jeu de lumières bien adapté. Hélas, la mauvaise qualité du son et quelques ‘longueurs’ nuisent à l’ambiance. Et c’est vraiment dommage car les Bruxellois méritent bien mieux au vu de la qualité de leurs compositions. Malgré la demande, aucun rappel ne sera accordé, le retard cumulé dépassant déjà l’heure !
Quarante minutes de préparatifs pour le set suivant nous permettent de nous balader dans les environs et de constater que le public est partagé entre deux générations : les ados d’une quinzaine d’année et les quadras. Peu ou pas de trentenaires et quasi pas de ‘papys du rock’…
Enfin, vers 22.20, An Pierlé, ronde comme son ballon (NDR : l’accouchement ne devrait plus tarder), entre à son tour sous les projecteurs. Tout en douceur, son show débute par une superbe mélodie interprétée par une non moins jolie voix. Le son est cette fois de très bonne facture. Il était grand temps. An enchaîne par une reprise de Deep Purple et son ballon en prend un coup !!! Elle alterne piano et accordéon, se caresse le ventre et fait rire toute l’assemble en déclarant (NDR : à un public fort bavard, manquant parfois de respect et d’attention) : ‘Demain, dans la gazette, on parlera de baleine chantante’. C’est vrai qu’elle ne manque pas d’autodérision. Mais la belle Anversoise assure, installe une ambiance du tonnerre et entraîne le public (NDR venu en masse pour elle) dans sa ‘folie’. On craint même parfois un accouchement prématuré sur le podium tellement elle se démène, n’hésitant pas à martyriser son piano et reprenant en fin de concert « C’est comme ça » des Rita Mitsuko. Un seul rappel –non prévu par l’organisateur– clôture sa prestation : une excellente reprise de Nirvana accordée en compagnie de son complice des claviers. Au piano à quatre mains. Un seul mot pour qualifier le show dont nous a gratifié An Pierle : (d)étonnant !!!
Il est plus de minuit lorsque les déménageurs entrent à leur tour dans l’arène : Pornorama pour ne pas les citer. Dès l’entame des hostilités, ils imposent un rythme plus hard malgré un son (NDR : une nouvelle fois) très limite. Néanmoins, les plus jeunes se déchaînent au pied de l’estrade. Mais hélas, après 40 minutes, le public commence à déserter le chapiteau. Quelques fans s’attardent : des habitués sans doute ou des gens qui en veulent pour leur argent. La musique, quoique répétitive, reste agréable à l’oreille. Il est près d’une heure du matin, Pornorama s’arrête sans avoir réussi à conserver l’ambiance qu’ils avaient créée au début de leur show. Les passions s’estompent…
Lorsque Soldout amorce son set, de clairsemé, le public devient quasiment anecdotique ; ce qui n’empêche pas le duo bruxellois d’essayer de ‘rallumer’ le feu une dernière fois. Auteur d’une prestation encourageante, malgré les désagréments de devoir terminer un festival, le groupe électro-funk convaincra les plus courageux. Ou si vous préférez, les derniers résistants ! Le temps et l’alcool ayant exercé leur effet, les assidus terminent leur festival en dansant au rythme bien balancé des synthés de Charlotte et David.
Fin de ‘soirée’. Il est près de trois heures du matin. Pour les uns, il est temps, de rentrer (ben oui, je suis dans la tranche des plus âgés !) ; pour les plus jeunes, la fête ne fait que ‘commencer’, comme ils disent. Elle promet d’être chaude. Et comme la buvette reste ouverte…
« Sugarock festival 2009 » est mort. Vive « Sugarock festival 2010 » !
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La formation menée par Jason Molina se produisait mardi soir au cœur de l’ABBox dans le cadre du « Tribute To Alan Lomax », l’hommage au grand artiste folk organisé par la salle bruxelloise. L’ex leader de Songs:Ohia est venu défendre son œuvre la plus récente, « Josephine », écrite à la mémoire d’Evan Farrell, leur bassiste décédé il y a peu.
20h10. Les lumières s’éteignent. Tirés à quatre épingles, Molina et ses camarades s’avancent tranquillement sur scène. Le songwriter arbore une petite moustache à la Tom Selleck. Le concert débute par le titre-maître du dernier recueil de la formation. « Josephine », le labeur le plus axé ‘americana’ de Magnolia Electric Co. se traduit par un spectacle ‘live’ chargé d’effets. Jason Molina en fait un peu trop et sa prestation souvent ‘surjouée’ devient exponentiellement agaçante au fur et à mesure que les titres s’enchaînent. Les musiciens, eux, s’en sortent largement mieux et parviennent à allouer de la substance aux morceaux les moins passionnants de « Josephine ». « Whip-Poor-Will » et « The Rock Of Ages » prennent ainsi tout leur sens.
