Bad Religion comptera, l’an prochain, 40 années d’existence, même si le groupe s’est séparé pendant une grosse année, après 1985. « Age of unreason » constitue son dix-septième elpee, un disque mis en boîte à Sunset Sound. Peu de surprise sur l’opus du combo californien, puisqu’il nous y propose son sempiternel punk/rock frénétique, souligné de superbes harmonies vocales, tout en continuant à véhiculer des messages engagés. A l’instar de « Candidate », radicalement anti-Trump. Riffs de guitare menaçants, thrash et solos bien sentis, parfois glorieux, servent de carburant à des compos souvent accrocheuses et aux refrains hymniques. Trois exceptions qui confirment la règle : les rock bien dansants et accrocheurs Down fall » et « Big Black dog » ainsi que le titre maître, une plage quelque peu bridée dans le tempo, mais conflictuelle dans le message. Ce qui n’est pas neuf dans la bouche du chanteur, Graffin…
Issu de Seattle, ce quatuor avait intitulé son premier elpee « Nirvana », un disque paru en 2017. Maintenant, si sa musique recèle quelques trace grungy, elle s’inspire surtout de la musique alt ou indie rock, mais également lo-fi, shoegaze et post punk des 90’s ; et aussi bien issue des States que de l’Albion. Depuis Sonic Youth circa « Daydream Nation » à My Bloody Valentine, en passant par Pavement et Wire. Inévitablement, les guitares tirent leur épingle du jeu sur les 13 pistes de cet opus. Tour à tour tintinnabulantes, geignardes, plaquées, arides, staccato, acérées ou dissonantes, elles alimentent des compos imprimées sur un tempo hypnotique et aux mélodies soignées, parfois sinusoïdales… Enfin, la voix de Salas, responsable de textes socio-politiques engagés, mais ironiques, voire humoristiques, est plutôt proche de celle de Thurston Moore, alors que les chœurs évoquent plutôt la bande à Colin Newman. Excellent !
Lors d’un concert de Kiling Joke en Italie, le duo transalpin Delfore se produisait en supporting act. Séduit par le set de Christian Ceccarelli et Emiliano Di Lodovico, Jaz Coleman a alors envisagé une collaboration. Qui s’est donc soldée par la sortie de cet Ep, « Deflore in the chaos ». Découpé en trois pistes, ce disque nous réserve un morceau instrumental de plus de 8 minutes intitulé « Sunset in the West », une plage cinématographique, qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de la B.O. d’‘Orange mécanique’ et des débuts d’Orbital. Tramée sur une mélodie jouée au piano, elle alterne passages atmosphériques et sonorités de guitares thrash, voire indus. Des riffs qu’on retrouve sur le titre maître ainsi que « Transhuman world ». Sur le premier, la voix de Coleman plane au-dessus de l’expression sonore mêlant synthés, piano, basse, batterie et guitare électrique, une compo hypnotique qui libère un fameux groove. Menaçant, tribal et mystique, le second se distingue par le vocal syncopé et incantatoire de Jaz. Finalement deux morceaux qui auraient bien pu figurer sur l’album « Pandemonium » de Killing Joke. Excellent !
Incarnation même du ‘secret bien gardé’ –qui possède néanmoins une solide base d’aficionados… en France !– le discret Bill Pritchard ‘is back’, en publiant « Midland Lullabies », un opus qui succède au magnifique « Mother Town Hall », paru en 2016. Sorte de ‘crooner du pauvre’, cet Anglais pétri de talent et lettré –que l’on a connu aux côtés de Daniel Darc– nous conte la tragédie de ‘Iolanda’, une héroïne parisienne, à travers les rues de la capitale hexagonale (« Lullaby »), lorsqu’il n’aborde pas les aventures de « Garibaldi » ou ne succombe pas aux tentations bruxelloises (« The Last Temptation of Brussels »). En tirant parti de somptueux violons, de notes de piano évanescentes et de cordes discrètes, il tisse des chansons pop parfaites qu’il interprète d’une voix veloutée, tout en marchant sur les traces de Ray Davies. Rien de moins !
Pete Doherty a donc enregistré son dernier album pendant quatre jours, dans un village de pêcheurs d’Etretat, en Normandie, flanqué du guitariste Jack Jones (Trampolene), de la violoniste Miki Beavis, de la claviériste Katia De Vidas, du bassiste Miggles et du drummer Rafa, backing group qu’il a baptisé (!?!?) The Puta Madres. L’opus est partagé en deux parties. Et la première est certainement la plus intéressante, violon allègre ou langoureux, claviers légèrement psychédéliques et cordes de guitare savoureusement discordantes nourrissant de jolies mélodies, sur laquelle se pose la voix insaisissable de Pete, voix qui évoque de plus en plus souvent celle de Steve Harley (Cockney Rebel). Le band s’attaque même à une cover du « Ride into the sun » de Velvet Underground, renommée pour la circonstance « Someone else to be », tout en adressant un clin d’œil à Oasis.
