Si vous avez déjà eu l’occasion de voir le film de série B « Love and a .45 », mettant en scène Renée Zellweger, vous vous souvenez probablement du passage où le héros entre dans un bar dans lequel un trio rockabilly se démène sur scène. Ce groupe, c’est le Reverend Horton Heat. Leur apparition dans ce navet justifie à elle seule la location du film. Car Jim Heath (le Reverend) et ses deux compagnons, qui pratiquent le Psychobilly et le Rockabilly déjanté depuis 1985, sont de véritables bêtes de scène. Malheureusement « Laughin’ and Cryin’ With The Reverend Horton Heat», leur nouvel album studio, donne plus envie de pleurer que de rire. Mais qu’est il donc arrivé au rock’n’roll déjanté teinté de punk auquel les Texans nous avaient habitués depuis douze albums ? Le révérend aurait-il troqué sa banane pour un stetson ? Toujours est-il qu’il nous propose ici un album de country rock plutôt décevant. Seul l’hilarant « Death Metal Guys », où le groupe nous décrit, avec un humour corrosif son incompréhension du death metal, rappelle un peu la splendeur passée du combo. Un seul titre vraiment rock (même s’il est excellent) sur les 14 qui compose l’album, c’est peu maigre.
« Laughin’ and Cryin’ With The Reverend Horton Heat », est un donc album à écouter de préférence en camion ou à cheval en fumant une Marlboro.
En attendant la sortie de son elpee, Dizzee Rascal, nous propose un troisième single. Intitulé « Holiday » il précède donc celle de l’opus « Tongue N’ Cheek », prévue pour le 21 septembre. A l’instar des rayons de soleil, toujours aussi généreux en ce mois de septembre, il devrait également illuminer toutes les soirées ‘branchouilles’. Caractérisé par sa rythmique dansante, son flow impeccable et ses sonorités ‘mainstream’, il a bien sûr bénéficié du concours à la production (NDR : parfaite !) de Calvin Harris, mais également de Chrome, aux backing vocaux. Si son nouvel album recèle toutes des bombes de ce calibre, il risque fort de devenir une des sensations de cette fin d’année 2009 ! Faut dire que le emcee a beau être un des personnages contemporains les plus extravagants, il ne manque pas de talent. Le disque recèle également une version ‘extended’, une R’n’B et une autre très alternative intitulée « Live, Large n’in Charge » du titre maître. Plus que quelques jours à patienter avant la sortie du long playing… Yeah !
Il faut reconnaître que depuis quelques années, Placebo est en perte de vitesse. Après avoir sorti le peu convainquant « Meds » et dans la foulée opéré une tournée longue de deux ans, la formation a même failli splitter. Faut dire que Molko et le drummer, Steve Hewitt, se détestait de plus en plus. Et ce qui devait arriver arriva : ce dernier a reçu son C4. Il a donc été depuis été remplacé par un jeune Américain de 22 ans, Steve Forrest, en l’occurrence l’ex-batteur d’Evaline.
Pour enregistrer leur sixième opus, le trio a décidé de se rendre à Toronto. D’autofinancer les sessions et de changer de label. En outre, il a fait appel à David Bottrill (Tool, dEUS, Silverchair) pour le produire. Enfin, il n’a pas reçu le concours d’invités notoires, comme c’était souvent le cas, lors de la confection des opus précédents. Mais bien d’une large section de cordes et même des cuivres. Sans oublier le recours à l’électronique. Pas toujours très judicieux, il faut le reconnaître.
L’électronique, parlons-en. Elle ne colle vraiment pas à la musique de Placebo. Ou alors de manière discrète. Mais certainement pas sous une forme kitsch. A l’instar du banal « Bright lights » et de l’hymnique « The never-ending why ». Par contre lorsqu’elle s’intègre à l’instrumentation, elle passe beaucoup mieux la rampe. Et je pense tout particulièrement à « Come undone », ballade lente, parfois mid tempo, au cours de laquelle elle se fond dans les cordes de guitares vibrantes, duales.
