Fasciné par le cinéma underground des seventies, Jérôme Vandewattyne avait déjà bossé en compagnie des Tropics, pour « The Belgians », un concept consacré autant à l’album qu’aux projections destinées aux spectacles. Il a donc remis le couvert, mais ici, pour un véritable long métrage. Son titre ? ‘Spit’n’split’. Une référence à une pratique sexuelle dans l’univers du porno. Jérémy, Jean-Jacques et David ont participé comme acteurs à ce tournage. Mais également composé la B.O.. En fait, ce jeune réalisateur a suivi la tournée du trio, pendant deux ans. Et il en relate les aventures et les mésaventures rencontrées par la formation, sous la forme d’une fiction. Dont la démesure conduirait à l’évasion et à l’amour. Enfin, presque. Jérémy et Jean-François ont accepté d’accorder cette interview à Musiczine, juste avant le set du band, accordé dans le cadre du Roots & Roses. Et il faut le reconnaître, en ce qui concerne ce film, qu’il n’est pas toujours facile de leur tirer les vers du nez…
On dirait qu’aujourd’hui, vous avez besoin de thématiques, pour écrire de nouvelles compos. A l’instar de « The Belgians ». Puis maintenant, à travers ce « Spit’n’Split ». Une explication ?
Jeremy : pas vraiment une thématique, mais on ne souhaite plus reproduire la même routine : sortir un disque, faire une tournée, sortir un disque, etc. On préfère quand l’exercice est moins classique et plus complexe.
Jean-Jacques : Nous cherchons à explorer de nouveaux horizons. Celui-ci,
cinématographique, est tout à fait inédit pour nous.
J : il s’intéresse à l’amour dans tous ses états. Finalement, c’est un bon moyen pour évoquer un sujet… différemment.
J-J : c’est un prétexte. Parler d’autre chose. De plus profond.
Sur la pochette figurent des personnages dans leur plus simple appareil. C’est une manière de promouvoir une idéologie naturiste, nudiste… ?
J : non, on a voulu que le projet reste cohérent en montrant l’affiche du film pour lequel on a composé la musique. Et on l’a reproduite sur la pochette.
J-J : être nu, dans la nature, c’est un retour aux sources. En fait, si on observe bien les personnages, ils portent tous des masques de nos visages. Ils nous réincarnent. Bien sûr, c’est un peu morbide…
J : la fin du film est proche et il reflète une forme d’évasion…
Une envie de retour à la nature ?
J-J : exactement.
J : le retour à tout ce qu’il y a de plus simple en nous, quoi.
En préambule à ce long métrage, vous citez une phrase d’Alfred de Musset, ‘Tout le réel pour moi n’est qu’une fiction’. Poète et dramaturge, il était un grand romantique, mais aussi un débauché et un alcoolique notoire, comme Rimbaud…
J : ta réflexion confirme qu’il s’agit bien d’une fiction. Sans trop dévoiler le scénario. Et ce choix communique davantage de saveur. Parce qu’on piste des alcooliques et des débauchés, pendant au moins une heure et demie.
Vous avez intitulé un morceau de l’elpee, « Divine Comedy ». Ce n’est quand même pas un clin d’œil adressé à Neil Hannon ?
J-J : non c’est plutôt un hommage au romancier Dante Alighier. A son œuvre littéraire.
J : du coup, cette référence résume un peu le film. La Divine Comédie. Une approche quand même globale...
Le premier titre du long playing, « Le culte », évoque un rite païen. Tribal. Celui des aborigènes australiens ?
J-J : c’est la secte des Tropics !
J : il a surtout été écrit pour le film. La scène est importante et le réalisateur nous avait demandé d’imaginer une musique qui corresponde à cet état d’esprit. Celui d’une secte. Nous sommes entrés en studio sans un seul riff, mais en se servant uniquement des souvenirs de souhaits émis par Jérôme. Mais on avait aussi envie de composer des chansons à la Tropics, parce qu’il en fallait pour l’album. Ce soundtrack est donc également devenu notre nouveau disque. Qui est enrichi par des tas d’autres morceaux, pour lesquels on a vraiment pu expérimenter. Le mot ‘Experimental’ prend ici tout son sens.
Ce qui explique sans doute aussi pourquoi un titre comme « Baby Bamboo » semble s’inspirer de Swans. Il est chamanique, obsessionnel et hypnotique, sauf en fin de parcours, lorsque des interventions de claviers vintage font leur apparition…
J-J : jamais trop apprécié la musique de Swans…
J. : tu vas découvrir ce morceau, et après on se fera une orgie de « Baby bamboo » (NDR : une pipe psychédélique ?) En outre, je suis le gourou de cette secte…
J’ai lu que dans le film, il y avait des répliques qui tuent.
J : en fait, non, il s’agit plutôt de phrases cultes.
Tout au long de « Straight to the top » et « Power of the fist », le spectre de Jon Spencer se remet à planer. Comme lorsque vous avez publié « Liquid love », long playing qu’il avait produit…
J-J : c’est l’aspect punk du groupe. La face destroy. Le côté Pussy Galore. Ce sont des morceaux qu’on a composés instinctivement, sans réfléchir. Tous les matins on bossait dans ce climat. Pendant une demi-heure à quarante-cinq minutes, on faisait n’importe quoi. Le riff vient ou pas, peu importe. Et on chantait ce qui nous passait par la tête, dessus.
Une forme de brainstroming ?
J-J : exactement ! Et puis, parfois quand on écoute, on se dit, ouais, ça marche, t’as entendu, c’est super. Mais c’est vrai qu’il y a cette énergie Blues Explosion, en plus.
J : et puis on les a laissés, tels quels. Même les voix. On chantait, « Power of the fist ».
J-J : tout était improvisé.
J : La puissance du poing. Lors d’un sport de combat. Le morceau est sorti naturellement et on n’y a plus touché. Et souvent quand tu composes, ce sont les premiers instants, les premières prises, qui sont magiques. Ces instants de magie, on voulait vraiment les capter.
J-J : Quand tu débarques avec des morceaux construits, tu perds quelque chose au moment où tu les enregistres. Des tas de trucs s’égarent en cours de route.
J : Le studio était un laboratoire sonore. On n’avait rien écrit. Toute la journée était consacrée à la recherche sonore. Et à expérimenter. Donc là on se retrouve, on joue, on est devant l’ordinateur. On écoute ce qu’on a fait, puis finalement, on n’en isole qu’une partie. On duplique, on rejoue dessus. Et on peut même ajouter un peu de synthé. On avait plein de matos, et on s’est laissé aller. Et finalement, au bout des sessions on disposait de 40 morceaux. Il a fallu faire le tri de toute cette masse de travail, et Jérôme y a participé. On n’a jamais été aussi productifs, alors qu’on est arrivés en studio, sans rien. Jérôme a pioché dans ce répertoire et s’en est servi pour le film. Il y a même plus de musique dedans, que sur le disque. On n’est pas parvenu à tout inclure.
Vous avez eu recours à une certaine forme d’écriture automatique ?
J : si on veut !
J-J : ce n’était pas intentionnel. C’est arrivé (NDR : près de chez vous ?)
« Ultra erectus » est un titre manifestement post punk, mais on y décèle des traces de r&b. A la limite on pourrait parler de r&b post punk.
J : il me fait plutôt penser aux années 90. A fond. A Lenny Kravitz (rires)…
J-J : à cause de ce côté fusion… ce morceau est encore complètement involontaire. Il n’a pas tellement sa place hors du film, en fait. Je n’aime pas le jouer en live (NDR : les musiciens de The Scrap Dealers débarquent et on se salue…) C’est un morceau qui me fait aussi penser à « Satisfaction » des Stones (NDR : il imite le riff). Oui, c’est vrai le côté r&b, tu n’as pas tort.
« Alas alas » est un slow. Curieux quand même, cette guitare surf et ces cris d’enfants qui semblent émaner d’une cour de récréation.
J : tout à fait. J’habite à côté d’une école. J’ai emporté mon enregistreur et puis voilà. Les paroles évoquent la relation entre un papa et son fils.
J-J: c’est inspiré d’une séquence que j’ai vue dans « Interstellar ». Qui met en scène Matthew McConaughey. Au cours de ce film, il prétend qu’il deviendra le fantôme de ses enfants. Et c’est un truc qui m’a fort marqué. Le fait de savoir que tu seras le futur fantôme de tes enfants. Cela m’a brisé le cœur. Mais finalement, c’est le contraire qui se produit. Son enfant vieillit avant lui, parce qu’il voyage dans une autre dimension, etc.
Une bonne raison pour aller voir le film ?
J-J : très spécial. Inattendu. Riche. En même temps, trash. C’est un film qui va loin. Dans les tabous. Il brise beaucoup de tabous.
C’était l’objectif ?
J : non, pas vraiment, parce que le film s’est écrit au fur et à mesure de la tournée et Jérôme nous a suivis pendant les deux ans de ce périple. Et après, on a eu besoin d’un an de montage. Un an de boulot. Ca s’est fait comme ça, parce que nous on n’est pas des acteurs et il a fallu jouer la comédie, quoi. C’est vraiment un long processus. Comme réalisateur, il a vraiment été très bon, parce qu’il a nous a pris tels qu’on étaient. Pour créer une fiction qui est ultra réaliste. Ma mère y croyait dur comme fer. Mais après l’avoir vu, elle s’est dit : ‘ce n’est pas possible, je n’ai pas enfanté un monstre pareil’. Et à la fin, un élément remet tout à plat et on en conclut : ‘OK, je me suis fait avoir’. Même si je le dis, tu te feras quand même avoir.