Le second volet nous réserve des pistes davantage maniérées et déstructurées. Hormis le final « Punk Buck Bonafide », un blues dépouillé limité à la sèche et à une voix essentiellement déclamatoire, ainsi que l’entraînant « Shoreleave », balisé par une jolie ligne de basse, le reste oscille entre cabaret, jazz, ragtime, lo-fi et folk celtique, sans jamais vraiment trouver sa voie, même si les plages croisent régulièrement les interventions au violon de Miki, qui apportent, quand même, davantage de profondeur et de feeling aux compos…
On avait déjà pu s’en rendre compte lors de la sortie du précédent opus, « Here be the monsters », mais Motorpsycho s’enfonce de plus en plus dans le prog/rock. Premier indice, l’album ne compte que trois plages, dont le titre maître va au-delà des 20 minutes et puise ses références tour à tour chez King Crimson, Yes (ces harmonies vocales !), Gentle Giant, Grateful Dead et Tool. Notamment. Entre envolées orchestrales majestueuses produites par le mellotron, passages complexes accentués par le drumming de Thomas Jämyr, et riffs de guitare thrash (Metallica ?), « Psychotzar » est émaillé de plusieurs solos de gratte, alors que « Lux aeterna » nous entraîne dans un univers proche d’« In the wake of Poseidon » du Roi Pourpre. Un cheminement labyrinthique au cœur duquel l’intensité atteint son paroxysme, dans l’esprit du « Pawn hearts » de Vader Graaf Genrator, mais en si on y ajoute de la guitare. Un véritable creuset !
« Placid faces », le précédent elpee de ce quatuor helvète, remonte à 2016. Un disque sculpté dans un punk/rock lo-fi particulièrement emballant. Il vient donc de publier son troisième album.
« This lake is pointless » s’inscrit dans la même lignée. Une chose est sûre, le combo genevois (NDR : l’artwork de la pochette est représentée par son lac) ne s’est pas assagi. Et c’est tant mieux ! Emmené par une Lisa Sutter à la voix tour à tour énervée ou désabusée, parfois soutenue de chœurs, The Staches se plaît à casser les rythmes ou à poser des notes de clavier dissonantes. L’esprit punk flotte au-dessus des treize plages de cet opus, qui dépassent rarement les deux minutes. Si les esprits critiques risquent de taxer l’expression sonore d’un peu trop minimaliste, abandonner cette philosophie reviendrait à perdre le charme et son instantanéité…
Ivan Vitaris est le leader de cette formation budapestoise qui jouit d’une certaine notoriété dans son pays. Elle a déjà accompli plusieurs tournées hors de ses terres et s’est même produite aux Etats-Unis. Mais son plus grand coup d’éclat a été commis dans le cadre du Sziget festival, il y a quelques années. Malheureusement, il faut bien avouer que ses origines restent sa seule singularité… D’ailleurs, les formations hongroises ne courent pas les rues.
Ivan & The Parazol puise son inspiration dans le classic rock des 60’s et 70’s. Mais “Exotic Post Traumatic” manque cruellement de ces fameux coups d’éclat. Aucune étincelle ne vient booster les dix morceaux de cet album. Si certains titres méritent qu’on y tende l’oreille, d’autres, par contre, paraissent déjà datés ; et tout particulièrement ”What I’ve been Through”. A ranger dans le tiroir à l’oubli…
La musique de Helado Negro reflète parfaitement les racines de l’artiste qui se cache derrière ce pseudonyme : Roberto Carlos Lange. D’origine équatorienne, il est né à Miami et est aujourd’hui établi à Brooklyn. Depuis maintenant une dizaine d’années, sa popularité est en un léger crescendo et vient d’atteindre, sur ce sixième album, son sommet (certes relatif !) Il faut avouer que dès ses débuts, le songwriter a été bien épaulé. Il a notamment bénéficié du soutien du label new-yorkais Asthmatic Kitty (label créé par Sufjan Stevens).
“This is how you smile” constitue son premier opus sur RVNG Intl. Helado Negro nous y propose un folk teinté de différentes influences dont le seul fil rouge qui relie les douze morceaux est guidé par une impression de quiétude. Ainsi, l’album débute par “Please don’t please”, un titre dont la douceur nous propulse en apesanteur. Tout au long d’“Imagining what to do”, la voix nasillarde et la guitare acoustique nous rappelle les meilleurs moments de Devandra Banhart. Ensuite, Roberto Carlos Lange prend un tournant en laissant ressortir ses racines latino sur plusieurs morceaux chantés en espagnol sur lesquels des sonorités électro laissent entrevoir des influences r’n’b (“Fantasma Vanga”). Sur le reste de l’album, le New-Yorkais d’adoption continue de manier avec brio les influences folk/electro/latino/r’n’b en nous réservant de magnifiques moments apaisants…
Flight of The Conchords et un duo de musiciens et humoristes néo-zélandais réunissant Bret McKenzie et Jemaine Clement. Outre leurs séries radiophoniques et télévisées, pour lesquelles il a décroché toute une série de récompenses, le tandem compte quand même toute une série d’Eps et 5 albums, dont le dernier « Live in London », a bien sûr été enregistré en public. En l’occurrence à l’Eventim (autrefois Hammersmith) Appolo de Londres.