Plusieurs compos sont enrichies d’arrangements symphoniques. Souvent somptueux. Tout d’abord sur le titre maître. Caractérisé par ses variations rythmiques et harmoniques et sa ligne de piano élégante, il lorgne manifestement vers Muse. Tout comme chez « Julien », encore une fois, amorcé par une intro synthétique du plus mauvais goût. Et enfin sur le délicat « Happy you’re gone ». Plus cold wave, traversé par des accords de xylophone (NDR : à moins que ce ne soit un piano trafiqué pour sonner comme tel) dans l’esprit de Cure. Une cold wave qui filtre souvent à travers les chansons. De manière remarquable sur le très pop « Speak in tongues ». Lorsque les plages ne sont pas carrément gothiques. Ainsi, le ténébreux « Devil in the details » nous replonge dans l’univers de « Black market music » voire de « Sleeping with ghosts ». Plus intéressant est ce retour dans le glam punk originel opéré sur « Breathe underwater ». Tout y est : les guitares vivifiantes, percutantes, sauvages et ce groove permanent. Mais le meilleur titre est celui qui achève la plaque : « King of medecine ». La très jolie mélodie imprimée sur un mid tempo, vient se poser des accords de guitare sèche et de piano sonore discrets mais indispensables, avant que l’instrumentation ne monte en crescendo, soutenue par les arrangements de cordes. On vous épargnera l’analyse du reste de ce « Battle for the sun », la luxuriance et la banalité n’y font pas bon ménage. N’empêche, si l’œuvre est loin d’être parfaite, elle laisse transparaître d’opportuns rayons de soleil. C’est sans doute la bataille que mène Molko.
Dix-huit mois de travail ont été nécessaires à David Thomas pour réaliser ce projet particulièrement ambitieux. En fait, on est en présence ici d’une transposition musicale du célèbre et controversé « Ubu Roi » d’Alfred Jarry, pour lequel David a adapté les paroles et composé la bande sonore (NDR : pour cette dernière partie, il a quand même reçu la collaboration de Gagarin, bidouilleur particulièrement notoire dans l’electronica et l’ambient). Et cette pièce a été interprétée pour la première fois à Londres en 2007. Mais qui joue le rôle de Père Ubu ? David Thomas en personne ! Ses musiciens sont également de la partie. Ils sont d’ailleurs également impliqués dans l’écriture de la musique. Mais ont aussi participé physiquement à la pièce. Sans oublier la vocaliste/actrice Sarah Jane Morris (NDR : ex-Communards, Happy End), invitée à incarner celui de Mère Ubu.
Le tableau planté, il ne reste plus qu’à se laisser entraîner dans cet univers expérimental, atmosphérique, parfois postindustriel, mêlant instrumentation conventionnelle, et bruitages les plus divers comme les gémissements de claviers ou encore les éructations. Le tout balisé par les échanges vocaux opérés entre David et Sarah. Chantés ou déclamés. Et franchement, si le contenu est particulièrement intello, il n’est pas du tout désagréable à écouter et me fait même penser, même si les racines musicales sont diamétralement opposées, à un concept album comme les seventies ont tant engendré…
Le neveu du Grand Jacques, Bruno Brel, s’essaie à chanter quelques fabuleuses chansons de son non moins fabuleux oncle.
Par ‘respect’ pour son tonton comme il le dit, il ose reprendre une dizaine de titres en compagnie de Micheline Van Hautem. Cet album a été enregistré lors d’une tournée d’hommage au Maître, en Hollande et en Belgique, lors de l’automne 2008.
Et bien, franchement, on s’en serait bien passé. Le plus bel hommage qu’il aurait pu rendre à son oncle était de se taire et d’écouter le seul interprète capable de nous transmettre ses émotions, ses larmes, ses rires, ses colères même. Bref tout ce qui faisait l’authenticité de l’œuvre de Jacques Brel.
