Formation de british blues, le Climax (Chicago) Blues Band s'était mis en évidence dans les derniers moments du British Blues Boom. A la fin des 60s, très exactement. Au cours des seventies, Climax a acquis une popularité certaine aux Etats-Unis. Le band n'a jamais cessé ses activités, même si Pete Haycock, un guitariste fort talentueux, a quitté le navire depuis bien longtemps. Du groupe originel, il ne reste d'ailleurs plus que le seul Colin Cooper. Chanteur, saxophoniste et harmoniciste, il affiche déjà 64 ans au compteur. Son timbre grave, éraillé et immédiatement reconnaissable avait fait le succès de "Couldn't get it right". 35 ans plus tard, outre Colin, le line up du combo implique le guitariste Lester Hunt, le claviériste George Glover et pour section rythmique, Roy Adams aux drums et Neil Simpson à la basse. L'elpee est sous-titré "The Songs of Willie Dixon". Pas la peine, donc, de vous faire un dessin.
"Big blues" s'ouvre sur les accents bien connus de "Little Red rooster". Exécuté sur un tempo quelque peu accéléré, Colin y joue de l'harmonica. Mené à la manière d'un boogie, "Spoonful" figurait déjà sur "Tightly knit", leur quatrième album. Et "Seventh son" sur "A lot of bottle", leur 3ème. Mais la version est ici beaucoup plus laidback. Slow blues classique, "Third degree" est interprété de manière tout à fait convaincante. Imprimé sur un tempo assez élevé "I'm ready" libère une bonne dose de swing. Un fragment adapté à la voix grave du leader qui double ici au saxophone. Le traitement funky administré à "Wang dang doodle" est judicieux. Renforcée par les claviers, la section rythmique est un support idéal pour le sax de Colin, qui se démène dans une jam improvisée mais de bonne facture. Le swing est encore bien présent tout au long de "My babe". Nonobstant son traitement classique, "I'm your hoochie coochie man" évolue sur un tempo plus rapide que celui pratiqué par Muddy Waters. "You can't judge a book by looking at the cover" s'égare dans un funk sans grand intérêt. Le Climax Blues Band n'adapte pas "Big boss man", le célèbre hit de Jimmy Reed, de manière conventionnelle. Si la cover est bien rythmée, c'est le saxophone de Cooper qui est mis en exergue. "I love the life I live" ne manque pas de potentiel. Son approche est R&B. Faut dire qu'avec le sax dans le décor ! Mais Colin y souffle en solo dans son harmonica. Cet album n'est pas suffisamment percutant à mon goût, mais il reste d'honnête facture et l'interprétation ne manque pas d'efficacité. Il s'achève cependant dans la quiétude et la fraîcheur par "That's my baby".
Découvertes par Andrew Fletcher (Depeche Mode, minable pousse-disques à ses heures), les deux demoiselles de Client n'aiment pas trop qu'on les regarde : un peu comme ces putes qui prennent l'argent du beurre sans rougir, après leur sale besogne exécutée à la va-vite. " Available on request/We never say no/Satisfaction guaranteed/Superior quality ", chante l'une d'une voix monocorde sur " Client ", le morceau d'ouverture : vendant leur voix et leur corps mais pas leur visage (la pochette), nos deux hôtesses prétendent donc assouvir nos désirs les plus fous… De l'électro-pop eighties façon New Order (" Rock And Roll Machine ", " Price of Love ", " Civilian ", " Sugar Candy Kisses ") ? Du Pet Shop Girls ? De la techno kraftwerkienne en soubrette (" Pills ") ? Nos désirs, malheureusement, valent plus que ça. Et ne s'achètent pas avec quelques vulgaires fripons et des boîtes à rythmes de blondes frigides. " We innovate, never imitate " (" Client ")… Hum ! Désolé, mais le client est roi. Et il veut être remboursé.