Pour bien apprécier les 22 morceaux de ce double album, dont 7 n’avaient jamais été enregistrés et de nombreux classiques du duo, il faut bien saisir toutes les nuances de la langue de Shakespeare, la paire multipliant les punchlines, les traits d’esprit et les plaisanteries, aussi bien entre que pendant les morceaux. On en oublierait presque la musique qu’on pourrait qualifier de folk/pop parodique. Cet enregistrement devrait bientôt faire l’objet d’un Dvd, et il faut admettre que l’image permettrait de mieux s’imprégner de l’ambiance dans laquelle le concert a été plongé…
Au cours de sa déjà longue carrière, le chanteur Graham Bonnet a marqué de son empreinte vocale, les albums de chacun des groupes au sein desquels il a milité. Et notamment « Down to Earth » de Rainbow, « Assault Attack » du Michael Shenker Group ainsi que « No Parole From Rock’ N’Roll », « Disturbing the Peace » et Dangerous Game d’Alcatrazz. Des œuvres considérées comme de grands classiques du hard rock, sur lesquels le charisme vocal de Bonnet a certainement contribué au succès.
Depuis, il poursuit une carrière solo, dont la qualité des albums n’a rien à envier à celle de ces anciennes productions. Ce nouvel opus, fort varié, dévoile les facettes de son talent et de celui de son band (dans lequel on trouve notamment son ancien complice d’Alcatrazz, le claviériste Jimmy Waldo). Tout en conjuguant énergie et subtilité, les compos font mouche. Impressionnantes, les parties de guitare exécutées par Kurt James sont illustrées par de belles descentes de manche, alors que sur chaque titre un voire plusieurs soli incisifs rayonnent.
Heavy, épique et lyrique la plage titulaire ouvre le long playing. Titre hard plus mélodique, « The Hotel » se distingue par sa ligne vocale imparable qui vous reste en tête. Les claviers entretiennent un climat mystérieux tout au long du bien rythmé « Long Island Tea ». Les sonorités vintage, notamment du mellotron, colorent « The House. « Livin’ Suspicion » adopte un style nettement plus FM. Davantage heavy, « Sea of Trees » et « America… Where Have you Gone ? » libèrent une belle dose d’énergie. Après son intro blues, « Man on The Corner » déboule pied au plancher. La reprise du célèbre « We Don’t need Another Hero » de Tina Turner est excellente. Quoique bien rock, « Heading Toward The Light » véhicule des accents psyché/rock. « The Crying Chair » campe une ballade poignante. Autant de titres qui se distinguent par la ligne de chant impeccable. Des compos dignes de grands classiques et qui figurent sur cet elpee kaléidoscopique, hautement épique, dans la droite lignée des œuvres signées UFO, Def Leppard, Deep Purple ou encore Queen… Du beau, du bon, du Bonnet !
Udo Dirkschneider s’est d’abord forgé sa notoriété comme chanteur d’Accept, groupe pour lequel il a enregistré 9 albums dont la plupart sont considérés comme des classiques incontournables du heavy metal. Mais c’est sans compter sur sa carrière solo qui compte déjà pas moins de 16 albums y compris ce nouveau sur lequel on retrouve son timbre de voix gouailleur inimitable. Ce bien nommé « Steel Factory » nous réserve de belles pièces faites d’acier rougeoyant et fumant, de véritables hymnes taillés pour la scène, là où le talentueux Udo excelle, assurant toujours ses concerts en libérant sa hargne légendaire, d’un air goguenard.
S’il s’agit donc de heavy metal pur et dur, marqué par ses cavalcades de tempi (martelé par son fils Sven) et riffs aiguisés, certains titres affichent davantage de subtilités. A l’instar de « Keeper of my Soul », une plage qui baigne au sein d’une atmosphère particulière. Soulignée de chœurs et parfumée de touches orientales, elle se décline sur un tempo lent. Malgré ces mêmes fragrances exotiques, « Raise the Game » évacue les fumées du metal incandescent, alors que « Blood on Fire » emprunte un air de tango dans le solo. Enfin, Udo module sa voix sur les plus mélodiques « The Way », « In the Heat of the Night » et « Rose of The Desert ». Une constante, tout au long de cet elpee, le guitariste Andrew Smirnov parvient à rivaliser avec les anciens comparses d’Udo, grâce à des soli de haute qualité.