Là hélas, on tombe dans la caricature de bas étage. ‘A l’impossible, nul n’est tenu’ dit l’adage. Passez donc votre chemin… Circulez, y a rien à voir !
Si le duo aux rayures blanches n’avait pas marqué les esprits d’une empreinte indélébile en publiant son tube surexploité deux ans auparavant, nul doute que « Club Foot », publié en 2005, aurait allongé la liste des morceaux qui échappent à leurs géniteurs. Un mal pour un bien. A défaut d’animer les stades et les kermesses, Kasabian est resté maître de ses compositions et a donc fait un bout de chemin sans emmerder son monde. Après un premier opus éponyme regorgeant d’hymnes imparables (« Processed Beats », « Club Foot », « L.S.F. »…), le quatuor s’est légèrement planté à l’épreuve du second ouvrage. « Empire » recelait tout simplement bien trop d’effets pour un résultat plutôt moyen. Trois ans plus tard, les Mancuniens se ressaisissent et s’offrent les services, aux manettes, de Dan The Automator.
Porté par le remuant single « Vlad The Impaler », « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » surpasse les attentes et dévoile un Kasabian repensé avec justesse et habileté. La formation fait table rase du passé et mise sur la sobriété. Finis les tubes taillés pour les stades. « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » tape presque systématiquement dans le mille, qu’il s’agisse de capsules pop (« Where Did All The Love Go ? », « Fire »), psyché (« Swarfiga », « Secret Alphabets ») ou rock façon seventies (« West Ryder Silver Bullets », « Ladies and Gentlemen, Roll The Dice », l’énôôôôôrme « Fast Fuse »). Chaînon maquant entre Primal Scream et The Stones Roses, Kasabian reprend tranquillement sa place parmi les formations britanniques incontournables.
Un nouveau supergroupe de plus pour Jack White! L’orfèvre ne dort jamais. Après avoir mis en veilleuse sa collaboration avec Meg White et clôturé la seconde tournée promo de ses Raconteurs, White persiste et signe. Il s’entoure de Jack Lawrence, qui l’accompagne déjà dans l’aventure Raconteurs, et de deux nouveaux collaborateurs. Et pas des moindres. D’abord la délicieuse Alison Mosshart, majestueuse moitié de The Kills, qui reprend ici le micro. Ensuite Dean Fertita, des Queens Of The Stone Age, assigné aux guitares, au piano et autres synthés. Ensemble, ils forment The Dead Weather, un projet qui tient toutes ses promesses.
Publié sur Third Man Records, le label de Jack White, « Horehound » est né des suites de la tournée des Raconteurs durant laquelle The Kills assurait l’avant-programme. Le White Stripe, atteint d’une bronchite, avait été remplacé au chant par Mosshart, l’espace de quelques soirées. Le grand manitou, caché derrière sa guitare, a tellement été charmé par la donzelle qu’une potentielle collaboration en studio s’est rapidement révélée incontournable. Après avoir enregistré, à titre d’essai, une reprise du « Are Friends Electric? » de Gary Numan, le quatuor s’est mis au travail et délivre aujourd’hui un premier recueil en forme de claque dans la tronche. La voix d’Alison Mosshart y est plus que jamais imposante et White, relégué aux grosses caisses, se contente d’un second rôle qu’il assure à merveille.
« Horehound » est un pur produit rock. A tour de rôle, Mosshart fait appel à ses pulsions animales (« 60 Feet Tall », « Bone House ») pendant que White tranche dans le vif (« I Cut Like A Buffalo »). Dans un autre registre Fertita et Lawrence esquissent les contours de cieux menaçants (« 3 Birds »). Mais ensemble, ils mettent leurs ennemis à terre sans lever le petit doigt (« Treat Me Like A Mother »). Une nouvelle réussite pour l’increvable Jack White.
