Après un EP 5 titres, Colin Meloy et sa troupe de folkeux opiniâtres sortent leur premier album, taillé dans le folk-rock le plus lancinant et dans la pop la plus champêtre. A cinq, ils jouent d'un peu de tout : accordéon, piano, orgue Hammond, pedal steel, theremin, percussions. Sur cet enchevêtrement digne des Levellers et de Sheryl Crow (pire : Tom Petty), la voix de Meloy se paie le luxe de singer Neil Finn de Crowded House… Tout un programme ! Ajoutez au tableau du western spaghetti (" A Cautionary Song ") et des riffs à la Camper Van Beethoven (" Odalisque "), et le compte est bon : The Decemberists n'inventent rien, et on s'ennuie ferme. Un peu comme au mois de décembre, tiens, coincé chez soi à regarder la neige tomber dehors, à moitié somnolent. Vivement le printemps.
Benjamin Gibbard n'a même pas 25 ans, et déjà une belle carrière derrière lui : après l'excellent album de son side-project électro-pop The Postal Service (" Give Up ", une perle), voici qu'il récidive la même année en compagnie de son groupe plus " indie-rock ", Death Cab For Cutie. Mais cette fois, le jeune prodige a calmé ses ardeurs et nous propose un joli recueil de 11 chansons douces-amères, portées par sa voix toujours si caressante, des riffs parfois rebelles et du piano aux notes légères. S'il inaugure le bal par un titre taillé pour les ondes (" The New Year ", de la pop sophistiquée mais pas vaniteuse), Gibbard ne se prend pas la tête : à choisir, mieux vaut rester dans l'ombre que d'être grillé par les spotlights. Parce que DCFC, malgré son évidence mélodique qui rappelle Papas Fritas, Bright Eyes et les Pet Shop Boys de " Being Boring " (ben oui), n'est pas vraiment taillé pour le succès de masse. Exposer ces vignettes pop à la lumière aveuglante des diktats FM équivaudrait à les dénaturer et les détruire. Pour apprécier justement ces chansons raffinées, mieux vaut donc les écouter tout seul dans sa chambre, les écouteurs sur les oreilles. La démarche est égoïste, mais le bonheur, ici, est à ce prix. Une fois apprivoisées, peut-être alors pourront-elles être partagées. Liée par une indéfectible joie, la petite communauté réunie autour de Gibbard pourra dès lors reprendre en chœur les " pa pa pa " de rigueur, et s'extasier devant ces compos aux charmes vénéneux. Jusqu'à se perdre et se fondre dans l'allégresse collective d'un grand moment pop devenu trop rare.
Classé troisième dans la liste des albums du mois de septembre du très respectable magazine hollandais Aardschock, le deuxième album de Dead Soul Tribe, groupe formé par l’ex Psychotic Waltz Devon Graves, est une authentique bouffée d'air frais dans le paysage hard n' heavy du moment. Inclassable, innovateur, mélodique et parfois tribal au niveau des rythmiques, "A Murder of Crows" est susceptible de séduire différentes franges des amateurs de metal. Le chant, doux et frais comme la rosée du matin, évoque tantôt Marillion, tantôt Porcupine Tree, pour se faire parfois plus agressif sur les passages les plus speedés. Mais l'ensemble de l’œuvre évolue dans un registre lent, voire mid-tempo, et n'est pas sans lien de parenté avec la musique progressive. On pense à Queensryche voire à Amorphis, et certaines atmosphères lorgnent même vers l'alternatif torturé d'un Muse. Les musiciens savent y faire, le talent est au rendez-vous, et l'apparition inattendue d'une flûte traversière sur trois des douze titres qui composent la rondelle accentue davantage la démarche expérimentale du groupe. Toute en finesse et sans artifices, la musique de Dead Soul Tribe semble familière mais reste énigmatique et complexe. Brillamment construite, cette collection de titres déconcertants joue sur les sentiments de l'auditeur et possède, outre son côté metal post progressif, cette petite touche pop fort attendrissante. Il suffit de jeter une oreille sur le splendide « In a Garden Made of Stone », dont le son de guitare a été emprunté à Black Sabbath, pour se rendre compte qu'on tient là une œuvre sublime et subtile, dont l'abondance de mélodies luxueusement ciselées touchera les âmes sensibles. A recommander aux fans de Tool, Porcupine Tree et Ark, trois groupes qui évoluent dans des registres différents. C'est dire si les influences de Dead Soul Tribe n'ont pas de frontières !