La formule d’alliage métallique ne change pas sur les albums d’Udo, dont celui-ci rappelle plus que jamais les heures glorieuses d’Accept ; et si vous vous en êtes abreuvés tout au long de ses incontournables elpees « Restless and Wild », « Balls to the wall », « Russian Roulette » et autre « Metal Heart », ruez-vous sans attendre sur cet excellent « Steel Factory », qui les vaut bien et est prompt à faire vibrer tous les cœurs de metal !
Pas de doutes à ce sujet, Uriah Heep a toujours une pêche phénoménale ; et le nouvel elpee en est une nouvelle démonstration. Un disque qui s’ouvre par l’énergique « Grazed by Heaven ». Fidèle à lui-même, Mick Box, s’illustre toujours à merveille dans ses soli et rythmiques magiques, le ‘wizard’ de la guitare c’est définitivement lui ! Il a beau être le seul membre d’origine, Bernie Shaw et Phil Lanzon respectivement chanteur et claviériste, sont quand même en poste depuis le début des années 80 et assurent toujours brillamment leur rôle. Le premier est toujours aussi convaincant au chant. A cause de sa conviction, sa fougue et un certain lyrisme. Le second balise les plages de ses vagues de claviers, au son vintage, gorgé d’emphase, cachet typique du groupe. Davey Rimmer (basse) et Russel Gilbrook (Batterie) les membres arrivés dans les années 2000, sont déjà aguerris et soutiennent l’ensemble de leur section carrée et inébranlable.
Les harmonies vocales dynamiques (autre griffe du groupe, qui revient souvent dans l’album), la batterie volubile, les envolées prog de la plage titulaire, les riffs entrainants et le long passage planant empreint de nostalgie, qui se poursuit dans une montée en puissance sur « Rocks in the Road », la superposition des voix, sur la ballade aux accents folk, bien imprégnée du prog style 70’s sur « Water’s Flowin’ », les variations d’ambiances entre ballade romantique sur fond de nappes de claviers et embardées heavy sur « It’s All been Said », le bien épique « Falling Under your Spell », caractérisé par ses riffs galopants, ses chœurs flamboyants et ses soli impétueux, décrivent ces excellents titres qui figurent sur cet elpee et confirment la forte teneur progressive de cet LP. Bien qu’ancré dans les racines du groupe, sa production sonne de façon moderne, à grands éclats de rock puissant.
Un des grands incontournables de 2018, estampillé au fer rouge de la marque de fabrique ancestrale de cette institution du rock britannique.
« Apocalypse » constitue déjà le 12e album pour cette formation typique du metal teutonique, menée par Ralf Scheepers, un chanteur pressenti tout un temps pour remplacer Rob Halford lorsqu’il a quitté Judas Priest. Et en effet, le timbre du chanteur allemand est fort semblable à celui du ‘Metal God’. Similitude également au niveau de la densité de l’acier en fusion giclant des guitares, qui semble provenir du même fourneau que Priest. Martelant et cisaillant avec force, les forgerons teutons s’activent et s’emploient à produire les meilleures pièces métalliques en les ciselant soigneusement. En effet, chaque composition est lustrée par une production d’orfèvre.
Outre le fait que ces artisans du métal s’évertuent à décorer leurs pièces de belles enluminures mélodiques, polissant chaque refrain afin de le rendre éclatant, le même traitement est également apporté aux soli. Certaines subtilités entretiennent un certain décorum. Des variantes rythmiques, une ornementation symphonique et des dorures pianistiques qui finalement enrichissent certains titres.
Rythmes tempétueux, déluges de riffs, orages de soli, cet opus porte bien son titre, mais des éclaircies de mélodies tempèrent ces éléments déchainés. Un bel ouvrage de ferronnerie !
Nouveau cap sur les trésors musicaux cachés à l’Est de l’Europe pour l’honorable maison défricheuse Vampisoul, grâce à ce second chapitre dédié à la pop tchèque des années 60 et les trésors des tiroirs du label Supraphon (fort de plus de 60 000 références depuis ses débuts en 1950 dans l’ex-Tchécoslovaquie !). Ce second volet dévoile des pépites de cette période marquées par de grands évènements politiques qui ont suivi le Pacte de Varsovie de 1968 à 1979 à travers 22 morceaux d’artistes peu connu dans nos contrées tels que Lukás Machata, Hana Ulrychová, Mahagon, Framus Five, Apollobeat, Beatings, Valerie Cizmárová, Gustav Brom Orchestra, The Blue Effect, SHQ, Metronom, Synkopy 61, Jazz Q, Vulkán, George & Beatovens, Flamengo, Eva Pilarová, Flamingo, The Soulmen, Barnodaj, Hana Zagorová ou encore Karel Cernoch. Une pincée de soul, une autre de jazz-funk, un zeste de funk, des effluves psyché et des incursions beat… une véritable orgie de sons tchèques à découvrir absolument.