A une certaine époque j’étais un grand fan de Daan. De son Dead Man Ray surtout ; et en particulier lorsque la formation nous avait légué son album, « Cago », un disque produit par Steve Albini. J’avoue que sa carrière en solitaire ne m’a jamais trop enthousiasmé. Pourtant, c’est en affichant un à-priori positif que je me suis lancé à l’écoute de « Manhay », son 5ème elpee solo commis depuis 1999. L’homme m’est, je ne sais pourquoi, sympathique. Le nom de sa nouvelle livraison me rappelle, de plus, son mythique ex-groupe ; même s’il s’agit en fait du nom du village ardennais où a été composé l’album. Il a d’ailleurs pris l’habitude d’intituler ses elpees en fonction de leur lieu d’enregistrement (« Cago » ou « Berchem »).
Caractérisé par son refrain très radiophonique, l’album débute d’élégante manière par le single « Exes ». « Brand New Truth » joue idéalement sur la dualité marquée entre le refrain et le couplet. La voix caverneuse (parfois proche de Leonard Cohen) de Daan est à n’en pas douter l’une des plus intéressantes de la scène musicale belge. Sur ses elpees précédents, Daan avait tendance à abuser de synthés et beats en tout genre. Ce n’est plus le cas pour « Manhay ». Il est moins électro et surtout moins électrotrash ; mais aussi, bien plus consistant à mes yeux et mes oreilles. Son côté plus rock le rapproche (à mon grand plaisir !) de la période Dead Man Ray. Le piano et la voix dominent la plupart des morceaux. On est plongé dans un climat intimiste, même si Daan Stuyven avoue avoir voulu davantage d’intimité. Les deux superbes ballades « Retriever » et « Your Eyes » démontrent le talent de l’auteur pour écrire des chansons au format classique, tout en y injectant une belle dose d’émotion.
Pas de single potentiel de la trempe d’« Addicted » ou de « Housewife » sur « Manhay », mais de solides compositions réunies sous ce qui est probablement le meilleur album de sa discographie, à ce jour. On ne s’y ennuie jamais. L’originalité est constamment au rendez-vous. Ce changement de cap augurerait-il une reformation future de Dead Man Ray ? On peut toujours rêver… Mais où se cache Rudy Trouvé ?
Fondé à la fin des 80’s par le chanteur/guitariste Peter Aaron et le guitariste William Webbber, The Chrome Cranks a vu passer en son sein le bassiste Jerry Teel (Honeymoon Killers, mais pas la version belge), et surtout un ex-drummer de Sonic Youth et de Pussy Galore, Bob Bert. Il est d’ailleurs impliqué sur ce recueil pour 11 des 19 morceaux. Une compile qui réunit la quintessence de la discographie du groupe né à Cincinnati, mais également quelques morceaux immortalisés en ‘live’. Et fait, suite à la confection d’une autre compilation (« Diabolic boogie ») parue en 2007, éditée par le label Atavistic et réunissant des singles, des démos, des prises ‘live’ et des raretés, la formation a décidé de se réunir pour jouer quelques dates. C’était en 2008. Et on annonce même l’enregistrement d’un véritable opus.
Fruit d’un mélange fiévreux entre blues, punk, rockabilly et noise, la musique de The Chrome Cranks évolue à la croisée des chemins des Stooges, Cramps, Gun Club, Birthday Party et autres Scientists. Vocaux hurlés, incantatoires ou grognés, riffs de guitare surf, marécageux, chargés de feedback ou vibrants, tempo lancinant ou sauvage voire tribal et ligne de basse souterraine (NDR : parfois quelques accords de piano sonores) alimentent un climat ténébreux, menaçant et intense tout en forgeant un style bien trempé qui doit se traduire plus que probablement en concerts incendiaires. Pas encore prévu de date près de chez nous ?