Si on ne tient pas compte du 'live' "Got live if you want it", "Shivering king and others" constitue le troisième album de ce trio issu de Washington DC. Hormis l'instrumental "Wayfarers all", un fragment de heavy folk inspiré par le 3ème elpee de Led Zeppelin, les deux premiers tiers de l'opus baignent dans un rock soixante-huitard, ténébreux, aux relents de psychédélisme primaire. Une solution sonore plutôt revivaliste qui évoque tour à tour Hawkwind, Free, le Cream, Blue Cheer, Robin Thrower, et sous sa forme la plus blues, Ten Years After. Electricité distordue, sale, bourdonnante et tempo répétitif, monotone, noient la plupart du temps les vocaux trafiqués de Jason Simon. Vous voyez le topo. Mais en fin de parcours, Dead Meadow prend un virage à 180°. Pour trois compositions sculptées dans les cordes de guitare acoustique. Le titre maître, " She's mine " et " Heaven ". Trois fragments remarquables qui nous replongent dans l'univers du défunt Swans, trois plages qui déferlent, telles des vagues tempétueuses, sur les récifs de la mélancolie. Et si le final, " Raise the fall ", renoue avec l'électricité, c'est dans le même esprit. Près de 7 minutes sanctifiées par des harmonies vocales mystiques, et dont la texture crescendo est tramée sur un mode post rock digne de Mogwai.
Considéré à l'origine comme un maître de la musique gothique symphonique, Dead Can Dance va évoluer de plus en plus vers un univers sonore davantage influencé par la world, expérimentant au passage le chant grégorien, le folklore celte, la Renaissance, Le Moyen-Orient et les rythmes du Brésil et de l'Afrique occidentale Jusqu'en 1998, année de leur séparation. Mais le plus remarquable et le plus paradoxal, c'est que ce duo australien est parvenu à séduire un public rock, à l'aide d'une musique qui ne doit pratiquement rien au style. Enfin, pas tout à fait, puisque son premier elpee (NDR : éponyme) impliquait une instrumentation électrique et acoustique tout à fait conventionnelle. Nonobstant la présence de " Frontier " sous sa version démo et l'inédit " The lotus eaters ", ce double CD risque de faire double emploi pour celles et ceux qui se sont procurés le " Box set ". M'enfin, j'ai l'impression qu'il s'adressait avant tout aux aficionados. Pour les autres, et en particulier pour les profanes, ce " Wake " synthétise parfaitement l'œuvre de ce duo aussie. Un duo partagé entre Lisa Gerrard, vocaliste à la voix pure, céleste, presque mystique qui se servait d'une sorte de zither chinois, le Yang Ch'in, et Brenda Perry, multi-instumentiste doué d'un baryton profond, qui s'intéressait beaucoup à la musique médiévale, mais aussi africaine, matière qu'il avait d'ailleurs approchée en accomplissant des études d'anthropologie.
Lorsque Daniel Droixhe, alias Elmore D, chante le blues en patois liégeois, certains s'interrogent. Je les comprends. Les Vets ont décidé de chanter leur blues en flamand. J'apprécie énormément mes compatriotes flamands. A la fois pour leur culture et leur ouverture d'esprit. Mais chanté dans la langue de Vondel, le blues passe très mal ! Ce qui est vraiment dommage, car les Vets sont capables d'atteindre un niveau musical très élevé. Est-il nécessaire de vous présenter leur line up ? Parce que les Vets ne manquent pas d'humour : Pim Vets au chant et à l'harmonica, Pat Vets à la guitare, Wim Vets à la basse et, bien sûr, Stan Vets aux drums. En outre, nos Vets ont tout composé, alors qu'en réalité ils répondent sûrement aux patronymes de Roegiest, Winnepenninckx et puis, pourquoi pas de De Cort, Fievé, de Habils ou encore de De Groef. Sacrés Flamands! Et nos Vets, croyez-moi, connaissent la signification du blues.