« 2020 2020 » constitue le huitième elpee de cette Suédoise établie à Berlin, un album dont le thème des compos traite de l’avenir sombre de notre planète, suite à la gestion désastreuse du présent, par nos édiles politiques. Ainsi sur « A slice of lemon, elle donne son avis sur le changement climatique, alors que « Gun control » aborde le sujet du port des armes. A l’instar de Connan Mockasin ou de Jonathan Donahue, la voix de Nilsson Molly, souvent overdubbée et soutenue de chœurs, est trafiquée. Pas vocodée, nuance. Hormis quelques contributions à la gratte ou à la basse ainsi qu’à la trompette, déléguées à des invités, elle assure l’intégralité de l’instrumentation qui se résume aux synthés et autres boîtes à rythmes. Lorsque son synthpop baigne au sein d’un climat solennel, on pense à Mercury Rev dans sa période la plus électro, mais en général, les plages souffrent d’un manque flagrant de créativité, « Blinded by the night », ballade mid tempo qui clôt l’opus, nous plongeant même dans une sorte de bal populaire digne de la réélection de votre Bourgmestre ou Mayeur, après les dernières élections…
Johnny Clegg, surnommé le Zoulou blanc, est décédé ce 16 juillet, des suites d’un cancer du pancréas. Il venait de fêter ses 66 ans. Né près de Manchester, en Angleterre, d’un père britannique et d’une maman zimbabwéenne, chanteuse de jazz et de cabaret, il a été initié aux cultures locales, par son beau-père journaliste, dès l’âge de 7 ans, en Rhodésie, pays qu’il avait rejoint après le divorce de sa mère. Avant que la famille ne débarque à Johannesburg, en Afrique du Sud. En 1976, il y fonde Juluka, en compagnie du Zoulou Sipho McChunu. Ce qui ne plaît guère au régime raciste minoritaire qui détient alors toutes les commandes du pouvoir. Alors, lorsque sa chanson « Asimbonanga » sort en 1987, dont les paroles appellent ouvertement à la libération de Nelson Mandela, alors emprisonné, il est victime de la censure. Pendant les pires heures de ce régime suprémaciste blanc, ses compositions seront donc interdites. Après sa libération, Mandela le remerciera pour son combat contre l’apartheid, en 1997, après avoir débarqué sur scène, d’une manière inattendue, lors d’un concert à Francfort. Il va même se mettre à danser après avoir déclaré ‘C’est la danse et la musique qui me mettent en paix avec le monde’ (voir le moment immortalisé ici. La danse et la musique, ce sont les sources majeures des son inspiration qu’il restituait à travers une expression sonore où les rythmes zoulous endiablés se fondaient dans l’instrumentation organique, et tout particulièrement la guitare, les claviers et l’accordéon. Il avait encore honoré une tournée mondiale d’adieu en 2018.
RIP
Trio belge, The Tritones est constitué de Sébastien Févry (guitariste), Michael Schots (bassiste) et Bart Van Goethem (batteur). Intitulée « Requiem for a Mermaid », leur deuxième démo est partagée en cinq titres instrumentaux. Des plages qui mettent parfaitement la guitare en exergue. Et nous plongent au sein d’une ambiance relaxante, envoûtante, parfois nostalgique. Inspirée par la mer, la musique des Tritones pourrait facilement servir de bande originale de film. Une idée aussi pertinente qu’intéressante. D’ailleurs, le titre « Chagrin de la mer » a été choisi pour sonoriser « Ex-drummer », un métrage dont la sortie est prévue en janvier 2007. Le combo reprend également « Crockett´s Theme », BO de Miami vice (« Deux flics à Miami »), originellement jouée par Jam Hammer. Les sonorités de la guitare rappellent inévitablement les mythiques Shadows. Le jeune groupe a déjà séduit Ozark Henry, qui a sollicité leur démo après les avoir entendus sur Myspace. Ce fort joli travail, tout en qualité et en finesse, devrait permettre à la formation d’atteindre une certaine reconnaissance… voire une reconnaissance certaine.
Pas spécialement original, le punk-rock de ces Français est cependant bien interprété. Faudrait maintenant voir en public. A mon avis, le résultat devrait être plus explosif…
« Western Stars », le 19ème album studio de Bruce Springsteen, est également son premier nouvel enregistrement studio, en cinq ans.
Produit par le Boss et Ron Aniello, l’opus s'inspire partiellement des disques pop de la Californie du Sud de la fin des années 60 et du début des années 70.
