John Hayward Williams est un personnage discret, voire secret. Recueillir des infos à son sujet sur le net, est un exercice de style de longue haleine. En outre, la notoriété de ce songwriter n’est pas encore parvenue à traverser l’Atlantique. Sur son site perso, on apprend quand même qu’il est né dans le Wisconsin, au Nord-est des USA. On y lit également, qu’avant d’avoir l’opportunité d’enregistrer un album, Williams s’est longtemps produit dans les bars, pubs et clubs musicaux de sa région. Rien de tel pour forger son expérience, mais également sa personnalité.
La musique de l’Américain est mystérieuse. A l’instar du personnage. Il pratique un folk-americana tout en sobriété et délicatesse, une expression sonore hantée par une instrumentation de circonstance : lap steel, violons, mandoline, etc. Pas de tape à l’oreille sur cet opus, simplement huit chansons sculptées dans de jolies mélodies, dont le charme est susceptible de rappeler, tour à tour, Nick Drake, Bob Dylan ou encore le contemporain Ryan Adams. Néanmoins, si l’ensemble tient la route, je crains fort que ce « Cotton Bell » ne fasse grand bruit hors de ses frontières. Maintenant, ce n’est probablement pas une des priorités de l’artiste. A mon humble avis, tout ce qui l’intéresse, c’est se faire plaisir, en jouant sa musique. Et le reste, il n’en a rien à cirer…
Tout semble enfin réussir pour ce jeune auteur/compositeur/guitariste californien. Et le succès est inévitablement au rendez-vous. Le style Harper est le fruit d’une savante fusion entre divers styles : rock, folk, blues, country et même funk et gospel. Son premier elpee, "Welcome to the cruel world", était déjà paru chez Virgin. Et apparemment, Ben semble fidèle à son label. A moins que ce ne soit l’inverse. Et pour cause, les disques de l’artiste se vendent plutôt bien…
Son premier backing band, c'était les Innocent Criminals. Ensemble, ils vont publier un elpee ‘live’, en 2001 : "Live from Mars". Puis un Dvd, également immortalisé en public : "Live at the Apollo". En 2005. Bénéficiant même du concours des stars du gospel, The Blind Boys of Alabama. Fin 2008, il met un terme à sa collaboration avec ces Innocent Criminals. Il fonde aussitôt Relentless7, dont l’esprit est beaucoup plus rock. La nouvelle formule concocte "White lies for dark times", un elpee studio qui paraît en 2009. Relentless7 réunit un trio et pas un septuor. Outre Ben, il implique le guitariste Jason Mozersky, le bassiste Jess Ingalls et le drummer Jordan Richardson.
Pour mettre en forme cette nouvelle œuvre, Harper a de nouveau fait appel à Danny Kalb. Le répertoire reprend presqu’intégralement le tracklisting de "White lies for dark times". Le concert s’ouvre par "Faster slower disappear come around". Nous sommes projetés plus de quarante années en arrière. On se croirait revenu à l’époque de The Cream. Le timbre vocal est proche de celui de Jack Bruce. Le son est dense et intense. L'attaque est franche. Les musicos n’ont pas besoin de rodage. Et dès qu’il en a l’opportunité, c'est-à-dire très rapidement, Mozersky se déchaîne. Il a la rage aux cordes et est constamment à l’offensive. Pourtant, ces jeunes hommes affichent un look ‘bcbg’ : cheveux coupés courts et tenue décontractée. Autre claque de cet elpee : "Number with no name". Ce titre ouvrait le long playing précédent. Harper est assis. Il tient sa guitare à l'horizontale. Il la martyrise à l’aide d’un slide bar qu'il fait glisser le long des cordes. Son delta blues rock est de haute facture. Jason prend le relais et s’éclate à son tour. Il nous entraîne au cœur d’un voyage psychédélique. L’intensité est à son paroxysme. Relentless7 nous a pris à la gorge et n'est pas prêt de relâcher son étreinte. "Shimmer & shine" est emporté par une dynamique carrément punk. Une sauvagerie qui renvoie presque les Stooges d'Iggy Pop chez les enfants de chœur. Quoique un rien plus mélodique, "Lay there & hate me" demeure aussi vivifiant. La voix soul, claire de Harper est splendide. Les guitares sont toujours susceptibles de rugir. A l’instar de "Why must you always dress in black", une