Ce soir, on vous a demandé de reprendre l’hymne du festival, ‘Roots & Roses’. La cover devrait être psyché/noisy, enfin dans le genre.
J-J : psyché oui… noisy, certainement.
J : chaque année les organisateurs invitent un groupe à tenter l’exercice de style, et c’est tombé sur nous. Et la version qu’on va interpréter ce soir, n’est pas vraiment celle diffusée sur Internet.
(Photo : Ludovic Vandenweghe)
Sortie de l'album "Spit'n'Split", ce 1er mai. Et à l'achat de l'album vous disposerez d'un code pour visionner le film, une seule fois, en streaming.
C'en est bien fini de l’Allman Brothers Band. Le chanteur, claviériste et parfois guitariste, Gregg Allman, s'en est allé ce 27 mai, à l'âge de 69 ans. Il est décédé des suites d'un cancer du foie. A son domicile. Il est vrai qu'il avait déjà subi une transplantation en 2010.
Il vient de rejoindre son frère Duane, légendaire guitariste, victime d'un accident de moto chez lui à Macon, en Georgie. C’était déjà en octobre 1971.
Gregg s'était marié à six reprises et avait divorcé autant de fois. Sa troisième épouse n’était autre que la chanteuse Cher.
Il laisse deux fils musiciens, l'excellent Devon, et Elijah Blue (de son mariage avec Cher).
Un album devrait sortir dans le courant de cette année. Il s’intitulera "Southern Blood".
Fondé en 1969, The Allman Brothers Band était un groupe de southern jam, responsable des meilleures joutes de guitares de l'histoire. Et l'album live "At Fillmore East", paru en 1971, réunissant les gratteurs Duane Allman et Dickey Betts, célèbre des moments de véritable magie.
Enfin, Butch Trucks, l'un des batteurs de cet Allman Brothers Band (NDR : rôle qu’il partageait auprès de Jaimoe Johanson) s'est suicidé chez lui, en Floride, le 24 janvier 2017. Il avait 69 ans. Son neveu Derek Trucks avait joué lui aussi plus tardivement dans le groupe des frères Allman. Il drive toujours son Truks/Tedeschi Band!
RIP
La cité d'Austin a enregistré un autre décès. Celui du chanteur/guitariste Evan Johns. Il s’est éteint ce 21 mars 2017, à l’issue d’une opération chirurgicale. Il n’avait que 60 ans.
Il avait entamé sa carrière à Washington, aux côtés du regretté gratteur Danny Gatton, avant de fonder son groupe, The H-Bombs. En 1984, il émigre à Austin pour remplacer le guitariste Don Leady, parti fonder ses Tail Gators, au sein de l'excellent groupe de roots rock, The Leroi Brothers. Jello Biafra, le fondateur de Dead Kennedys en était un fervent admirateur.
Evan Johns avait remontés ses H-Bombs, à Austin. Il en était toujours le leader au moment de sa mort!
RIP
Ce mois de mai 2017 est pénible pour les artistes du Sud des States ; et pour cause, le chanteur/compositeur Jimmy LaFave, fervent admirateur de Woody Guthrie, est décédé chez lui à Austin ce 21 mai. Il avait 61 ans. Il était également atteint d’un cancer du foie. C'était aussi un grand fan de Chuck Berry et il ne dédaignait pas intégrer du solide rock'n'roll dans son répertoire qualifié de folk/rock. Son dernier opus, "The Night Tribe", vient de sortir…
RIP
David Leo, le leader charismatique du défunt Malibu Stacy nous revient en prêcheur pop pour nous convertir à sa nouvelle doctrine musicale. La sincérité est toujours intacte mais les convictions ont été revisitées.
Un style authentique, joyeux et décomplexé. Bénéficiant de la complicité artistique du talentueux Anthony Sinatra (Piano Club), David Leo ressuscite les sonorités des années 80 et 90 pour en faire sa propre religion. Une religion pop et sucrée qui devrait vous régaler à l’écoute de l’EP 4 titres, « Pop'ocracy »
Le single « Tina » bénéficie d’un clip vidéo, et c’est ici
David Léo se produira ra le vendredi 9 juin 2017, dans le cadre de sa ‘release party’, à la Rotonde du Botanique. L’entrée est fixée à 11€ en prévente.
https://www.facebook.com/events/105221303346534/?__mref=mb
https://www.facebook.com/davidleo.be/
« Your King » est le premier clip de Grace Meer. Ce court métrage musical est dirigé par Clément Legrand (Réalisateur) et Damien Laturaze (Plasticien) tous deux récompensés par Lady Gaga en 2010. Le clip met en scène le mythe de l'androgyne dans sa quête effrénée d'unicité et de comblement de soi.
Le court-métrage musical "Your king" porte la symbolique de la recherche originelle de l'amour et de sa polarité complémentaire. Gorgé de références artistiques, mythologiques, philosophiques et spirituelles, "Your King" dévoile plusieurs niveaux d'interprétation. Le court-métrage révèle ainsi différents aspects : la dualité en chacun, les parts d'ombre et de lumière, les pulsions de vie et de mort l'Eros et Thanatos, l'union du masculin et féminin sacrée.
L'artiste, dans la projection de ses fantasmes et dans le foisonnement de son inconscient, nous invite à sonder son monde intérieur dans une introspection mystique et élévatrice. Tout l'univers est contenu et inscrit en elle.
Cette artiste, auteur, compositrice, interprète possède un univers musical graphique abouti, profond et puissant, à découvrir ici .
C É R É M O N I E raconte des histoires. Des histoires de déambulations, d’interrogations, d’amour et d’abandon.
Ses histoires, C É R É M O N I E les raconte à deux voix. L’une féminine, l’autre masculine. Deux voix qui chantent des textes écrits en français. Cette langue qui porte les membres du groupe depuis plusieurs années déjà.
Quant à la musique de C É R É M O N I E, elle forge un univers typé qui évoque à la fois New Wave, Synth Pop et Twee Pop. Un son dans lequel s’enchevêtrent et se répondent une guitare ample gorgée d’échos, des basses vibrantes et saturées et une batterie minimale et directe, parfois organique parfois synthétique.
Le premier single de C É R É M O N I E s’intitule La Chute Des Corps. En écoute ici .
Depuis l'album 'As it ever was' sorti en 2012 (avec e.a. Space et 24/7) ABSYNTHE MINDED n'avait plus sorti de nouvelle musique.
Mais l'attente est enfin finie car cette semaine le groupe sort 'The Execution', un single qui d'après les passionés de rock chez Sony Music en France et en Benelux est d'une qualité sans précédent pour le groupe de Bert Ostyn.
'The Execution' sera le premier single d'un nouvel album qui arrive après l'été.
Formé à Bruxelles en 2016 autour de la personnalité sémillante d’Audrey Marot, Annabel Lee est un projet de garage pop qui n’hésite pas à foncer vers le punk ou le grunge lorsque tout le monde commence à dodeliner de la tête avec trop d’indolence.
Ce blaze de brigande de western moderne évoque surtout une féminité farouche qui n’hésite pas à balancer des coups de genou là où il faut avant de tourner un sourire mélancolique vers le soleil, lequel imprègne chacun des morceaux du premier EP Wallflowers (sortie prévue le 2 juin chez Luik Records).
Un mélange de candeur, de lucidité, de crudité et de cynisme post-adolescent qui imprègne la voix mi-cristalline mi-blasée d’Audrey et qu’on retrouve chez l’australienne Courtney Barnett ou le duo californien Best Coast.
Découvrez "Period sex" ici .
Après 12 ans d’interruption, Millionaire est ‘on a high’ again.
Le groupe mené par Tim Vanhamel marque son retour avec ’Sciencing’, l’album fraîchement sorti, passé chez Unday, le label d’entre autre Trixie Whitley, Dans Dans et Tamino.
Aujourd’hui Millionaire annonce 2 concerts cette automne: Handelsbeurs à Gand le 7 novembre et Het Depot à Louvain le 14 novembre.
Regardez la vidéo de ‘I’m Not Who You Think You Are’ ici .
Les Nuits Botanique ont refermé leurs portes dimanche dernier, mais le programme prévoit quand même un prolongement exceptionnel : un concert d'An Pierlé est organisé dans le cadre exceptionnel de l'Eglise Notre-Dame de Laeken, l'édifice néo-gothique dont la crypte abrite les tombes de la dynastie royale belge. Un an après avoir accordé un set sublime au sein de l’église des Dominicains, l'artiste gantoise est donc de retour aux Nuits ; et pour l’occasion, afin de célébrer la sortie, chez PiaS, du deuxième chapitre de son diptyque 'stellaire' : « Cluster ».
A l’instar du premier chapitre, « Arches » a été enregistré en partie dans une église et réserve une place prépondérante aux grandes orgues. C'est donc tout naturellement au sein d’édifices religieux qu'An Pierlé a choisi de faire vivre sa musique. A Laeken, étrangement, les grandes orgues ne seront pas utilisées et le podium sera installé non pas en dessous du jubé, comme d’habitude, mais sur l'hôtel. Les raisons de ce choix sont d'ordre logistique, l'entrée principale ne permettant pas l'installation de la scène à l'arrière de l’édifice. En outre, les dimensions gigantesques des orgues ne correspondent pas à l'atmosphère intimiste au sein de laquelle la musique de l’artiste baigne.
