Fence n’en a rien à foutre…

Le combo rock limbourgeois Fence sortira son nouvel album, « Nobody Gives A Fuck », le 16 octobre 2026. Un titre qui laisse peu de place à l'imagination, quoique... Propulsés par un nouveau batteur, Wim Coppers, installé derrière les fûts, les musiciens de…

Tommigun fait de vieux os…

Les vétérans belges de l'indie pop signent un retour marquant. Dix ans après la parution de Wooden Son, Tommigun rompt un long silence et dévoile « Heavy Bones ». Ce morceau inaugure un nouvel elpee éponyme, dont la sortie se profile pour le 20 novembre 2026…

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Viagra Boys
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James Yorkston

Just Beyond The River

On ne pense que du bien de l’Ecossais James Yorkston : depuis " Moving Up Country ", chef-d’œuvre inaugural paru il y a deux ans, ses comptines country-folk nous accompagnent dans nos doutes et nos douleurs, à la lumière des bougies et d’un espoir qu’on espère jamais vain. Pour ce deuxième album, James Yorkston n’a pas changé son fusil d’épaule, ni branché les fusibles : c’est toujours pareil, et en cela c’est plutôt rassurant. Il parle encore d’amour feint ou perdu, d’histoires de couples qui se délient, des saisons qui défilent, et c’est chanté à demi-mot, dans un murmure. Depuis les seventies, l’Angleterre n’avait plus connu de songwriters de la trempe de Yorkston. Même Will Oldham, génie jusqu’ici hors concurrence, ferait bien d’assurer ses arrières. Parce que ce disque recèle les plus belles complaintes folk qu’il nous ait été donné d’entendre ces dernières années. Folk, mais dans un sens purement traditionnel : ici ne sont convoqués que piano, guitare acoustique, banjo et flûte, bref le sacro-saint instrumental d’un genre qui sans cesse renaît de ses cendres. Produit par Kieran Hebden alias Four Tet, " Just Beyond The River " s’écoute le mieux en pleine nuit, quand le calme s’est emparé de tout… Pour s’apercevoir, sans grande surprise tellement c’est évident, qu’en écoutant ce disque, le temps s’arrête. Et c’est réconfortant, comme un rêve éveillé.

Yellowman

New York

Écrit par
Véritable légende du dancehall des années 80, le dj Yellowman refait parler de lui après les rumeurs persistantes sur son mauvais état de santé. Il faut dire que l’homme a déjà dû subir par le passé l’ablation d’une mâchoire suite à un cancer qui a bien failli lui être fatal… Mais à l’écoute de cette galette dédiée au New York post-11 septembre, les doutes sur sa santé se dissipent bien vite. L’ami Yellow semble en grande forme et se fend d’excellentes interprétations sur les très bons beats futuristes d’Xterminator. Les thèmes qui ont fait la gloire de notre homme, c’est-à-dire les femmes, sont largement déclinés ici par « That Girl », « Spanish Girl » et « Do me ». Mais c’est surtout la guerre en Irak qui lui a inspiré la majeure partie des chansons de « New York ». Cette thématique produit à l’arrivée des chansons de très bonne facture comme « World War » ou encore « Cnn News » qui épingle malicieusement la chaîne télé américaine et son traitement des événements belliqueux. On obtient à l’arrivée un bon disque qui n’a d’autres prétentions que de faire passer un bon moment ; objectif qu’il atteint les doigts dans le nez. A découvrir !

Richard Youngs

River Through Howling Sky

Le type est tout seul. Dernier représentant d’une nouvelle ligue drone-folk où les guitares triturées se perdent dans de longues divagations psychédéliques, jusqu’à la transe destructive, Richard Youngs se pose en sauvage histrion du rythme squelettique. Pas de batterie, juste un pouls fantomatique qui donne à cette entreprise de saccage folk l’allure d’une bande-son de l’Apocalypse. Parfois, Youngs déclame quelques mots sans queue ni tête, pris dans le cyclone d’un rituel chamanique, à chaque instant au bord de l’implosion névrotique. Quatre morceaux, l’un frôlant les 25 minutes (l’épique « Red Cloud Singular ») : c’est la guerre aux formats, à la musique préfabriquée, aux refrains pop et aux mélodies de poche. A l’instar de groupes comme Charambalides, Vibracathedral Orchestra, JOMF, Richard Youngs médite sur les aspects les plus divinatoires de la musique folk : ici, tout est affaire de dilatation. Ne reste au final qu’une impression d’infinie suspension. Au bout du compte, le silence, peut-être la mort, la fin d’un genre arrivé à ses limites.