Les Booze Brothers (NDR : A ne pas confondre avec le groupe français qui porte le même nom) proposent un cocktail plutôt enivrant de Rock’n’Roll cradingue rappelant le style des Anglais de Quireboys, de Folk imbibé à l’Irlandaise tel que le pratiquaient jadis les Pogues, de Punk et de Rockabilly. Le tout magnifiquement soutenu par la présence d’un piano à la Jerry Lee Lewis. Et le résultat est, ma foi, original. « Rock’n’Roll Mutiny », leur second album, est composé de 12 hymnes à la picole plus jouissifs les uns que les autres. Les Booze Brothers sont allemands, mais leur musique évoque l’ambiance des pubs peuplant les bas-fonds de Dublin plutôt que celle des fêtes de la bière Oberbayern. On ne s’ennuie pas une seconde sur cette plaque qui décline une trentaine de minutes de vitalité, de fun et d’énergie. Contrairement aux boissons dont il fait l’apologie, « Rock’n’Roll Mutiny » est à consommer sans modération.
‘Do you want to party with the Bonaparte?’ : une question scandée sur le morceau d’ouverture de « Too Much », le nouvel album de Bonaparte. Et après avoir écouté les 15 morceaux de cette plaque, je réponds par l’affirmative. Je connais très mal la scène helvète. Quoique ce soit seulement le leader qui est de nationalité suisse. M’enfin, j’avoue que je ne m’attendais à être confronté à un telle musique. Surtout de la part d’un personnage issu d’un peuple réputé pour son calme et sa pondération. Parce que Bonaparte est probablement un des groupes les plus déjantés de la scène contemporaine. Sur disque d’abord ; mais surtout sur scène. Fondé à Barcelone, le line up de Bonaparte s’est développé à Berlin. Et il réunit de véritables vagabonds cosmopolites (NDR : les membres sont allemands, polonais, brésiliens, panaméens ou néo-zélandais). Quant à leur expression sonore, elle est à l’image de ce groupe placé sous les ordres d’un dictateur helvétique dérangé : un véritable foutoir propice à l’euphorie !
Et quel type de musique nous livre donc l’empereur suisse ? Un électro pop-punk très contagieux et parfois irrésistible. L’album débute en trombe par la trilogie « Do You Want To Party », « Who Took The Pill » et l’immense single « Too Much ». Si un animateur radio avait l’audace de programmer cette compo sur les ondes, le carton serait immédiat tant le titre est accrocheur. En outre, les paroles sont aussi faciles que stupides ; mais après avoir écouté cette chanson, elles vous trotteront dans la tête sans que vous parveniez à les y déloger avant de longues heures. ‘You like Tolstoï, I like your voice. You like Baudelaire, I like your hair. You like algebra, but you wear no bra. You know politics, I know party chicks’. Très con mais parfait. Le reste de l’album est loin d’être du même niveau. L’intensité baisse graduellement au fil de l’opus, malgré la présence de quelques morceaux sympathiques (« I Can’t Dance » ou « A-A-Ah »). Notons quand même la très mystérieuse (et pas terrible) chanson « Ego » pourtant caractérisée par son refrain inquiétant.
L’elpee est accompagné d’un deuxième cd live. Il offre un bon aperçu des folles prestations du groupe exécuté sur la les planches. Ah, si Napoléon avait eu l’énergie de Bonaparte, il n’aurait probablement pas fini seul et triste sur l’île de Saint-Hélène. Cet album est une agréable et rafraichissante surprise. A découvrir! En live de préférence ! ‘Who want to party with the Bonaparte ?’ You probably! Même Tarantino a craqué…
Tout commence pour Alberta Cross quand les deux membres fondateurs du groupe émigrent d’Angleterre vers les States. A Brooklyn, très exactement. Une fois sur place sur place, le chanteur/guitariste Petter Ericson Stakee et le bassiste Terry Wolfers (basse) cherchent à élargir leur line up. Qui accueille ainsi trois nouveaux renforts : le guitariste Sean Kearney, le drummer Austin Beede et le claviériste Alec Higgins. En avril 2007, le combo sort un mini-elpee, « The Thief and the Heartbreaker », puis en octobre un Ep, “Leave Us Or Forgive Us”. Mais la formation se forge une certaine notoriété en multipliant les tournées. Et est notamment choisie par Noël Gallagher pour assurer leur dernière tournée américaine. Et après avoir écouté les pépites de ce « Broken Side Of Time », il faut admettre que le combo n’a pas volé cette reconnaissance.