Les membres de Magnolia Electric Co. privilégient les compositions les plus allègres de leur discographie. La force de l’écriture de Molina résidant principalement au cœur des compositions les plus affectées, on ne peut s’empêcher de ressentir une légère déception. Malgré la performance impeccable des musiciens, la formation a délivré un set tristement banal…
Organisation : Ancienne Belgique
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The Disciplines, c’est l’escapade garage rock norvégienne de Ken Stringfellow, l’un des ex-leaders du groupe power pop américain The Posies. Bien que relativement discret de ce côté-ci de l’Atlantique, la formation yankee a rencontré un certain succès commercial aux Etats-Unis. Et notamment ses albums « Frosting on the beater » et « Dear 23 ». Le groupe en a édité 8, entre 1988 et 2005 ; il a même vu deux de ses chansons intégrées dans le système d’exploitation de Windows Vista. Depuis 2008, le chanteur/guitariste américain vit en Europe où il s’est associé à trois anciens membres du groupe pop norvégien Briskeby, pour former The Disciplines.
Heureusement, pour les rockers que nous sommes, Ken et ses amis nordiques ont eu la bonne idée d’enregistrer un Cd sis à mille lieues du rock indie mollasson des Posies ; et à une distance encore plus conséquente de la pop rock ultra commerciale commise par Briskeby. En effet, « Smoking Kills » est un excellent disque de garage rock (mélodique).
Titre d’ouverture, « Yours For The Taking » déboule à toute allure. La basse est agressive. La guitare réverbère un son vintage. Les vocaux de Stringfellow son tapageurs ; mais il les rend parfois hésitants à la manière de Roger Daltrey (NDR : pensez au « My Generation » du Who). Cette chanson est un tube rock en puissance et probablement un des meilleurs morceaux de l’album. « Wrong Lane » et « Get it right », les deux plages suivantes, sont du même acabit.
La musique des Disciplines lorgne tour à tour vers les Kinks, les Stooges et même les Rolling Stones (« I got Tired »). « There’s a law » s’inspire cependant davantage des Hives voire de Nirvana. Le garage rock du combo américano-norvégien s’avère cependant suffisamment mélodique pour ne pas uniquement s’adresser aux aficionados du rock le plus dur.
L’album a été très bien accueilli en Norvège, à sa sortie, durant l’été 2008. Le single « Oslo » (NDR : qui n’est pourtant pas le meilleur titre du Cd) a été diffusé toutes les heures (en heavy rotation) pendant 18 semaines, sur les ondes nationales norvégiennes.
« Smoking Kills » paraîtra chez nous début septembre. Il risque bien d’être la bonne surprise de la rentrée.
Fondé en 1984, Dinosaur Jr. est considéré comme une inspiration majeure pour le mouvement ‘grunge’. Une formation légendaire fondée par John Mascis et impliquant à l’origine le bassiste Lou Barlow et le drummer Murph. L’histoire de Dinosaur Junior n’est pas un long fleuve tranquille, puisque les tensions au sein du groupe (NDR : Barlow va rebondir à travers différents projets, et en particulier Sebadoh, Sentridoh ou encore Folk Implosion) vont inciter ces deux derniers à se lancer dans de nouvelles aventures, laissant John seul à la barre de son combo (NDR : on peut même dire que ses nouveaux acolytes vont passer, même repasser, sans trop souvent s’attarder). Le line up originel commettra quand même trois elpees. Et les 5 albums suivants, dont le très réussi ‘Green Mind’, sont à mettre à l’actif de la discographie solo de Sir Mascis. Et pourtant, en 2004, le groupe décide de se reformer sous son format originel. Il accorde même toute une série de concerts. Avant de publier, en 2007, un long playing intitulé « Beyond ». « Farm » constitue donc leur second essai, depuis sa reformation.
Je dois avouer ne pas m’être trop intéressé à « Beyond ». Et pour cause, comme je l’ai déjà confessé, le come-back des vieilles gloires me laisse plutôt perplexe. Aussi, on ne peut pas dire qu’avant de m’imposer l’écoute de la nouvelle livraison de Dinosaur Jr, j’étais particulièrement enthousiaste. Grave erreur ! Car j’ai pris immédiatement une bonne claque rock n’ roll ! Et de conclure que cette reformation était une excellente idée. De quoi m’insuffler une bonne dose de tonus pour poursuivre quelque temps encore mon inlassable recherche musicale...