Attention à la claque. Clearlake nous vient de Brighton, terre de Fatboy Slim et d'Eighties Matchbox B-Line Disaster. Pourtant, chez ce quatuor sympathique, pas de surenchère : ni big beat bêta, ni poses garage de jeunes branlotins. Ici, c'est à la meilleure pop qu'on a droit, celle que Blur et Supergrass rêveraient d'encore pondre. " Almost The Same ", " I'd Like To Hurt You " et " Can't Feel A Thing " semblent ainsi tout droit sortis de la cuisse des Go-Betweens : une cuisse gonflée à l'EPO (ou l'EMO). Clearlake pourrait donc concourir sans coup férir au poste de nouvel ambassadeur de la brit-pop, celle qui fait les choux gras de la presse d'outre-Manche. Mais le groupe aime aussi brouiller les pistes, en écrasant les plates-bandes de Queens of The Stone Age et de Weezer (" Come Into The Darkness ", d'une intensité éblouissante) pour ensuite revêtir les habits décontractés des Beach Boys et des Kinks (" Keep Smiling ", " Trees In The City "). Insaisissables, ces Anglais mériteraient la Une dans le cœur de tous les fans de Radiohead (période " The Bends ") et de Grandaddy, et toutes les autres manchettes chez ceux qui préfèrent Pale Fountains et les Smiths. " Cedars ", ou les grandes heures de la pop (des années soixante à aujourd'hui) condensées en à peine 45 minutes : qui dit mieux ?
Après un premier album prometteur mais un peu bâclé (" Clarence Park "), Chris Clark balaie enfin tous nos doutes avec cet " Empty… " sombre et machinal, aux confins du hip hop le plus subliminal et du dub le plus grésillant. La machine crisse déjà sur " Indigo Optimus ", le morceau d'ouverture, avant que les scratches, les breakbeats et les synthés ne nous sauvent du naufrage sensoriel. A la suite, toujours ces imperfections notables, qui colorent la musique de Chris Clark d'une fragilité émouvante. La place aux sentiments n'est pas laissée vacante, et du concept d'" intelligence artificielle " dont Warp s'est toujours fait les choux gras, on ne retrouve que des traces mineures, effacées par le temps… Plus proche de la musique atrabilaire d'un Matt Elliott (Third Eyed Foundation) que des bleeps épileptiques d'un Richard D. James (excepté sa période " ambient " et " Satie ", que l'on retrouve en filigrane sur des titres comme " Tyre " et " Empty The Bones Of You "), l'électro de Chris Clark évacue toute frigidité industrielle au profit d'une mélancolie jamais rébarbative. Parfois, ça déraille et ça fait mal (" Gavel " et " Gob Coïtus "), mais il reste de l'espoir. Dans la musique de Chris Clark, il y a des matins qui chantent. Leur voix est railleuse comme du papier buvard et la rosée donne un peu froid aux articulations, mais le soleil scintille d'une lumière réconfortante, à peine caché par quelques nuages.
L'histoire de ce groupe n'est pas facile à cerner, puisque ce quintette réunit quatre Australiens et un Irlandais. Un groupe qui est né fin 99, à Melbourne, lorsque Benjamin Andrews et Declan De Barra, impliqués alors chez Non International Lifeform, décident d'entamer un nouveau projet. Attirant trois autres musiciens, dont le violoniste Russell Fawcus. Qui n'est pas irlandais, mais aussie. Declan décline par contre cette nationalité. Maintenant, il faut être conscient qu'un très fort contingent d'Irlandais a peuplé (NDR : envahi ?) les Antipodes, voici presque trois siècles. L'intégration n'a donc pas été trop laborieuse…
Par contre, le style musical pratiqué par Clann Zù, tout au long de ce " Rùa ", peut être qualifié de difficile. Parce qu'il est le fruit de la rencontre entre tradition celtique (NDR : of course !), électronique, musique classique (NDR : ou plus précisément wagnérienne), britpop (NDR : en particulier celle des Whipping boys, à cause du recours récurrent au style déclamatoire des vocaux), folk pop ténébreux australien (Triffids ?) et post psychédélisme industriel (Tuxedo Moon ?). Certaines interventions à l'archet sont même parfois aussi hantantes que celles d'un Blaine Reininger. A l'instar d'" All the people now ", chanson pop allègre, presque dansante, sculptée dans le drum'n bass. Ou encore du final " You're listening to a dead man speak ", un fragment complexe, aux arrangements luxuriants, mais à l'intensité tellement dramatique. Une intensité qui atteint son paroxysme dès le premier titre, " Word for snow ", un morceau tempétueux, frénétique, dont le climat et tellement proche d'un Godspeed You ! Black Emperor… Des arrangements qui peuvent même se révéler somptueux. Dans l'esprit d'un Perry Blake. Et je pense tout particulièrement à " Lights below ". Mais le style peut aussi se révéler plus allègre, épique aussi, parfois hymnique, contagieux même, conférant à cet opus, un éclectisme, ma foi, fort rafraîchissant…
Ils ont tous les trois une tête de pharaon tatouée sur leur bras gauche, font du rock'n'roll qui tâche et parlent de cul, d'alcool, de bagnoles, de Dieu et de pèse. Parmi eux, il y a une femme, comme dans Nashville Pussy. C'est Wanda, et elle tient le manche. Ses deux potes portent des vestes en cuir, et aiment qu'on les prenne en photo avec une guitare (ce si beau prolongement érectile) ou en train de boire. Ils aiment les Stooges et Radio Birdman, qu'ils reprennent dans les règles de l'art (à la " 1, 2, 3, 4 " - c'est d'ailleurs le titre d'une chanson). Ils viennent sans doute de Detroit, d'où le " Chrome " de " Wanda Chrome ", et le titre (furieux) " Detroit God ". Ils se disent rebelles, et le rock est leur bible (" Down & Dirty Rock & Roll "). Ils aiment les soli pleins de cambouis, le blues aussi. Leur musique du diable fume comme un moteur de Buick en surrégime. C'est con comme la lune mais c'est parfait comme coup de trique. Ca n'a pas d'importance mais en même temps c'est vital. C'est du vrai rock'n'roll, et c'est pour ça qu'on l'aime. ‘Young and wild, the rebel kind/Won't lose our dreams won't lose our minds/Ain't gonna give up on rock & roll/Never gonna give up our teen-age soul’. Voilà qui est bien dit.