Ce qui frappe d’emblée, c’est la voix de Stakee. Bouleversante, nasillarde, elle évolue dans un registre d’aigus particulièrement impressionnant. La section rythmique est puissante et précise. Les guitares sont incisives. Les mélodies implacables. Les arrangements d’une subtilité surprenante. L’album s’ouvre par l’excellent « Song 3three blues », une compo qui donne le ton. La maîtrise des crescendos est impressionnante. A l’instar de l’introduction opérée sur « Broken Side Of Time » et de l’outro exécutée sur « Rise from de Shadows ». Mais l’apothéose de cet album est sans aucun doute atteinte lors du majestueux « Old Man Chicago ». Une chanson que Ryan Adams cherche désespérément à écrire depuis la confection de son opus magistral « Heartbreaker », en 2000. Une exception qui confirme la règle : « ATX ». Une chanson plus que dispensable. En fait, Alberta Cross essaie d’y hausser le tempo. Et franchement, ce n’est pas du tout nécessaire. Et pour cause, c’est lorsque le rythme est paisible, que les compos font la différence. Sans jamais rien perdre en agressivité et puissance. Particulièrement réussi, leur mélange de blues, rock, country et folk n’est pas sans rappeler un certain Neil Young.
Groupe en devenir, Alberta Cross s’était produit sur scène lors de la dernière édition du Pukkelpop. Vous les avez manqués ? Dès qu’ils reviennent près de chez vous précipitez-vous pour assister à leur set. Vous ne le regretterez pas. Et puis, vu leur potentiel, je crains fort que la prochaine fois qu’ils reviendront chez nous, ce sera dans l’enfer de Werchter. A bon entendeur…
Créé à Berlin en 2002 par DJ T (Thomas Koch), M.A.N.D.Y. (Patrick Bodmer et Philipp Jung) et Booka Shade (Walter Merziger, Arno Kammermeier et Peter Hayo), Get Physical est devenu un label incontournable. Une entreprise qui vise sur le long terme et la rigueur. Un peu dans l’esprit de Warp, qui fête aujourd’hui ses 20 années d’existence, alors que l’écurie en question ici en compte modestement 7. Ce qui n’a pas empêché cette boîte de marquer le coup en éditant une compilation fort intéressante. Et pour cause, elle a été sélectionnée parmi une centaine de singles et plus de 25 albums, concoctés au cours des trois dernières années. En outre, c’est M.A.N.D.Y. qui s’est collé au remodelage de ce recueil, un travail que la paire a brillamment et sobrement exécuté. Mais pas question de renier qui que ce soit au sein de la grande famille Physical ! Tout le monde est présent. Et à la fête ; depuis Damian Lazarus à DJ T, Italoboys en passant par Matthew Dear ! Essentiellement électro house et dispensées sur mode dancefloor, les 24 pistes s’écoutent sans prise de tête ! Et au sein de cet enchaînement de mixes opéré par M.A.N.D.Y., on épinglera de petites bombes comme le « Take Five » de Jona (NDR : ce célèbre hymne jazz avait été composé par le saxophoniste Paul Desmond pour l’album « Time Out » de Dave Brubeck), « Baléa », une pépite signée de Einzelkind Vs. Meat (NDR : ce morceau figurait déjà sur la compile « Full Body Workout Volume 4 »), l’excellent « Zinga » d’Italoboys ou encore le très remuant « Free To Ask (Body Language Exclusive Track) » de Matthew Dear ! En quelques titres, Get Physical est parvenu à écrire une belle page de l’électro ; et se pose en future concurrent pour le label Warp. Dans un autre registre, bien sûr, puisque si elle se révèle déjà essentielle, cette anthologie s’adresse avant tout aux amateurs de house…
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