compo qui semble issue des collines du Nord du Mississippi. Les cordes rappliquent au grand galop. Elles sont bientôt suivies par celles, plus épaisses, de la basse de Jess, qui mettent le nez à la fenêtre. Ben laisse hurler la slide. Le son est métallique comme ce n’est pas possible. Elle agonise, mais ne meurt jamais. Le "Red house" de Jimi Hendrix constitue la première reprise. Un blues lent très électrique, au sein duquel il inocule énormément de vibrations. Une leçon d'efficacité à la slide. Enfin un moment de répit ; une ballade apaisante intitulée "Another lonely day". Harper susurre ses mots. Tant de douceur est plutôt surprenant, après un tel début de set. Et embraie par le tendre "Skin thin", au cours duquel il s'accompagne à la guitare acoustique à douze cordes. Il chante encore une dernière ballade, "Fly one time". Passionnément. Une superbe compo qui marque le retour des guitares. Les deux gratteurs raniment la flamme sur "Keep it together". Les riffs sont denses et puissants, mais le tempo est lent, autorisant des périodes d’accalmie. Il est vrai que cette plage s’étale sur près de 12’. "Boots like these" lorgne vers le Led Zeppelin, mais la voix de Harper est radicalement différente de celle de Robert Plant. La deuxième reprise est consacrée à "Under pressure" du Queen de Freddy Mercury. Un titre sur lequel, Ben réalise une nouvelle performance vocale. Le concert s’achève par l’excellent "Up to you now". Nombreux et enthousiaste, le public sollicite un rappel. Pour gouverne, nous sommes le 12 août 2009. Dans le cadre de la trentième édition du Montreal Jazz Festival. Il aura droit d’abord à une ballade empreinte de délicatesse : "Faithfully remain". Puis à une longue version de "Serve your soul", un titre qui figurait sur "Both sides of the gun". Imprimé sur un mid tempo, ce blues rocker est le théâtre d’une nouvelle orgie de cordes ; Mozersky y brille de mille feux avant de laisser sa gratte émettre ses derniers cris. Cet excellent concert tient en haleine pendant plus d'une heure et demie.
Et le Dvd est la réplique du Cd. Il est cependant enrichi de deux bonus tracks : "Skin thin" et "Fly one time".
Edgar (ANIMO) réunit quatre Bruxellois qui apprécient la musique alternative, en général. Ainsi, les musiciens aiment aussi bien Sonic Youth, Animal Collective que David Bowie et Mr Bungle. Le combo pratique un math rock (NDR : ou post rock, je vous laisse le choix) dans l’esprit de Taïfun, Casse Brique ou encore El Dinah. D’ailleurs, je pronostique leur signature prochaine chez le label liégeois Honest House.
La formation compte quand même dix années d’existence. Et pourtant, « Mangrove » ne constitue que son deuxième elpee. Il fait suite à « Tendre Savane », paru il y a deux ans. Un disque découpé en six plages d’une durée moyenne de 4 minutes. Les rythmes sont trépidants. Les riffs de guitare spasmodiques. Les vocaux sont rares. Il y a bien quelques cris. Et puis un peu de chant sur « One Little Eye », en fin de parcours, sur fond de guitare acoustique (NDR : le meilleur titre de l’opus). Des interventions judicieuses de trompette également, concédées un peu dans l’esprit de We vs Death. Les mélodies ne se dévoilent pas à première écoute. Pas de longs crescendos, mais un tempo soutenu en permanence. Peu de contrastes donc. Dommage, car Edgar (ANIMO) possède suffisamment de talent pour concocter une œuvre d’une toute autre envergure. Mais cette carence en substance et en densité lui est préjudiciable. En espérant que son troisième essai soit à la hauteur. C’est tout le mal qu’on lui souhaite…
David, Vince et Benji ont formé Eat Your Toys en 2007. L’année suivante, ce trio rennais enregistre son premier essai. Un trois titres qui, dès sa sortie, entre immédiatement au sein du CQFD (Ce qu’il fallait découvrir) des Inrocks. Deux ans plus tard, les Français publient leur premier Ep, « On The Ledge ». Un pur bonheur !!!
Influencé par la scène indie-rock des années 90, le post-punk d’Eat Your Toys véhicule des accents manifestement noisy. La formation se réclame cependant autant de Sonic Youth que de Nirvana.