Le superbe « I Feel For The Child », issu de « Arches », ouvre le spectacle sur des claquements de doigts. Karel De Wilde, l'organiste, côtoie, une fois n'est pas coutume, les autres musiciens sur l’estrade. Et les sonorités digitales de son instrument, un Nord C2D customisé, ainsi que la voix nous transportent d'emblée au cœur d’une dimension mystique. Le break incrusté au milieu de la compo est d'une intensité et d'une puissance incroyables. ‘And you drown yourself in silence...’ Enfin, elle s’achève comme elle a commencé, en douceur, a capella…
L’auditoire, qui occupe complètement la nef centrale et les ailes, est déjà conquis. Dans la foulée, An Pierlé entame « Road To Nowhere », le premier extrait de « Cluster ». Aux côtés d'An, on reconnaît son partenaire à la scène comme à la ville, Koen Gisen (guitare, saxophone, percussions). Les harmonies vocales des deux choristes, Loesje Maieu et Kaat Hellings, sont d'une extraordinaire délicatesse, tout comme leurs interventions aux claviers et aux percussions.
Après « Vibra », An Pierlé présente son nouveau 'single', « Golden Dawn ». D’un ton humoristique, si caractéristique, elle propose à chacun d'écrire aux radios afin qu’il soit diffusé plus fréquemment ! L'interprétation est superbe. Sublime, le refrain vous saute au cou et vous enlace sans jamais plus vous lâcher : ‘The Golden Dawn is on its way. We dream... Keep dreamin' on...’ C'est lent, voluptueux, déchirant de beauté.
« Huntifix » s’inscrit dans la même veine. Empreinte de tendresse, cette chanson d'amour est construite autour de quelques notes d'orgue et de piano, soutenues par le va-et-vient d’une maraca. Le saxophone et les notes d’ivoires apportent ça et là des couleurs plus 'free jazz'. La composition virevolte lentement, telle une danse sensuelle : ‘Do you want to undress me, Do you really want to see, Would you like to caress me, Do you want me entirely…’
Un petit bémol cependant : les choeurs féminins sont trop envahissants pendant ce morceau ; on aurait préféré être en tête-à-tête, virtuel bien sûr, avec la belle An.
S'ensuit l’épatant single « Birds Love Wires », qui figure également sur « Arches », une des plus belles compositions de ces deux dernières années. Avant d'interpréter « There Is No Time », An Pierlé invite quelques spectateurs à monter sur le podium afin de participer au tournage d'une vidéo. Sous la direction de l'artiste, et le temps d'une chanson, votre serviteur se retrouve à ramper sur le tapis du podium avec deux amies tandis que d'autres dansent et qu'une petite fille s'assied au piano à côté de l'artiste. Un moment comique, étrange et inoubliable !
La dernière partie du show se déroule dans la perspective d'une montée en puissance, alignant l'imposant « Sovereign », le sexy « Bedroom Dust » (qui rappelle Lana Del Rey, me confie judicieusement ma voisine, Charlotte) et enfin, le très sombre « Dragon JM ».
On épinglera également les superbes jeux de lumière qui exploitent à merveille l'architecture de l'église. Les faisceaux viennent jouer sur les voûtes et l'effet est féerique. Au fil des harmonies gothiques, on peut apercevoir les ombres de Lisa Gerrard et de Kate Bush qui ondulent dans les travées…
L'épique « Changing Tides » entame le rappel. Un tambour martial guide la composition dans une farandole enivrante, qui débouche sur un final époustouflant à trois voix.
Après avoir chanté une pub pour faite la promo de son nouvel album (encore un moment cocasse), An Pierlé prend enfin congé de l’auditoire sur une reprise à nouveau fabuleuse de « Such A Shame », le classique de Talk Talk. Il ne faut pas oublier que ce groupe anglais est une de ses références majeures ! L’approche est ici minimaliste : juste quelques notes de piano et les voix. Le public est crucifié de bonheur.
En conclusion : le nouvel album réussit brillamment l'épreuve du 'live', recueillant dans l'édifice gothique un superbe écho. Ce soir, nous étions invités par Notre-Dame de Pierlé... pour un joli point... d'orgues aux Nuits Botanique. (Voir aussi les photos ici)
Pour lire l'interview d'An Pierlé, c'est là.
Pour écouter l'émission spéciale WAVES consacrée à « An Pierlé », c'est ici.
Setlist:
Feel for the Child
Road To Nowhere
Vibra
Golden Dawn
Huntifix
Birds Love Wires
It's Like
Monkey
We Gravitate
There Is No Time
Sovereign
Bedroom Dust
Dragon JM
Encore:
Changing Tides
Such a Shame (Talk Talk cover)
En première partie, La Jérôme, alias Christa ‘Kiù’ Jérôme, auteur/compositrice belgo-haïtienne, franco-néerlandophone et bruxelloise se produisait en duo avec son guitariste. D’une voix très jazzy, elle a proposé un répertoire 'bluesy' à la fois épuré et émouvant. (Pour les photos, c’est là)
An Pierlé + La Jérôme duo
(Organisation: Botanique + Ancienne Belgique)
Enfant de banlieue Parisienne, Eddy de Pretto en garde l’amour du mot qui cogne.
Scandant avec grâce des textes durs, il rapatrie avec une violence poétique une certaine idée du béton dans la chanson française.
Il en tire également des influences urbaines et New-R&B, donnant à sa chanson française une approche résolument moderne.
Remarqué au Festival des Inrocks Lab en septembre 2017, c’est sur scène que ce jeune auteur-compositeur prend toute son ampleur, et finit d’écrire avec son corps ce que les mots ne peuvent plus.
Après avoir sorti plusieurs titres démos, dont 'Beaulieue' et 'Rue de Moscou', Il produit actuellement son premier EP qui sortira en septembre prochain.
Vainqueur du Prix du Printemps de Bourges 2017, il défendra ses chansons sur scène dès le mois de mai, avec sa toute nouvelle formation scénique, accompagné d’un batteur et d’un claviériste/bassiste.
Découvrez cet artiste en cliquant ici .
"Adieu Gary Cooper", nouvelle signature Casbah Records, livre son premier clip qui pourrait être un clip de campagne sans filtre d’en marche.
Pour Gonzai et Mitt Homann : « Adieu Gary Cooper raconte sa loose post-moderne dans un clip néo-chaplinesque angoissant qui ferait presque passer "Shining" pour une comédie romantique.
Une chanson qui devrait en toute logique donner envie aux jeunes chômeurs et allocataire du RSA de se « mettre en marche ».
Plongez-vous dans l'univers du groupe en cliquant ici .
Chris Cornell, connu principalement pour être la voix de Soundgarden mais aussi d’Audioslave et Temple of the Dog, s’est donné la mort dans sa chambre d’hôtel, ce 18 mai à Détroit. La veille encore, il donnait un show au Fox Theatre, dans le Michigan. Une surconsommation d’Ativan, médicament connu pour traiter notamment des problèmes d’addiction et d’anxiété, pourrait être la cause de ce qui l’a poussé à commettre l’irréparable en se pendant dans la salle de bain. Il avait 52 ans.
Le corps du chanteur sera rapatrié ce dimanche à Los Angeles et devrait être incinéré le vendredi 26 mai. La famille réfléchit à la possibilité d’organiser des funérailles publiques pour les fans.
Lancé en 1984 par Cornell, accompagné de Kim Thayil à la guitare et Hiro Yamamoto à la basse, Soundgarden est considéré comme étant un des pionniers ayant permis l’émergence du Grunge (avec Nirvana, Pearl Jam et Alice in Chains). Le groupe connait ses plus grands moments de gloire au début des années ’90, notamment avec la sortie de l’album « Superunknown » et du tube ultra-connu, « Black Hole Sun ». Le groupe se sépare ensuite en ’97, suite à des tensions internes, pour revenir treize ans plus tard sur le devant de la scène avec un nouvel album sous le bras, « King Animal », qui sortira à la fin de l’année 2012.
Le groupe s’engage ensuite dans une énorme tournée en 2014 et fera un crochet par la Belgique, le 29 juin, au Graspop Metal Meeting Festival. Leur ultime show au plat pays.
Le band avait annoncé il y a peu avoir composé quelques morceaux et prévoyait d’entrer en studio à la fin de cette année, afin d’enregistrer son septième album studio. Quelques dernières notes désormais en suspens, pour la postérité. Nirvana s’est éteint en 1994. Vingt-trois ans plus tard, le Grunge perd à nouveau un de ses pères fondateurs.
Situé à Ittre, au beau milieu des bois, le Zik Zak est une très jolie salle. Rien n’est donc susceptible de troubler la tranquillité du voisinage. En outre, le son y est excellent et l’accueil réservé au public ainsi qu’aux artistes, chaleureux. Au programme, ce soir, The Lonely Free en supporting act et Bai Kamara Jr en tête d’affiche. Il était venu présenter son nouvel elpee, « The Mystical Survivors And Some Rare Earthlings », au Botanique, en avril dernier. On doit donc s’attendre à une set list qui fasse de nouveau la part belle à cet opus. Un disque dont le métissage entre funk, rock, latino, blues, soul, blues et world africaine est tout bonnement savoureux. Mais ce soir, la prestation sera surtout intimiste, privilégiant le format acoustique…
Arrivé en retard, impossible de vous décrire le set de The Lonely Free. Suivant les échos recueillis, la formation pratique un rock/blues que souligne, de sa voix chargée de groove, Sophie Kroonen.
Et lorsque votre serviteur débarque, Bai Kamara Jr vient d’entamer son second morceau. En costard cravate, armé d’une gratte semi-acoustique, il a le sourire aux lèvres. Il est soutenu par un quatuor qui semble tout autant prendre son pied. En l’occurrence Eric Moens, à la guitare électrique, et Thierry Rombaut (BJ Scott, Sarah Carlier), à la basse. Sans oublier, sur une estrade, bien en retrait, Yves Baibay aux drums.
