C’est le 25 mai que paraitra le nouveau projet de la chanteuse americano-russe Regina Spektor. Ce nouveau elpee, « What We Saw From The Cheap Seats » a été entièrement écrit par Regina elle-même et produit par Mike Elizondo, connu pour son travail avec Dr Dre, Eminem ou encore Nelly Furtado.
Le premier extrait de son album, « All The Rowbots » est à écouter sur YouTube .
Plus d’infos : http://www.reginaspektor.com/
Tracklist :
1."Small Town Moon"
2."Oh Marcello"
3."Don’t Leave Me (Ne me quitte pas)"
4."Firewood"
5."Patron Saint"
6."How"
7."All the Rowboats"
8."Ballad of a Politician"
9."Open"
10"The Party"
11."Jessica"
Pour leur troisième album, les Silversun Pickups ont confié la production du projet à Jacknife Lee, connu pour ses participations aux travaux de U2, R.E.M., Snow Patrol …
L’elpe, paru le 4 mai dernier et intitulé « Neck Of The Woods », fait suite à « Carnavas » et « Swoon », qui leur ont permis de se forger une réputation sur la scène internationale et de se placer numéro 1 du top « Alternative and Independent record » en 2006.
Plus d’infos : http://silversunpickups.com/home/
Tracklist :
1. Skin Graph
2. Make Believe
3. Bloody Mary (Never Endings)
4. Busy Bees
5. Here We Are (Chancer)
6. Mean Spirits
7. Simmer
8. The Pit
9. Dots And Dashes (Enought Already)
10. Gun-Shy Sunshine
11. Out Of Breath
Pas de repos pour l’acteur, compositeur mais surtout chanteur Lyle Lovett qui a dévoilé il y a quelques jours son 14ème disque nommé « Release Me ».
Après avoir visité plusieurs styles de musique, le Texan revient aujourd’hui avec un album de country, un genre qui lui avait déjà permis de connaitre un grand succès en 1991 avec « Cowboy Man ».
Plus d’infos : http://www.lylelovett.com/
Tracklist :
1 - Garfield's Blackberry Blossom
2 - Release Me
3 - White Boy Lost In The Blues
4 - Baby, It's Cold Outside
5 - Isn't That So
6 - Understand You
7 - Brown Eyed Handsome Man
8 - Keep It Clean
9 - One Way Gal
10 - Dress Of Laces
11 - The Girl With The Holiday Smile
12 - Night's Lullaby
13 - White Freightliner Blues
14 - Keep Us Steadfast
Après avoir écrit pour des artistes tels qu’Elisa Tovati, Caroline Costa, Sofia Essaïdi mais surtout Zaz pour le tube « Je veux », Kerredine Soltani sortira le 11 mai son premier album, "Kerredine Soltani".
Enregistré avec ses amis musiciens « Les mecs d’Oberkampf », ce disque de jazz-manouche est un engagement politique, encourageant l’égalité sociale et la liberté d’expression.
Le premier single « Fils de la bohème » est disponible sur YouTube .
Le duo fraternel de britpop Singtank sortira son nouvel album, « In Wonder » le 25 mai prochain.
En collaborant avec Nellee Hooper (Massive Attack, Björk, U2, Madonna) ou Alan O’Connell (Placebo, Gossip), Joséphine et Alexandre de la Baume nous livrent un album très prometteur enregistré de l’autre côté de l’Atlantique.
Le premier single, « The Party », est à écouter et à voir sur YouTube .
Plus d’infos : http://www.singtank.com/
Et puis, musicalement, on dira ce qu’on voudra, ses chansons ont quelque chose de touchant.
Pas renversantes, mais justes. Sans esbroufe. A l’image de cette petite fille aux multiples tatouages (plus Rock & Roll que camionneurs) qui se tient sur scène devant un parterre conquis et heureux. Des visages ébahis.
Des sourires multiples et des paroles qui s’articulent sur les lèvres des (très) jeunes au (beaucoup) moins jeunes.
Et des milliers d’étoiles. Comme celles qui brillaient dans les yeux de ma fille ce soir.
Bien des raisons de dire : ‘Merci Béatrice Martin’.
Effectivement, c’est elle que toutes et tous sont venus admirer ce soir.
Mais en public poli et bon enfant, l’assistance fait un accueil jovial à Monogrenade, groupe québécois fort sympathique dont le pop/folk suspendu aux cordes (deux violons et un violoncelle) s’agite sous une brise tantôt légère, tantôt tempétueuse.
Desservi par un son inégal, la formation a néanmoins soulevé l’enthousiasme et retardé l’impatience de ces centaines de cœurs qui trépignaient d’impatience.
Quelques sonorités émanant d’un ampli Fender, par le jeu de quelques pédales du meilleur effet, n’ont d’ailleurs pas laissé insensible votre serviteur, plutôt rôdé à d’autres ambiances que celle de ce soir.
Dans une atmosphère somme toute très différente de celles auxquelles je suis habitué, l’attente s’installe. Fébrile. L’excitation est palpable. Surtout chez les enfants présents.
Car ils sont nombreux ce soir.
Cœur de Pirate, c’est un peu le Tintin de la musique. Son auditoire s’étend de sept à septante-sept ans.
Cette réflexion peut paraître anodine, pourtant, elle prouve au moins deux choses : la première, c’est que sous leur aspect propre et lisse, ces chansons recèlent différents degrés de lecture. La deuxième, c’est que je ne serais pas là si je n’avais pas une fille de huit ans, complètement fan.
Parce que très franchement, je vais avoir du mal de vous parler de ce concert. Oh, pourtant, la prestation très professionnelle de ses musiciens était appréciable. Enceinte, l’interprète assume courageusement cet enchaînement de dates, vaille que vaille. La tendresse de ses chansons se dévoile comme les pages du journal intime d’une jeune fille en fleurs (parfois fanées) ou le comique d’une pause pipi intelligemment chorégraphiée en cours de spectacle. Mais, tout simplement, parce que toute mon attention était rivée sur ma fille qui rêvait éveillée une soirée attendue depuis si longtemps.