Plus de 20 musiciens ont participé aux sessions de cet elpee, et notamment Patti Scialfa, Jon Brion, David Sancious, Charlie Giordano et Soozie Tyrell.
Pour célébrer cette sortie, Springsteen a aussi partagé la vidéo de la plage titulaire de l'album, réalisée par Thom Zimny, lauréat d'un Grammy Award et d'un Emmy Award. Elle est disponible ici et présente Springsteen dans des scènes inspirées par les paroles de la chanson, des séquences de performance et des vignettes tournées à Joshua Tree, en Californie.
L’album perdu de Miles Davis « Rubberband » sortira enfin le 6 septembre !
L’opus qui avait été enregistré juste après la signature de Miles Davis chez Warner Bros a été terminé par les producteurs originaux Randy Hall et Zane Giles ainsi que le neveu de Davis, Vince Wilburn Jr. Lalah Hathaway et Ledisi ont été invitées pour les voix.
Pour écouter "Rubberband Of Life" feat. Ledisi, c’est ici
Quelques mois après la sortie de son remarqué Ep « l’inachevée ». Mélanie Isaac nous revient avec une réadaptation très personnelle du classique d’Alain Souchon, « Les regrets ».
C’est avec l’aide de son compagnon de scène, Yannick Dupont (Yôkaï, Chance, Jawhar, …), qu’elle s’approprie tout en justesse ce titre pour le fondre à sa palette synthpop électro éthérée.
Pour illustrer cette sortie, en guise de clin d’œil au titre original, elle nous livre un très joli clip fleuri réalisé sous le regard inventif de Corentin Kopp.
Dans cette vidéo en noir et blanc et en couleurs où se côtoient des images numériques et des prises en 8 millimètres, la chanteuse semble traverser le temps et les époques tout en imposant son propre tempo pour chanter ces regrets qu’elle n’a certainement pas à éprouver au vu de ce cadeau.
Ceci ne nous présage que le meilleur quant à un album que l’on attend pour bientôt.
Elle sera en concert le 19 Juillet à Spa dans le cadre du Franc’Off.
En attendant, régalez-vous ici
Le groupe rock alternatif belge Minor/Minor vient de sortir son nouveau clip « Blink of An Eye ».
Le groupe est traversé par divers courants musicaux allant du heavy au stoner en passant par l’alternatif, le progressif et même la pop.
Cette formation incarne une histoire de quatre frères d’armes dont l’arsenal sonore canarde solidement notre audition avec une efficacité enivrante.
Le clip est à découvrir ici
Geike vient de graver tout nouveau single « Middle Of The Night ». Il s'agit du deuxième extrait de son album solo, qui paraîtra en octobre.
Cette chanson est inspirée d'un livre que Geike a lu il y a quelques temps, 'The Noise of Time' de Julian Barnes.
Le bouquin parle d'un compositeur russe qui était inscrit sur la liste noire lors du règne de Staline et qui craignait d'être arrêté à tout moment. C'est pourquoi, tous les soirs, il se rendait avec des vêtements et une valise près de l’ascenseur de son immeuble.
Ecoutez le single ici
« Blind », le nouveau clip de Mustti a été tourné à Los Angeles et réalisé par Jennifer Massaux qui, avant de devenir réalisatrice et photographe, s’est illustrée comme mannequin dans le monde entier.
Belge expatriée aux États-Unis, Jennifer a notamment tourné et réalisé des vidéos pour Madonna, Miguel ou diverses marques comme Dior, Michael Kors, etc. (http://www.jennifermassaux.com)
Mustii a déclaré que pour ce clip, il a voulu s'éloigner de la narration. L'idée n'était pas de faire une histoire mais bien de travailler surtout sur l'ambiance, le ressenti et avoir un foisonnement d'images et de sensations en lien avec les thématiques de la chanson. Et en particulier le désenchantement et le manque de prise sur un monde difficile à cerner ou une lutte interne permanente. Le monde peut se révéler absurde et violent, le sentiment de ne pas y trouver sa place, d'être de plus en plus aveuglé. Comment y faire face ? C'est un sujet très ‘Hamletien’ ou ‘Camusien’…
Ne tardez pas à découvrir ce clip en cliquant ici
Les récents mois ont ébranlé fortement Mathieu Miegeville. Ce qui s’est produit socialement en France a été d'une grande violence. Pour avoir un peu mis les mains dans le cambouis et avoir vu de près ce qu'était la ‘grogne sociale’ en France, il a pu constater ce que taisaient BFM et consorts.
Le fossé abyssal entre la perception des événements et les événements eux-mêmes... Il ne parle pas de dénonciation ou de politique. Il parle d'émotion. De colère. De sentiments humains poussés à leur paroxysme. Il a chialé plusieurs fois depuis plusieurs mois. Le truc qu’on ne peut pas vraiment contrôler. Et ce n'était pas en coupant des oignons. « Blanche » en est le titre qui reflète ces réflexions…
Entrez vite dans le vif du sujet ici
« Surfing » a été composé en Australie, à l'arrière d'un van, quelques minutes seulement après que Jeremy ait découvert le surf pour la toute première fois !