L’Ep s’ouvre par « Before The Coming Blast ». Un excellent titre caractérisé par des interventions aussi grinçantes qu’efficaces de guitares. Funky, le titre maître pioche parfois dans l’univers de LCD Soundsystem. Sandrine Maisonhaute, la chanteuse du groupe rennais It Isn’t Kane, vient poser sa voix sur « Flags for museum ». Le refrain de « Control » est imparable. La basse y est virevoltante. On croirait presque entendre dEUS période « Ideal Crash ». « Avalanche » conclut le disque. Un titre plus atmosphérique. Parfait pour conclure ce superbe Ep.
Vivace, efficace et bourré de feeling, cet Ep parvient, en cinq plages, à étaler toute la palette d’influences d’Eat Your Toys. Et elle est impressionnante. Sans jamais nuire à la cohérence de l’expression sonore. De quoi mettre l’eau à la bouche, en attendant la sortie d’un premier album…
Dans le genre ‘Je n’invente rien, mais je le fais bien’, Dyrathor n’a de leçons à recevoir de personne. Bravant les flots, l’équipage arrive tout droit d’Allemagne sur son Drakkar flambant neuf. Oui, d’accord, les Chevaliers teutoniques ne se déplacent généralement pas en Drakkar. Cependant, ce n’est pas parce que l’on vient du pays de Volkswagen qu’on ne peut pas conduire une Volvo. Et, ce n’est pas parce qu’on est Allemand qu’on ne peut pas jouer, avec brio, du bon vieux Viking/Pagan Métal.
Dyrathor a été formé 2006 par Jan Groenewold (Batterie), Manuel Erlemann (Guitare), Tobias Reeck (Basse), Jan-Joerg-Heynen (Claviers), Markus Gornik (Chant), Mirco Kortmann (Guitare) et Julian Koch (Violon). A l’époque, ces sept mercenaires n’étaient âgés que d’une quinzaine d’années à peine. Le premier pressage de la démo intitulée « Memories in Frost » est sortie en 2007. Elle sera épuisée en moins d’une semaine. Le second pressage (200 exemplaires) a, lui aussi, été écoulé dans des délais plutôt rapides.
« Sacred Walcraft Of Hel », le nouvel opus, a été enregistré fin 2009 aux ‘Gernhart Studios’ de SIegburg (Suidakra, Tankard, Destruction). Situation plutôt rare dans le milieu du métal extrême, ces jeunes guerriers germaniques semblent ne pas trop se prendre au sérieux (NDR : il suffit de voir leurs photos plutôt hilarantes sur la pochette). Si, côté look, l’humour semble de mise, la musique, elle est jouée avec tout le sérieux de musiciens professionnels. Les compositions, pour la plupart interprétées dans la langue de Goethe, sont rapides, guerrières et épiques. Parfois secondé par des vocaux clairs, le chant extrême évoque les vociférations du black métal. Un clavier et un violon utilisés à bon escient restituent des ambiances folks et épiques sans pour autant faire sombrer le combo dans la niaiserie gothico-symphonico-folklorique.
Bien que « Sacred Walcraft Of Hel » ne déborde pas d’imagination, la grande qualité des titres qui le compose devrait séduire les fans de Thyrfing, Månegarm, Ensiferum ou encore Wintersun.
Depuis 2009, Dr. Dog a déserté les bureaux du label Beggars Banquet pour s’installer sous le toit de Anti-. Un changement sans grande conséquence sur les compositions de la formation qui, pour son sixième labeur, conserve la formule qui a fait son succès. « Shame, Shame » vogue, comme lors de ses précédents opus, au cœur d’une folk sixties, influencée par les inévitables Neil Young, Beach Boys et autres Beatles. Le quintet de Philadelphie met cependant les guitares davantage en avant (« Later », « Someday », …) et propose ici les morceaux les plus allègres de sa discographie. « Shame, Shame » n’est en rien révolutionnaire mais ne semble pas clamer le contraire non plus.
Dr. Dog propose en toute simplicité onze titres accessibles, à la fois folk et bluesy. De plus, les cinq gaillards se sont plutôt bien entourés. Du côté des guests, Jim James de My Morning Jacket (Yim Yames pour les intimes) se permet une petite incursion discrète derrière le micro sur le morceau-maître de la galette. Et Dan Auerbach (The Black Keys) prête sa plume sur l’entraînant « Shadow People ». « Shame, Shame » est, en somme, un disque qui porte bien mal son nom !