Dès l'ouverture, un shuffle vous attend au détour pour un "Dat komt voor mekaar" dont l'assise rythmique est d'une solidité à toute épreuve. Très enlevé et inspiré par Little Walter, "Goed raak" est exécuté à l'harmonica comme un R.J Mischo en grande forme. Ils sont également susceptibles de swinguer le tonnerre. Et d'évoluer sur un mode très jump. A l'instar de "Liefde maakt blind" (l'Amour rend aveugle) et de "Verdorie nog aan toe". Ils jouent aussi superbement le blues. Et je pense tout particulièrement à "Je staat me bij". Le Chicago blues ? Ils excellent également, en l'imprimant sur un tempo très élevé. Comme sur "De droom fabriek" et the "Dream factory", illuminé par une superbe intervention à l'harmonica. Et je vous prie de croire que le guitariste sait gratter ! L'instant suivant, les Vets jouent le Texas blues comme les Fab T-Birds. "Pak de poen", une espèce de "Fine, fine, fine" au tempo percutant et au dynamisme communicatif en est la plus belle démonstration. Il sont aussi capables de sonner comme Little Charlie & the Nightcats, en alignant de toutes bonnes répliques dignes de Rick Estrin ou de Charlie Baty. C'est évident chez "Terug naar je wereld" et "Back to your world". Cet opus s'achève, sans surprise, dans le Delta ; une slide ou un dobro bien immergé dans le Mississippi. Nonobstant la réserve due au côté guttural de la langue, " De tattoos van de blues " demeure un tout bon album ; et la plage titulaire, délicatement cuivrée, reflète parfaitement le potentiel de la formation.
La galaxie Lex (succursale hip hop de Warp) brille de deux nouvelles étoiles : DJ Danger Mouse, producteur aux mains d'or, et Jemini " The Gifted One ", MC new-yorkais au flow limpide et corsé. A deux, ils viennent de signer un premier album qui a tout d'un classique : samples bétonnés, rimes habiles, humour gratiné, sens du groove et tubes en cascades. " I was born a MC ", prétend Jemini dans l'intro de ce disque boombastic : tout au long de ces 14 titres d'une qualité irréprochable, le rappeur squatte le mic sans qu'on s'en lasse. C'est que dans l'ombre, Danger Mouse balance la sauce avec grande classe : violons à la Busta Rhymes (" Born-A-MC "), chœurs d'opéra (" Ghetto Pop Life "), guitares funky (" Omega Supreme "), cuivres " morriconiens " (" The Only One "), r'n'b sans la mélasse FM (" Copy Cats ", " Yoo-Hoo ! "), blues en 78 tours (" Don't Do Drugs "), soupirs féminins (" I'm a Doomee "), notes bleues (" Knuckle Sandwich "),… Il y a belle lurette qu'on n'avait plus jasé de la sorte sur un album de hip hop ! Tout, ici, est propice à la déconne, mais avec un savoir-faire et un panache qui se révèlent le plus souvent la marque des grands disques. Sur quelques titres, des invités en grande forme se joignent à la fête : J-Zone, The Pharcyde (la claque " Medieval "), The Liks des Alkoholiks et Prince Po d'Organized Konfusion… Tous avec la ferme conviction qu'il est encore possible de faire du rap comme il y a 15 ans, sans frime ni stéroïdes (rappelez-vous le Daisy Age, Prince Paul, Pete Rock, etc.). Et même si l'on est avant tout là pour s'amuser, il y a aussi des moments de réflexion, comme sur " Bush Boys " et " Here We Go Again ", véritables diatribes anti-impérialistes qui prouvent qu'en Amérique, des voix osent encore s'élever face à l'ignorance, l'incompétence et l'injustice. Pour toutes ces bonnes raisons, réservons à cette galette une place de choix dans notre discothèque. Le disque hip hop de l'année ?