Cet album contient (dans le désordre) : des synthés eighties dégoulinants, des chœurs à la Ligeti (2001), des cigales, du jodle, de l'harmonica, The Mamas and the Papas, du vocodeur, des sirènes de police, Belle and Sebastian, de la pluie suivie d'orages, de la country, des cris d'enfants, des trompettes, The Beta Band, des lasers, des montagnes qui parlent, High Llamas, du matos électro vintage, des craquements de vinyles, des rires gras, du xylophone, Mercury Rev, du gospel, des clappements, du violon et du piano, des BPMs, Grandaddy, du theremin, de l'orgue, le tic-tac d'une horloge, Human League, des " lalalaitou ", un coq qui chante, de la contrebasse, des voix qui déraillent, Flaming Lips,… Le silence. Christopher Danforth serait fou qu'on trouverait ça normal. " Outside of outer space " porte d'ailleurs bien son nom : voilà bien un disque venu d'ailleurs, qui ose tout et n'importe quoi. Sans doute que ce Christopher, un bel hurluberlu, est un cousin de Wayne Coyne. Même le timbre de sa voix ressemble à celui du barbu illuminé. Sa musique, un bric-à-brac étonnant et jouissif, reprend les préceptes de la musique concrète : capter les bruits de ce monde et les orchestrer, pour constituer une " nouvelle volupté acoustique ", comme le dit si bien le futuriste Russolo dans son livre séminal (de 1913 !), " L'Art des Bruits ". De volupté, cet album n'en manque pas, tant l'ensemble des sons enregistrés par Danforth (cfr liste) s'harmonisent parfaitement avec la musique proprement dite, celle avec guitares, voix et batterie. Rarement disque aussi barré nous aura tant ému. Parce que malgré son caractère atypique et excentrique, " Outside of Outer Space " reste d'une évidence rare. La marque des grands albums, sans aucun doute.
‘10 personnes = 5 minutes, 20 personnes = 10 minutes,...’ Ou comment Chinese Stars détermine la durée de ses concerts ?... Partant du même principe, cet Ep a dû réunir 25 personnes (NDR : question à ceux qui ont la bosse des maths : combien de temps dure cet Ep ?) Et s'ils remplissent le stade de France ou le Roi Baudouin un jour ??? Deux indications : Skin Graft et Arab On Radar. Skin Graft : génialissime label rock chicagolais avant-gardiste. Arab On Radar : une des signatures de ce label. Difficile de passer sous silence ces infos. Car Skin Graft symbolise une musique iconoclaste, à mille lieues de tout ce qui existe en matière de free-rock (?) (les Flying Luttenbachers, US Maple, Quintron,...). Arab On Radar ? The Chinese Stars en est le prolongement. Le décor est planté, reste à savourer la musique. Et c'est là qu'on se dit que The Chinese Stars pourrait profiter d'un mini succès, d'une mini hype. Y'a pas de raison. Plus accessible que son prédécesseur, The Chinese Star aligne 6 titres énergiques, mélodiques, rock dans les encoignures ; mais cette apparente "simplicité" n'éloigne pas l'identité inclassable du band. Allez, on attend l'album à suivre et on commence déjà à passer le nom à ses potes. Avant Wembley ?...