Une petite fille parmi d’autres petites filles, des moins grandes aussi (voir des plus vielles), et aussi des garçons ou même des papys, mais une petite fille au sourire rayonnant et qui m’émouvait à chaque fois qu’elle s’en allait d’un grand signe de main pour attirer le regard de son idole, à peine à quelques centimètres d’elle.
Une idole généreuse qui ne manquait aucune occasion de renvoyer sourires et gestes, remerciements sincères et ‘je vous aime aussi’ en retour.
Et si ma description vous paraît nunuche et vous renvoie au fantôme de Chantal Goya, détrompez-vous !
Musicalement, son spectacle tient absolument la route.
La voix est juste et transfère l’émotion au-delà du spectre lumineux d’un light show sobre et parfaitement calibré.
Le son swingue quand il le faut, le piano se fait intime quand la femme enfant aux bras de marins (les tatouages, pas les muscles !) appose ses mains délicates sur ses touches d’ivoire.
Fort judicieusement balancé, ponctué de ses hits (« Francis », « Comme des Enfants » ou « Adieu ») et agrémenté d’interventions échangées avec l’auditoire, ce concert était parfaitement calibré, en évitant le piège de la mise en scène stoïque.
Cœur de Pirate ne peut pas plaire à tout le monde mais ne dérange personne.
Et surtout, ses albums semblent apporter un certain bonheur à ceux qui y trouvent écho, aussi bien dans les paroles douces amères que dans les notes qui s’égrènent comme la mélancolie aux vents.
Elle n’est pas bien grande mais elle affiche une grandeur d’âme qu’elle communique à son public. Béatrice Martin est un sacré bout de femme et ma fille en est fan.
Alors je ne peux que crier haut et fort : ‘Vive Cœur de Pirate !’
(Organisation Live Nation en collaboration avec Asterios Spectacles)
Pour son deuxième album, Sarah Joyce, plus connue sous le pseudonyme Rumer a choisi de rendre hommage aux artistes des années 1970 en reprenant des titres oubliés de Todd Rundgren, Townes Van Zandt, Ronnie Lane ou encore Bob Marley.
Edité chez Warner, « Boys Don’t Cry » sera disponible dès le 25 mai.
Plus d’infos : http://www.rumer.co.uk/updates.htm
Plus connu sous son nom de scène ‘MCA’, le musicien/rappeur/militant et cinéaste Adam Yauch, un des fondateurs du groupe étasunien Beastie Boys, est décédé ce vendredi 4 mai 2012, dans sa ville natale de New York. Atteint d’une tumeur des glandes salivaires, il s’est battu pendant trois ans contre ce cancer. Ce qui avait forcé le trio à reporter leur départ en tournée et à retarder la sortie de leurs deux dernier opus. "Hot Sauce Committee Part Two" paraîtra finalement en 2011, avec deux ans de retard, le premier volume restant en suspens pour une publication ultérieure.
Il laisse derrière lui son épouse et leur fille. Il laisse aussi un héritage musical impressionnant à travers des albums qui ont marqué l'histoire du hip-hop et toute une génération. Outre leurs 30 années de carrière, les Beastie Boys ont vendu 40 millions d'albums et remporté trois Grammy, la plus prestigieuse récompense de la musique aux States. Quant à Adam Yauch, il s'était vu décerner le ‘Charles Flint Kellogg Award in Arts and Letters’, en 2011, par l'Université de Bard, en hommage à sa contribution importante apportée à l'héritage artistique et littéraire américain.
Une page de l’histoire du hip hop vient de se tourner…
« The bravest man on the universe », le nouvel album de Bobby Womack porte bien son nom car l’artiste sort à peine du traitement d’un cancer ! Produit par Damon Albarn et Richard Russell il sera disponible dès le 11 juin.
Aujourd’hui âgé de 68 ans, la star a connu ses heures de gloires dans les années 70 suite à la parution de son album « Understanding » suivi de la BO du film Across 110th Street. Il a récemment collaboré avec le leader des Gorillaz, Damon Albarn, avec qui il a travaillé ce nouvel album.
Bobby Womack sera en concert au Gent Jazz le 14 juillet prochain.
Les deux premiers singles de cet opus sont disponibles sur YouTube :
The Bravest Man In The Universe
Plus d’infos : http://bobbywomack.com/
La formation anglaise de rock The Darkness sera de retour cet été avec la sortie d’un nouvel album intitulé « Hot Cakes ».
Produit par Justin et Dan Hawkins en collaboration avec Nick Brine, l’album, remixé par Bob Ezrin sortira le 20 août 2012 chez PIAS.
Un an après leur reformation, les membres de The Darkness assureront la première partie des concerts de Lady Gaga cet été pour sa tournée européenne.
Plus d’infos : http://www.theactualdarkness.com/
Suite au succès de son précédent album, Benjamin Biolay reviendra cet automne avec un nouveau projet dont le nom est encore inconnu malgré un mystérieux BB#051112 mentionné en page d'accueil de son site internet.
Trois ans après « La Superbe », pour lequel Biolay avait remporté deux victoires de la musique, l’artiste a annoncé la sortie de cet opus le 5 novembre prochain. En attendant, l’artiste participera à l’opéra-pop «Poppea» du 29 mai au 7 juin au Théâtre du Châtelet.
Plus d'infos : http://www.benjaminbiolay.com/
A 25 ans, Nick Waterhouse dévoile son nouvel album « Time’s All Gone ». Dès le 21 mai prochain, vous pourrez apprécier le R’n’B inspiré de la musique des 50’s du chanteur californien qui, pour l’occasion, a enregistré son album analogiquement; un disque qui rappelle l’ambiance de Memphis ou de Détroit à leur apogée.
Nick Waterhouse sera présent le 12 juillet lors du festival de Dour où il défendra son nouvel opus.
Plus d'infos : http://www.nickwaterhouse.com/
Sorti il y a quelques mois déjà, « Little me will Start a Storm », le 4ème album de Loch Lomond, mérite qu’on s’attarde à nouveau sur son cas, vu sa réédition enrichie de deux bonus tracks !