Il tenait absolument à insuffler dans la chanson la même énergie qu'il avait ressentie en surfant sur ses premières vagues. En ressort alors ce côté ‘feel good’, parfait pour l'été ! Le clip (à voir ici) a été tourné dans le même esprit, à la cool, lors d'un week-end à Wissant avec une équipe décontractée et bienveillante...
"Surfing" constitue le second extrait de « Scarlet », le premier elpee solo de Jeremy Walch, sorti en avril dernier. Entièrement composé et écrit sur la route, au cours d'un roadtrip en Australie, l'album réunit 10 titres, explorant les pensées et les ambiances vécues par l'artiste au cours de son périple, quelque part entre les plages, les routes et la folle excitation des villes australiennes traversées à toute allure par un van baptisé Chippy.
« Devenir une fille » constitue le cinquième extrait de « Voie Lactée », le premier album d’Atome sorti en février dernier.
Le titre adresse un clin d'œil à la période glam/rock qui a fortement influencé le groupe. Atome illustre ce questionnement avec une chanson ensoleillée à l’atmosphère contemplative et décontractée qui conviendra parfaitement à votre playlist de l’été.
Après avoir marqué les esprits lors de sa release party et d’un concert inoubliable aux Nuits Botanique, Atome écumera cet été es scènes des festivals, notamment le 20 juillet au Francofolies de Spa et le 25 août aux Solidarités à Namur.
Imprégnez-vous de cet univers en cliquant ici
Conteur et mélodiste depuis 1993, Thomas Fersen a pris le temps de bâtir une œuvre originale et personnelle qui occupe une place particulière dans la chanson française.
Avec "C'est tout ce qu'il me reste," il poursuit les aventures théâtrales de son personnage : celui d’un farfelu se retournant sur sa longue carrière et ses frasques supposées de chaud lapin, son goût du déguisement portant tout naturellement Thomas Fersen à en enfiler la peau.
Le clip réalisé par Laurent Seroussi est un montage de saynètes décalées et poétiques qui mettent en scène le personnage raconté dans cette chanson. "Les Vieilles" est le premier extrait du nouvel album "C'est Tout Ce Qu'il Me Reste" qui sortira le 27 septembre prochain.
Il se produira les 31 janvier 2020 au Centre Culturel de Comines et le 1er février 2020 au 140 de Bruxelles
Pour découvrir la vidéo, c’est ici
Lionel Solveigh chante la découverte de la paternité ; l’arrivée d’un enfant et le chamboulement émotionnel qui l’accompagne.
Le titre (« Everything Is Now Possible Again ») provient d’un livre de Jonathan Safran Foer dans lequel l’auteur, à la naissance de son fils, reçoit une carte sur laquelle est écrit : tout est à nouveau possible. Pour lui, il s’agit de l’expression parfaite de ce sentiment de grande ouverture, de joie et de confiance en la vie qui accompagne la venue d’un enfant.
Le titre a été enregistré avec Hubert Vandermeersch (basse) et Augustin Dethier (batterie). Il a été mixé par Matthieu Charray (Frànçois & The Atlas Mountains).
La photo de couverture est l'œuvre de Jérôme Henriette (alias Fantascope).
Pour écouter cette compo sur Bandcamp, c’est ici
Le soleil se lève pour la dernière fois sur l'édition 2019 du festival de Dour. La fatigue se lit maintenant et de plus en plus facilement sur le visage de tous les festivaliers et nombreux sont ceux qui rêvent de retrouver leur bon lit douillet. Mais avant de revenir au bercail, tous doivent encore affronter une journée entière de concerts.
Et le programme commence, pour votre serviteur, au Labo, en compagnie d'It It Anita. La musique proposée par la formation liégeoise est à l'image des son chanteur : robuste ! Pas étonnant que le groupe figure régulièrement dans les colonnes des sites spécialisés en metal. Et s'il n'y avait ce sens mélodique très soigné, il y mériterait absolument sa place. Ce qui est clair par contre, c’est que ça claque, et pas qu’un peu ! Certains passages plus hypnotiques semblent simplement destinés à nous faire baisser la garde avant une surenchère de batterie et de guitares. Bref, un set à éviter en cas de gueule de bois.