Chilly Willy constitue aujourd'hui une des meilleures formations belges de blues. Une réputation acquise au cours de leurs valeureuses prestations scéniques. CW s'est formé en 1992. A Diest, dans le Brabant flamand. Au cours des dernières années, il a écumé les planches des principaux festivals belges. Une formation toujours drivée par le chanteur, Wim ‘Huibbe’ Huybrechts ; mais amputée du guitariste Dirk Piselé, qui s'en est allé l'année dernière. Ce qui n'empêche pas les solistes de s'y bousculer. Ils sont au nombre de trois : Kris "Reverend Hotrod" Rogiers à l'harmonica ainsi que Dirk Cuyvers et Alain Counye aux guitares. Ils sont épaulés par une très solide section rythmique : Roel Celis à la basse et Walter Cuyvers aux drums.
Cet excellent premier album à été immortalisé 'live' au M.O.D de Hasselt. En février 2002. Chilly Willy est principalement inspiré par le Chicago blues. Il le rappelle à travers les célèbres "I'm ready" et "My babe" de Willie Dixon, mais également "Checkin' up on my baby" et "Help me" de Sonny Boy Williamson II. Sans oublier les quelques chouchous issus de son répertoire, élaborés au cours des dernières années : "Backscratcher" de Frank Frost, ici épinglé en rappel, ainsi que "Tinaneenanuu" et "Hip shake baby" de Slim Harpo. Ce qui ne l'empêche pas de commettre d'autres plages aussi intéressantes. A l'instar d'"I dont want you hangin' around" de Lee McBee, "Pocketful of wishes" des frères Arlt (NDR : de BB & the Blues Shacks), ainsi que de "No fightin' de Lester Butler. Il faut reconnaître que les musiciens du combo sont des fans impénitents du regretté Lester et des Red Devils. Si la voix de Huibbe est bien adaptée au style de C.W., il faut reconnaître que le haut du pavé est tenu par le Reverend Hotrod. Il est incontestablement un des meilleurs souffleurs de notre pays. Il attaque "I'm ready" à la façon de Kim Wilson, son maître. A mi-parcours, Chilly Willy accueille le saxophoniste Igor "Saxomatic" Maseroli. Un invité que je ne connais pas, mais tire très bien son épingle du jeu. Et en particulier chez "Little girl", caractérisé par une ambiance louisianaise, le funky "Tinaneenanuu", et le sémillant "Help me", au cours duquel les guitares s'activent. Les plages de choix abondent en fin de parcours. Et en particulier la longue version du "No fightin'" de Lester Butler, empreint d'une certaine intensité dramatique, et "Hip shake baby", une plage menée à la manière d'un boogie de bravoure. Ce que le peuple souhaite voir et entendre 'live'! Ce bon band bien de chez nous mérite une accolade. Et pas seulement parce que son patronyme complet doit probablement être un des plus longs de l'histoire du blues et même du rock'n roll : Chilly Willy Loony Goony and the Free American Indie hippy blues street fruits! Ouf!
Vic Chesnutt ne sera probablement jamais célèbre, mais ses chansons ont au moins le mérite de toucher les vérités qui se cachent au plus profond de nous même. " Silver lake " constitue déjà son 11ème album. Un disque qui a bénéficié du concours de Mark Howard (NDR : le protégé de Daniel Lanois) et de Lucinda Williams, à la production. C'est d'ailleurs ici que le bât blesse, car a contrario de ses opus précédents, les arrangements et les orchestrations ont tendance à envahir l'espace sonore. Une impression accentuée par la profusion d'instruments impliqués dans la solution sonore. Et c'est tout particulièrement le cas sur " Zippy Morocco " et " Wren's nest ", deux chansons qui expurgées de leurs fioritures, auraient pu atteindre une autre dimension. Un peu comme sur son formidable elpee, " The saleman and Bernadette ". Ce qui ne veut pas dire que le reste de l'œuvre souffre du même syndrome avec la même intensité. Mais il faut reconnaître que ce sont ses chansons les plus épurées qui ont le meilleur impact. Et je pense tout particulièrement au tentaculaire et confessionnel " I'm through ". A la ballade dylanesque " Styrofoam " ; ou encore au romantique " In my way, yes ", dont les harmonies vocales sont aussi soignées que chez Crosby Stills & Nash. L'électricité n'a cependant pas été négligée. Heureusement, elle est dispensée à bon escient. A l'instar des crazyhorsiens " 2nd floor " (NDR : une composition inspirée d'un poème chinois du 5ème siècle) et du contagieux " Stay inside ". L'opus recèle, cependant, encore quelques bonnes surprises. A l'instar