Issu de Portland (Oregon), ce mini-orchestre a en effet pondu un petit recueil de pop foutraque réellement attachant. Au départ, c’est-à-dire en 2003, Loch Lomond était le projet solo de Ritchie Young. Il s’est au fur et à mesure élargi, comptant jusque 9 membres, qui se partageaient alors la clarinette, la mandoline, le banjo ou le vibraphone… Ces 11 nouveaux morceaux composés par Ritchie Young semblent réellement avoir été enregistré spécifiquement pour vos oreilles, dans votre appartement, lorsque vous êtes seul. Des hymnes indie-rock tels que « Blue Lead Fences » ou « Blood Bank » se situent exactement entre l’orchestration joyeuse de Beirut et celle plus grave de Lost in the Trees. Un musique moins lyrique que celle d’Andrew Bird et moins lo-fi que chez Minus Story mais caractérisée par ce style en picking ou des chœurs chers au premier et un feeling mélancolique identifié chez les seconds. En outre, la voix nasillarde de Young communique un climat léger, mais étrangement enfantin, à l’ensemble… A découvrir absolument!
Sinéad O’Connor est constamment parvenue, d’une manière ou d’une autre, à faire parler d’elle.
Qui ne se souvient pas de la photo du pape Jean-Paul II déchirée lors d'une performance musicale le 3 octobre 1992, lors de l'émission de télévision Saturday Night Live ?
Anticonformiste à l’extrême, l’Irlandaise a toujours, d’une façon ou d’une autre, tenu le haut du pavé.
A 45 piges bien sonnées, la révolutionnaire s’est enfin (?) rangée des briques et revient à ses premières amours ; à ce qu’elle fait probablement de mieux : la musique.
« How about I be me » constitue le neuvième album de l’inoubliable interprète de “Nothing compares to you”. Signé par Prince, ce titre avait forgé la renommée de la Dublinoise.
Il était temps de se reprendre ! Après avoir fait, pour de bonnes et souvent de moins bonnes raisons les choux gras de la presse à scandale, il est grand temps de laisser la presse people aux trous du c… qui se croient indispensables… à notre société.
Retour artistique gagnant et pleinement réussi pour cette merveilleuse voix qui se met au service de splendides ballades, tout en harmonie, soulignant magnifiquement tout le talent d’écriture et de composition de Sinéad.
Retour d’une personnalité unique, troublante, éclatante et spirituelle qui apporte dans son petit panier dix chansons d’amour, d’espoir ou de douleur, toutes portées par une voix superbe et passionnée.
Autant passionnée est la voix que le sont les textes qui servent de support à ces messages, tous des messages vrais d’une véritable vie, elle aussi. Jamais on ne fera chanter de niaiseries à la plus célèbre chauve (ou presque) de la planète. Il lui faut des brûlots à entretenir, des combats à mener, des revendications à exprimer sans quoi, la flamme se meurt et l’artiste avec elle.
« How about I be me » condense toute cette passion, en une quarantaine de minutes bien ficelées et convaincantes.
Contrairement à ce que l’on pourrait croire ou entendre, Sinéad ne s’est pas calmée, elle crie toujours autant sa colère. Immuablement bouleversante, sa voix toujours prend encore aux tripes. Cependant, elle a réussi à enrober sa rage dans une musique bien plus accessible et plus ‘douce’ que ne le sont ses mots.
Ce neuvième opus est la preuve que le contenu est sans aucun doute plus important que le contenant et que faute de pouvoir bousculer de façon directe l’opinion publique, il est parfois beaucoup plus opportun, voire intelligent d’opter pour la manière douce…
Force douce, deux mots qui caractérisent tant l’album que son interprète. Une renaissance, un must !
Depuis la sortie de « Catacombs » en 2009, Cass McCombs s’est confortablement inscrit dans le paysage du folk américain. En outre, au fil des albums, il est parvenu créer une identité musicale propre. Quoique kitsch, son folk baigne au sein d’une certaine quiétude, sans jamais tomber dans la désuétude.
Le Californien est parvenu à publier deux albums en moins d’un an. Le dernier, « Wit’s End », n’était paru qu’il y a quelques mois. Mais si ce disque montrait la face la plus paisible, donc la plus rituelle du Californien, « Humor Risk » réserve davantage d’espace aux plages pop/rock. L’accessibilité, le sens mélodique et la construction des compos adoptent le style. « Love Thine Enemy », titre qui ouvre l’opus, « The Same Thing » ou encore « Mystery Mail » en sont les plus belles illustrations. Mais malheureusement, il faut reconnaître, que ses quelques tentatives de reconversion, ne sont pas tellement judicieuses. Perso, je le préfère dans son univers alangui et paisible, chantant d’une voix si caractéristique, chargée de reverb. C’est aussi sous cette forme qu’il est le plus efficace. Heureusement, sur le reste du long playing, Cass en revient à son expression sonore de prédilection. McCombs n’est pas encore prêt pour l’aventure…
Dès les premiers accords, les quatre jeunes demoiselles nous rappellent effrontément l’été, nos premiers baisers, les échappées belles au milieu de la nuit, pour retrouver les copains. Tout l’album sautille joyeusement.
Insouciance, légèreté, spontanéité, baskets en toile, soirée dansante en plein air, lampions, gambettes dénudées, jupes voltigeant, fumée de cigarette, bière, brillantine pour eux et queues de cheval virevoltant pour elles. C’est ce qu’on appelle de la ‘feel good music’. Même si l’insolence et l’innocence de toute cette jeunesse peuvent agacer, à la longue.
C’est de la pop vraiment inoffensive, des bons sentiments, et on ne vous veut que du bien. Vous serez revitalisés par ce mélange entre pop et ska, dont le tempo fait instantanément penser à « One Step Beyond » de Madness, et aux années d’une autre jeunesse : les 80’s.
Difficile de vous parler du contenu des morceaux, chantés pour la plupart en norvégien. Seuls trois titres ont recours à la langue de Shakespeare ; mais au fond, on s’en fiche ! Ce n’est pas le sens qui compte, mais la fête, l’‘éclate’.
Nous sommes à l’aube des années 90, sortant d’une décennie moribonde, le monde du rock s’apprête à connaître en connaître une autre, probablement une des plus riches de son histoire.
Pléthore de groupes issus d’horizons différents voient le jour et donnent naissance à un son nouveau.