Comme le bon vin, Dinosaur Jr. s’améliore avec l’âge. « Farm » constitue manifestement un de ses meilleurs albums. Mascis impressionne sur sa six cordes. Il n’a jamais aussi bien chanté. L’émotion est palpable. Les ballades rock sont touchantes et inspirées. A l’instar d’« I Want You To Know ». Très Peal Jam. Toutes guitares dehors. Et le très réussi « Said The People » est de la même trempe. En outre, les compos les plus laidback passent bien la rampe. « See You » en est le plus bel exemple. J. Mascis est probablement un des meilleurs guitaristes de sa génération. Mais ses solos sont toujours mis au service des compositions du trio. Sans trop en faire mais en en faisant tout de même des tonnes, sa guitare renverse tout sur son passage. Le fantôme de Neil Young (NDR : oui oui) parrain naturel du grunge, n’est jamais loin. « Your Weather » le confirme. Mais le sommet de l’opus est atteint sur « Pan », une remarquable ballade qui mériterait de figurer au panthéon des plus belles chansons rock. Ni plus ni moins !
Un célèbre dessin-animé prétendait que ‘Denver’ était le dernier des dinosaures. Faux ! Tant que Dinosaur Jr. enfantera de semblables opus, la race sera préservée. Eddie Vedder pleurerait pour composer un seul de leurs morceaux. Et si Dinosaur Jr. est une légende, « Farm » démontre qu’elle est encore bien vivante…
Elle n’a toujours que 28 ans, mais vient déjà de sortir son sixième album. Un disque pour lequel elle a reçu le concours de Pascal Obispo. Non content d’avoir assuré la production et de signer quelques chansons, il a participé activement aux sessions d’enregistrement. On le retrouve ainsi tantôt aux guitares, aux chœurs ou au piano. Sa griffe est facilement reconnaissable et donne un cachet plus dynamique à la jolie voix de Natasha sur quelques trop rares morceaux.
Dans la lignée des Hélène Ségara, Lara Fabian et consorts, Natasha St Pier chante l’amour. Surtout ! Elle se risque quand même à quelques textes plus autobiographiques. Les plus aboutis. L’amour, omniprésent tout au long du disque, embrasse différents thèmes : le couple, l’amour déçu, la famille, la plénitude… Découpé en 11 plages, l’elpee va (NDR : hélas ?) à peine au-delà des 40 minutes. Pour un contenu qui ne m’a guère enthousiasmé. Car le ramage est bien inférieur au plumage !!! Evidemment, de ce constat, les fans de la jolie Canadienne n’en ont cure et il ne les empêchera certainement pas d’écouter la belle avec délectation…
‘Trio’, donc trois ! Qui sont-ils, d’où viennent-ils, que font-ils ? Commençons par le commencement. Le line up réunit trois musiciens de formation classique. C’est-à-dire la violoniste Chikako Hosoda, le violoncelliste Sébastien Walnier et le pianiste Harold Noben qui signe également toutes les compositions. Liégeois d’origine, Harold et Sébastien font toutes leurs ‘gammes’ au conservatoire de Liège. La violoniste nipponne rejoint la principauté en 2000 et intègre à son tour l’établissement ‘royal’.
L’envie de composer d’Harold le pousse à s’entourer et c’est donc tout naturellement qu’il contacte ses deux futurs ‘complices’ afin de mettre sur disque ses créations originales. Ils forment ainsi le Cardamome Trio et sortent leur premier opus « Calligraphie »
Acoustique, cet elpee est découpé en sept plages, sept ballades instrumentales qui voyagent au sein d’un univers sonore partagé entre classique, jazz et world. Un concept bien personnel, très diversifié et apaisant. Les meilleurs moments pour écouter cette musique ? En travaillant au bureau, comme fond sonore lors d’un repas ou lors d’une envie d’évasion, de solitude ou tout simplement pour le plaisir d’écouter ‘autre chose’…
Projet loufoque initié par Rostam Batmanglij, claviériste et producteur de Vampire Weekend, et Wes Miles, figure de proue de Ra Ra Riot, Discovery délivre un premier essai déconcertant. Le duo a manifestement décidé de prendre les fans de leurs formations respectives à contre-courant. Tandis que Jay-Z clame haut et fort à qui veut l’entendre que l’autotune est mort et enterré, Discovery balance une œuvre presque entièrement consacrée à la technique qui a renfloué les caisses de Daft Punk (« One More Time ») ou encore Kanye West (« Love Lockdown »). Batmanglij et Miles mettent également à l’honneur le synthé vintage qu’ils fusionnent sans gêne, aucune, à une dose limite de R’n’B et de Hip Hop.