Il a plus ou moins 50 âmes dans la salle. Aussi Bai invite l’assemblée à se rapprocher du podium.
Minimaliste, la version du « Going Up The Wrong Way » est dépouillée de ses cuivres. « Misery » dénonce la famine et la misère qui sévit en Afrique, le continent d’où il est originaire. Un nouveau titre : « It Ain’T Easy ». Tout au long de « For The Promise Of Gold », la voix du Sierraléonais adopte les inflexions de Jimi Hendrix. Et elle est carrément bouleversante pendant le plus rock « Riverboat Blues », un morceau au cours duquel l’auditoire est ébahi par sa maîtrise aux cordes ; il se réserve d’ailleurs alors un bel envol, en triturant judicieusement ses pédales.
Si sa musique nous entraîne dans le delta du bayou, « If I Could Walk On Water » aborde le drame des Boat People. Lors de la version studio, des artistes belges avaient apporté leur concours, une chanson dont les bénéfices ont été reversés à Médecins Sans Frontières.
Plus latino, mais sans percus ni ivoires, « Signs » lorgne carrément vers Carlos Santana. A cause du toucher de gratte si caractéristique.
La voix se charge de groove sur « Got Out Of This », une compo hantée par Marvin Gaye et Curtis Mayfield. Et le funky « Making Beggers Into Thieves » clôt ce set, un morceau qui incite à investir le dancefloor.
Le band quitte brièvement les planches pour réapparaître aussitôt afin d’accorder un rappel de deux titres : « Substitute » et « Fortune », soit les deux dernières perles de la soirée.
(Organisation : Zik Zak)
Afin de célébrer son ‘Printemps 2017’, la Province de Hainaut avait mis les petits plats dans les grands : défis, dégustations, performances, gaming, bien-être... soit plus d’une soixantaine d’activités. Il y en avait pour tous les goûts !
Mais pas seulement, puisque afin de fêter dignement cette sympathique manifestation, Mustii se produisait sous le dôme multifonctionnel et avant-gardiste du Lotto Mons Expo.
Des consignes avaient été stipulées quelques jours au préalable. Sous peine de se voir refuser l’entrée, il fallait être présent suffisamment tôt. Les organisateurs craignaient un sold out.
Faut dire que Mustii commence à se tailler une solide réputation dans l’univers musical noir-jaune-rouge…
Call me Lia assure le supporting act. Une très jolie surprise ! Ce quintet est mené tambour battant par la toute frêle Alice Spapen et son comparse Arthur Bochner.
L’histoire de ces chevilles ouvrières est d’une banalité exemplaire. Une rencontre au célèbre ‘Jazz Studio’ d’Anvers, une complicité musicale qui s’amorce, un amour de la musique et une amitié naissance. Les ingrédients sont réunis !
Très vite, le duo cherche à se diversifier et propose un spectre musical plus large, davantage structuré et coloré. Il recrute trois autres jeunes musiciens, encore élèves au Conservatoire Royal de Bruxelles : Louise Andri (claviers), Victor Goldschmidt (batterie) et Pierre Louis Barthélémy (basse).
La formation –dont les musicos sont originaires de Bruxelles et du Brabant Wallon– prend véritablement son envol, suite à sa participation en 2015, au concours ‘L’Envol des Cités’. Elle est finaliste. Ce qui lui permet de signer chez Rox Records, un label distribué par Moonzoo music.
Sucrée, sa pop emprunte parfois des accents rock et se teinte circonstanciellement de tonalités jazzyfiantes ou funkysantes. Cosy, feutré même, l’univers sonore est plutôt proche d’un Black Lilys.
Les refrains sont envoûtants et entêtants. Les riffs de guitares sont faussement nonchalants dans la progression rythmique. Sans oublier cette vocalise ensorcelante qui annonce chaudement le printemps. Une tessiture susceptible de faire frémir de bonheur !
Les voix masculine et féminine se conjuguent à merveille ! Elles convient le spectateur à une cérémonie très agréable, pleine de réminiscences qui nous ravissent.
D’une trentaine de minutes cette prestation a certes marqué les esprits, mais elle laissera comme un goût de trop peu.
Les applaudissements –hautement mérités– fusent de toute part. Les lumières tamisées s’éteignent doucement et la salle sort de sa pénombre.
Il faut attendre 22h30 avant que Mustii ne montre le bout de son nez. Il s’excuse d’avoir une demi-heure de retard. Faut dire qu’il était programmé à l’affiche d’un autre festival, quelques heures plus tôt.
Si habituellement, il est couvert d’un ersatz de peignoir à capuche de style ‘Boxer’, acheté aux fripes, il arbore une tenue un poil plus conventionnelle ce soir : soit un survêtement en toile de lin de couleur noire et des fringues en cuir.
Histoire de théâtraliser un peu plus l’évènement encore, les musicos qui l’accompagnent ont suivi le même rituel.
Thomas Mustin, à l’état-civil, s’est essentiellement illustré en publiant « The Golden Age » et « Feed Me », deux titres matraqués sur les ondes radiophoniques.
Jeune artiste belge, acteur, auteur, compositeur et interprète, son univers musical baigne au cœur d’une pop électro enivrante, sensuelle, douce et abrupte à la fois.
A même pas trente ans, le gamin diplômé de l'IAD possède déjà une sacrée expérience scénique ! Ces derniers mois, il a écumé des dizaines de salles de concerts et des festivals.
Son tour de chant commence lorsque deux comparses flanqués en arrière-plan frappent énergiquement sur deux cymbales gargantuesques. Tout est millimétré. Les sons synthétiques sortent des machines, posées ci et là, et inondent immédiatement les conduits auditifs des aficionados. C’est assez énergique, les premiers pas de danse de sioux sont perceptibles !
La salle est pleine à craquer ! Les quelques piliers de comptoir ont déserté le bar, déposé leur pinte et sont venus tendre l’oreille à moitié ivre.
Mustii interprète, bien sûr les titres de son Ep, « The Darkest Night », paru l’an dernier. De nombreux fans connaissent les textes et les reprennent en chœur.
Les chansons conventionnelles et de jolies ballades ténébreuses alternent. Elles figureront sur un elpee, qui devrait sortir très prochainement.
Etrangement, la puissance de sa voix contraste avec son physique de jeune premier tout droit sorti d’une sitcom française pour ados, diffusée pendant les années 90.
Les détracteurs estimeront le set, sans doute, trop lisse. Donc, sans relief. Si manifestement l’improvisation n’a pas sa place, il est au contraire fort dense.
Sa reprise du tube séculaire « Heroes » s’avère toujours un des moments forts du spectacle. Une compo très intelligemment réappropriée. Le regretté David Bowie aurait été très fier du travail accompli.
Sans relâche, le show est rythmé par une kyrielle de chorégraphies ! Le gaillard ne cesse de courir et d’interagir avec les spectateurs.
A plusieurs reprises, il descend dans la fosse et serre les mains. De quoi laisser de nombreux spectateurs, bouche bée. Le tout, en arborant un large sourire, malgré une chaleur particulièrement écrasante. Il perle de sueur. Mais, on le sent heureux d’être là ! Il communique son énergie. On se croirait en pleine campagne électorale. Un spectateur lui offrira même du ‘Babybel’ pour le remercier. Et ce fromage est aussitôt converti en trophée…
Dents blanchies, sourire ravageur, coiffure soigneusement peignée et yeux hypnotiques, il profite de sa plastique de mannequin pour lécher du regard sans trop de scrupules les plus jolies filles. Et apparemment, elles sont ravies.
Un concert d’une rare intensité ! Décidément, La Belgique regorge de bien plus de talents qu’on ne peut l’imaginer…
(Organisation : Province de Hainaut)
Le festival des Nuits Botanique touche bientôt à sa fin et se clôture en feu d'artifice. Avant la soirée des adieux, prévue au Cirque Royal, ce dimanche, la veille propose également un programme des plus alléchants : All We Are, Mountain Bike (release concert) et Warhaus au Cirque ; puis, ensuite, la nuit électro au Bota.
Quand votre serviteur débarque au Cirque Royal, All We Are termine son show. C’est même le dernier titre interprété par ce trio établi à Liverpool. Mais ce « Dreams » laisse une impression plutôt étrange. La musique est assez décousue, à la limite de la justesse, surtout dans le chef de la chanteuse. Il faut espérer que le début de set était de meilleure facture…
Enfin, après ce premier coup de pédale, place à Mountain Bike... Hum... Les jeux de mots sont faciles quand on évoque ce quatuor bruxellois. Depuis 2012, Etienne (chant, guitare), Charles-Antoine (guitare), Aurélien (batteur) et Stefano (bassiste) ont déjà publié un album éponyme sur Humpty Dumpty et aujourd'hui, c'est la soirée 'release' de la nouvelle plaque : « Too Sorry For Any Sorrow », qui sort sur le label bruxellois Humpty Dumpty et le franco-belge Teenage Penopause Records de nos amis Elzo Durt et François Abdel.
Dès les premiers titres, « Future Son » et « Absolutely », le ton est donné. Cette pop frontale, très 'british', énergique, psyché vire parfois carrément au 'post punk'. Post punk, à cause de ces sonorités de grattes légèrement désaccordées, mais bien cinglantes. On pense tour à tour aux Kinks, à Oasis, à Ty Segall, aux Stranglers ou encore aux Buzzcocks.
Déplorant que le parterre ait été disposé en mode places assises, Etienne s'empresse d'inciter l’auditoire à se lever : ‘On n'est pas là pour ramasser des champignons !’, exhorte-t-il, non sans une pointe d’humour. Le public s'exécute et l'ambiance monte tout de suite d'un cran.