Les Dandy Warhols aiment brouiller les pistes. Observez la pochette, tout d'abord : elle arbore une banane qui s'ouvre à l'aide d'une fermeture-éclair. Soit une allusion à peine voilée au Velvet Underground qui se serait ouvert aux Rolling Stones de " Sticky fingers ". Après avoir écouté l'album, j'ai vainement cherché le rapport. La raison est toute simple, pour enregistrer son nouvel opus, le groupe a bénéficié du concours de toute une équipe qui s'est surtout illustrée au cours des eighties. Soit Nick Rhodes, l'ex claviériste de Duran Duran à la co-production (qui a emmené le chanteur, Simon le Bon, dans ses bagages), Nile Rodgers de Chic (qui avait aussi travaillé à une certaine époque avec les DD) à la guitare, et Tony Visconti (le producteur de Bowie) à la basse (mais pour un seul titre). Résultat des courses, la première moitié de l'opus nous replonge 20 bonnes années en arrière. Pour y danser sur une pop synthétique ; ou si vous préférez une new wave dansante, teintée avec chic ( ?!?!?) de disco et de funk. Et je vous avoue que " We used to be friends ", " Plan A ", " The dope (wonderful you) " et " I'm a scientist" recèlent ce 'groove' contagieux et viscéral qui gangrenait des hits tels que " Planet Earth " et " Girls on films ". Même le nonchalant " I am over it " adopte un profil semblable. Plus rock dans l'esprit du précédent album, " The Dandy Warhols love almost everyone " marque un changement radical de cap. Co-écrit avec Nick Rhodes, le très beau " Insincere because I " nous entraîne dans un univers atmosphérique, glacial, cristallisé par de superbes harmonies vocales. Le spectre de Bowie plane sur le dispensable " I am sound ". Calquant même sa rythmique sur " Ashes to ashes ". Une ombre qui hante de nouveau " You were the last high ". Ecrit en collaboration avec Evan Dando, ce morceau produit une très belle mélodie 'garynumanesque'. Mid tempo, " Heavenly " possède tous les atouts pour devenir un tube. Par contre le glam " Hit rock bottom " pastiche un peu trop T Rex, à mon goût. L'opus s'achève par l'envoûtant, énigmatique, " You come in burned ", sorte de Fad Gadget sous valium. Dommage que tout l'album n'affiche pas la pêche des premiers morceaux.
"I wanna be in your radioshow", chantent les quatre donzelles de Damer sur le premier morceau de cet EP fleur bleue… Le problème, c'est que leurs chansonnettes pop n'ont rien d'exceptionnel, et surtout, ressemblent à s'y méprendre à du Belle & Sebastian… mais sans pour autant damer le pion au groupe de Stuart et de la charmante Isobel. Pourtant, l'espoir de passer un jour sur les ondes n'est pas totalement vain pour ces quatre jeunes filles venues d'Hollande : eh oui ! Isobel vient de jeter l'éponge, laissant Stuart tout seul et tout triste… Allez-y, jeunes libellules, sautez sur cette occasion en or ! Battez-vous ! Séduisez ces faux jeunes aux dents longues, faites leur retrouver le sourire ! Sans Belle, Sebastian n'est qu'un pauvre minable, et vous feriez bien d'en profiter.