On connaît surtout Daniel Rossen pour ses prouesses accomplies au sein des déjà classiques Grizzly Bear. Pourtant, depuis l’an 2000, et bien avant de se forger une notoriété chez les Ours Gris, il faisait déjà équipe en compagnie de Fred Niclaus pour le compte de Department of Eagles. Ce duo s’est formé à l’Université de New-York (NYU), alors que les deux compères vivaient en colloc’. C’est après avoir bidouillé et samplé dans leurs chambres, qu’ils sont parvenus à concocter leurs propres compos. Progressivement, ils sont ainsi parvenus à écrire un répertoire particulièrement conséquent, et en particulier toutes les chansons du magnifique elpee qui paraîtra en 2008, « In Ear Park », un disque devenu notoire pour sa pop grandiose et atmosphérique. Dans l’intervalle le tandem va graver quelques Eps et puis deux autres albums. Tout d’abord « The Whitey on the Moon », en 2003 (NDR : c’est le premier !), puis « The Cold Nose », en 2005 (NDR : c’est leur deuxième !) « Archive 2003-2006 » est bien sûr une compile. Elle permet de mieux comprendre l’évolution de leur processus d’écriture et en révèle les chaînons manquants. C’est après avoir publié leur premier opus que Daniel Rossen écrit les 5 actes de « Practice Room Sketch », tout simplement à l’aide d’un piano, dans sa chambre d’université. « Practice Room Sketch 1 » constitue d’ailleurs l’ébauche d’« Easier » de Grizzly Bear. C’est à partir de ce moment que les influences de SMiLE et de Van Dyke Parks vont davantage s’affirmer, et gommer les références hip hop des débuts, leur permettant d’embrasser alors une forme d’americana sombre et sophistiquée On peut déjà ressentir cette évolution à l’écoute des quelques esquisses proposées ici.
En 2006, lors des séances d’enregistrement, baptisées ‘Sessions de Janvier’, Daniel et Fred affinent leurs ambitions et utilisent du matériel pro qu’ils ne parviennent pas à maîtriser complètement. Ils se permettent des sessions de cordes. Il en résulte la magnifique composition « Golden Apple ». Mais ces ‘Sessions de Janvier’ constituent un échec retentissant, quoique nécessaire pour leur future évolution… A côté des restes de ces sessions douloureuses, figurent d’autres productions composées en compagnie de Chris Taylor (leur voisin à l’époque et actuel leader des Grizzly Bear…), comme ce « While We’re Young » qui rappelle les arrangements raffinés opérés tout au long d’« In Ear Park »
Très inégal mais passionnant de bout en bout, « Archive 2003-2006 » capte quelques moments clé de l’évolution de leur songwriting, des débuts confidentiels jusqu’à « In Ear Park »… une plongée intéressante dans l’univers naissant et dans le cerveau en ébullition des plus dignes héritiers pop de Brian Wilson ! Sans aucun doute à la hauteur des Grizzly Bear…
La grande toile se transforme en désert aride lorsqu’il s’agit de dénicher des informations sur The Dead End Guys. Même en ratissant large, on arrive à peine à en extraire le nom de la ville d’origine du groupe : Ulm, dans le Baden-Württemberg en Allemagne. C’est peu, mais il faudra bien s’en contenter.
Pourtant, on aurait bien aimé en savoir un peu plus sur ces cinq déjantés au look de zombies sérial killers qui déversent une demi-heure de punk rock horrifique sur une galette digitale venimeuse intitulée « Welcome The Darkness…».
Fortement influencé par les Misfits de Glen Danzig, le quintet germanique délivre un punk rock mélodique destructif combiné à des lyrics inspirés de films d’épouvante. Cependant, contrairement à la plupart des groupes ‘Horrorpunk’, les Dead End Guys semblent avoir mis de côté l’humour noir inhérent au style pour se concentrer sur l’horreur pure.
Les riffs haineux suivent généralement un tempo speedé. Bien que manifestement punk, la guitare ne rechigne pas, de temps à autre, à jouer un petit solo quasi-métallique. La quatre-cordes, elle, mixée en avant, mène souvent le jeu. Les titres sont courts et dépassent rarement les deux minutes. Seule exception à cette règle, « Night Falls » qui clôture le CD dépasse les 3 minutes. Ce titre se démarque d’ailleurs aussi du reste de l’album en versant dans le rock gothique industriel et lourdingue.