Les guitares se taillent la part belle du lion : elles crient, se diluent dans l’espace, explosent, crachent et prennent le contre-pied.
Des noms émergent, gravitent les uns autour des autres, montent au firmament, étincellent parfois ‘just for one day’ ou s’inscrivent à long terme dans les livres d’histoire.
My Bloody Valentine, Slowdive, Pale Saints, Sway. Ah, ben, non, pas Sway.
Parce que Sway est né bien plus tard. Sway a écouté ces groupes, et a été stigmatisé par le son de ses illustres novateurs.
Nous sommes en 2012 et « This Was Tomorrow » annonce la couleur.
Le Rock est cyclique. Eternel recommencement. Comme la mode. Comme le monde.
Alors, pourquoi bouder son plaisir ?
Parce que Sway n’apporte rien de bien original, hormis de subtiles touches d’électronique parsemées ça et là et qui du reste ne dénaturent pas leur « Pygmalion » ?
Certes, mais loin d’être une simple resucée, cet album dévoile une véritable identité, celle d’Andrew Saks, le nostalgique à l’origine de ses sonorités évanescentes d’hier, mais qui résonnent encore à nos oreilles, au temps présent, avec bonheur.
Cet elpee tente d’ailleurs de s’émanciper à l’une ou l’autre occasion.
Mais étrangement, c’est quand il rappelle vivement ces illustres prédécesseurs qu’il est le meilleur (« Palos Verdes», « What I Know » ou « Tunnels », qui à lui seul semble faire la somme du Shoegaze en trois minutes quarante trois).
Un disque qui souligne un trait sous la ligne du temps, parce qu’aujourd’hui est le demain d’hier.
Depuis maintenant 20 ans, le Sound system Zion Train, pionnier du dub britannique, nous régale en dispensant son mélange d’électro et d’instruments traditionnels qui oscillent des percussions africaines aux instruments à cordes classiques.
Pour « State Of Mind », 9ème album du groupe, Zion Train ne déroge pas à la règle en proposant des morceaux hypnotiques, aux titres mystiques, baignant même au sein d’un climat psychédélique. L’inspiration est variée, le groupe puisant aussi bien ses sources dans le rock classique (« Tribute to Shura, « Ari Hanta ») que la valse (« The Black River Incident »).
Sur certaines plages, ce sont les voix qui font la différence. Se conjuguant en harmonie avec l’instru bien pensée. A l’instar de « Rainbow Children », une compo contagieuse au cours de laquelle la voix puissante de Brinsley Forde (Aswad) survole l’ensemble. Ou encore « Share The Flames », celle de Jazzmin Tutum, apportant une touche de féminité dans un univers dub où ce caractère est trop souvent négligé.
Surprise, dès les premiers accords de « Tribute to Shura », on reconnait très vite le clin d’œil adressé au « Paint it Black » des Rolling Stones. Un pari osé pour le trio qui porte ses fruits et vous flanque la pêche.
Le band nous propose une autre facette de son style sur « Orgone Accumulation ». Un titre bien dynamique souligné de cuivres et balisé par une solide ligne de basse. A contrario, « Ari Hanta » se révèle bien plus paisible. C’est également la piste qui clôt l’opus. Traversé d’accords de violon aventureux, il nous incite au voyage spirituel (« State of Mind » ?) Mais c’est sur « The Divine Proportion » que cet instrument fait vraiment la différence ; et ce tout d’un bout à l’autre de la plage…
Les adeptes de Zion Train devraient apprécier ces exercices de style multiformes…
Fondé en 2008, 24 Pesos est un quartet de blues londonien. Depuis sa fondation, le line up est identique. On y retrouve le chanteur/guitariste Julian Burdock, le bassiste Silas Maitland, le drummer Mike Connolly et l’organiste Moz Gamble. Le combo compte trois elpees à son actif : “The boogie worm” est sorti l’année de la formation du combo, “Busted broken and blue”, en 2010, et ce nouvel opus aujourd’hui. Une manière d’affirmer leur style personnel, inspiré bien évidemment par le blues, mais contaminé par le funk. Il est même omniprésent!
Le groupe revendique autant l’héritage de Howlin’ Wolf, Freddie King que Sly Stone, les Meters et James Brown, sans oublier Captain Beefheart, Jimi Hendrix et les Rolling Stones. Excusez du peu! Ils ne sont jamais aussi à l’aise que sur les planches ; d’ailleurs ils y brillent par leur spontanéité, leur explosivité et leur effervescence. “When the ship goes down” a été enregistré au studio de Penny Vale. Des sessions qui ont été réalisées en deux temps trois mouvements. C’est Silas, le bassiste qui s’est chargé de la production et Julian Brudock, plume féconde, signe onze des dix-huit plages.
Julian possède une voix qui colle parfaitement à ce répertoire blues largement amplifié. Armé de son bottleneck, il attaque “Melon man”. Royale, l’ouverture est imprimée sur un tempo endiablé. Toutes les spécificités du band sont ici bien étalées. Les musicos soutiennent le leader de leurs chœurs. La slide sort déjà de sa réserve. Hommage au mythique bluesman décédé il y a plus de 60 ans, “Leadbelly” exhibe une face funky du band. Un titre savoureux qui invite impulsivement le public à la danse, au cours duquel Burdock double harmonica et slide ; et il souffle à la manière de Magic Dick dans les grands jours du J. Geils Band. La conjugaison des quatre voix et les interventions chaleureuses de l’orgue Hammond dispensées par Gamble sont d’autres spécificités de l’expression sonore des Pesos. De petites perles comme “Ain’t gonna beg no more” ou le brûlot “Peace in the valley”, véritable sommet de cet opus, en sont les plus belles illustrations. Et la suite est tout aussi excitante. Burdock a toujours manifesté un grand respect à feu Don Van Vliet, alias Captain Beefheart. “Tryin’ to get back to you” en est un beau témoignage. Le Londonien emprunte la voix éraillée du capitaine. A moins que ce ne soit celle de Howlin’ Wolf. Une voix qui transpire le vécu. Graveleuse, toujours puissante, elle est prête à affronter les différents climats qui traversent inévitablement le blues primaire, pour rejoindre le Delta du Mississippi. “Moon hearted woman” se mue, à mi-parcours, en boogie infernal. Et il ne faut pas sous-estimer la qualité des accords libérés par les cordes. Que ce soit ceux d’une grande pureté, de la slide, sur “When the ship goes down” ou ceux qui guident le Memphis blues final, “I don’t know”. Un sans faute! Facilement la meilleure œuvre de 24 Pesos, à ce jour. Un album 5 étoiles ! Le british blues est à nouveau au sommet de son art !