Neil Young

Greatest hits

Écrit par
Réunir les meilleurs titres de Neil Young sur un seul disque relève de la mission impossible. D’autant plus que le projet se limite à 16 plages. Glanées sur 9 albums. Commis entre 1969 et 1991. Dont 14 avant 1971. Seuls « Rockin’ in the free world » (1989) et « Harvest moon » (1991) ont ainsi encore droit au chapitre. Un survol un peu trop rapide pour un des artistes les plus importants et influents de toute l’histoire du rock et de la pop. En outre 11 des 16 fragments étaient déjà parus sur le box « Decade ». Pour être plus ou moins complet, un double elpee aurait pu faire l’affaire. Incluant notamment « Cortez the killer », « Tonight’s the night », « This note’s for you », « Fuckin’up », “Sugar mountain” ou encore « From Hank to Hendrix ». Et la liste n’est pas exhaustive. Mais alors, il y aurait eu moins matière à contestation. En outre, en ne retenant de l’aventure Crosby, Stills, Nash & Young, que le pathétique « Helpless » et l’ouvertement politisé « Ohio », le survol s’est mué en raccourci. Bien sûr, ce « Greatest hits » a dû composer en fonction de son propre catalogue. Sans piocher dans celui de Geffen. Mais ce n’est pas la première fois que deux labels collaborent. Surtout lorsque la notion de rentabilité est partagée. Maintenant, faut pas non plus discréditer la qualité de cette compile. D’autant que tous les fragments qui le composent sont indiscutables. On a même droit à « Down by the river » (9’16), « Cowgirl in the sand » (10’05), « Like a hurricane » (8’20) ou encore à « Southern man » (5’31). Sans oublier “heart of gold”, “Comes a time”, “Hey hey my my” ou “Rockin’ in the free world”. Le tout remasterisé par la technologie HDCD.

The Zombies

As far as I can see

Écrit par
Ressusciter les Zombies, je veux bien! Mais encore faut-il y retrouver l’essence de leurs débuts. Agés tous deux de 59 ans, Colin Blunstone et Rod Argent ont tourné pendant trois ans avant d’enregistrer cet opus. Ils ont même bénéficié de la collaboration du London Symphony Orchestra. Soit une équipe de 21 musiciens à vocation dite ‘classique’. Et puis du backing band qui avait accompli ce long périple à travers le monde. Pas de trace de Hugh Grandy, qui jouit aujourd’hui d’une paisible retraite, ni de Paul Atkinson, décédé entre-temps ; mais bien de Chris White, venu donner de la voix sur trois fragments. Un disque mis en forme dans les studios Air, sous la houlette de Steve Orchard et de Rod. Bref, tous les ingrédients étaient réunis pour accoucher d’une œuvre majeure. Mais faute de merle, il a fallu manger des grives. Il y a bien « In my mind a miracle », plage sur laquelle on retrouve le toucher de clavier velouté si caractéristique de Rod. Le titre maître et « I want to fly », deux très belles compositions aussi sophistiquées et somptueuses que chez le légendaire E.L.O.. La voix de Colin. Belle, envoûtante et limpide. De superbes arrangements. Des mélodies moelleuses. Un zeste de jazz et de soul. Et d’excellents instrumentistes capables de renvoyer les 9/10 des musiciens issus de la scène pop/rock contemporaine à leurs études. Malheureusement le résultat final est décevant. Et ce n’est pas une nouvelle version d’« I don’t believe in miracles », écrite en son temps par Russ Ballard qui y change quelque chose. Encore que si vous êtes des nostalgiques de Kayak et de Kansas, vous allez trouver votre bonheur. A mon avis, si vous en avez l’opportunité, procurez-vous plutôt l’album « Odessey & Oracle », un elpee paru en 1967 et considéré comme un des 100 albums incontournables de la scène pop britannique. Qui a dit baba cool ?

Zolar X

Timeless

Écrit par
Jello Biaffra, mentor de Dead Kennedy's et big boss du label Alternative Tentacles, s'est sans nul doute beaucoup amusé en compilant et en remixant une vingtaine de titres appartenant au répertoire de Zolar X, groupe space-rock glam underground né au début des années 70. Parodique à outrance, le combo dont les membres sont tous fans de Monsieur Spock, donne dans le glam rock à la Ziggy Stardust, mais n'a malheureusement pas le quart du tiers du talent de Bowie. Plus kitch et ennuyeux qu'un vieux clip de Dalida, "Timeless" séduira peut-être une poignée de vieux fans nostalgiques de Gary Glitter, des New York Dolls ou de Chrome, mais ne parviendra jamais à acquérir un soupçon de crédibilité dans le paysage musical actuel. On se demande d'ailleurs quel est l'intérêt de sortir une plaque aussi dépassée et insipide. A côté de Zolar X, même Kiss fait preuve de sobriété et de bon goût.