Il fallait oser, mais le duo parvient à garder le cap et à produire une œuvre contemporaine et cohérente. Le projet est d’ailleurs appuyé par la présence d’Ezra Koening (Vampire Weekend) et Angel Deradoorian (Dirty Projectors) qui prêtent leurs cordes vocales aux divagations de leurs camarades. Divagations qui laissent par moment un peu trop perplexes (la reprise inutile des Jackson 5 rebaptisée « I Want You Back (In Discovery) ». « LP » constitue un délire bon enfant, à apprécier avec beaucoup de modération. Un bon conseil aux allergiques du R’n’B et de l’autotune : éloignez vous de cette plaque.
Avant de constituer un quintet, Passion Pit était avant tout le projet très personnel de Michael Angelakos. Au départ, « Chuck Of Change », son premier Ep, n’était en effet destiné qu’aux oreilles de sa dulcinée. Celle-ci n’a évidemment pas manqué de partager l’original cadeau de Saint-Valentin avec tout son entourage. Le projet a ainsi fait son petit bonhomme de chemin et, très vite, Angelakos s’est entouré de quatre camarades de route avant d’être enrôlé par Sony et de créer le buzz sur la toile en concoctant « Manners », son premier elpee.
Emmené par l’inévitable single « Sleepyhead », déjà présent sur l’Ep « Chuck Of Change », « Manners » est entièrement construit autour de sons de synthés et de boîte à rythmes qui servent essentiellement à souligner la voix d’Angelakos. Celle-ci n’a pas grand chose de spécial en soi mais parvient à plonger l’auditeur dans son univers fantaisiste de la troupe et le garder en haleine tout au long de l’œuvre. Les chœurs enfantins du génial « The Reeling » ou « Let Your Love Grow Tall » ajoutent une petite touche de magie plus que bienvenue. Mais comme pour toutes les formations émergeant d’un buzz, on attendra la suite avant de crier au génie…
« Fits » constitue le troisième opus de White Denim. Pas facile de s’y retrouver dans leur discographie, puisque le tout premier, « Workout Holiday », était destiné au Vieux Continent, alors que le deuxième, « Exposion » était réservé aux States. Ces deux premiers opus sont d’ailleurs parus en 2008. Ces disques sont passés complètement inaperçus pour le mélomane lambda. Par contre, la presse spécialisée a vivement acclamé ces sorties. Douze mois plus tard, le trio texan (NDR : d’Austin, très exactement) nous propose donc son troisième elpee.
A l’instar du précédent opus, la musique de White Denim agrège une multitude de styles. Depuis le jazz au punk, en passant par le funk, la country, la bossa nova, le garage, le folk, la country, le psychédélisme et le rock. Et la liste est loin d’être exhaustive. En fait, en douze plages, la formation parvient à revisiter quatre décennies de l’histoire du rock. Depuis Woodstock, pour être plus précis ! Hanté par le spectre de Jimi Hendrix, « Radio Milk How Can You Stand It » en est probablement la plus belle illustration. Et puis, les fantômes de Jim Morrison, Nick Drake, John Bonham, Syd Barrett, Fred ‘Sonic’ Smith ou encore Elliott Smith rôdent également tout au long de l’œuvre. Thom Yorke, également. Mais lui est encore vivant. Tout comme Rocky Erikson. Mais bon, là c’est pour lui renvoyer l’ascenseur…
Sur chaque plage, White Denim parvient à créer un univers spécifique, sans pour autant nuire à l’homogénéité de l’opus. Une performance sans doute due à la maîtrise technique et au talent des musiciens. Tant le bassiste Steve Terebecki (NDR : ex-Peach Train) dont la dextérité sur sa quatre cordes est absolument stupéfiante (NDR : « Start To Run » en est sans doute le plus bel exemple) que le batteur Joshua Block, dont la souplesse du drumming élargit considérablement le style du combo. Dynamisé par des percus latino vivifiantes, « El Hard Attack DCW YW » constitue un bel aperçu de sa virtuosité. Reste alors au chanteur/guitariste James Petralli à apporter la touche finale aux compos. Et ma foi, il y parvient sans rencontrer la moindre difficulté. En se posant même comme la pièce fédératrice du band.
A découvrir absolument ! Et surtout à ne pas laisser végéter dans la zone crépusculaire de l’underground.