Dans les sphères ouatées d’un rêve imprégné des embruns de la réalité, Jérôme Deuson, alias aMute s’est réalisé, transformé, muté en un étrange animal que « Black Diamond Blues » vous invite à chevaucher.
Plongé en apnée dans un univers sombre aux multiples facettes, après s’être réalisé en groupe dans une vision plus Pop durant quelques années, l’architecte sonore qui milite ici propose un voyage fantastique sur la pellicule grainée d’un film qui n’existe pas mais où les paysages défilent et s’impriment à l’arrière de nos rétines, sans même pouvoir être perçues.
Troublante, l’expérience se décline en longues plages introspectives qui éveillent tantôt la curiosité, tantôt une certaine mélancolie, substituant l’auditeur à l’enfant regardant les gouttelettes de buée glisser le long d’une vitre, les lumières des néons se fondant en arrière plan.
Même le chant (« Every Day Is », « So Easy To Fall ») semble lointain, comme prisonnier d’une bulle.
Un simple mais contrasté moment d’évasion dans l’inconnu.
Selon le centre d’observation botanique mondial des plantes carnivores, il existe plus de 180 espèces d'Utriculaires qui ont une répartition cosmopolite. Elles peuvent adopter un habitat aquatique ou terrestre, être épiphytes ou volubiles.
Depuis l’année 2000, une nouvelle espèce reine a été répertoriée, du nom de Bee And Flower ; et son comportement est étudié de près par d’imminents spécialistes.
Classée dans la famille des Cheap Satanism, « Suspension » est le nom donné à la troisième mue depuis sa découverte.
Flottante et sans racine, son habitat s’est étendu entre New York et Berlin et aurait été aperçu dans nos contrées.
Sa capacité à attirer l’auditeur serait due à plusieurs facteurs provoquant un type de dépendance, notamment par l’utilisation d’un organe vocal fiévreux et une orchestration végétale dont les racines semblent s’étendre sous les ramifications d’autres plantes hautement toxiques (Angels of Light, Bad Seeds).
Nombre de ses feuilles portent de petites outres d’où s’écoule un venin subtil.
Un poison qui ne nous paraît velouté que par la saillie faite par d’infinis brins de soie sur l’auréole de nos rêves évanouis.
Jimmy est originaire de Toronto, la grande cité canadienne. A 21 ans à peine, il affiche déjà une belle expérience musicale, puisqu’il a notamment assuré le supporting act des concerts de Deep Purple, ZZ Top et Dickey Betts. En outre, il s’est déjà produit sur pratiquement tous les continents. C’est le regretté gratteur Jeff Healey qui le découvre, lui permettant de publier son premier opus, “Old soul”, alors qu’il n’a que onze ans. Depuis, “Soap bars & dog ears”, “Jimmy Bowskill” et “Live” se sont ajoutés à sa discographie…
Le décor est planté dès les notes d’ouverture. “Take a ride” baigne au sein d’un climat assez tragique. La rythmique est puissante. Elle rappellera certainement aux mélomanes d’un certain âge, le groupe anglais Free, un combo au sein duquel militait un chanteur extraordinaire, qui répondait au nom de Paul Rodgers. Pour les plus jeunes, cette compo évoquera davantage Jon Amor (ex-Hoax). Les cordes de Bowkill sont au cœur de l’expression sonore. Elles absorbent les espaces libres, mais en évitant les excès. Le gamin a sans aucun doute pris le temps de mûrir. “Linger on the sweet time” élève quelque peu le rythme. Jimmy est armé de son bottleneck et le laisse glisser divinement sur les cordes. Il réactive à nouveau la rythmique Free. Impeccable ! Cette intensité et cette pression libérée avec cette réserve naturelle que possédait le regretté Paul Kossoff, sont reproduites de manière saisissante. Et lorsque “Little bird” en remet une couche, que doit-on en penser ? Sommes-nous en présence d’une copie de talent ou d’un banal plagiat ? Je vous laisse le choix ; mais il faut reconnaître que ce garçon sait jouer et surtout chanter! Imprimé sur un tempo indolent, “Spirit of the town” lorgne vers le southern rock de Lynyrd Skynyrd. L’interprétation est très propre. Puissante et dramatique, l’instrumentation est enrichie par des cuivres ainsi que les interventions à l’orgue d’Aaron Hoffmann. Signé Mark Farmer, “Sin’s a good man’s brother” rend hommage au célèbre trio de hard rock américain, Grand Funk Railroad. Dans la même optique, “Sinking down” campe un blues rock aux accents hard, sans jamais virer au métallique. L’inspiration des seventies est tout à fait évidente. Jimmy pilote sa machine à remonter le temps. Il a bien compris les formules adoptées par les trios de cette époque. Il nous livre un cocktail magique au sein duquel on retrouve les élixirs de Free, Led Zeppelin et Bad Company. Et le résultat est amusant à défaut d’être novateur. “Season change” : les saisons changent mais pas la musique, puisqu’il nous réserve une nouvelle dose de Free. Le rockin’ blues pratiqué par JBB n’est cependant jamais écrasant ou ennuyeux. Balisée par une section rythmique en béton, “Broken down engine” est caractérisé par la présence d’une slide aventureuse. Le piano roadhouse de Hoffmann pigmente “Least of my worries”, une plage légère, ensoleillée, qui clôt le long playing…
Ben Caplan est encore peu connu mais son heure de gloire arrive à grand pas. Cet artiste affiche un look hirsute : il porte une longue barbe, sa chevelure est dense mais particulièrement bouclée ; et il chausse son nez de lunettes sombres. Originaire de Halifax, ce Canadien est chanteur, compositeur et interprète. Très personnelle, son œuvre est empreinte d’humanité, de romantisme et d’anticonformisme. Sa voix colle parfaitement à son répertoire : râpeuse, rocailleuse, il chante d’un ton grave. Ben est responsable d’un folk singulier, teinté à la fois de blues, de soul et de jazz, très ‘caplanesque’, en quelque sorte. Il chante, mais également se réserve un tas d’instruments divers comme la guitare, le banjo, le mélodica et le piano. Il est soutenu par un backing band, baptisé The Casual Smokers.