Zita Swoon

A song about a girls

Écrit par
A l’origine cet opus devait être le premier opus solo de Stef Kamil Carlens ; puis au fil du temps il a fait appel à ses potes habituels, avant d’élargir les collaborateurs à une bonne dizaine de musiciens. Ce qui l’a sans doute poussé à reprendre le patronyme Zita Swoon, même s’il considère que cet elpee reste très personnel. Première nouveauté, on y retrouve 4 plages chantées en français. Un exercice de style auquel il s’était déjà essayé, et avec succès, pour le dernier album d’Arno. Il chante d’ailleurs en duo « De quoi a besoin l’amour ? », en compagnie d’Axelle Red. L’œuvre parle d’ailleurs essentiellement d’amour et de relations sentimentales. De rêve et de fantasmes aussi. Deuxième surprise, si sur " Life = a sexy sanctuary ", le spectre de Don Van Vliet avait été balayé par celui de Bowie, on ne retrouve pas davantage sur ce « A song about a girls » de traces d’électro disco / new wave qui régit ses prestations scéniques. L’ex dEus nous propose ici une collection de chansons légèrement jazzyfiantes, parfois exotiques, qui allient sobriété et charme sur un lit de percussions et de rythmes latinos. Et le résultat est plutôt convainquant, même si certaines chansons manquent quand même de délire. Encore, que dans ce domaine, c’est sans doute une question de goût. Bref, de cette plaque, je retiendrais surtout le ‘dEusien’ « Hey you, whatshadoing ? », le presque prog « Clair obscure » (King Crimson ?), l’hypnotique « Thinking about you all the time » (Jah Wobble ?) et le final « Remember to whithold » plus Tom Waits que nature.

Zap Mama

Ancestry In Progress

Écrit par
« Ancestry In Progress » constitue le cinquième opus du projet mené par Marie Daulne. Une plaque conçue entièrement aux USA, sous la houlette de Richard Nichols, personnage qui a marqué de sa patte ce qu’on appelle désormais la néo-soul, popularisée par Jill Scott, D’Angelo et les Roots. Un album fourre-tout qui compte des invités prestigieux : les rappeurs Scratch, Talib Kweli et Common, Bilal, Erykah Badu ainsi que le génial batteur Questlove. Chanté en anglais et français, « Ancestry in Progress » couvre un large spectre musical. Il recèle de la soul typique de Philadelphie (« Sweet Melody », « Handy bandy », « Miss Q », « Yaku »), du hip hop (« Yelling Away »), et de la drum and bass tout au long de « Ca Varie ». Les polyphonies pygmées, qui sont la marque de fabrique du groupe, sont largement intégrées aux morceaux. Un pari risqué mais qui se révèle assez réussi et naturel. A l’arrivée on obtient un bon album plutôt intimiste qui inclut son lot de bons morceaux, tout en demeurant un bon point de départ pour découvrir cette formation atypique.

Zamarro

Lust in translation

Écrit par
Formé en avril 2002 par Markus Gisin, ex leader de Lunazone, Zamarro reprend les ingrédients qui ont fait le succès de combos bien graisseux tels que Fu Manchu ou Kyuss. Usant et abusant de sonorités seventies, qu'elles soient psychés, bien rock ou même complètement heavy, Zamarro n'oublie pas le côté "bikers" ou "garage" avec des guitares qui feraient pâlir de jalousie un moteur de Harley Davidson. Un album qui ne surprend pas outre mesure, malgré quelques riffs bien pondus, et qui demeure assez fidèle à l'image qu'on se fait du stoner rock américain. Zamarro ne révolutionne pas le genre mais se laissera agréablement écouter par ceux qui ont craqué sur "Karma to Burn" ou "And the Circus Leaves Town". Soulignons enfin que la plaque a été produite par Jack Endino reconnu pour avoir bossé en compagnie de Nirvana, Soundgarden et Mudhoney. Excusez du peu !

Z-Man

Dope or Dog Food

Écrit par
Issu de la région de San Francisco, ce rimeur éprouve un peu de mal à positionner son style. Ce premier album recèle des morceaux qui rappellent l’humour noir de Cypress Hill et leur promotion de la ganja. D’autres traces musicales ressemblent aux pantalonnades vues dans la série « South Park », surtout quand Z-Man se met à rapper d’une voix de schtroumpf sous acide. Enfin, on a droit à des descriptions sans fioritures du marasme social américain qui donnent à l’album une atmosphère de kermesse de fin du monde où on rit rarement et jaune. Les beats, truffés de samples étranges, sont dans une veine minimaliste. A boire et à manger ici aussi, on passe assez vite des bonnes idées à des trucs qui semblent avoir été composés dans un état mental brumeux. A l’arrivée, Z-Man propose quelques bons morceaux qui quelque difficulté à surnager dans cette soupe narcotique. La faute à un album trop long, c’est-à-dire 70 minutes parmi lesquelles une bonne partie aurait dû être rehaussée de meilleures productions. Plus de concision et le recours à moins de drogues devraient se révéler payants dans le futur.
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