La setlist privilégie les morceaux du nouvel elpee. « You'd Better Let Go » a de délicieux relents psychédéliques et « Escape Plan » est enrichi de superbes harmonies vocales. Issu du premier album, « I lost my hopes (in paradise) » n'a rien perdu de sa fougue et fait mouche comme à chaque concert du combo. Entre deux chansons, Etienne rend un hommage discret à Christophe Van Impe, le journaliste décédé il y a peu. Le set se termine en beauté dans la foulée de « Mean With You », « Torture » et « B+ B- ». Une prestation explosive et de très belle facture !
Votre serviteur n’a pas encore eu l’opportunité d’assister à un concert de Warhaus. Il est donc impatient de découvrir la suite du programme. Il faut dire que Maarten Devoldere, le 2ème chanteur de Balthazar, a fait très, très fort, en publiant « We fucked a flame into being », son premier LP solo. Pour la petite histoire, ce titre s’inspire de ‘Lady Chatterley's Lover’, le roman-brûlot de D.H. Lawrence.
Quand les musiciens montent sur le podium, on reconnaît Michiel Balcaen, qui milite également derrière les fûts, chez Balthazar, et Jasper Maekelberg, le leader de Faces On TV, à la guitare. Le couple glamour par excellence débarque enfin : Maarten Devoldere est habillé de noir, et sa longue veste lui confère un look très classieux ; et, à ses côtés, Sylvie Kreush, sa compagne à la ville comme à la scène, est particulièrement sexy dans sa tenue sombre bordée de voiles. La rythmique chaloupée de « Control » s’élève. Le chanteur se saisit de sa guitare/basse hybride et égrène les quelques notes qui sont ensuite répétées à l'infini par sa pédale 'looper'. Après quelques accords de mélodica, il commence à chanter... et… on est tout simplement subjugué. Sa voix est désinvolte et lancinante, comme celle de Nick Cave. Ou alors proche d’un Leonard Cohen, plongé au sein d’une atmosphère lynchéenne. Derrière lui, la silhouette de Sylvie Kreush ondule et fascine. La guitare essaime quelques cinglantes notes tiraillées en mode 'bend'. Un climat moite de cabaret érotique, chargé d'une sensualité à fleur de peau, baigne alors le Cirque.
Pour attaquer « Beaches », le poulain de l'écurie PiaS passe à la trompette et sample une ligne légèrement dissonante reproduisant une sirène de paquebot. Pas étonnant quand on sait qu’il a enregistré les bases de son album, sur un bateau, près de Gand. Une embarcation qui a d'ailleurs donné son nom au projet Warhaus. S’ensuit le riff quasi-funky de guitare, qui provoque une réaction enthousiaste du public. « Against The Rich » enfonce encore le clou grâce à son rythme rétro irrésistible.
Après un titre interprété par Sylvie Kreush, Devoldere nous réserve une version en solo de « Memory ». Quand on observe le manche sa gratte, manifestement elle a été trafiquée. La corde supérieure est prévue pour une basse et les trois supérieures, pour des cordes de guitare électrique. Ce qui permet au musicien de jouer les deux parties sur un seul instrument via deux micros/pick-ups séparés. Ingénieux !
Retour à la formation au complet pour aborder l'envoûtant « Machinery » et, surtout, le voluptueux « I'm Not Him », un slow qui évoque –et c’est à s'y méprendre– « Elle et Lui » de Max Berlin. Tout y est, même la 'cow bell', le son de clochette. Rassurez-vous, ce mimétisme est délibéré : l'artiste reconnaît vouloir adresser un clin d'oeil à ce titre légendaire.
Le concert arrive tout doucement à son terme et après la chanson 'locale', « Bruxelles », interprétée en solo, Warhaus choisit de terminer le show par une nouvelle compo, « Mad World ». La partie finale a capella est reprise en choeur par un public conquis, qui continuera à chanter, même après le départ des musiciens…
En un mot comme en cent, Warhaus est une véritable révélation. Outre les références citées, on y décèle encore d’autres influences, puisées chez Serge Gainsbourg et Lou Reed. Mais surtout une ambiance et un son qui rappelle le chef d'oeuvre « Pop Crimes », signé par le regretté Rowland S. Howard, l'ancien guitariste de Birthday Party... Seule petite déception ce soir : la stature de Devoldere. Elle est respectable en ‘live’, mais n'impose pas comme celle d'un Nick Cave. Mais peut-on vraiment lui reprocher cela? En résumé, ce soir, si Mountain Bike a confirmé tout son potentiel, on a assisté à l'éclosion, si pas d'une star, à tout le moins d'un talent avec lequel il va falloir compter...
Philippe Blackmarquis
Warhaus + Mountain Bike + All We Are
After Party – Nuit Electro
Pour débuter, dès minuit, dans la Rotonde, on va prendre une véritable claque dans la figure. Ou plutôt, on a encaissé une boule de neige lancée par Ross Tones, alias Throwing Snow. Le producteur londonien a gravé son premier album, "Embers", cette année ; et le résultat sur scène est bluffant. Sa musique électronique est puissante, pulsée et son côté 'trance', hautement hypnotique. Elle recèle aussi des touches krautrock dans les séquences à la Tangerine Dream. Les ambiances sont sombres et mélancoliques, à cause du recours aux accords mineurs. La salle n’est pas encore comble, mais les têtes dodelinent, comme emportées par l'invitation au voyage. Jolie entrée en matière !
Gay Pride oblige, l'artiste suivant est 'queer' : Zebra Katz (Ojay Morgan). A la fois rappeur, danseur et performer, cette icône du mouvement ‘Hip Hop Queer’ crée d'emblée une atmosphère toxique et moite, au sein d’une Rotonde à présent pleine. Vêtu d’une combinaison ignifugée et d’un masque noir, il intrigue. Sa musique lorgne vers un hip-hop à la limite du trip-hop, rappelant par moments Tricky. Impressionnant !
Mais il et temps de quitter la Rotonde pour rejoindre l'Orangerie, où nous attend Factory Floor. Dès 2005, date de sa naissance, la formation londonienne brouille les pistes. Techno primitive ou post-punk aux relents industriels ? La question mérite d’être posée. D’autant plus qu’un titre comme « Bipolar » lorgne vers Joy Division et The Fall. Aujourd'hui, F.F. réunit Gabriel Gurnsey (synthés, programmation, batterie) et la jolie Nik Colk (synthés, voix, effets). Un duo ! Sur le podium de l'Orangerie, Gurnsey se consacre à la batterie et Colk s’est installé en vis-à-vis, derrière une table, sur laquelle on imagine concentrés des synthés, des contrôleurs et des boîtes à rythme. En 'live', le son de F.F. est très 'techno modulaire'. Il s’agit de séquences de basses synthétiques et de beats électroniques sur lesquels Nik Colk applique des effets sonores, élabore des progressions et parfois, injecte quelques voix trafiquées. La musicienne ressemble d'ailleurs un peu à Nico, mais qui aurait teint ses cheveux en roux. Elle a enfilé un t-shirt de sport vert parfaitement kitsch. Gurnsey intervient pour soutenir les beats à l’aide de ses drums. Le public est enthousiaste mais malheureusement le set est écourté après 40 minutes, à cause des retards accumulés au fil de la soirée.
On profite de l'interruption pour se désaltérer, zappant au passage le set de l'Anglais Babyfather ; puis hop, retour à l'Orangerie pour la tête d'affiche de la Nuit : Paula Temple. La carrière de cette productrice/DJ, établie à Berlin, couvre plus de 20 ans ! Puissante et hybride, sa techno est construite à l'aide de logiciels comme Ableton et de contrôleurs qui manipulent les tracks et les samples. Elle se plante debout derrière ses machines. Et il émane d'elle une forme de mystère. Sans soute à cause de ses cheveux couleur anthracite et puis de son regard sombre. Quant au public, il est venu pour danser et Paula Temple lui fournit la bande-son idéale pour son délire nocturne. Une prestation pas très originale, certes, mais oh combien efficace.
Throwing Snow + Zebra Katz + Factory Floor + Babyfather + Paula Temple
Philippe Blackmarquis
(Organisation : Botanique)
Envie de jouer durant les Ardentes ? C’est possible !
Vous pouvez valider votre participation jusqu’au vendredi 16 juin. Les programmateurs des Ardentes et Anthony Sinatra (chanteur du groupe Piano Club) choisiront trois finalistes parmi l’ensemble des participants. Ce choix est totalement indépendant du nombre de voix Facebook récoltées par les participants. Les deux participants ayant récolté le plus de votes sur Facebook seront également présents lors de la finale et feront grimper le cercle des finalistes à 5.
Une soirée au Reflektor sera alors organisée pour départager les finalistes.
Pour s'inscrire, c'est ici!
Depuis plusieurs années, des milliers de personnes prennent leur vélo le week-end de l’Ascension pour les 1000 km de Kom op tegen Kanker. Cette année, Sony Music propose de soutenir la lutte contre le cancer en écoutant la '1000 km playlist' via Spotify, Apple Music ou Deezer. Toutes les recettes venant de cette playlist seront intégralement reversées à Kom op tegen Kanker. L’occasion est donc belle de réaliser une bonne action tout en se faisant plaisir !
Plus d’infos ici.
On l'a appris hier: c'est Whispering Sons, la formation limbourgeoise de postpunk, qui complétera le lineup du Weyrd Son Records Festival, qui aura lieu les 26 et 27 mai prochains au Beursschouwburg, à Bruxelles.