Il est souvent comparé à Tom Waits. Sans doute à cause de son attitude déjantée. Mais également de sa voix. Quant à son style, il est directement influencé par le klezmer, une musique traditionnelle juive. La section rythmique est dirigée par le contrebassiste Roy Hines, également assistant producteur ; Donald McLennan se réserve le violon et David Christensen se partage entre clarinette, saxophone et flûte.
Morceau d’ouverture, “Southbound” baigne dans une certaine douceur ; mais les cordes acoustiques, le violon et la clarinette cèdent rapidement la direction à la voix envoûtante de Mr Caplan. La structure de la compo est complexe. Les différents instruments sont très susceptibles de se conjuguer. Objectif : prendre le mélomane par surprise ! “Beautiful” nous plonge dans une atmosphère quasi manouche, au sein de laquelle s’évade une flûte gouailleuse. Les mélodies de Caplan sont séduisantes. “Seed of love” est caractérisé par un échange vocal entre Ben et Sasha Muise, face au violon fiévreux. On pénètre ensuite dans l’univers féérique grâce au sublime “Drift apart”. La voix de Ben semble venir d’outre-tombe tout au long de “Conduit”. Un titre ténébreux qui lorgne manifestement vers Tom Waits, au cours duquel, il déblatère à tue-tête avec fureur et ivresse! Une formule qu’il réitère sur “Bang to break the drum”! Les Casual Smokers constituent un combo très homogène. La contribution apportée par les différents musicos est paradoxalement riche et intimiste. La section rythmique est portée par la contrebasse de Hines. Très souvent des accords de violon chargés de sensibilité, tout en caresses, se détachent de l’ensemble. Des claquements de mains amorcent “Down to the river”. Le climat est très proche des sonorités primitives du blues, de ces hollers initiés dans les champs de coton. La voix est captivante, autoritaire et solennelle. Mais quand survient la rupture, nous basculons dans l’univers rythmé, dansant et joyeux de la musique klezmer. Un blues hébraïque de toute beauté! Pour clore cet opus, Ben s’assied derrière le grand piano, et nous raconte l’histoire tragique de ce “Stranger”, une compo qui au fil des mesures se transforme en valse décapante…
Au risque de choquer et de forcément déplaire, j’avouerai tout de go que le troisième album de cette très-jolie-presque-quadragénaire Corse me laisse froid. Les deux précédents n’avaient pas eu non plus l’heur de me plaire.
Alors que l’Hexagone tout entier est à ses pieds et la considère comme la seule (ou presque) grande chanteuse de ces dernières années, osant même la comparer à Françoise Hardy, Brigitte Fontaine ou encore Barbara, votre serviteur, comme un poisson distrait et repu, ne mord pas du tout à l’hameçon pendu au bout de sa canne.
S’il est vrai que la dame est séduisante (élégante lui conviendrait mieux), je n’accroche pas. Il y a un petit quelque chose qui m’agace, un je ne sais quoi dans sa voix sans doute. J’ai l’impression d’entendre Barbara (l’autre, l’octogénaire) que je n’ai jamais non plus beaucoup appréciée, soit dit en passant. Oh bien sûr, loin de moi de porter un jugement de valeur sur la carrière de la grande dame en noir mais rien à faire, j’aime pas… sorry !
Ben pour l’heure, pour cette Barbara-ci, c’est le même topo. Pourquoi ? Misère, qu’il est parfois difficile de se justifier et d’avoir l’impression de passer à côté de quelque choseCôté pile, au niveau paroles, elle fait bien mieux que se défendre. Sophistiqués, ses textes à propos racontent des doutes, des passions, le temps, la fuite, la vie. On est dans le monde du vivant, du mouvement, de l’amour, des voyages, de sa vie tout simplement. Commun…
Côté face, musicalement parlant, si les 12 chansons se laissent écouter sans trop énerver, on a quand-même l’impression d’errer toujours dans le même registre. Tantôt symphoniques, tantôt dépouillées, les ballades romantiques soulignées par un piano et des instruments acoustiques communiquent un sentiment de déjà entendu. Aucune surprise ou étonnement à l’écoute de ce disque. Seul « J’ai changé » fait peut être bande à part dans cet océan de quiétude répétitive.
Non, non, désolé, ce disque m’agace. Qui plus est « Mon dieu mon amour », litanie interprétée en duo avec l’autre allumé qu’est Philippe Catherine, ne fait que renforcer mon opinion et ne parvient pas à m’extraire de cet ennui mortel.
Coyote… Et qwé ? Ça vous parle c’truc là ?
Oui, oui, je sais, c’est un détecteur de radars (interdit) caché dans les bagnoles ou sur les deux roues pour pouvoir ouvrir les gaz à tout berzingue. Mais ici, rien à voir !
Ici on parle musique, pas code de la route. Quelquefois on ferait pourtant mieux…
Coyote est également une petite formation belge composée de trois membres, Sam Pierot et Christophe Paul ex- Ce que feraient les vaches (?) rejoints sur un tard par Jarby Mc Coy.
Les compères liégeois sortent un premier album éponyme en 2007 qui passe totalement inaperçu ; mais pas découragés pour si peu, ils remettent le couvert 5 ans plus tard. Toujours pas de titre pour cette seconde œuvre qu’ils ont mis plus de deux ans à mettre en boîte.
Et pourtant, il y a fort à parier que cette fois-ci non plus, ils n’attireront pas plus l’attention…
Leur musique, espèce de folk/blues la plupart du temps instrumental où se mélangent différents sons de guitares ne peut que laisser indifférent. Lenteur et ennui sont au programme des 9 plages concoctées par le trio. Huit pour être précis car l’ultime titre n’est qu’une reprise ‘malheureuse’ du « Lac Majeur » chanté autrefois par Mort Shuman, ce qui n’avait déjà, à l’époque, rien de bien excitant.