Ce sont les petits phénomènes flamands du moment qui embraient sur les planches du petit chapiteau. Whispering Sons a largement franchi les frontières du pays et est maintenant reconnu sur la scène internationale comme une étoile montante du post-punk. Fort de leur album « Image », paru en 2018, les Limbourgeois peuvent également compter sur le charisme androgyne de la chanteuse Fenne Kuppens. Sa voix grave, presque masculine, et son comportement scénique impressionnent d’emblée un public majoritairement néerlandophone. Ténébreuses, les compos flirtent avec la cold wave des années 80. L’intensité est totale et l’atmosphère autant menaçante que passionnante. La température grimpe au fil du show et atteint son paroxysme lors du tube « Alone », un single qui est resté cinq semaines d’affilée au sommet du classement dressé par les auditeurs de Stu Bru. En trois-quarts d'heure, Whispering Sons est parvenu à mettre l'auditoire dans sa poche...
On change complètement de style lors du set de Viagra Boys. Les ‘bad boys’ suédois débarquent tous les cinq sur le podium la clope au bec et une bière en main. Le contexte est posé bien que le patronyme laissait déjà présager la folie du quintet. Sebastian Murphy, le chanteur, n’attend qu’un seul morceau pour faire tomber la chemise et exhiber son torse complètement couvert de tatouages. Il hurle, recrache sa bière et vacille sur les compositions bien punks du groupe. C’est une véritable bête de scène, en fait. Comme dans ses chansons, il manie humour noir et ironie à merveille. Ainsi, il se réjouit de pouvoir faire la fête un samedi soir (alors qu’on est dimanche) et avoue adorer jouer en… France… Bonjour le déphasage ! Aussi surréaliste que le personnage, c’est le single « Sports » qui permet au concert de prendre une autre dimension. Murphy n’hésite pas à exécuter une dizaine de pompes (NDR : volontairement ridicules) sur les planches pour illustrer son propos. Les autres membres ne sont pas du genre à s’effacer non plus. Bassiste et batteur assurent également le show. Les Suédois finissent par se retirer avec classe et courbettes. Une dernière touche d’ironie pour un concert complètement décalé dans lequel on en n’oublierait presque la musique. Un vrai spectacle quoi !
‘C’est le dernier jour du festival, vous pouvez tout casser’. Ces mots émanent de la bouche du Roi de Dour : Romeo Elvis. Sur le pont dès mercredi comme DJ, il était de retour en tête d’affiche dimanche sur la Last Arena pour mettre le feu à la Plaine des Éoliennes. Et il ne va laisser que quelques secondes de répit aux festivaliers, pourtant épuisés. Seul son titre « J’ai Vu » marquera une pause dans un concert chargé d'intensité durant lequel Roméo va multiplier les comportements excentriques. Torse nu, grimpant sur les pylônes, le ket bruxellois a régalé la véritable marée humaine qui s’était déplacée pour assister à son show, sur la scène principale. Pas de doute, c’était bien lui la grosse tête d’affiche de Dour 2019.
Avant de terminer le festival, il nous reste un moment à passer auprès de Fat White Family. Le groupe le plus déjanté d’Angleterre était de retour à Dour pour présenter, entre autres, son nouvel album « Serf’s Up ». Le collectif londonien s’est forgé une solide réputation en live et va à nouveau confirmer tout le bien qu’on pense de lui. La bande à Lias Saoudi pratique un punk aussi nonchalant que provocateur. Ce dernier disque est clairement l’aboutissement de leur carrière. Moins brouillon et mieux construit que ses précédents essais, il est également la preuve que les Insulaires ont enfin réussi à canaliser leur énergie. Heureusement sur l’estrade, il n’en est rien… à quelques exceptions près. Il est dommage en effet que la puissance du set soit à deux reprises cassée par des titres plus lents et moins adaptés au show. En outre, déchaîné, Saoudi va confirmer qu'il est un grand amateur du bain de foule. Les nouveaux single « Feet » et « Fringe Runner » s’insèrent à merveille dans un set presque aussi fou que le leader du groupe. Car derrière son regard d’ange, Saoudi cache une rage qui ne cesse d’exploser. Dans certains morceaux comme sur « Touch The Leather », on a même l’impression qu’il rentre en éruption tel un volcan trop longtemps endormi. Bref, Fat White Family en live, c’est tout simplement un régal et une parfaite manière de terminer ce Dour de bien bonne facture. Du grand spectacle !
En accueillant 251.000 festivaliers sur les cinq jours, Dour a battu son record d’affluence lors de cette édition 2019. Le festival conserve, malgré son succès, son ADN qui fait la part belle aux découvertes et aux artistes ‘Made in Belgium’. 20% de la programmation était en effet consacrée aux artistes qui battaient pavillon noir-jaune-rouge. Une énorme réussite pour la deuxième année sur la Plaine des Éoliennes qui est maintenant complètement adoptée par le public. Et qui ne va cesser de s’améliorer lors des prochaines éditions, on en est sûr. A l’année prochaine donc… Et merci Doureeeuuuh !
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(Organisation : Dour Festival)
It It Anita + Whispering Sons + Viagra Boys + Romeo Elvis + Fat White Family
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