Rappelons que le jeune label créé par Michael Thiel, le fils de feu Mickey Mike (alias Snowy Red, une des figures de proue de la new-wave dans notre pays), fêtera déjà son 4e anniversaire. Contrairement au lineup du 1er festival du label, plus électronique, cette édition sera résolument potspunk, avec des touches de shoegaze et de cold-wave.
Au programme:
Day #1 – Vendredi 26 mai
DRAB MAJESTY (US)
Basé à L.A. C'est la plus grande révélation 'wave' des deux dernières années. Un mélange fascinant de Cocteau Twins et de Clan of Xymox dans un look androgyne inspiré de Genesis P. Orridge.
https://drabmajesty.bandcamp.com
SOFT KILL (US)
Basé à Portland, le groupe propose un postpunk mélodique inspiré de The Cure, Killing Joke et Magazine.
https://weyrdsonrecords.bandcamp.com/album/soft-kill-heresy
WHISPERING SONS (Be)
Originaires de Houthalen-Helchteren, dans le Limbourg. Gagnants du Humo's Rock Rally 2016, ils proposent une musique 'darkwave' qui évoque aussi bien The Soft Moon que Sisters of Mercy.
https://www.facebook.com/WhisperingSons/
Day #2 – Samedi 27 mai
SOVIET SOVIET (It)
Ce trio basé à Pesaro propose un postpunk teinté de shoegaze et chargé d'énergie.
https://sovietsoviet.bandcamp.com/album/endless
CHARNIER (Be)
Ce quattuor bruxellois pratique un postpunk frontal, parfois violent réminiscent de Joy Division, The Cure et The Wolfgang Press.
https://weyrdsonrecords.bandcamp.com/album/charnier
ANIMAL YOUTH (Be)
Révélation de l'année en Belgique, Animal Youth est basé à Bruxelles et a surpris tout le monde en proposant un postpunk/shoegaze très festif et très mélodique, apparenté à The Chameleons, Jesus & The Marychain et à White Lies. Il fêteront le release de leur premier album, qui sort chez Weyrd Son Records.
https://weyrdsonrecords.bandcamp.com/album/animal
Pour commander vos tickets, rendez-vous sur la page Facebook de l'événement ou sur le site du Beursschouwburg.
Ce mercredi 17 mai, le Cirque Royal sert de décor pour une soirée qui s’annonce autant variée que décalée. Et pour cause, les trois groupes programmés sont réputés pour leur ligne de conduite peu conventionnelle. Robbing Millions, BRNS et Jacques vont se succéder afin d’offrir au public des Nuits Botanique, des performances qui sortent des sentiers battus ; et en tout cas, loin du visage commercial affiché par bon nombre de spectacles, proposés une bonne partie de l’année, à Bruxelles.
Robbing Millions grimpe sur l’estrade à 19h30. C’est tôt pour un jour de semaine. Il fait plus de 30° à l’extérieur. Et on aurait préféré profiter un peu plus longtemps d’un soleil que l’on voit trop rarement. Cependant, la faute n’incombe pas au quatuor belge. Dont la pop –il ne fait aucun doute sur ce sujet– est particulièrement créative. Ainsi, chaque compo regorge de petites idées, parfois même insidieuses. C’est le point fort chez cette formation. Ce qui communique un joli relief à sa musique. En outre, la bande à Lucien Fraipont est passée maître dans l’art de torcher des refrains aussi simples qu’efficaces. Et un titre comme « In The No Air » synthétise parfaitement tout ce savoir-faire. Un superbe morceau pop, aussi délicat que solide. Un régal pour les oreilles, également. Sur les planches, Robbing Millions est aussi capable de se livrer. Son énergie est impressionnante. Le groupe sait qu’il est à un moment clé de son existence et il doit convaincre. Challenge réussi ce mercredi. Une excellente première partie qui deviendra aussi le meilleur moment de la soirée. Mais on y reviendra…
Après 30 minutes de pause, BRNS prend le relais. Un groupe qui nous a particulièrement enchantés au cours des dernières années. Première constatation, il y a un changement au sein du line up, puisqu’une demoiselle vient s’installer derrière les claviers. Le combo publiera son second elpee, ce 6 octobre prochain. L’occasion est donc belle de découvrir, ce soir, quelques nouvelles chansons mais également de redécouvrir les grands classiques du combo… Et bien non ! Le choix des Bruxellois est clair : le neuf avant tout ! Une exception qui confirme la règle, le hit « My Head Into You ». Exit donc les « Mexico » et « Our Lights », entre autres. On a quand même droit au nouveau single, dévoilé la veille du concert, « Pious Attitude ». Un morceau insipide et décevant. Parmi les nouvelles compos, quelques unes sortent du lot ; mais impossible de bien les appréhender par manque de repères. C’est là que le bât blesse. On peut comprendre l’importance de proposer des compositions inédites. Mais, à mon humble avis, c’est une erreur de ne pas revenir sur celles qui ont le plus marqué le public, surtout quand le nouvel elpee n’est pas encore sorti. De quoi être frustré, même si on sait bien qu’on laissera à BRNS une nouvelle chance, lors de la sortie de ce « Sugar High »…
C’est finalement le DJ conceptuel Jacques qui clôture la soirée. Le Français se sert de bruits causés par des objets utilisés dans la vie quotidienne –produits par les ustensiles de cuisine ou des jouets, par exemple– pour enrichir sa musique électronique. Préenregistrés, il les insère judicieusement dans sa compo pour lui communiquer un aspect, finalement cohérent. Une technique intéressante, car elle permet de l’aborder sous un angle différent. En outre, son expression sonore est empreinte d’une certaine douceur ; ce qui permet de reprendre ses esprits après un set aussi peu accessible que celui de BRNS. Pas de grandes envolées, mais un moment qui va s’avérer agréable…
On ne peut manifestement pas décréter que cette soirée ait été la meilleure de l’année. Cependant, elle a permis de confirmer tout le bien que l’on pensait de Robbing Millions, probablement un des groupes qui devrait faire l’avenir de la pop noir-jaune-rouge, de découvrir les nouveaux titres du prochain opus de BRNS et d’assister à la prestation d’un artiste hexagonal complètement perché. Bref, finalement, ce n’était pas si mal du tout, en fait !
Adrien Mouchet
Ce mercredi soir, c’est sous un grand soleil que les Nuits accueillent trois artistes américains. Et sous le Chapiteau. La soirée a été classée ‘folk à l’état sauvage’. Une formule qui définit assez bien l’état d’esprit de ces musiciens privilégiant le folk mais qui, dès qu’ils montent sur les planches, cherchent à communiquer une autre dimension à leur répertoire…
Tim Darcy ouvre la soirée, face à un Chapiteau à moitié plein (NDR : ou vide, selon). Il s’était produit, en février dernier, à la Rotonde, en compagne de son groupe, Ought. Mais a contrario de ce set, le natif du Texas (NDR : bien qu’exilé à Montréal) monte sur le podium seul, armé de sa guitare. Il est venu présenter son excellent premier opus, « Saturday Night ». Ce qui ne va pas l’empêcher de proposer quelques nouvelles compos ; et elles sont de la même veine. Sa voix est nasillarde. Les accords de sa gratte sont particulièrement incisifs. Les spectres de Televison, Feelies et même parfois des Smiths rôdent. Malheureusement, si l’interprétation est impeccable et les morceaux solides, il faut reconnaître que trop minimalistes, ils accrochent difficilement. Manifestement, ils manquent de nuances. L’instrumentation est trop dépouillée. En outre, la voix est bien trop impérieuse. De quoi nous laisser sur notre faim…
Vingt minutes plus tard, le Chapiteau est à présent quasi-comble pour accueillir Ryley Walker. Entre 2014 et 2016, cet Américain (NDR : il est originaire de l’Illinois) a publié 4 albums. On peut donc affirmer qu’il est prolifique. Son dernier elpee, « Golden sings that I have been sung », remonte à août de l’an dernier. La musique de cet artiste trempe dans un folk, parfois proche de feu Tim Buckley. On s’attend donc à un set essentiellement acoustique. Or, lorsqu’il grimpe sur l’estrade, il est suivi par un batteur, un bassiste et un guitariste. Conclusion, le concert est particulièrement électrique, nous entraînant alors au cœur d’un trip psychédélique. Certains titres dépassent même les 10 minutes, faisant alors la part belle au flux de cordes chargé d’intensité, mais permettant également au drummer d’étaler toute sa technique. Et paradoxalement, le songwriter, vient y poser la voix. L’auditoire semble conquis, face à ce quatuor qui prend un énorme plaisir sur les planches. Le libellé ‘folk à l’état sauvage’ a donc bien pris ici tout son sens. (Pour les photos, c'est ici)
Il est 22 heures, lorsque Angel Olsen débarque sur scène. Depuis la sortie de son premier LP, « Burn your fire for no witness », paru en 2014, le succès de la native de Saint-Louis est en courbe ascendante. Son dernier opus, intitulé « My Women », a conquis l’ensemble de la critique ; ce qui lui permet, aujourd’hui, d’enchaîner les dates de tournées et de figurer à l’affiche des plus grands festivals. Pour accomplir son dernier périple, elle a entraîné dans l’aventure, un backing group impliquant deux guitaristes, une bassiste, un batteur et une choriste. Ils sont tous vêtus de blanc. Et débarquent les premiers sur le podium. Suivis assez rapidement par la songwritrice, qui a enfilé un pull rayé aux différents coloris. Sa voix est tout bonnement merveilleuse et embrasse une large palette d’émotions. Il ne faut quand même pas oublier qu’elle a été la choriste du vénéré Will Oldham (aka Bonnie ‘Prince’ Billy). Ses musicos se contentent de l’accompagner, sans jamais sortir de leur cadre. Qui sera folk/rock. Pourtant, l’Américaine a de l’énergie à revendre. Entre chaque morceau, elle communique avec le public. Ou alors en profite pour réaccorder sa gratte. Faut dire que sous le Chapiteau, la température est particulièrement élevée. Pendant plus d’une heure, elle va enchaîner les plages de son dernier long playing et quelques uns issus de son précédent (« Unfucktheworld », « Hi-Five », …) Le public est conquis et quitte les lieux vers 23h. Soirée réussie ! (Pour les photos, c'est là)
Béber
Tim Darcy + Ryley Walker + Angel Olsen
(Organisation : Botanique)
Fondé en 2010, Willie & the Bandits est issu de Devon, en Angleterre. Ce trio de blues/rock implique le chanteur/guitariste Willie Edwards, le bassiste Matt Brooks et le drummer Andrew Naumann. "Steal" constitue son quatrième opus.