Bref, si on ne gagne pas à tous les coups au grattage, on peut espérer au tirage. Pas de chance, c’est encore raté !
Poussif et lassant, pas du tout ma tasse de thé.
Pour fêter ses dix-huit années d’existence, The Dandy Warhols a donc décidé de sortir un nouvel album. Il s’intitule « This Machine ». Ces maîtres de la vague électro-pop-psychédélique remettent une nouvelle fois leur ouvrage sur le métier. Pour mener à bien cette ultime aventure, ils ont reçu le concours de Tchad Blake qui a milité comme mixeur/réalisateur sur les deux derniers opus des Black Keys.
Après avoir encaissé un semi-échec, consécutif à la production de Nick Rhodes (Duran Duran) et malgré la désertion d’une grosse majorité des fans, peu satisfaits, à l’époque, du recours aux nombreuses nappes de synthétiseurs, le combo natif de Portland est parvenu à remettre les pendules à l’heure, en publiant « Odditorium Or Warlords Of Mars », en 2005, et « ... Earth To The Dandy Warhols », en 2008. Cependant, la qualité présente sur les premiers elpees, « Thirteen Tales from urban Bohemia », « The Dandy Warhols come down » ou encore « Welcome to the Monkey House », n’a plus jamais remontré le bout du nez ou alors très épisodiquement.
« This Machine » tente une nouvelle percée après ces deux demi-échecs ou semi-réussites, c’est selon.
Force est de constater que si les Dandy Warhols restent fidèles à leur réputation, à savoir qu’ils ne se soucient d’aucune mode ni de personne pour créer leur musique, le résultat est loin d’être convainquant.
Où sont les directs au foie, les refrains endiablés, les rythmes obsédants, les morceaux qui avaient pour bonne habitude de nous mettre la tête dans le c… ?
Evidemment, la créativité est toujours au rendez-vous mais on est toujours en attente du hit, d’un tube planétaire, de la mélodie parfaite, entraînante à souhait qui ferait même danser sur sa chaise, un tétraplégique…
Pas mauvaises en soi, sans doute même très recherchées, les onze plages peuplant ce nouvel essai s’écoutent sans frémir, sans éveiller le monstre qui est en chacun de nous. Plaisant mais trop prévisible, sans aucune bonne surprise, ce huitième album ne sera qu’une pièce de plus au puzzle des (ex-)maîtres du pop-art.
On fera un petit effort pour épingler un morceau par-ci et un autre par-là, pour ne pas jeter le bébé avec l’eau du bain ou pour ne pas sombrer dans la déprime totale. Sortent donc un peu (si peu) du lot « I am free », une compo légèrement amusante ou « The Automn Carnival », une plage qui possède un petit quelque chose de plus que le reste. Mais faut bien chercher et faire l’effort pour les dénicher…
Comme quoi, rien n’est acquis d’office. On ne peut pas être et avoir été !
Pour avoir assisté à leur concert récemment, j’en ai aujourd’hui l’intime conviction…
Huit titres sur le cinquième opus de cette formation italienne, de Cavriago, un petit patelin sis près de Reggio, en Italie. Son premier disque remonte à 1998 et on leur doit déjà une discographie conséquente. On ne compte d’ailleurs plus les Eps, collaborations, et multiples projets en solitaire menés par les différents musiciens. Ils sont cinq au sein du line up : Jukka Reverberi et Corrado Nuccini se partagent les guitares et le chant, Luca Di Mira se charge des claviers, Mirko Venturelli de la basse, de la clarinette et du saxophone et Emanuele Reverberi du violon ainsi que de la trompette. Sans oublier le drummer Andrea Mancin qui a remplacé Francesco Donadello, en 2011.
Mais ce qui donne la tonalité de leur expression sonore ce sont ces cordes de guitares tintinnabulantes. Pensez à House of Love, Sad Lovers & Giants ou encore Galaxie 500. Le tout au sein d’un climat de mélancolie douce, enrobé par les interventions subtiles des différents autres instruments. Plus enlevé, le tempo peut se faire new wave. Indolent, il laisse alors la place aux accords de gratte sèche ou semi-acoustiques, en picking. La basse est cotonneuse. Mais la musique oscille constamment entre psychédélisme, shoegaze, dream pop, noise et post punk. L’un des deux vocalistes possède un timbre profond et l’autre limpide. Caractérisé par ses changements de rythmes, tout en crescendo, « Flat heart society » clôt l’opus en beauté. Un titre qui aurait pu figurer sur un album de Sophia, au sommet de son art…
Giardini Di Mirò veut peindre, à travers sa musique, inconsciemment ou intentionnellement, la beauté et le parfum de sa terre, les visions de ses espaces ouverts, depuis les tracés en ligne droite jusqu’au parallélisme de ses paysages, tout en soulignant les contrastes entre la vie moderne et rurale…
Je suis tombé sous le charme. Un must !
Chanteur, musicien et compositeur de reggae jamaïcain, Clinton Fearon est surtout connu comme bassiste et choriste du groupe The Gladiators. Une formation qu’il a quittée en 1987, après 18 années de collaboration au cours desquelles il a également travaillé en compagnie de légendes du style, telles que Max Romeo, Lee Scratch Perry et Don Carlos.
« Heart And Soul » constitue le nouvel elpee solo de Clinton. Et le second concocté sous un format acoustique. Un exercice de style auquel il avait l’habitude de se frotter quand il militait au sein du groupe d’Albert Griffiths et qui finalement lui réussit bien. Sa voix est grave et c’est l’instrumentation minimaliste qui imprime le rythme aux compos.
Sur cet opus, Fearon est seul avec sa gratte sèche pour adapter les compos des Gladiators. Il y communique les émotions de ses textes, malgré la gravité des thèmes abordés. A l’instar de « Rich Man Poor Man », un morceau chargé de bonnes vibrations, reflétant le combat mené par la population de l’époque, victime de la paupérisation. A cet instant, on se sent très proche de l’artiste. Et si le pistes de ce long playing s’avèrent moins roots que leurs versions originales, elles ne sont pas pour autant de moindre qualité. La version stimulante de « Chatty Chatty Mouth » ou les invitations à la balade « Follow The Rainbow », « Untrue Girl » ou encore « Jah Almighty », en sont les plus belles illustrations.