Un bon disque au final, malgré l’absence d’humour.
Paul Brady est irlandais. Du Nord, très exactement. Chanteur, guitariste, auteur et compositeur, il est âgé de 63 ans. Ses premiers pas musicaux, il les a accomplis au cours des sixties, au sein de formations de R&B et soul. Il est ensuite emporté par la vague du folklore irlandais qui était alors emmenée par les Dubliners. Il rejoint ensuite un groupe d'irish folk : les Johnstons. Une aventure ponctuée de sept albums! En 1972, il rejoint Planxty ; mais son style n’a pas changé. Sa première œuvre individuelle, il la publie en 1978 : "Welcome here kind stranger". Sculpté dans le folk, cet elpee est très bien accueilli par la critique. Depuis, il a aligné une douzaine d'albums, dont le précédent, "Say what you feel" remontait à 2005.
Ce nouvel opus, il a commencé à l'enregistrer dans son propre studio. Sis dans les faubourgs de Dublin. Fin 2008. Lors des toutes premières sessions, il bossait en compagnie de son batteur, Liam Genockey. Puis, il a invité sa bassiste, Jennifer Maidman, à tracer quelques lignes, à l’aide de son instrument. Paul ajoute alors ses propres interventions : aux guitares, au bouzouki, à la mandoline, aux claviers et percussions. Début 2009, Billy Shanley et Anto Drennan prodiguent leur concours aux grattes électriques et Rod McVey le sien à l’orgue Hammond et à l’accordéon. Paul est un perfectionniste. Il sollicite Jerry Douglass pour enrichir la solution sonore de sa lap steel guitare. Depuis son domicile de Nashville. Puis, il invite Fiachra Trench à réunir un ensemble de cordes. Ce n’est qu’après ce long travail de préparation que Mr. Brady va enfin se consacrer au mixage et à la production. Et en 2010, il publie enfin ce "Hooba Dooba" ; un opus réunissant douze chansons, dont onze compositions personnelles et une reprise du "You won't see me" des Beatles, qui figurait sur "Rubber soul".
"Cry it out" donne le ton. Un titre taillé dans un pop rock de toute bonne facture. Le timbre vocal de Paul est franc et clair. Il est soutenu par des chœurs. La conjugaison de l'orgue Hammond de McVey et du Farfisa de Brady confèrent une coloration particulière à cette ouverture. "Rainbow" baigne au sein d’une atmosphère exotique, chaleureuse. La lap steel de Jerry Douglas et l'accordéon de Rod nous transportent sous des îles ensoleillées. Bien jolie ballade folk, enrichie de chœurs, de cordes et bénéficiant de superbes arrangements, "The price of fame" véhicule des accents country. Bercée par des flots de violons et de violoncelles, "One more today" campe une chanson d'amour bouleversante, empreinte d’une grande intensité. "The winner's ball" change de cap. Une chanson funky soul destinée à la piste de danse. L’elpee recèle encore quelque ‘love songs’ trempées dans le folk. Tout d’abord, "Luck of the draw", une chanson qu'il avait écrite pour Bonnie Raitt. "Mother and son", ensuite. Une plage balisée par le piano et illuminée par l'ensemble de cordes. Et enfin la finale "Living the mystery", une compo au cours de laquelle, son fils Colm est venu souffler timidement dans un harmonica. "Follow that star" est certainement le morceau que je préfère. Il emprunte son profil à vieux blues à peine dépoussiéré. La voix prend de la hauteur, le piano roadhouse s’impose, pendant que la guitare bien sentie s’illustre. "Money to burn" nous replonge dans l’univers de son folklore irlandais. Sa version du "You won't see me" des Fab Four est respectueuse de l’originale. Composée par Lennon et McCartney, cette ballade n'était pas une des chansons les plus connues du célèbre quartet de Liverpool. Son ton devient grave lorsqu’il évoque les guerres légitimées par la religion et la terreur qui en émane, sur "Over the border".