Une slide bien huilée introduit "Miles away", un rockin' blues bien remuant tapissé par l’orgue Hammond de Don Airey (NDR : c’est lui qui a succédé à Jon Lord, au sein de Deep Purple en 2002 ; mais il a aussi milité chez le Colosseum II, Rainbow et dans le backing group de Gary Moore). Une compo bien construite, conclue par une intervention d'envergure sur les cordes. Des effets sonores mettent "Hot rocks" sur orbite. Une plage parfaitement adaptée à la formule trio. Les riffs sont puissants. Matt brille à la basse ; qu’elle soit à 5 ou 6 cordes. Et elle s’intègre parfaitement dans cette solide section rythmique. L'orgue d'Airey ouvre le lent "Scared in the sun". L’intro est majestueuse, presque prog. Le titre monte graduellement en crescendo jusqu’à la déflagration de cordes déclenchée par Edwards ; des cordes qui s’élèvent dans la stratosphère, dans un style proche de David Gilmour. Superbe ! "Atoned" libère un maximum d’énergie. La batterie crache des flammes alors que la voix adopte les intonations de Robert Plant. Etonnant ! De la même veine, "1970" s’illustre par un envol de cordes époustouflant. Une véritable claque ! Ballade, "Crossfire" s’ébroue aux sonorités de cordes acoustiques et se développe au fil de ses arrangements, alors que la voix semble de nouveau hantée par Plant. Tout comme pendant "Living free", une piste de roots blues rock colorée par le dobro et qui s’achève par une superbe intervention à la slide. Plus prog, "Our world" met bien en exergue les percus. L'orgue Hammond de Don Airey opère son retour sur la finale "Bad news", une plage qui alterne passages doux et violents, avant de s’achever dans un certain délire…
Ce jeune britannique s’est converti au blues à l’écoute de son idole, Eric Clapton. Ce chanteur/guitariste s’est ensuite intéressé à d’autres légendes, telles que les King (BB, Albert et Freddie), Albert Collins, Robert Cray et bien d’autres. Il choisit pour patronyme de son premier groupe, The Journeymen, c’est-à-dire le titre d’un long playing de Clapton ! Au fil du temps, il a changé le nom de sa formation en Sean Webster Band. Le combo comptait déjà cinq elpees et un Ep à son actif. "Leave your heart at the door" a été enregistré en Angleterre. Lors de sessions, il s’est littéralement multiplié en assurant l’écriture des compos, les arrangements, le mixing et la production. Il a bien sûr reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le bassiste Greg Smith, le drummer Joel Purkess et le claviériste Bob Fridzema.
On est de suite séduit par la voix chaude et légèrement graveleuse de Webster. Elle me rappelle celle de Danny Bryant, voire des frères Nimmo, des compatriotes. Tapissée par l’orgue Hammond, "Give me the truth" est une ballade musclée au cours de laquelle les cordes du leader tirent leur épingle du jeu. Autre ballade, "Wait another day" est davantage paisible. Les arrangements sont superbes. Sean libère ses cordes parcimonieusement tout en prenant soin de soigner le sens mélodique. Lors des tempos lents –largement favorisés– les accents blues sont bien plus prononcés. A l’instar de "Broken man", de l'émouvant "Silence echoes in my heart" ou encore d’"I don't wanna talk about it!". Et lors de cette dernière plage, enrichie d’arrangements de cordes, la voix féminine de Penny Leen Krebbers finit par émerger. "You got to know" est imprimé sur un rythme plus enlevé. Sean s’y réserve une sortie remarquée à la guitare. Tout comme sur le plus pop "You can say". Blues lent et long, "Start again" se révèle plus théâtral, dramatique même. Parfaitement maîtrisé et tout en économie, le solo agrège production d’effets et sensibilité raffinée. Le spectre de Joe Cocker plane tout au long du légèrement funky "Hands of time". A cause de la voix ; même si elle est moins ravagée. Paisible, le titre maître trempe dans un roots/blues coloré par l'orgue Hammond. De bonne facture, cet opus s’achève par "'til summer comes around". La voix est bouleversante. Et l’envol des cordes communique une émotion intense…
Deux ans après avoir gravé un premier opus sur l'écurie new-yorkaise Sacred Bones, le duo originaire de la grosse pomme nous propose pour suite, "Wake in fright".
Ben Greenber (NDR : ex-The Men, mais également responsable de la mise en forme d’albums de Pop.1280 et de White Suns) et Michael Berdan (ancien chanteur chez Drunkdriver) n’ont rien perdu de leur hargne. Le mélange d'indus et de punk/hardcore dispensé par Uniform est littéralement désarçonnant. Le tandem n'est pas du genre à faire dans la dentelle et il ne faut certainement pas s'attendre à un soupçon de mélodie. Aussi, lors des premières écoutes, il n'est pas facile de passer outre, les sonorités parasites. Dès "Tabloid", en ouverture, la paire laisse éclater toute sa rage sur un rythme frénétique imposé à une musique minimaliste. La voix acrimonieuse de Brendan n’épargne aucune des huit pistes de cet elpee. Et si le tempo imprimé sur "Habit" ralentit quelque peu la cadence, les crépitations persistent et se transforment même en larsen continu pendant "The Light at the End".
Après une bonne demi-heure de pilonnage intensif, on arrive enfin (fatigué) au bout de ce "Wake in fright". On se demande alors pourquoi on s'est infligé une telle torture sonore...
De son véritable nom William Troiani, Billy T est est né à New York. Il a déjà bien roulé sa bosse. Il a ainsi passé douze années aux côtés d'Eddie Kirkland et dix, au sein du Tom Russell Band. Et puis, en 1997, il décide de se fixer bien loin de la 'Grosse Pomme'. A Oslo, très exactement, en Norvège. Il y vit depuis vingt ans. Il a d'abord été le responsable du groupe résident au Muddy Waters Blues Club d'Oslo. Il a pu ainsi aider les jeunes talents locaux dont le guitariste, devenu célèbre, Kid Andersen (NDR : aujourd’hui impliqué au sein du Rick Estrin & The Nightcats). Il a également fondé son Billy T Band, une formation qui pratique un cocktail de blues, soul, R&B et swamp rock. "Reckoning" constitue son quatrième elpee. Depuis la création du combo, le line up est inchangé et réunit les guitaristes Ian Johannessen et Haakon Hoeye ainsi que le drummer Robert Alexander Petersen ; Billy T se chargeant du chant et de la basse.
Des cordes riches mais étranges amorcent le titre maître, morceau qui ouvre le long playing, une plage réminiscente du Philly Soul, si populaire au cours des seventies. Apparemment cool, mais insidieusement animé (NDR : ces cuivres !), "Shame shame" campe un excellent r&b. Billy possède une bonne voix et la gratte tire parfaitement son épingle du jeu. Blues/roots authentique "On your own" est traversé par les interventions bien senties de Johannessen à la slide. "Sad man" opère un retour, mais moins enthousiasmant, à la soul philadelphienne. On y revient ! Et il s’y maintient tout au long de "Gone". Bien soutenue par des chœurs généreux, la voix du chanteur est bien valorisée tout au long de "One of these days", une ballade roots entretenue par les cordes acoustiques et la slide de Ian. "It ain't right" épouse un profil naturellement funk, un peu dans l’esprit de Little Feat. La rythmique est absolument irrésistible. C’est cette rythmique que le groupe devrait davantage explorer, tant sa force de pénétration s’y révèle convaincante. Et "Trouble" en est une nouvelle et belle illustration. Le long playing s’achève par "I've been a fool", une ballade indolente à coloration Stax. Les interventions d’orgue exécutées par Haakon sont bien mises en exergue. Des chœurs féminins soulignent l’ensemble alors que la gratte demeure constamment mélodieuse…
Danois, Thorbjorn Risager est un remarquable chanteur. C’est également le leader du septuor, The Black Tornado, un groupe fondé à Copenhague, en 2003. "Change my game" constitue déjà son onzième opus. Il fait suite à "Too many roads", paru en 2014, et un ‘live’, baptisé "Songs from the road", en 2015, deux disques qui avaient reçu un accueil très favorable auprès de la critique.