« Upper Air » constitue le second elpee de Bowerbirds, un combo issu de Raleigh (NDR : c’est en Caroline du Nord). Il fait suite à « Hymns For A Dark Horse », paru en 2007. Alors que leur précédent opus souffrait d’une longueur excessive ou s’égarait dans une certaine confusion, celui-ci se limite à 10 plages. Et c’est un véritable soulagement ; car la créativité a été bien mieux canalisée, rendant les compos plus limpides. En outre, les bonnes nouvelles s’accumulent, car ce disque est particulièrement réussi. Il pourrait même devenir un des sommets de l’année 2009, dans l’univers du néo-folk.
Beth Tacular et Phil Moore constituent la clef de voûte du trio. Ils se réservent respectivement l’accordéon et la guitare. Et se partagent quelques percus. Leurs voix sont douces et profondes et se conjuguent à merveille. Troisième larron, Matt Damron se charge des fûts. Excellent sixcordiste Moore égrène ses accords minimalistes et en apesanteur. Au piano à bretelles, Beth joue parcimonieusement. Une approche instrumentale particulièrement épurée qui accentue l’intensité émotionnelle des chansons. Les arrangements sont discrets, soignés et réussis. Ce qui n’empêche pas le combo de diversifier leur instrumentation. Un peu de basse quand même. Comme sur le magnifique « Beneath Your Tree ». De quoi souligner l’aspect sombre et grave de cette compo et renforcer la puissance de la mélodie. Et puis du piano. Très subtil sur le magnifique « Nothern Lights », un morceau caractérisé par les splendides harmonies vocales. La musique de Bowerbirds nous invite à redécouvrir les grands espaces américains. On imagine ces musiciens jouant dans une vieille cabane, perdue quelque part au plus profond de l’Amérique rurale. Quant aux cinéphiles, ils verraient facilement cette solution sonore comme B.O. pour accompagner les films de John Ford.
Non seulement « Upper Air » pourrait être consacré album folk de l’année, mais il possède toutes les spécificités pour entrer dans l’intemporalité. La scène néo-folk indépendante multiplie les miracles depuis quelques années. Après Iron & Wine voici deux ans et Bon Iver en 2008, Bowerbirds se pose comme une nouvelle révélation du folk américain.
Aaaah, le retour du beau Romain ! Il nous revient pour un quinzième album, compilations et ‘live’ compris. Pas de surprise, pas de déception, pas de découverte. Juste une jolie galette réunissant onze titres sonnant comme des petites perles pleines de Chianti, de soleil et de jolies femmes… Mmmm ça sent bon les vacances, l’Italie, la plage et les petits plats sardes ou siciliens.
A bientôt quarante-six ans (il les fêtera le 28 octobre), Eros continue à charmer un large public qui éprouve toujours autant de plaisir à retrouver ses albums, année après année. Entamée en 1984 lors du festival de San Remo, sa carrière rencontre, depuis lors, un succès jamais démenti. Son premier hit « Una storia importante » s’est vendu dans les pays francophones, à plus d’un million d’exemplaires. C’est dire ! Les plus grands se bousculent au portillon pour enregistrer en compagnie du bel Eros : Andrea Bocelli, Joe Cocker, Cher, Tina Turner, Luciano Pavarotti, Laura Pausini, Anastacia, Patsy Kensit, Ricky Martin...
Pas de duo et même pas un invité sur le dernier né. Retour aux sources pour ce onzième disque studio. Le single « Parla con me », sorti quelques semaines avant la sortie de l’elpee, s’écoute et se réécoute avec le même plaisir. Tous les ingrédients sont réunis : musique pop savoureuse, refrain accrocheur, voix éraillée. Instinctivement, les doigts se mettent à claquer ; et si on conduit son véhicule, on tapote le volant. Manifestement la meilleure plage du Cd.
Pas d’inquiétude à avoir, les dix autres restantes sont également de très belles réussites. A retirer du lot quand-même : « Appunti e note » en ouverture, « Affetti personali », « Controvento » et « Non possiamo chiudere gli occhi » au rythme plus ‘dansant’.
Pas d’hésitation, vous aimez le pays, la langue, l’artiste ? Allez-y, achetez ! Vous êtes amoureux et voulez offrir un cadeau original ? Même conseil ! Elle tombera sous le charme (NDR : le sien, hélas…)
Attention, Eros Ramazzotti sera en concert chez nous les 30 et 31 octobre ainsi que le 1er novembre prochains à Forest National (Bruxelles). Pour avoir vu son concert au Stade Olympique de Rome en Dvd et si vous êtes amateur du genre ou simplement curieux, précipitez-vous afin de vous procurer les derniers sésames. A ne pas manquer !!!
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