Clinton est en pleine forme et sa gestion des gimmicks, ainsi que des références blues, en sont de parfaites illustrations. On lui reprochera néanmoins, une certaine redondance des rythmes. Ce qui peut s’expliquer par la transposition acoustique de morceaux des Gladiators. Qui peuvent paraître alors moins rafraîchissants que les compos originales. Maintenant tout est question de goût et d’humeur de l’instant. A vous de choisir entre les versions groovy des Gladiators ou celles plus roots de Fearon…
Ce qui frappe d’abord, en ouvrant le booklet, c’est la police de caractères utilisée par ce trio italien : identique à celle des Cramps. Une première référence donc, qui s’adresse au band du défunt Lux Interior. La seconde est à chercher dans le patronyme du groupe : les 59ers. Soit les nostalgiques de l’an 1959. Un peu d’histoire, puisqu’au cours de cette année, Gene Vincent met fin à l’aventure des Blue Caps. Des Blue Caps au sein desquels milite anonymement Eddie Cochran. Un Cochran qui allait perdre la vie en avril 1960, suite à un accident de voiture. Bref, cet opus ne pouvait manifestement tremper que dans le rock’n’roll. Et plus exactement le rockabilly et le punkabilly. On y ajoutera le hillbilly, lorsque le combo emprunte une forme plus acoustique. Mais suivant les plages, l’expression sonore se teinte, tour à tour, de nuances pop, jazz, blues et même roots.
« Psychorama » était sorti en Italie, dès 2010, et est aujourd’hui disponible dans le reste de l’Europe. Un disque qui fait suite à un premier elpee, paru en 2005, suivi d’un Ep (« Thinkin’ trippin’ burnin’) en 2007.
Si vous aimez les Meteors, vous devriez apprécier ce « Psychorama »
Difficile de ne pas faire référence aux Strokes en s’attaquant au cas d’Howler, tant la voix et la morgue de Jordan Gatesmith rappellent celles du Julian Casablancas de « This is it ? » !
Fondé en 2010, à Minneapolis (Minnesota), par Gatesmith, alors âgé de 19 ans, en compagnie de son ami et claviériste Max Petrek, Howler publie alors un 1er Ep intitulé « This One’s Different ». Un titre très mal choisi, tant leur musique semble avoir été entendue des centaines de fois à travers la courte histoire du rock ! Adoubé par la presse (New-York Times et NME en tête), le groupe crée rapidement un buzz suspect et signe d’emblée chez Rough Trade. Comme les Strokes, avant eux ! Prétendre donc que la sortie d’ « America Give Up » était attendue relève donc du doux euphémisme…
Pourtant, ces jeunes musiciens ne proposent absolument rien de neuf sinon un rock’n’roll garage classique fortement influencé par la scène des années 50 à 70, un peu comme l’étaient les Stooges, Jesus & Mary Chain et les Ramones ! « America Give Up » constitue donc une resucée aussi bien susceptible de charmer que d’irriter, selon que vous appréciez ou détestez le revivalisme… Cependant, les amateurs de rock auraient tort de faire la fine bouche à l’écoute de hits sursaturés tels que « Back of Your Neck » ou « Black Lagoon ». Howler se produira ce 18 août prochain au Pukkelpop !
Son job, c’est prof ! Mais à ses heures perdues, elle se transforme en chanteuse. Privilégiant pour style, le jazz. Ah oui, c’est vrai, les profs ont plein de temps à perdre, c’est bien connu…
« Bleue » constitue son troisième opus. Enregistré et mixé fin 2001, le disque vient d’atterrir dans les bacs, il y a un tout petit mois.
Responsable de quasi tous les textes et toutes les partitions, hormis quelques notes qu’elle doit à son cousin Philippe, notre prof a correctement fait ses devoirs. Et elle a pu compter sur la complicité d’une fameuse ‘classe’ peuplée d’élèves qui ont, pour les quinze premiers, joué d’un instrument ou d’un autre, et pour le reste, une autre petite quinzaine également, pris part aux chœurs pour ces beaux mots agréablement mis en musique.
Thème central de ses nouvelles chansons, le ‘bleu’ est omniprésent. Partout, tout le temps.
Mais ce bleu peut prendre plusieurs sens… Il y a la grande bleue dans laquelle la jeune Geneviève se baignait enfant (oui c’est elle sur la photo allongée dans les vagues) ; mais lorsqu’il est utilisé comme adjectif, bleu peut également signifier amateur ou amoureux (être bleu de…) Et enfin la couleur peut symboliser un thème en soi sans faire référence aux deux sens précités.
Si donc dans certaines histoires, car il s’agit bien d’histoires que nous raconte Geneviève, c’est l’eau qui est au centre des préoccupations, celle-ci passe parfois la main aux histoires d’amour ou aux petits épisodes d’une vie. Bref, tout ce qu’il y a de plus banal.
A l’écoute des 15 titres, on a tendance à retomber soi-même en enfance et ceci n’est pas un hasard. Geneviève Laloy a sans hésitation aucune, destiné ce troisième opus à une catégorie d’auditeurs à la limite de l’enfance et de l’adolescence, auditeurs qu’elle connaît très bien puisqu’elle les fréquente continuellement vu son orientation professionnelle. Les thèmes développés conviennent parfaitement à ce jeune public.
Musicalement, le piano opère son apparition dans l’orchestre aux accents volontairement acoustiques. Violons, violoncelles, contrebasse, harmonica et autres cuivres évoluent en eaux jazz mêlées de latino et folk. De quoi communiquer une consonance joyeuse, sensible et fraîche à cet elpee.
Deux titres sortent du lot pour leur ton et leur musicalité : « Pôle Nord » et « Théophile et Anabelle ». Deux chansons qui devraient se traduire en succès radiophoniques (faudra choisir la bonne station…).
Malgré ces deux perles, ce disque reste malgré tout destiné à la ‘classe biberon’, dont hélas je ne fais plus partie depuis longtemps…
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