‘Ennemi de soi-même, comment aimer les autres ?’, chante Etienne Daho dès les premières notes de ce nouvel album : une introduction d'une impudeur téméraire, qui nous rappelle avec véhémence que le Français s'est toujours plu à tout remettre en question, aussi bien lui-même que sa musique. Une " réévolution ", comme l'impose le titre. Une confidence, murmurée à nos oreilles comme l'on dévoile ses plus grandes faiblesses. Un témoignage étonnant, presque intimidant, dévoilant les obsessions et les peurs d'un grand songwriter au cœur tendre mais fragile. Le doute, donc, est semé… Mais déjà la mélodie s'envole, les violons s'élancent, et Daho nous rassure : " Quand demain se lèvera/Je serai libre ". " Retour à toi ", à l'amour sans cesse évalué, à ces nobles sentiments qui font de belles chansons. Retour à la normale. Daho, " debout et les poings levés " (" Réévolution "), se bat vaillament face à ces démons qui le hantent. Le son, plus rock, plus live, traduit cette assurance. " Pourquoi sentir l'orage en soi " (" L'orage ") puisqu'il reste de l'espoir, d'être un jour aimé, compris, choyé ? C'est le souhait d'Etienne Daho, dont chaque album ressasse les mêmes lubies : la peur de vieillir, d'être oublié, " d'in-voluer ". Depuis " Corps et Armes ", on sent pourtant poindre un sentiment de quiétude chez l'homme d'Oran, ne serait-ce que dans le chant, si juste, si clair, si apaisé. Les mélodies, elles aussi, distillent cette envie d'être en paix, avec soi-même et les autres. A la première écoute, ça paraît trop mou, un peu vague. Mais le temps donne vite raison à ces chansons sans morgue, au charme insidieux. Si " If " (déjà présent sur l'album de Ginger Ale) agace par ses rimes du Jeu des Dictionnaires, des titres comme " L'inconstant " (et ces riffs orageux) et " Talisman " (son " Heroes " à lui ?) subjuguent par leur évidence. Daho, l'éternel adolescent, à la fois charismatique et fragile, délicat et viril : une image qu'il cultive avec honneur et sincérité. " Peu importe si le flacon est éphémère, pourvu que le charme opère ", clame-t-il à la fin de l'album (" Les Liens d'Eros ", en duo avec Marianne Faithfull)… Pour nous, cette pop n'a rien de périssable, puisqu'elle distille ses charmes depuis plus de 15 ans. Une ré(é)volution, encore et toujours…
Voilà un album de rock fusion qui déménage sans faire de son malin, met le feu sans jouer au gros dur. Da Familia, c'est quatre types bourrés d'énergie (Pablo au micro, Jeda à la basse, Sko à la batterie et JP Devox aux guitares et programmations) dont la musique emballe dès la première écoute, une " Culture Mixta " de rock, de métal, de hip hop, de funk et de ragga. " Hè perdido la fè " ouvre la bal sous les meilleurs auspices, avec ses grosses guitares à la Watcha et son groove rappelant Starflam (à la prod', Jean-Charmes Crémers). " Culture Mixta " ravive la flamme du P-Funk, avec sa basse rutilante et ses appels à la tolérance : " Y a pas de B-Boy, y a pas de Rocker/On est juste nous sur le son/… On n'mélange pas qu'les styles/Mais aussi les générations ". Da Familia mixe culture de la fête et prises de position, parce que la déconne peut ouvrir les horizons : " J'ai des idéaux dont j'débats/Objectif : rester vrai, rester nous dans c'qu'on fait ". La musique reste ici un médium contestataire, pour parler de la drogue (" Fumigène "), condamner le machisme (" 7/69 "), hurler son dégoût du système (" En mon âme et conscience "). Du nu-métal épicé de " Solidaire " (leur " Antisocial " à eux ?) au chaloupé titre de clôture (même pas crédité), cette " Profession de Foi " débordante de rage (et de tubes) prouve que Da Familia est loin d'être une blague belge. Et que le rock fusion à la française (Pleymo, Wtacha, Lofofora,…) n'est pas réservé qu'à nos voisins de l'Hexagone. Big up !