La biographie des Bloodsucking Zombies From Outer Space telle qu’elle est narrée sur leur page MySpace est plutôt hilarante. Le Reverend Paul Praetorius ‘Bloodbath’ Pachelbl (guitariste/claviériste) serait en fait un prêtre assassin du 18ème siècle. Sauvé de justesse du bûcher par des extraterrestres, il aurait été l’esclave de ces derniers jusqu'à ce que le plus corrompu des pirates de l’espace –Jim Evilize, guitariste à ses heures– vienne le délivrer. En quête de partenaires aussi dérangés qu’eux pour perpétrer les pires méfaits, les deux sombres individus auraient réanimé un sérial killer décédé (le chanteur/batteur Edward Theodor Gein) à l’aide d’un élixir d’immortalité fourni par un savant fou (le Dr. Miroslav Schreck, contrebassiste). Ces quatre êtres maléfiques auraient ensuite décidé de se venger du genre humain en déversant le plus diabolique des rock’n’roll, sur la planète terre.
Aussi barrée que soit cette biographie, elle contient tous les indices qui permettent de deviner le style de ce combo viennois : Horror-punk pour le concept et Psychobilly pour le genre musical (batterie debout, contrebasse et guitares). Imaginez le mélange corsé du punk horrifique des Misfits, du rockabilly d’un Stray Cats gonflé aux hormones et du psychobilly déjanté des Meteors ou de Mad Sin.
Chez les Bloodsucking Zombies From Outer Space, pas de doute possible. Le ton est donné dès la première seconde : une petite intro style bande annonce de film d’épouvante et le temps de compter jusque trois, « Max The Taxidermist » déboule à du 200 à l’heure. Il est suivi d’autres titres tout aussi impayables : « Countess Dracula », « Dr. Freudstein », « I Wanna Hear You Scream ». La contrebasse et la batterie bastonnent, imprimant un rythme psychobilly mortel à des guitares punkysantes. En seize titres rapides, aussi accrocheurs que burlesques, les Zombies Suceurs de Sang de l’Espace rendent hommage aux films d’horreur de série Z des années 70/80 et notamment à ceux de la ‘Troma Entertainment’ ainsi qu’à son célèbre ‘Toxic Avenger’.
Amateur d’épouvante, d’humour noir et de rock’n’roll hyper speedé, tu as trouvé la bande sonore de tes soirées d’été.
Black Sheriff est né en juin 2007. A l’époque, Glen Raviloi et Tom Krämer, décident de fonder un groupe. Originaires de Cologne, ce sont des fans inconditionnels de hard rock. Leur objectif ? Publier un digne successeur au génial « Appetite for Destruction » de qui vous savez. Et bien voilà, c’est fait ! Enfin, d’après la bio du groupe. L’album « II » (NDR : il fait suite à un elpee, édité en 2007) serait bel et bien le meilleur disque depuis la bombe enfantée, par Guns’n’Roses, en 1987.
« II » est un excellent disque de hard rock. On ne peut le nier. Il est même et sans doute un successeur plus qu’honnête à « Appetite For Destruction ». Néanmoins, il est un peu prétentieux, de la part de Black Sheriff, de crier haut et fort avoir pondu LE meilleur disque depuis le premier album de GNR. Ce serait ignorer l’existence d’une flopée d’excellents brûlots hard rock, gravés au cours de ces 23 dernières années. Par respect pour toutes ces œuvres (trop nombreuses pour les citer), nous sommes donc obligés de faire preuve de modestie (NDR : à la place du band) et de conclure, tout simplement, que « II » est un bon disque. A l’instar du combo d’Axl Rose et de Slash, Black Shériff mixe l’énergie du punk au côté fun et entraînant du hard rock. On pense aux Guns, bien sûr, mais aussi à Motörhead, Ted Nugent, Accept (NDR : la flying V qui orne la pochette y est d’ailleurs pour beaucoup), Mötley Crüe, Sex Pistols et Rose Tattoo.
Le rendu sonore signé Martin Buchwaller (batteur chez Squealer (DE) et Perzonal War) met en valeur l’agressivité des guitares et les superbes soli rock’n’roll de Ravioli et Krämer. Ces deux derniers se partagent aussi le chant. L’organe de l’un siérait à ravir à un combo punk rock tandis que celui de l’autre (trop peu utilisé à notre goût) est aussi râpeux que celui d’Angry Anderson (Rose Tattoo).
Peut-être pas LE successeur d’« Appetite » mais en tout cas l’un des meilleurs disques hard rock du moment.
Il existe de nombreux points communs entre les enfants et les amateurs de Rock, et ce, mis à part une certaine part d'immaturité revendiquée. Notamment ce plaisir sans cesse renouvelé de se faire peur.