de l'hommage à Brian Wilson " Fa-la-la ", un fragment qui non content d'emprunter l'intro du " Boys don't cry " de Cure, épingle une rickenbacker à 12 cordes. Du filmique " Sultan, so mighty ", au cours duquel Vic emprunte un timbre falsetto pour raconter l'histoire d'un eunuque. Piano électrique, cuivres, tempo lent et chœurs féminins limpides nous replongent au sein d'un univers fort proche de Robert Wyatt. Ou encore de " Band camp ", qui confirme que Chesnutt mérite bien le titre de Bob Dylan des temps modernes. D'autant plus que les lyrics sont toujours aussi brillants. Vic s'inspire aussi bien de musiciens, d'écrivains que de romanciers pour narrer des contes peuplés d'hommes et de femmes qui souffrent ; des êtres humains trop souvent blessés, tristes, ignorés ou abandonnés à leur triste sort. Des textes quelque part autobiographiques, lorsqu'on sait qu'il est paraplégique depuis qu'il a été victime d'un accident de la circulation. Mais il a le bon goût de laisser une grande place à l'espoir ; et puis s'exprime, le plus souvent avec une bonne dose d'humour. Le monde du rock et de la pop a besoin de lui pour chercher la vérité, la grâce et la farce qui régissent notre monde…
Pour enregistrer leur précédent opus, Tom Rowland et Ed Simons avaient reçu la collaboration d'une belle brochette d'invités, parmi lesquels figuraient Bernard Summer, Hope Sandoval, Bobbie Gillepsie, Noël Gallagher et Jonathan Donahue (Mercury Rev). Et ces expérimentations avaient permis au Chemical Brothers d'accoucher d'un album presque parfait, intitulé " Surrender ".
Le duo n'a pas eu la même chance pour concocter ce " Come with us " ; à moins qu'il n'ait voulu revenir à un style plus synthétique. Seul Beth Orton, mais pour chanter la ballade mi-figue mi-raisin " The state we're in ", et Richard Ashcroft pour magnifier le meilleur morceau de l'opus, " The test ", ont participé aux sessions d'enregistrement. Résultat des courses, une bonne moitié de l'elpee ressasse une forme de disco/techno/house beaucoup trop prévisible. Reste quand même quatre fragments qui sortent du lot. Tout d'abord, le titre maître. Une composition qui surfe sur des vagues ondulatoires de claviers sinueux, une houle sonore agitée par des code en boucles : les Beastie Boys rencontrent les Young Gods ! " It began in Africa ", ensuite. De la techno percussive, viscérale, obsessionnelle, au groove pulsant. Qui infecte également le single " Star guitar " ; mais davantage dans l'esprit de " Jus 1 kiss " de Basement Jaxx. Et enfin, et j'y reviens, la superbe composition atmosphérico-psychédélique à laquelle participe l'ex chanteur de The Verve. Pour le reste rideau. 18 mois de studio pour accoucher d'un tel album, c'est un peu léger…
Il n'y a pas si longtemps, on ne donnait pas cher de la peau d'Alain Chamfort : réduit le plus souvent à son image d'éternel 'roucouleur' d'une variété française au parfum suranné, l'ex-claviériste de Dutronc faisait plutôt peine à voir et à entendre. Mais depuis l'épisode AS Dragon, le vieil animal semble avoir repris du poil de la bête ; et c'est un réel plaisir d'écouter… ce " Plaisir ", son meilleur album depuis des lustres. Comme il le chante si bien, de sa voix suave, sur le morceau d'ouverture, c'est bel et bien " le grand retour d'un has been superbe/Dont peuvent s'inspirer les idoles en herbe " (" Le grand retour "). Des idoles qu'il égratigne au passage sur l'un des autres sommets de l'album, " Sinatra ", l'histoire d'une rupture à peine digérée qui lui permet, gentiment, de remettre les pendules à l'heure : cette " nouvelle chanson française ", de Biolay à Miossec, lui doit beaucoup, quoi qu'on en dise. Quant aux journalistes, qu'ils soient pardonnés pour leur forfanterie : même les " Spécialistes " ont parfois tort, la preuve par 13 avec ce disque. Mais sous l'évidente bonne humeur de ce jerk (en duo avec April March) se cache un sentiment plus pesant : celui d'une certaine mélancolie, qui plombe certains titres comme " Juste avant l'amour " (signé… Houellebecq) et " L'hôtel des insomnies ". Mais " Le Plaisir " est suffisamment truffé de bons mots (Jacques Duvall, en pleine forme) et de fins arrangements pour qu'on en ressorte ébloui et content (le triptyque " Les scènes de l'amour ", qui clôture l'album en beauté). Avec cet album, Chamfort se fait plaisir, et nous en procure. Pourquoi le bouder ?