Le premier album d'Elbow, " Asleep in the Back " (2001), avait laissé une impression fugace de disque agréable à l'écoute, sans plus. C'était du pop-rock un peu renfrogné, trop timide pour vraiment marquer son temps. Enfanté dans la douleur, ce " Cast of Thousands " prend une autre tournure : Elbow a mûri et ose davantage, aux niveaux chant, mélodies et lyrisme (leur marque de fabrique, à l'instar des Doves, leurs amis). Sur le morceau d'ouverture, " Ribcage ", Guy Garvey s'est par exemple accroché un micro à la gorge, qu'on n'entende plus (ou mal) le découpage des syllabes. Une technique qui donne au morceau une patine un peu glauque, comme si le chanteur était sur son lit de mort et ânonnait une dernière prière. Il y a d'ailleurs des chœurs (ceux du London Community Gospel Choir, déjà entendus chez Blur) qui l'accompagnent dans son oraison funèbre, comme si le paradis ouvrait ses portes et laissait entrevoir sa lumière. De cette musique des anges (" Fallen Angel ", plus enlevé), Elbow a retenu non pas la candeur, mais un certain fatalisme : c'est beau, mais pas folichon. Sur " Fugitive Model ", les violons donnent envie de pleurer plutôt que de rire. Puis " Snooks " nous rappelle que Radiohead reste une influence majeure d'Elbow : ces rythmes tribaux, ce cri déchirant… Sans doute que les cinq Mancuniens ont écouté et aimé " Kid A " et " Amnesiac ". Le milieu du disque recèle les plus belles perles : " Switching Off ", " Not A Job ", deux ballades aériennes d'une finesse de diamantaire, et surtout " I've Got Your Number ", longue complainte relâchée, entre notes bleues et riffs hendrixiens. Vers la fin, notre attention se dilue un peu, faute de refrains vraiment accrocheurs… Elbow se retire de la scène, en douceur, et nous laisse seuls avec nos rêves. Au loin, des anges passent, après un dernier tour de ronde (" Flying Dreams "). La nuit tombe, les enfants dorment. Chut.
Ce groupe français propose un rock incendiaire dans le style Noir Désir. Avec conviction, avec fierté. Toujours sur le fil du rasoir. Car quand on choisit résolument la voie poétique, on en fait vite de trop. Eiffel bascule parfois du mauvais côté, mais a certainement le mérite de se démarquer de ces milliers de nouveaux groupes qui se baladent facilement au gré des chansons légères, ironiques, humoristiques. Ici, on ne se contente pas de deux jeux de mots pour prétendre avoir atteint les sommets de l'écriture rock. Donc, même si on n'a pas tout aimé, même si le résultat global n'est finalement pas très original, on reste sur une impression positive. En particulier grâce au formidable "Il pleut des cordes, c'est à se pendre" qui ouvre l'album.
Mark Oliver Everett va mieux. Enfin, le sort semble un peu plus clément à son égard. Faut dire que dans le passé, il a payé un lourd tribut au destin. Destin qu'il répercutait à travers ses chansons. Des chansons autobiographiques qui lui servaient, en quelque sorte, de thérapie. Il lui reste, bien sûr, encore quelques séquelles. Et nous le rappelle à travers le meilleur fragment de cet opus, " Agony ", un rythm'n blues lancinant, réminiscent d'" I put a spell on you " de Screamin' Jay Hawkins ". Pas que le reste soit de mauvaise facture, mais en général, hormis le beatlenesque " Somebody loves you " et le très incisif " Saturday morning ", l'audace est rarement au rendez-vous. La voix rauque, éraillée, d'E est toujours aussi chargée d'émotion. Elle s'aventure même, sur l'un ou l'autre fragment dans le falsetto. Ses lyrics, tantôt ironiques, parfois drôles mais jamais joyeux, ont le pouvoir d'interpeller. Les mélodies, le plus souvent contagieuses, sont même susceptibles d'épouser un profil hymnique (" Wrong about boby "). La production de John Parish, musicien mieux connu pour son travail en compagnie de PJ harvey, irréprochable. Alors, où le bât blesse-t-il ? Nulle part ! Et c'est justement là le problème…
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