Indolent, "I used to love you" ouvre la plaque. Le tempo est destiné à bien mettre en exergue la voix expressive du leader. Et bien graveleuse, elle peut décoller, tout au long de "Dreamland". L’ambiance y monte progressivement en puissance, au fil des interventions instrumentales. Impressionnant ! Funky r&b, "Change my game" se distingue par son refrain entraînant. Paradoxalement, "Holler 'n' moan" puise à la fois dans le country blues originel et les sonorités contemporaines. La gratte est traitée au bottleneck. Les chœurs et les cuivres (NDR : et tout particulièrement les interventions à la trompette de Peter Kehl) libèrent toute leur amplitude. Nouveau changement de registre pour "Hard time", une ballade roots, au cours de laquelle Peter Skjerning exprime toute sa sensibilité à travers ses accords de guitare. Superbe ! Flemmard, "Long gone" est dominé par la voix autoritaire du leader. L'accompagnement est discret mais d'une richesse insoupçonnée. Il implique claviers, cordes et cuivres. "Hold my lover tight" sonne le retour du rythme, une piste dont la force de pénétration est favorisée par le rôle de la section rythmique, au sein de laquelle la guitare se fond littéralement, alors qu’Emil Balsgaard tapisse l’ensemble de son orgue. Ce qui n’empêche pas Peter de s’autoriser un envol remarquable sur ses cordes. "Maybe it's alright" constitue certainement le sommet de cet opus. Martin balise le tempo de ses drums. La voix de Thorbjorn est de nouveau impérieuse. Miriam Mandipira-Mumba lui donne la réplique. Une compo qui ne dépareillerait pas dans le répertoire des Rolling Stones contemporains. "Train" nous entraîne dans le delta. Saccadée, la cadence emprunte le rythme du chemin de fer. De quoi mettre parfaitement le traitement au bottleneck sur rails. Les crépitements d'un vieux vinyle enrichissent l’intro de "Lay my burden down", une piste dont le climat blafard, mélancolique et mystérieux, est entretenu par les cuivres et accentué par la voix de Thorbjorn. Elle se traîne même parfois, comme si elle musardait au cœur d’un cortège funéraire… Particulièrement élaboré, "City of love" clôt cet LP. Tous les musicos sont au poste. L’orgue de Balsgaard tisse la trame avant de céder le relais aux cordes de Skjernning, au sein d’une atmosphère majestueuse…
Bien que né à Hawaii, le Reverend Freakchild a passé l'essentiel de sa vie à New York. Particulièrement prolifique, il avait publié, il y a moins d’un an, un triple cd baptisé "Illogical optimism". "Preachin' blues" est un elpee plus personnel. C’est d’ailleurs en solo et armé de sa gratte ainsi que d’un harmonica, qu’il interprète les morceaux taillés dans un blues pur et dur. Ce disque a été enregistré ‘live’, au studio KBOO à Portland, dans l'Oregon, lors d’une tournée estivale de trois mois. Mais à San Francisco, on lui vole son matériel, et tout particulièrement ses guitares. Pas découragé, il rachète aussitôt une nouvelle Resonator et décide de continuer à prêcher son blues. C'est donc dans ce contexte qu’il a immortalisé cet opus, au cours duquel il propose country/blues, folk et americana. Un elpee qui réunit compos personnelles et reprises de standards du style.
Titre court, "Holy breathing blues" ouvre la plaque. Un blues authentique qu’il souligne d’interventions à la Resonator et à l’harmo. Il présente brièvement les plages suivantes à l'aide de courts prêches. Il nous parle ainsi de ses ancêtres avant d'attaquer le "See that my grave is kept clean" de Blind Lemon Jefferson, une plage au cours de laquelle il affiche beaucoup de conviction et montre tout son talent. Il s’exprime au sujet de la vie et de la mort, puis affronte "In my time of dyin'", un traditionnel adapté par Blind Wilie Johnson, Josh White, Bob Dylan et même le Led Zeppelin. Sa lecture du classique de Son House, "Preachin' blues", est à nouveau impeccable. Son approche aux cordes est à la fois verveuse et plutôt brutale. Plus étonnant, la cover du "Kiss" de feu Prince. "All I got is now" est issu de la plume du Reverend (NDR : cette piste entame "Hillbilly zen-punk blues", un LP publié en 2015). Encore un traditionnel, mais attribué à R.L Burnside : "Wish I was in Heaven sitting down". Et la version est totalement bouleversante, l’artiste s’immergeant totalement dans son blues. Il revisite le "It's gonna be alright" de Reverend Gary Davis. C’est la plage la plus longue. L’album recèle un bonus track, en l’occurrence une version a capella du "Grinnin' in your face" de Son House, immortalisée live au Yorkschloesschen Blues and Jazz Club, à Berlin, en août 2013…
Ce groupe a fait ses premiers pas dans la rue. A New York, mais également au sein de plusieurs villes du Canada. Le folk singer Doc Watson le remarque alors qu'il se produit à Boone, en Caroline du Nord. Il l’invite à participer à son festival, le Merlefest. Dans la foulée, le band a l’opportunité de jouer au célèbre temple de la country music, le Grand Ole Opry, à Nashville. Depuis, il a tourné à travers le monde entier et décroché plusieurs Grammy Awards. A ce jour, il a enregistré cinq albums studio ! Ce "Best of" réunit quatorze titres dont deux inédits. Ils sont extraits des trois elpees parus sur le label Nettwerk. Ce sextuor se partage une multitude d’instruments, dont les guitares, le banjo, la mandoline, le violon, l’harmonica, les claviers, la basse et la batterie. Et il puise ses sources essentiellement dans le folk et la country.
Le recueil débute par le plus grand succès du groupe, "Wagon wheel". Ce titre figurait sur le premier long playing, gravé en 2004. Un éponyme. Paru en single il deviendra disque d'or en 2011 et de platine, en 2013. Cette compo bénéficie de solides harmonies vocales, alors que le violon est à la fête. En outre, le refrain a été emprunté à une chanson de Bob Dylan. Cette plage synthétise le style du quintet. Une plage entraînante. Des voix en harmonie. Et des cordes bien mises en exergue. Dans un style proche, "Tell it to me" se distingue par ses interventions à l’harmo bien senties. Davantage country/blues, "Down home girl" réserve de beaux échanges entre l'harmonica de Ketch Secor et la gratte traitée au bottleneck par Critter Fuqua. "CC Rider" se nourrit généreusement de blues. A l’archet, Secor est un plaisir permanent pour les oreilles. Et il s’y illustre tout au long d’"Alabama High-test", de "Big time in the Jungle", de "Humdiger" ainsi que du très bref "Fall on my knees". "My good gal" est une très jolie ballade roots. Le long playing recèle deux inédits. Ils achèvent le long playing. Soit "Heart in the sky". Puis "Black-haired Québécoise". Chanté dans la langue de Molière, ce dernier titre est très représentatif du style proposé par O.C.M.S.. Qui vient de publier un nouvel opus. Intitulé "50 years of Blonde on Blonde", il célèbre, bien entendu, les 50 ans de la sortie du légendaire double album de Bob Dylan!
Aux Etats-Unis, Delbert McClinton est considéré comme une institution. Agé de 76 balais, ce Texan est particulièrement notoire outre-Atlantique, mais demeure une véritable énigme, au-delà des océans. Depuis ses débuts, il pratique un roots rock largement teinté de blues et de country, qu’on qualifie aujourd’hui d’americana. Il a entamé sa carrière solo en 1972. Delbert est un compositeur particulièrement estimé. Il a ainsi signé des chansons pour Emmylou Harris, Etta James, Bonnie Raitt, Tanya Tucker et bien d'autres encore! Ce qui ne l’empêche pas d’afficher une discographie prolifique. "Prick of the Litter" constitue déjà son 19ème elpee. Talentueux, son backing group baptisé Self-Made Men réunit le guitariste Bob Britt, le bassiste Michael Joyce et le batteur Jack Bruno. Les sessions se sont déroulées au sein du studio Rock House à Franklin, dans le Tennessee, chez le claviériste Kevin McKendree qui assure également la coproduction.
Plage d'ouverture, "Don't do it" est incontestablement la meilleure. Cuivrée, parsemée de notes d’ivoire, l’orchestration est superbe. Digne d’un big band blues. Elle souligne la voix experte de Delbert, relayée par celle, féminine et identifiable, de Lou Ann Barton. Et c’est Jimmie Vaughan en personne qui s’autorise un excellent envol sur ses cordes électriques. Ballade americana, "Doin' what you do" se distingue par une ligne mélodique affirmée. Flemmarde, la voix de Delbert s’est forgée au fil des nombreuses années passées sur les routes. Et elle lui colle à la peau. Elle se fait volontairement douce sur "Middle of nowhere", une autre ballade de bonne facture qui baigne au sein d’un climat country. La gratte de Britt est lumineuse alors que l’orgue tapisse l’arrière-plan. Rock musclé et enlevé, "Skip Chaser" est balisé par le piano roadhouse, alors que la gratte prend un nouvel envol. McClinton devient ensuite crooner lors de ballades aux tonalités jazz manifestes. Il faut dire que Nat King Cole figure parmi ses modèles. Sa voix est un véritablement ravissement tout au long de "San Miguel". Et le piano l’épouse parfaitement pendant cette compo légère, belle et chargée naturellement de swing. Un climat cool jazz baigne judicieusement "Pulling the strings", une plage caressée délicatement par les ivoires de McKendree et traversée par des interventions de cornet. Funk néo-orléanais, "Neva" nous plonge dans une ambiance proche de Dr John. Toujours bien louisianaise, l’atmosphère vire au jazz sur "Like lovin' used to be". Des chœurs féminins entrent en piste alors qu’un souffle de saxophone souligne le chant. Et dans le même esprit, "Jones for you" implique trompette, orgue et piano. Retour au swing jazz pour Big Band lors du remuant et saignant "The hunt is on", un titre caractérisé par un dialogue percutant opéré entre le piano et la guitare. Indolent, "Bad haircut" mêle blues et jazz. Expressive, la voix est chargée de vécu. En finale "Rosy" est saupoudré de savoureuses touches de piano et de trombone…
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