Dans ce domaine ludique, nous, adorateurs de ce qui fût à une époque pas si lointaine encore appelé la musique du diable, nous excellons dans un petit jeu macabre. Proclamer haut et fort que le Rock est mort (ou la Pop, sa sœur sucrée, selon les tendances). Et de lui trouver urgemment un sauveur. Foncièrement voué à l'échec, cette quête n'en revêt pas moins une importance de taille. Il permet au genre d'aller de l'avant, à défaut de le renouveler. Et de lancer les étoiles dans le firmament, tel un feu d'artifice teinté des couleurs de l'espoir. O la belle bleue, o la belle rouge. Et en l'espace de quelques instants, la star pâlit, jusqu'à disparaître bien souvent complètement. Ou parfois, une légère aura continue de scintiller dans le ciel. Ou parfois, mais c'est beaucoup plus rare, l'étoile s'accroche à un pan du ciel, et grossit, grossit, et se mue en astre. Alors, durant l'éclipse, tel ou tel autre groupe est appelé à nous sortir des ténèbres. Ironique si l'on pense que le noir nous va si bien. Ainsi soit-il !
Aujourd'hui, que descende donc l'aura de lumière des flamboyants Arcade Fire, nouveaux fers de lance proclamés et encensés aux quatre coins de la planète. Et voyons si le salut du Rock passera par eux. Pour ce faire, je chausse mes lunettes teintées, met ma crème indice protection 3, pas plus. Point trop n'en faut. Je ne fais pas partie de la horde sans cesse grandissante des aficionados du groupe, je n'attends donc rien de particulier de cet opus, et encore moins il est vrai qu'il nous sauve de quoi que ce soit. Allez hop! C'est parti.
D'entrée, « The suburbs », le premier morceau donne le ton. Les Canadiens savent y faire. On le savait déjà. Une chanson Pop parfaite, sans trop de sirop d'érable. Ne reste plus qu'à tenir la longueur. Et quelle longueur! Une heure à se dorer la pilule. L'exercice risque d'être périlleux. Car si l'album venait à faiblir, les nuages de l'ennui ne tarderaient pas à venir nous faire de l'ombre. Après un peu plus de cinq minutes, les voilà « Ready to start ». Ah bon? C'était pas déjà commencé? S'enchaînent pêle-mêle un « Modern man » à la rythmique subtilement syncopée-atrophiée, un « Rococo » dont le titre pourrait faire craindre le pire (qu'il évite fort habilement) dont les guitares shoegaze annoncent le morceau suivant, un « Empty room » aux sonorités 90's, improbable rencontre entre Kevin Shields et... Abba. Assurément un moment clé de l'album. Ça tape fort. Le ton se fait ensuite plus ouaté. Toujours aussi lumineux. Qu'à cela ne tienne! Inutile de se brûler les ailes trop rapidement. Demandez à Icare ce qu'il advient quand on s'approche trop du soleil. Puis, déjà, vient le dixième morceau, « Month of May ». Là, le pouls s'accélère. La sueur perle. Les genoux s'entrechoquent. Efficace. Trop efficace. Debout sur ma serviette de plage, je m'apprête à me remuer, je suis lancé, le sable est trop chaud, je veux en découdre. La machine est lancée. Mais au lieu de cette débauche de décibels que j'attends avidement, je suis convié à m'assoir et balancer la tête gentiment sur une paire de ballades, certes, fort agréables, mais un rien frustrantes. Allez, quoi, c'est quand qu'on se bouge? J'attends impatiemment de pouvoir me remuer à nouveau. Las. Je ne quitterai plus le sol. Mes rêves de lévitation s'évaporant dans les arrangements synthétiques et vaporeux de « The suburbs », en version onirique, qui clôt le chapitre. Entre temps, des morceaux comme le très 80's « Sprawl II » ou l'entêtant « We used to wait », au tempo de plus en plus soutenu, m'auront convaincu du talent indéniable du combo à rallonge de Montréal. Mais point de coup de soleil. Tout juste un coup de chaleur.
Un album Pop de haute tenue, magnifiquement orchestré, un poil trop poli (ah! Cette obsession pour les productions léchées), bref, un des albums de l'année, pour les amateurs du genre. Mais cela n'empêchera pas le Rock de mourir à nouveau. Pour mieux renaître de ses cendres. L'apocalypse est pour demain, et après-demain, et ainsi de suite... Et c'est très bien comme ça. Bon, allez, c'est pas tout ça, moi, je retourne dans ma cave.
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