Quand les portes du Liban nocturne s'ouvrent à notre ouïe de clubber en quête de nouveaux sons, Claude Challe nous accueille pour assouvir nos désirs d'une musique vraiment inspirée. Après avoir exploré les routes hindoues avec "Nirvana Lounge", Claude Challe revient avec "New Oriental", en collaboration avec"The REG Project", alias Ralph, Elie et Guy. Les puristes de l'électro et de la house n'aimeront probablement pas ce projet, car sans doute le trouveront-ils "facile" ou banal. Les autres, rêveurs ou aimant s'évader par la musique y trouveront leur compte, et surtout de l'énergie, s'ils l'avaient perdue. Car cet album est vraiment enclin à la gaieté, grâce au rythme endiablé des basses qui ne donnent même pas la migraine ! La mélodie procurée par des violons orientaux rappelle, de temps en temps, Moum Khalife ou plus près de nous les raïs de Rashi Tahar. Mais si l'ensemble paraît effectivement simpliste ou juste bon pour danser, il va au-delà de la première perception. Car en l'écoutant plus attentivement, "New Oriental" fait preuve d'une grande inspiration. L'album commence doucement par le magnifique "Lost Love", au cours duquel l'arpège du clavier suffit à donner une touche nostalgique. Un violon, une flûte, et une mandoline, aux tonalités presque tristes, le rejoignent, amenant à une impression aquatique. Pourtant ils ne sont que les prémices de morceaux beaucoup plus rythmés et très orientaux : un vrai délice libanais. En revanche, basé sur le clavier aux accents latinos, "Casa del sol" est en rupture totale avec le reste. Pourtant, le morceau n'est pas dénué d'intérêt. Mais le paroxysme de l'endiablement oriental est atteint sur "Batwannis Beek", où les voix envoûtantes et furtives de chanteurs orientaux complètent le morceau d'une profondeur sensuelle. Les enchaînements permettent de donner une homogénéité à l'album qui se conclut par un morceau plus éléctro et plus doux, comme les deux premiers qui introduisaient cette fête libanaise. La boucle est ainsi bouclée, et Claude Challe réussit un album à la jaquette accrocheuse : une photo aérienne de Beyrouth par Yann Arthus-Bertrand : rien que ça !
Riyan Kidwell est un stakhanoviste : un album par an, et à chaque fois c'est différent. Pour celui-ci, l'Américain s'essaie au hip hop et à l'anti-folk, avec toujours cette touche de laptop qui fait mouche. De l'anti-électro-rap-folk ? Difficile de classer la musique de ce garçon (à peine 20 ans au compteur), qui joue avec les styles comme un jongleur avec ses balles. Imaginez Mike Skinner ou Eminem obligés de produire leur disque avec des bouts de ficelle : un ordi, une guitare pourrie et quelques amis (ici Venetian Snares)… Pas simple. Kidwell, lui, l'a fait. Et le résultat groove, sans frimes ni avance sur recettes (" Earth-Shaking Event ", " Stamina "). Notre homme se déclare " half man, half human ", ce qui veut dire la même chose, mais prouve son humour et son sens de la répartie. Et ce disque regorge de bons mots et de rimes désopilantes. Comme si les Moldy Peaches se mettaient à l'avant-hop avec Kevin Blechdom en pom pom girl. Sur le dernier titre, " Nevermind ", on croirait même entendre… Nirvana, avant que la chanson ne déraille et se plante, attaquée par une sorte de virus informatique. Ce genre d'accident, Kidwell en a fait son fond de commerce. Si bien qu'à la fin, on se demande si tout va bien dans la tête de ce jeune homme, et si celle-ci se trouve bien sur ses épaules. Une version plus électronique de cet album existe également (" Being Ridden Instrumentals "), pour les amateurs de bleeps un peu cradingues. Quant aux fans de Bowie, ils apprécieront la pochette (une parodie de " Heroes "), preuve supplémentaire que Kidwell apprécie les clins d'œil et le second degré.
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